Proszenia

Bases y hoja de solicitud de la convocatoria disponibles AQUÍ

La Escuela de Música Andrés Isasi, en colaboración con el Aula de Cultura de Getxo, dentro del marco de Getxoarte, convoca la primera beca residencia “Proszenia”, dotada con 5.000 €.

El objeto de esta beca es visibilizar procesos y espacios de investigación no formal en torno a la práctica escénica contemporánea. Podrá ser objeto de esta beca cualquier aportación que arroje luz sobre las relaciones del cuerpo con los discursos mediante un proceso de trabajo vinculado a lo escénico.

El tema de estudio sobre el que versará el trabajo será cualquier investigación práctica que aporte información y/o reflexione sobre estos u otros elementos. Se precisará, como requisito, que los proyectos tomen como punto de partida una vinculación o colaboración con el municipio de Getxo y sus agentes o se concrete en acciones con éstos.

Con este programa se pretende:

  • Incentivar la investigación y producción artística
  • Contribuir a la promoción de los creadores locales
  • Facilitar la interacción de los creadores locales con otros artistas y profesionales del arte y la cultura.

La ejecución del proyecto de investigación seleccionado tendrá una duración de seis meses, entre el 1 de noviembre de 2018 y el 30 de abril de 2019. Deberá desarrollarse en la Romo Kultur Etxea (RKE) de forma ininterrumpida, salvo autorización.

Plazo de presentación de las solicitudes: del 3 al 21 de septiembre de 2018.

Las solicitudes deberán presentarse bien de forma telemática en www.getxo.eus, en el Registro General de la Escuela de Música “Andrés Isasi” (Las Mercedes 6) o en el del Aula de Cultura de Getxo (Villamonte A-8).

Podrán realizarse consultas relacionadas con este procedimiento en el siguiente email: 

 

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Jornadas de Estudio de la Imagen del CA2M

Del 18 al 20 de octubre en el CA2M

Comisariado de escuelita con David Bestué

Manuel Asín, Ángel Bados, David Bestué, Diego Delas, Rubén Grilo, Lucía Jalón, Mario Montalbetti, Julia Morandeira, Lucía C. Pino, y Manuel Segade.

¿Qué quiere decir mundanizar el mundo? Mundanizar, en infinitivo, alude a prácticas que entrelazan lo material y lo semiótico, en las que sujeto y entorno se funden en un tejido continuo. Es un nombre que tornamos verbo, para subrayar así que se trata de un proceso (ontológico) activo; que más que una figura de pensamiento, se trata de un modo incesante de producción encarnada. Pero además es también una propuesta que parte de nuestro gesto de traducir al castellano de manera un tanto bastarda un neologismo inglés (worlding), que invoca los gestos de un hacer familiar, modesto, mundano. Una invitación a imaginar formas posibles de tutear al mundo.

Frente a la desmaterialización salvaje de la imagen digital y sus consecuencias violentas que ocuparon la anterior edición, el espacio de trabajo de esta edición de las Jornadas de Estudio de la Imagen es la rematerialización del pensamiento visual: hoy la urgencia es la adscripción a aquellas prácticas que hacen mundo. Unas prácticas que recorren de manera promiscua el espectro disciplinario y redefinen lo visual en su desborde, entendiendo que todo encuentro implica conexión e intersección, y por ello, prestando especial cuidado a sus modos de articular el mundo. Donna Haraway lo resume así en Staying with the Trouble: “Importa qué materias usamos para pensar otras materias; importa qué cuentos contamos para contar otros cuentos; importa qué nudos anudan nudos, qué pensamientos piensan pensamientos, qué descripciones describen descripciones, qué ataduras atan ataduras. Importa qué historias hacen mundos, qué mundos hacen historias.”

Teniendo esto en cuenta, estas Jornadas pretenden inspirar nuevas formas de nombrar que son también formas de hacer: maneras de mundanar el mundo que ya están ocurriendo y para las que podemos reconstruir una tradición selectiva que las dibuje en una genealogía situada en el espacio contemporáneo de producción cultural en el Estado español. La tradicional imagen visual está hoy excedida, ya no por su signo, como en los 80, sino por la huida de la imagen en formas diversas del exceso encarnado barroco. Ese exceso semiótico y textual ha derivado en las últimas décadas en exceso de forma (como es palpable en la corriente arquitectónica deconstructiva, por ejemplo) que, a su vez, ha provocado que escritores, artistas o arquitectos hayan preferido interesarse en aspectos que re-conectan con lo menor y con la materia propia de cada hacer: el poeta Mario Montalbetti reclama la poesía como un contexto de resistencia contra lo visual, la escultora Lucía C. Pino reivindica el amplio abanico de connotaciones (físicas, simbólicas, políticas, narrativas y especulativas, por citar algunas) que aloja el uso específico de materiales, o la arquitecta Lucía Jalón, que busca imágenes arquitectónicas desde lo clandestino, lo cotidiano y el secreto.

En continuidad con estas posiciones, estos tres días serán un espacio de encuentro e intersección entre diversas formas de producción que contrarrestan la apabullante virtualidad y reproducción de imágenes actual. En su lugar, proponen pensar en sus articulaciones de presencia, en sus formas de ser y hacer mundo, para así devolverle un lenguaje, una carne y un lugar específicamente mundano.

Las JORNADAS DE ESTUDIO LA IMAGEN es un programa dedicado a la reflexión colectiva en torno a la teoría y la práctica de las culturas visuales. Se desarrolla durante tres días en una estructura de foro de debate, compuesta por un seminario, talleres y una convocatoria pública de proyectos. Esta edición se estructura a través de tres jornadas (Ver / decir mundo; Neobarroco, neobarroso, neoborroso; Hacer objeto) definidas temáticamente e interconectadas entre sí. En continuidad con la propuesta, los comisarios han diseñado un dispositivo a partir de obras de la colección del CA2M y elementos expositivos del centro, buscando que encarne y resuene con los debates que aloje. También, han editado una publicación online que recoge textos claves en relación a las cuestiones que el simposio aborda, con el fin de amplificarlas.

PROGRAMA DE CONFERENCIAS

JUEVES 18 OCTUBRE 17:00 – 20:30
Ver / decir mundo
Bien es sabido que el lenguaje, su uso y su producción, moldea nuestra percepción de la realidad. Indagar en las potencialidades de generar significados y articular sus significantes —su concreción, sus desfases, sus nudos— implica pues formas de hacer mundo. Esta primera jornada profundiza en las relaciones que teje el lenguaje, y más específicamente el lenguaje poético, con la visualidad y el arte contemporáneo, para explorar de qué modo nociones y estrategias que el lingüista o el poeta aplican pueden ponerse en práctica en el ámbito artístico.

17:00 Introducción a la XXV Edición de las Jornadas de Estudio de la Imagen por Julia Morandeira y Manuel Segade

17: 30 David Bestué
Dar sentido
En esta conferencia quiero indagar en las relaciones entre la materia y el lenguaje a través de trabajos propios y referencias a la obra de poetas, lingüistas, artistas y arquitectos. El punto de partida es la necesidad que tiene cada época por construir sentido y la dificultad en la actualidad de trabajar alrededor de lo simbólico, que ha perdido valor a favor de lo utilitario. Durante este proceso el lenguaje se ha vuelto demasiado pragmático e instrumental y la palabra ha perdido ambigüedad. En este contexto nace mi interés por trabajar y darle vueltas a la idea de lo material, por encima de la forma. La materia siempre se va moviendo: cuando la Historia ha marchado, cuando el uso original de un objeto ya no se conoce, queda la materia, es su anclaje con el presente. Me gusta esta cualidad porque significa un triunfo a favor de lo concreto y lo específico sobre lo abstracto en una época como la actual, donde hay un interés creciente hacia la virtualidad y se ha producido una degradación del concepto de realidad.

David Bestué, comisario de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Ha realizado las exposiciones Realismo, en La Capella (Barcelona, 2014), La España Moderna en García Galería (Madrid, 2015) y ROSI AMOR, en el Museo Reina Sofía (Madrid, 2017), entre otras. Ha publicado un libro sobre Enric Miralles (Enric Miralles a izquierda y derecha, 2010) y la Historia reciente de la arquitectura y ingeniería en España (Formalismo Puro, 2011 y Historia de la fuerza, 2017).

18:30 Mario Montalbetti
El límite del poema
Lo que quiero considerar en esta conferencia es el desfase radical entre decir y ver. Me voy a circunscribir al poema por razones que explicaré en la exposición. La idea principal es la siguiente: el límite del poema no es lo indecible, porque lo indecible es, después de todo, parte de lo decible. Constantemente decimos lo que no se puede decir, como si lo indecible fuese una especie de parásito demasiado pequeño como para observarse con el instrumental del lenguaje —pero que “está ahí”. El silencio tampoco es un límite porque el silencio también es un invento de lo que decimos; el silencio es siempre luego de haber dicho. La tesis será entonces que el límite del poema, el límite de lo decible, no es lo indecible sino lo visible en un sentido absoluto. Y esto es posible si asumimos la ceguera radical del poema.

Mario Montalbetti es Profesor Principal de Lingüística en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Su poesía reunida apareció bajo el título Lejos de mí decirles (Aldus, México 2013). Sus últimos libros son un ensayo sobre Blanca Varela, El más crudo invierno (FCE, Lima 2016) y el poemario Notas para un seminario sobre Foucault (FCE, Lima 2018).

19:30 Debate moderado por Manuel Asín
Manuel Asín es coordinador del área de cine del Círculo de Bellas Artes de Madrid y programador para MNCARS, CCCB, SEFF, etc. Ha publicado artículos en Trafic, Concreta o Caimán, donde es miembro del consejo de redacción. Autor, junto a José Antonio Escrig, de Desde Shakespeare (Calambur, 2017) y responsable de la editorial Intermedio (2010-2015). Es también parte del equipo docente de EQZE (Tabakalera, San Sebastián) y del Máster LAV (Madrid).

VIERNES 19 OCTUBRE 12:00 – 14:00 y de 17:00 – 20:30
Neobarroco, neobarroso, neoborroso

Esta segunda jornada aborda el exceso —material, formal, textual y de sentido— y sus reveses: contra-estrategias que buscan instituir una gramática de lo menor, o incluso de la ausencia. La jornada se inicia con un recorrido por la abundancia material de la vida urbana, visitando el centro municipal de gestión de residuos, y prosigue con una exploración por los bordes de la historia del arte y de la arquitectura; dos tradiciones que han producido formas de representación inflamadas (propias de una complejidad epocal, una inflación teórica o una dificultad del decir) que aquí se contrarrestan desde lugares ambiguos, como son el duelo o lo clandestino.

12:00 Visita al Parque Tecnológico de Valdemingómez

El centro de tratamiento Las Dehesas del Parque Tecnológico de Valdemingómez, proyectado por el estudio de arquitectos Ábalos y Herreros entre los años 1996 y 2000, es el lugar donde se seleccionan y procesan los residuos urbanos de Madrid. A través de esta visita queremos plantear cómo compostar una práctica artística y un futuro a partir de la destrucción, de la gestión, de la abundancia de los escombros materiales del presente.

La visita durará 2 horas, de 12:00 a 14:00. Dado que el complejo no es accesible por transporte público, se pondrá un bus a disposición de los participantes previa inscripción, que saldrá del CA2M a las 11:15.

17:00 Sesión crítica con Lucía Jalón
Aprender a navegar lo clandestino jugando a las tinieblas. Prueba y error hacia una nueva imagen arquitectónica
La presente propuesta forma parte de una investigación más amplia sobre arquitectónica menor. Con este término nos referimos a una producción espacial que emerge de la potencia de los cuerpos y al margen de los poderes, e implica un saber que no puede ser codificado y que, frente a la generalidad, reivindica la experimentación y lo circunstancial. La ponencia presentada se centra en la necesidad de un nuevo concepto de imagen arquitectónica, que escape de las trampas de la representación tradicional y el registro exacto, de la cuantificación y la medida, y permita pensar y operar sobre el espacio no de forma abstracta, sino situada e implicada. Recurrimos para ello a la definición de imagen dada por el filósofo Spinoza en su Ética, que nos permite atender a la dimensión corporal de la misma: “las afecciones del cuerpo humano cuyas ideas nos representan los cuerpos exteriores como si nos estuvieran presentes, aunque no reproduzcan las figuras de las cosas”. Es decir, aparece una imagen borrosa como mapa afectivo inscrito en el cuerpo, frente a la imagen nítida propuesta por la representación clásica. Para no quedarnos en una reflexión meramente teórica, exploraremos las posibilidades de esta idea desde tres situaciones específicas sobre el espacio clandestino. Un espacio en cuya producción está inscrita la necesidad de evitar la representación visible y la medida o registro según los parámetros objetivos que permite la tecnología contemporánea.

Lucía Jalón Oyarzun es arquitecta e investigadora. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), donde defendió su tesis doctoral “Excepción y cuerpo rebelde: lo político como generador de una arquitectónica menor” en 2017. En la actualidad es co-directora académica de la Escuela SUR de Artes y Profesiones Artísticas.

18:00 Manuel Segade
Después de la ceremonia vacía, después de tanta muerte
El Sur geopolítico aportó en los años 80 un pensamiento que defendía el neobarroco como una exuberancia del signo hablando de sí mismo, como una modalidad del exceso que amenazaba los órdenes simbólicos convencionales. Pensadores como el argentino Néstor Perlongher o el cubano Severo Sarduy, y artistas como Pepe Espaliú, escribieron a contrarreloj mientras la crisis del sida avanzaba a su alrededor. Si el arte contemporáneo es una tradición selectiva, el presente ha de inscribirse en una pauta genealógica para la que hay palabras que ya nos han sido legadas: un trabajo de duelo eminentemente barroco con el que volver a entender las prácticas artísticas como una epidemia incontenible, como un espacio de proliferación de los signos en los cuerpos, y viceversa.

Manuel Segade, director del CA2M y comisario de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Su investigación predoctoral se centró en la revisión de la teatralidad y las estructuras lingüísticas alegóricas en la escultura de los 80 a través de la obra de Juan Muñoz. Desde 1998 trabaja en fragmentos de una historia cultural de las prácticas estéticas de finales del s.XIX, en torno a la producción de una subjetividad somática y sexualizada (Narciso fin de siglo, Melusina, 2008). En sus últimos proyectos ofrece formas de acercamiento gestual al comisariado como otros modos de distribución discursiva.

19:00 Proyección de Blue de Derek Jarman (1993, 79’)
Blue es una película monocroma azul sobre el que se superponen una banda sonora y una series de voces que relatan las vivencias de un cuerpo arrasado por los estragos del SIDA. Completada tan sólo unos meses antes de su muerte, para Jarman esta película supone trabajar con la epidemia desde lo fílmico, algo que según él sólo había hecho como pintor hasta entonces. Parcialmente ciego como consecuencia de la enfermedad, cuenta que su visión era interrumpida momentáneamente por una luz azul, que aquí se convierte en pantalla. Blue es un profundo gesto contra-visual que, tras la exuberancia neobarroca que su filmografía despliega, materializa el vacío que el duelo establece.

20:00 Debate moderado por David Bestué y Julia Morandeira

SÁBADO 20 OCTUBRE 11:00 – 14.30
Hacer objeto
Esta última jornada se propone desde la práctica artística y desde un anhelo especulativo, para preguntarse de qué maneras la imagen se hace mundo a través del arte. De un tiempo a esta parte son muchos los artistas que ejercitan una práctica mundana y coloquial, que contrarresta la espectacularización a través de un hacer afectivo, subjetivo y crítico. Planteamos aquí una reflexión sobre el objeto y el hacer objeto, una conversación sobre y desde la escultura, entendida como presencia más que como imagen y que introduce herramientas discursivas ligadas al ámbito lingüístico y material.

11:00 Sesión crítica con Diego Delas
Una ensoñación demencial, una especulación sin fin
.
Propongo un entendimiento de la memoria como reconfiguración a tiempo presente de lo pasado y que referencia la metodología medieval de utilizar la representación del espacio como una herramienta mnemotécnica. La presentación tomará cualidades de la Demencia – como patrón de crecimiento (también disruptor) en el relato- para hilar nociones en torno a la práctica de estudio, la producción de objetos y ficción e imaginación. Las Historias aquí son transformadas en constelación pictórica de símbolos y sombras que aluden a diferentes caracteres, eventos y períodos. Un balbuceo que comienza como acaba y se repite, un manto agujereado como agujereado igualmente el saco que deja caer grano y sin quererlo siembra, un desliz que deviene en relato y por ende, imagen mental. Imaginar para rellenar un hueco, casi siempre, el que dejan las palabras, el que atesora el vientre: allí donde nacen las ideas oscuras, las corazonadas (pues para ciertos mercaderes medievales, el corazón de la ciudad, igual que el de una casa, o el de un hombre, se encontraba siempre en las tripas, las bodegas, las glorias que serpentean como oscura entraña bajo el suelo y conduce el dulce humo hacia los cielos, calentando casa, rostro y corazón de los que moran).

Diego Delas es artista, arquitecto e investigador. Estudió Arquitectura y Bellas Artes en Madrid y un Master en Arte en Royal College of Art de Londres. Actualmente es Doctorando en Ruskin School of Art de la Universidad de Oxford, donde escribe sobre ficción, demencia, arquitectura sin arquitectos, y creación artística becado por el Observatorio Radcliffe de Humanidades /AHRC

12:00 Conversación entre Ángel Bados, Lucía C. Pino y Rubén Grilo

Ángel Bados
(déjame que lo haga)

…… Quizá fuera suficiente con distinguir la cualidad fenoménica de los semblantes de lo digital, y que no en vano sostienen nuestra mirada, de aquellas otras imágenes que, afectándonos corporalmente, procuran engarzarnos simbólicamente con lo que resiste a ser dicho.
Pero la cosa no es fácil.
Aún sabiendo del poder fascinante de algunos semblantes, y siendo impensable una producción de arte que no lo fuera en base material ya que de ello depende el levantamiento activo de nuestras representaciones, el trabajo diario indica que lo material es más bien mudo y opaco, y fuera de significado. Y que atenta contra la estructura. Con lo cual, el cerramiento del sentido se torna altamente improbable, a no ser que admitamos que, junto al intento de buen decir, discurre parejo el anhelo de satisfacción. Y sería justo ahí, en el entramado del curso de la significación con el caudal del deseo –que “es sin objeto”– donde, tal vez, lo que está más allá del sentido pueda anudarse como efecto de creación y de poesía.

Ángel Bados ha expuesto individualmente en la Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, en 2013, y en Carreras Múgica, Bilbao, en 2017. Actualmente participa en la muestra colectiva el Otro soy yo, que se celebra en la sala Koldo Mitxelena de San Sebastián. En 2017 participa en las jornadas Pensar en arte. Lo educativo como síntoma, celebradas en el Centro Azkuna, de Bilbao. Y en junio de este año participó en L’occasione bajo el lema “Hecho con las manos”.

Lucía C. Pino
un ensamblaje no es un todo sin fisuras

1. un ensamblaje no es un todo sin fisuras
2. un ensamblaje no es sólo la suma de sus partes
3. los ensamblajes no pueden actualizarse
4. los ensamblajes fluctúan alrededor de atractores
5. los ensamblajes no se establecen firmemente sobre atractores
6. un ensamblaje puede ser una escultura
7. la críptica específica de la escultura es el ensayo de un enigma
8. un enigma puede contener deseo, deseo es esamblaje
9. un ensamblaje puede ser una relación
10. una escultura puede ser ensamblaje que puede ser prótesis, que puede ser un momento de suspensión que es un enigma

Uno de mis anhelos es evidenciar que, como humanos, asistimos, entre otros fenómenos, a una pérdida de sensibilidad comunicacional o de relación con la otredad por un exceso lingüístico textual y formal (también en tanto que construcción artificial, incluyendo los lenguajes de programación, imágenes –big data). Lo que intento aquí invocando la escultura es subrayar que la relación que se sugiere entre material, economía, política, deseo y teoría crítica no es una metáfora, analogía o ejemplificación. Esta praxis me ayuda a estudiar y ensayar escenarios posibles. Voy en una dirección que intuyo y que atraviesa campos de conocimiento que a veces me son remotos.

Escultura es para mí una actividad que puede entenderse como el lugar de una negociación concreta entre muchas variables que se da en un locus geométrico.

Lucía C. Pino ha expuesto entre otros en el CCCC de València, en el Espai 13 de la Fundació Miró, el ASM, Ana Mas Projects, Et-hall, Galería dels Angels, el Macba y Casa Asia en Barcelona; la Filmoteca Regional de Murcia Francisco Rabal, Pragda Big Screen Project, NY; en Larraskito (Bilbao); la Galeria Aulenti Triennale de Milan (Italia) y D/ART/ Sydney (Australia)

Rubén Grilo
Sin título

Una charla sobre Epic-free Sculpture, Makitart, Recibernética, Dearest GearBest, Strong Poetry, Soledad representational, Precomunicación, Prerango, RTFMtwice-ism, Pretrance, Infraoriginalidad, Neoexclusividad, Infrartesanía, Indoor Theory, Liberalismo Algorítmico, Proletariado refractario, Anarcocinismo, Violencia ecológica, Software-Driven Realism, Violencia reciclada, Reconocimiento blando, Managerial Figuration, Managerial Realism, Clase horizontal, Low-Fiction, Filtrismo, Seudoaceptación, Comonismo, Prop-Philosophy, Anarcoartesanía, Display desintencionado, Personal-tainment, Studiocore, Poesía competitiva, Gentrificación crítica, Visual-lepsy, Infrasujetos, Estandarización alegórica, Autoecología, Networked Nature, Algorithmic Leisure, Radical Gimmick, Alienación funcional, Postmodernismo climático, Mecanismo cínico, Cinismo mecánico, Alta originalidad, Time-based Conceptualism, Top-Part Art (TPA), Arte beige, Handmade-Core, Downloadable Wars, Alienación climática, Conceptual Unicity Conceptualism, Estandarización democrática, Infraexclusividad, Sensory Authorship, Laboro expresivo, Anticreatividad, Industrialismo multicultural, Estandarización narrativa, LAB TURN, Free Reality, Sustainable-Core, Multiecología, Poor Pop Art, Alter-Simulacra, Unidad emocional, Paradoxical-tainmnet, Parafiguración, Seudomaterialismo, Weak Unity, Silent Politics, Merge-Core, Poesía corporativa, Antimecanismos, Drone Empowerment, Para-authorship, Unicidad expresiva, etc.

Rubén Grilo se formó en la Universidad de Barcelona y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam. Ha expuesto en la Fundació Joan Miró (Barcelona), Nogueras Blanchard (Madrid), Hildesheim Kunstverein, V4ULT (Berlin), Union Pacific (Londres), CIRCA Projects (Newcastle upon Tyne), 1646 (La Haya), Supplement (Londres), Wilfried Lentz (Rotterdam) o MARCO (Vigo), entre otros.

13.30 Debate moderado por Julia Morandeira.
Julia Morandeira es investigadora y comisaria de las XXV Jornadas de Estudio de la Imagen. Co-dirige junto a Manuel Segade la escuelita del CA2M y es mediadora en el proyecto ConComitentes impulsado por la Fundación Daniel y Nina Carasso en España. Su práctica se articula en proyectos curatoriales de largo aliento como CanibaliaBe careful with each other, so we can be dangerous together; Nothing is true, everything is alive, y Estudios de la Noche.

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1 llamamiento a L/E/N/G/U/A/J/E/o 2

*Publicado en la web del Seminario Euraca

óigannos bien:
el comité editorial del extrarradio
del Seminario Euraca
lanza UN LLAMAMIENTO a
las filas euracas & sus panas
para
publicar & republicar escrituras
que se alimenten de lenguaje y poesía

/ / /

después de 1
L/E/N/G/U/A/J/E/o

queremos 2
queremos más

L/E/N/G/U/A/J/E/o
europe, where have you misplaced love?
europa, dónde has desterrado tu amor?

/ /

por eso declaramos abierto el período de recolección de textos, no importa si publicados o no, no importa forma o extensión.
importa que sean bacanes y que saluden al número anterior
en leal desobediencia a la partitura

lengua * crisis * forma

/
Los artículos sobre poesía, lengua, casos de lengua, lingüística, lenguajeo, artificio, construcción, poética, etc. se publicarán dentro de la sección LENGUA.

/ /
Los artículos sobre las zonas culturales de lo que nos han dicho que se llama crisis del capitalismo occidental dejan a la vista se publicarán dentro de la sección CRISIS

/ / /
En la sección de FORMA publicaremos algunos pocos textos con forma —no importa definición ni categoría— y siempre, por supuesto, respetando su forma/to.

Fecha límite de recepción de materiales: 1 DE OCTUBRE DE 2018

ANUDEN DECOLONICEN DESPOSEAN SUS LENGUAS
ESCRIBAN  A: lenguajeo@riseup.net

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Residencias de producción artística en Matadero Madrid

La presente convocatoria tiene como objeto final apoyar 6 proyectos de artistas plásticos y/o visuales de Madrid a través de una residencia que se desarrollará entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2019 para proyectos de investigación y producción artística que requieran la utilización de un espacio de trabajo sito en Matadero Madrid y versen sobre temáticas y/o investiguen estéticas contemporáneas. Se ofrecen espacios de trabajo, recursos económicos, apoyo y seguimiento por parte de nuestro equipo de trabajo y visibilidad.

Dichos proyectos deberán de hacer del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid su sede principal de trabajo, con los siguientes objetivos:

– Promover el desarrollo de los creadores plásticos y visuales de la ciudad de Madrid.

– Establecer un contexto de acompañamiento y formación para que el propósito de la residencia vea la luz en las mejores condiciones posibles.

– Establecer conexiones entre los distintos protagonistas de la escenaartísticadela ciudad, la institución y el público.

El plazo para la recepción de proyectos está abierto hasta el 28 de octubre de 2018 a las 24 h.

Los proyectos recibidos serán analizados por un jurado de profesionales independientes del sector artístico. El equipo de programación del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid también formará parte de dicho jurado, con voz pero sin voto.

> BASES COMPLETAS DE LA CONVOCATORIA

> FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN

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Convocatoria internacional para espectadores AUDIENCE18

El Master de Producción Artística y la Facultad de BBAA de la UPV presentan:

AUDIENCE18, la I convocatoria internacional para el espectador.

En el 1966 Allan Kaprow amenazó por escrito con eliminar el público, según él de esta forma ningún elemento se escaparía del hecho creativo, todo y todos serían participes. Pero… ¿Qué pasaría si todos fuéramos espectadores? Si suprimiéramos la acción creativa y aceptáramos la multiplicidad y simultaneidad de roles. Ésta convocatoria nace con el deseo de romper con la economía de recepción del hecho artístico. Juntos queremos activar lo que hasta el momento parece inimaginable, invitar al público a postular para la financiación de su propuesta como Mejor Espectador.

AUDIENCE18

– Espera recibir propuestas que planteen de forma honesta y divertida la figura de un espectador y una actividad concreta que a pesar de lo imposible que pueda parecer se pueda intentar llevar acabo con los €500 de premio.

– Busca ideas que aborden la pregunta: ¿qué pasaría si todos fuéramos espectadores? o que empiecen con la pregunta ¿qué pasaría si…?

– Los que presenten sus ideas a la convocatoria deben de tener el propósito de invertir €500 en su realización, aunque se queden a medio camino.

– No desestimes ninguna idea por absurda, rara, imposible o incorrecta que parezca mientras describa qué quieres ver y como quieres verlo. No te quedes corto.

Premio:

€500 para la realización de una propuesta que plantee la figura del mejor espectador. La persona o colectivo ganador/a debería de documentar-comentar la realización de su propuesta en un plazo de 6 meses desde el momento que se anuncia el/la premiado/a en la web de la convocatoria.

Participantes:

Toda persona física o colectivo, desde cualquier parte del mundo, mayor de 18 años podrá participar enviando todas las propuestas que desee.

Criterios y Deliberación:

El acto de deliberación de la primera convocatoria para espectadores será público. Para ello alumnos/as del Master oficial en Producción Artística van a elaborar los criterios de selección de forma paralela al seminario que impartirá Juan Martin Prada en la Facultad de BBAA de la Universidad Politécnica de Valencia. El día 28 de Septiembre de 2018, el jurado compuesto por alumnos/as del Máster concederá el premio en un acto de deliberación que será transmitido en directo a través de la página web de la convocatoria y donde cualquier persona que lo deseé tendrá la posibilidad intervenir.

Fechas importantes:

Apertura del plazo: 1 de Julio 2018

Cierre de la convocatoria: 24 de Septiembre 2018

Deliberación: 28 de Septiembre 2018

Realización del proyecto ganador: 6 meses desde el momento que se anuncie al ganador en la web de la convocatoria.

Organizan:

Audience18

Universidad Politécnica de Valencia

Facultad de Bellas Artes

Master oficial en Producción Artística

Para consultar las bases completas pincha aquí: 

https://audience.webs.upv.es/bases/audience18.pdf

Más información: https://audience.webs.upv.es/

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Ayudas Iberescena

Líneas de Ayuda 2018/2019

De acuerdo a lo aprobado por el Consejo Intergubernamental de Iberescena (en adelante CII) en la XXIV Reunión realizada en Cochabamba (Bolivia), desde el 17 de abril al 28 de septiembre de 2018 se realizará la convocatoria para las ayudas a proyectos que se concretarán en 2019.
Las líneas de ayuda mencionadas son:

  • Ayudas a la Coproducción de Espectáculos Iberoamericanos de Artes Escénicas
  • Ayudas a Festivales y Espacios Escénicos para la Programación de Espectáculos Iberoamericanos
  • Ayudas a Experiencias de Creación Escénica en Residencia

Digitalización de las solicitudes

Procedimiento

Las solicitudes deben presentarse a través de la plataforma digital de la web de Iberescena, completando debidamente los datos solicitados y adjuntando los archivos que se solicitan según sea el caso. Cada documento debe tener un máximo de MB, los que están debidamente señalados en cada uno de ellos. En caso de que el peso sea mayor al indicado, el documento no será admitido por el sistema.

El plazo de presentación es del 17 de abril al 28 de septiembre de 2018.

Para tener acceso a la plataforma es necesario registrarse y generar un usuario y contraseña. Con esa clave se podrá ingresar a las solicitudes generadas, e ir subiendo la información y documentación solicitada en las sesiones que sean necesarias, hasta que esté completa.

Las solicitudes incompletas o que no cumplan con lo que solicita la plataforma, no podrán concluir su proceso de registro definitivo.

El texto completo de la convocatoria está disponible en la web de Iberescena en Español y Portugués.

Una vez finalizado el proceso, se le asignará un número de registro a la solicitud, el que será remitido al correo electrónico informado en la misma.
La concesión de las ayudas se hará pública a través de la página web de Iberescena en diciembre de 2018, después de la reunión del CII a realizarse en la ciudad de Montevideo, Uruguay.
Las decisiones adoptadas por el CII sobre las ayudas financieras concedidas son inapelables.

Más información: http://www.iberescena.org/convocatorias/lineas-de-ayuda

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El Ayuntamiento del Prat convoca un concurso público para la dirección del teatro L’Artesà

convocatoria Lartesa

El año 2017 se iniciaron las obras de recuperación de este antiguo teatro que prevé reabrir las puertas la primavera de 2019. L’Artesà será un equipamiento vivo que ofrecerá actividades diversas: espacios de formación, de práctica, de creación y una programación estable, accesible y de calidad con unas condiciones técnicas inmejorables que permitirán acoger producciones de teatro, danza, circo y música.

L’Artesà convertirá también el nodo central y articulador del sistema de Artes en vivo , el nuevo programa descentralizado, en red y sostenible, que pone en funcionamiento el Ayuntamiento del Prat, con el objetivo de armonizar y conectar los equipamientos que trabajan en el ámbito de las artes escénicas y la música en la ciudad.

Tal y como recomiendan los códigos de buenas prácticas, el Ayuntamiento de El Prat ha abierto esta convocatoria pública para elegir la dirección encargada de reabrir y liderar este equipamiento. El concurso incluye 3 lotes: la dirección del teatro, la gestión de la oficina técnica y los servicios técnicos del espectáculo. Los contratos tendrán una duración máxima de 4 años.

Para tomar parte, las personas o empresas interesadas deben presentar un proyecto que se adecue a los objetivos fijados en el proyecto cultural y también a la misión y objetivos del sistema de Artes en Vivo.

El 13 de septiembre se convoca una sesión informativa pública para resolver dudas en la redacción de los proyectos y la documentación a presentar por parte de las personas y las empresas interesadas, dado que el plazo de presentación de propuestas estará abierto hasta el próximo 2 de octubre .

Más información: http://www.elprat.cat/actualitat/noticies/lajuntament-del-prat-convoca-un-concurs-public-la-direccio-del-teatre-lartesa

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TOKAS Residency. Open Call for the Residency Programs 2019 in Tokyo

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Tokyo Arts and Space (TOKAS) offers artist-in-residence programs for international and local creators working in various fields to stay, engage in creation and conduct research activities. We also provide creators with the opportunities to exchange creative ideas and to present the results of their residency at Open Studio, talks and other events. We are now calling for creators participating in three residency programs: “International Creator Residency Program,” “Local Creator Residency Program” and “Research Residency Program”.

We are pleased to announce that we resume the “Local Creator Residency Program” in 2019. We are calling for two local creators in Japan who will stay at TOKAS Residency from September to November, 2019 and engage in creative activities based on the theme: “Myth-understanding.” We also call for two participating creators in the “International Creator Residency Program” to work on the same theme during the same period from September through November, 2019. The four creators will have the opportunity to exchange ideas and have a dialogue based on the theme, while working independently on their own projects. The result of their residency will be presented at Open Studio and/or Result Presentation.

1) International Creator Residency Program 2019

 A) Individual Projects
Residency Period: 3 months in either of the following periods
① Beginning of May, 2019 – end of July, 2019
② Beginning of January, 2020 – end of March, 2020
Number of Creators: 4 in total (2 creators for each period)
Disciplines: Visual art, design, architecture, curation and administration
What TOKAS Residency offers:
Airfare, living expenses (per diem), fee for creative work/project
and board (single room)
Studio/workspace: Shared studio

 B) Theme Projects
  Based on the theme: “Myth-understanding”
Residency Period:
3 months from the beginning of September, 2019 to
the end of November, 2019
Number of Creators: 2
Disciplines: Visual art, design, architecture and curation
What TOKAS Residency offers:
Airfare, living expenses (per diem), fee for creative work/project
and board (single room)
Studio/workspace: Shared studio

2) Local Creator Residency Program 2019 

※ For local creators in Japan only
Based on the theme: “Myth-understanding”
Residency Period: 3 months from the beginning of September, 2019
to the end of November, 2019
Number of Creators: 2
Disciplines: Visual art, design, architecture and curation
What TOKAS Residency offers:
Living expenses (per diem), fee for creative work/project
and board (single room)
Studio/workspace: Shared studio

3) Research Residency Program 2019

Residency Period:
6 to 12 weeks within either of the following residency period
① From the beginning of May, 2019 to the end of July, 2019
② From the beginning of January, 2020 to the end of March, 2020
Number of Creators: 10 (tentative)
Disciplines:
Visual art, design, architecture, music, sound art, performing art and curation
What TOKAS Residency offers: Board (single room)
Studio/workspace: None

■Click to download
1) International Creator Residency Program 2019
 A) Individual Projects (May – July, 2019 or Jan. – Mar., 2020)
– Outline_ICR2019.pdf
– Application Package_ICR2019.zip

B) Theme Projects (Sept. – Nov., 2019)
– Outline_ICR2019E_Theme.pdf
– Application Package_ICR2019_Theme.zip

2) Local Creator Residency Program 2019
  - Outline_LCR2019.pdf ※Available only in Japanese 
– Application Package_LCR2019.zip

3) Research Residency Program 2019
  - Outline_RR2019E.pdf
  - Application Package_RR2019E.zip

*You may apply for more than two residency programs together.
(Please check “Eligibility” in each outline).
Please fill in each of application forms and send them together.

*For Japanese applicants >> go to our website in Japanese

■Application Deadline
Deadline for application (documents): July 5, 2018, 18:00 (JST)
Deadline for application (materials): July 12, 2018, 18:00 (JST)

■How to apply
Download the “Outline” and “Application Package” above and send all materials to TOKAS Residency.

■FAQ

Eligibility

Q1.I have participated in the Residency program before. Can I apply for these residency programs again?
A. You can. However, if you have participated in the International Creator Residency Program or Local Creator Residency Program before, you cannot apply for the same program again.

Residence Facilities

Q2.What sorts of facilities do you offer to the successful candidates?
A. Please read through Section “Residence Facilities” on the Application Outline.

Applying as a Duo

Q3. If we apply for these programs as a duo, can we get the financial supports for each?
A. No. Living expenses and fee for the creative work/project will be offered for one person. Airfare will be provided for both of the duo. (If either of the duo lives in Japan, TOKAS will provide the cost equivalent to the round trip travel expenses from the nearest station to his/her home to TOKAS Residency.)

Q4. Can we apply together in one single application since we are working as a duo?
A. Please fill in the Application Forms separately and send the forms together. However, please note that Section “Artist Statement, Purpose of your residency and Activity Plan”- 2) and 3) of the Application Form should be the same.

Q5. Do you accept the letters of recommendation provided as a duo? Should we submit 2 individual letters each?
A. We accept letters of recommendation provided for a duo.

Other questions

Q6.Is it possible to travel around Japan for my artwork and research, or am I restricted to remain in Tokyo?
A. Artists participating in the program are expected to focus on their new works during the residency period. If you need to stay outside our residency for your work or research, you have to consult in advance.

Q7.Do I have to fund myself for additional accommodation and travel expenses elsewhere in Japan, or is there any help?
A. We will not provide any financial support for additional accommodation and travel expenses elsewhere in Japan.

Q8.I applied for all of residency periods. Would it be possible to choose the period by myself if I were selected?
A. You are not able to choose a residency period. We will choose and make the decision.

Q9.Can I bring my family/ partner with me?
A. No. We offer accommodations only for the participating creators.

■Inquiries
contact_residency2018[at]tokyoartsandspace.jp
※Please change [at] to @.

*For inquiry which is not listed in FAQ part above, please contact us by e-mail by June 11, 2018. We will update FAQ on this website after June 18, 2018. Please note that in principle, we cannot answer each inquiry individually.

More infohttp://www.tokyoartsandspace.jp/english/application/2018/05/r0525.shtml

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Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales (CENIT)

El Centro TNT abre el plazo de inscripción para la X edición del Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales (CENIT) que tendrá lugar del 9 al 11 de noviembre de 2018. Las propuestas se podrán presentar hasta el día 17 de septiembre a las 15:00 horas. Todos los trabajos inscritos y que deseen formar parte de la selección deberán cumplir las bases publicadas en la web de TNT.

El CENIT es el único certamen de investigación escénica que se realiza en nuestro país y que, a pesar de la crisis, mantiene las mismas retribuciones para los 6 espectáculos que resulten finalistas y para el montaje premiado. Además, la propuesta escénica que se alce con el primer premio será programada en la Muestra Internacional de Teatro de Investigación (MITIN) del Centro TNT, en el que cada año se dan cita grandes nombres del teatro contemporáneo mundial, con un caché pactado. Se conceden, asimismo, otros dos galardones: mejor puesta en escena y mejor interpretación. Esta décima edición de CENIT coincidirá con el décimo aniversario del Centro Internacional de Investigación Teatral TNT.

Oblivion o cisnes que se reflejan como elefantes, Ganador IX CENIT

En cada convocatoria, el certamen crece tanto en la calidad y cantidad de participantes, como en el número de espectadores. En las ocho ediciones anteriores se recibieron propuestas desde todos los rincones del mundo: más de una veintena de países de Europa y América, y la totalidad de las autonomías españolas. En total, se han inscrito cerca de un millar de compañías de 25 países de Europa, ambas Américas y la totalidad de las autonomías españolas.

Los espectáculos premiados en las anteriores ediciones han sido: Concierto para la acumulación de Los Hedonistas (Madrid) en 2009; Decir lluvia y que llueva, de Kabia (Euskadi) y Antígona 18100-7 de Carmen Teatre (Valencia) en 2010; El cielo de los tristes, de Los Corderos (Barcelona) en 2011;  El mar dulce, de Espacio Espiral (Santander) en 2012;  Sekvantaro, de El pollo campero. Comidas para llevar  (Cataluña- Andalucía) en 2013;  Viaje a ninguna parte, de Catalina Carrasco&Gaspar Morey (Palma de Mallorca) en 2014, Altazor de Barcelona en 2015; Bombillas. No te veo de Barataria (Sevilla) en 2016 y Oblivion o cisnes que se reflejan como elefantes de Teatro Xtremo (Madrid) en 2017.

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Residencia Ob Skena en Centro Huarte

El Centro Huarte ofrece dos residencias para investigaciones teórico-prácticas de 6 a 8 semanas para unx artista o colectivo local (nacidx o residente en Navarra) y otrx artista o colectivo afincadx en territorio estatal.

Los proyectos deberán poner en relación lo escénico y/o lo corporal con los acontecimientos sociales y políticos de actualidad: feminismos, libertad de expresión, descolonización, prácticas colaborativas con la comunidad, acercamiento del arte a la población, políticas de afectos, repensar la economía, ecología, etc.

Ob Skena (fuera de escena) trata de acercar a la escena todo aquello que no se suele mostrar en un escenario, que se queda más allá del margen de lo visible. Al mismo tiempo se trata de que lo escénico se vea ampliado y acoja todo tipo de prácticas artísticas, de tal forma que se pueda pensar una propuesta escénica desde la instalación, el arte comunitario, o lo digital e interactivo, por ejemplo.

Se intentará que lxs artistas locales y no locales coincidan al menos durante una semana en el espacio de trabajo para que pueda surgir un intercambio de saberes y prácticas. También se buscará una fecha común para la presentación del trabajo al público.

La presentación final de la investigación deberá concebirse como un evento, y podrá realizarse usando múltiples formatos: una charla performativa, una coreografía, una propuesta de juego para lxs espectadores, una muestra y explicación de vídeos, un paseo con algunas directrices, etc, que refleje las ideas cuestionadas por lxs artistas haciéndolas accesibles a la audiencia.

A QUIÉN SE DIRIGE

A artistas de cualquier ámbito interesadxs en desarrollar un proceso de investigación basado en lo escénico.

QUÉ SE OFRECE

– 2.000€ (impuestos y retenciones incluidas) en concepto de honorarios, transporte, dietas y producción para cada residente o colectivo.

– Alojamiento para una persona no local (en el caso de los colectivos, los gastos extra de alojamiento se incluirán en la cantidad que se ofrece).

– Espacio de trabajo en el Centro Huarte, incluidos los recursos técnicos y tecnológicos existentes.

– Seguimiento y asesoramiento por parte del equipo del Centro.

FECHAS

Cierre de la convocatoria: 20 de julio

Comunicación de la selección: 31 de julio

Duración residencia: 6-8 semanas entre septiembre y noviembre a confirmar con el centro

CRITERIOS DE VALORACIÓN

– Calidad del proyecto

– Interés de la propuesta y la temática en relación con la propuesta de la convocatoria

– Que el proyecto sea factible en cuanto a recursos económicos y al calendario

DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

– Aproximación a la investigación teórico-práctica

– Desarrollo del proyecto

– Imágenes, bocetos, documentación complementaria

– Imágenes, vídeos, etc. de trabajo anterior

– Cronograma

– Presupuesto de gastos

  • Adjuntar la documentación requerida del proyecto en un único archivo PDF (nombre_apellido.pdf, máx. 5mb) en el formulario de inscripción.

Dossier residencia OB Skena

Ob Skena cartel kartela

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