— MuroTRON

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acción colectiva

Las Huecas

2 de diciembre a las 19h en el Teatre Kaddish

En quina mesura l’efemèride Olímpica de la ciutat de Barcelona té relació amb els projectes de futur i els discursos que, de petites – en ple boom de la societat del benestar- significaven les nostres vides? Quines relacions possibles hi ha entre el cos d’una nena nascuda l’any 92 i la instrumentalització de tota una ciutat? Quin aparell discursiu es posava en marxa a inicis dels 90 per part de les grans potències mundials i què hi té a veure COBI en tot això? Treballant a partir de la rememoració i buscant interseccions entre l’experiència pròpia, la ficció i el document, Projecte 92 és, possiblement, un espectacle sobre el desencís i el dolor d’una dècada que, no sense certa perversió, pretenia ser la més feliç possible.

Projecte sorgit de Croquis_bcn 2016.

>Aquí el artículo de Rubén Ramos sobre su paso por el Antic Teatre Barcelona

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9 y 16 de diciembre en el MACBA a las 23h

La segunda edición de Cabaret sigue inspirándose en el espíritu subalterno y subversivo de Joan Brossa, en su delicada ironía, el humor inteligente y la mágica capacidad de sorprender desde lo mínimo. Es un detonador para este espectáculo de variedades que rompe las barreras entre «alta» y «baja» cultura. La cultura de la noche, fértil, irreverente y anárquica, sirve para trastocar las jerarquías artísticas. Transformismo y estriptis, magia, música y poesía son algunos de los ingredientes con los que Cabaret explorará este maravilloso laberinto de identidades al que solo podemos acceder de verdad cuando se apaga la luz del día. Cada noche, una serie de invitados de distinta procedencia, guiados por un maestro de ceremonias, nos invitará a poner en suspenso algunos de los códigos de lo normativo. 

Pasen y sean. 

Participantes: Cris Blanco + Cor Amateurismes, Cristina Celada y Marc Vives, Rodrigo Cuevas, Dada Dj’s, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Jaume Ferrete, Víctor Guerrero, Cuqui Jerez, Brigitta Lamoure, Le Gateau Chocolat, Gilda Love, Úrsula Martínez, Peinetta, Alba Rihe y Itxaso Corral, Medusa Rise y Arantxa Martínez, Woolman Family y com a mestra de cerimònies La Terremoto de Alcorcón amb Merche Mar. 

Programa 

VIERNES 9 Y 16 DE NOVIEMBRE, a las 23 h
Lugar: Capella MACBA
Entrada: 15 € por sesión 

Viernes 9
Cris Blanco + Cor Amateurismes, Rodrigo Cuevas, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Jaume Ferrete, Brigitta Lamoure, Gilda Love, Úrsula Martínez, Medusa Rise y Arantxa Martínez, Woolman Family. 

Viernes 16 
Cris Blanco + Cor Amateurismes, Cristina Celada y Marc Vives, Dada Dj’s, Víctor Guerrero, Cuqui Jerez, Le Gateau Chocolat, Peinetta, Alba Rihe e Itxaso Corral, Woolman Family.

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Ella Poema surge como un proyecto de arte contemporáneo multidisciplinar  

que genera piezas de danza contemporáneafotografía y cortometrajes 

realizados con mujeres africanas creadoras en más de una docena de países,  

bajo la orquestación de la creadora española Aïda Colmenero Dïaz 

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  Un mapa poético de las mujeres creadoras del África de hoy 

 

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Jueves 4 de octubre 

a las 18h 

Centro Danza Canal 

Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid  

Muestra Ella Poema 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ellas: Nshoma Nkawe (Tanzania) y Estelle Foli (Togo) 

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Viernes 2 & Sábado 3 de noviembre 

a las 20h 

Teatro Sala Mirador 

Calle del Dr. Fourquet, 31, 28012 Madrid 

  

Trayectoria del polvo VII  Ella Poema-Tanzania 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Nshoma Nkawe  

Inspirado en un poema de Rosario Castellanos (México) 

Teaser cortometraje: cortometraje lifetime dust 

Teaser pieza: /vimeo.com/212558990 

Qué importa el abismo  Ella Poema-Togo 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Estelle Foli 

Inspirado en un poema de Isune de Goñi (España) 

Teaser corto: vimeo.com/239073526 

Teaser pieza: vimeo.com/211082542

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© Almudena Ávalos

Quorum, de Rui Horta

21, 22 y 23 de septiembre a las 20.30h en Naves Matadero

A través de una convocatoria pública, Horta pidió “personas que sepan cantar, bailar, recitar, tocar un instrumento o simplemente que tengan muchas ganas y vocación para estar en un escenario, aunque no tengan ninguna experiencia previa, para participar, voluntariamente, en un proyecto creativo con  una dinámica comunitaria muy fuerte”. Fueron seleccionadas 41. Cuarenta y un individuos que componen paisajes sonoros de voces y cuerpos en una pieza que es, en palabras de Rui, “un ejercicio de humanidad”. 

A Horta siempre le ha fascinado el sentimiento de comunidad que emerge de un grupo de personas que canta en conjunto, como un pulmón. “Me gustan los coros: personas que se encuentran para cantar fuera del trabajo. De ahí nacen mis ganas de hacer una obra sobre una comunidad que respete la diversidad. Hacerlo en Madrid le añade un desafío de inmersión en una cultura que siempre me ha apasionado. Busco una experiencia intensa porque no soy músico y me surgen muchas preguntas al respecto: ¿Qué es una pieza vocal? ¿Cómo voy a abordar esta obra? ¿Cuáles son los límites de una performance con voces y cuerpos “normales”? ¿Qué es lo “normal”? ¿Hasta dónde puede llegar un cuerpo o una voz sin formación? ¿Qué es lo auténtico y qué es algo diseñado o construido?¿Cómo expandir las fronteras de cada uno, sabiendo que el grupo es heterogéneo en términos de experiencia performativa, sin perder ese pulmón que respira al unísono? Entonces aparece otro trazo de unión: el cuerpo. Como dice el filósofo portugués José Gil: ‘el cuerpo es todo lo que tenemos’ ”, Rui Horta.

Hace un año, en la última pieza que Horta creó con una comunidad de personas, el crítico Afonso Becerra dijo de ella: “No hay poses, no se detecta falsedad ni en los movimientos ni en las actitudes ni en las expresiones. Me impresiona el sentido de verdad artística y de autenticidad que se percibe en el ambiente, sobre el escenario. Esa ausencia de pompa y de grandilocuencia, esa humanidad trascendida que se puede sentir cercana, esa sensación de piel, esa sensación de que la acción ocurre a flor de piel y, sin embargo, viene de lejos, de lo íntimo, de lo profundo, de lo divino”.

RUI HORTA

Rui Horta es un veterano salvaje cargado de futuro. Su trabajo como coreógrafo es considerado una referencia en la creación europea. Horta ha sido el impulsor de una nueva generación de bailarines y coreógrafos portugueses. En los años 90 dirigió la S.O.A.P. Dance Theatre de Frankfurt, que giró por los teatros más importantes del mundo. Y en el 2000 regresó a Portugal para fundar O Espaço do Tempo, un centro multidisciplinar de experimentación artística en un monasterio del s. XVI. En paralelo ha sido artista invitado para un amplio número de compañías de renombre como Ballet Gulbenkian, Grand Ballet de l’Opera de Génova, Ópera de Marsella, Netherlands Dance Theatre, Ópera de Gotemburgo, Icelandic Ballet, Scottish Dance Theatre, Random Dance, etc. Ha sido nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y tiene en su haber galardones internacionales como el gran premio de Rencontres Choréographiques Internationales de Bagnolet (Francia).

Su trabajo creativo se desborda de la coreografía y se extiende al teatro, la ópera, la música experimental, al diseño de luces y a la investigación multimedia, universo que utiliza frecuentemente en sus obras.

Ficha artística

Dirección artística, textos y diseño de luces: Rui Horta
Dirección musical: Guillermo Bautista
Texto adicional: Tiago Rodrigues 
Dirección técnica: Tiago Coelho
Intérpretes: Adrián Sepiurca Zukin, Nadal Bin, Alba Moreno, Álvaro Caboalles, Álvaro Manzano Olano, Ana Martín, Andrea Rus, Candela Caballero, Carlos Laguna Alonso, Carlos Indriago Ledesma, Carmen Colino, Claudio Gómez, Concha Contreras Iniesta, Corina Bustamante Márquez, Dan Cuadrado Martínez, Elias Miguez, Eugenio López Del Pino, Frances Ribes Renshaw, Gonzalo Figari Camino, Guille Pavón Gray, Jaime Cano, Jorge Padilla, Juan Antonio Rodríguez, Juan Bautista Alcalde, Juan Luis Peñaranda Acera, Laura Calero, Lucía Marceli, Natalia Katrina Serra Pineda, Nixón Martínez Salcedo, Olga Redondo, Pablo Velasco, Patricia Jorge, Paula Mendizábal Palacios, Roberto Bezos, Rosa García Camarillo, Chari Gutiérrez, Sandra Bermúdez, Sergio Salvador, Thalia Casher, Victoria Diéguez, Virginia Gallego

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CA2M

PICNIC SESSIONS. INTERNATURALTECNOWAVES
PROGRAMACIÓN DE LA TERRAZA
31 MAYO — 12 JULIO
TODOS LOS JUEVES 21:00
APERTURA PUERTAS 20:30

Acceso libre hasta completar aforo

Las Picnic Sessions cumplen 10 años y, como cada primavera, ocuparemos la terraza todos los jueves desde el 31 de mayo hasta el 12 de julio. Un espacio donde mezclar lo corporal y lo sonoro; donde encontrase, bailar, cantar y ver atardecer.

«A ver… INTERNATURALTECNOWAVES, que estamos todos interconectados por ondas tecno, ¿algo así? Hace referencia sí, a algo de lo electrónico pero más reciente. Pero también a esta interconexión que se genera entre todos los que nos congregamos en las Picnic. Que se conforman como comunidades itinerantes de sentido. Música electrónica sin instrumentos electrónicos me gusta también. Para mí estas Picnic tienen ese toque digital, sensible, pero no nostálgico, ¿no? Porque… Ah! Otra cosa que nos gustaba era esta idea de que si bien es trash-tecno, igual hay mucha luz en la programación en sí, se apuesta a eso. Tiene que haber algo medio hipnótico. Sí, sí, y color».

«¿Quieren que empecemos a grabar? Sí, ya estoy grabando. Mode on. Todo sucede así, en un desierto de internaturaltecnowaves, electrónico y reciente, donde todo lo que tiene sonidos negros tiene duende, repleto de destellos, magnetismos, aullidos metálicos, carreteras fluorescentes con canciones irreverentes, soft material machine, un collage tecno trash de potencia luminosa. Hipnótico, y sí, con mucho color o muchos colores. Muy Móstoles y muy sureño. Con un par de capuchas rosas en la cabeza y alguna marca en el cuerpo. Un pacto de permanencia en una foto polaroid. Una mezcla de cuerpos que vibran al son de sus cánticos y sudan hormonas entre tubos luminosos que alumbran una noche sin luna pero repleta de estrellas, bailando en la libertad de lo bien arraigado. “Entre flores primaverales, los búfalos negros se acuestan, entre pinos erguidos, las grullas blancas reposan. Con nuestras voces, el crepúsculo cae sobre la terraza”. ¿Vosotras os animáis a algo así?».


Comisarias: Aníbal Conde, Magdalena Leite y Magui Dávila. Programación diseñada junto con el departamento de Actividades Públicas del CA2M (Gisela Serrano y María Euguizabal).

PROGRAMACIÓN
 

31 MAYO JULIM ROSA /ÓSCAR BUENO Y ANTO RODRÍGUEZ/ LINN DA QUEBRADA
7 JUNIO CUADRO FLAMENCO CUIR
14 JUNIO RITA INDIANA/ GARAT – SKRYCKY – TURENNE
21 JUNIO ANABELLA PAREJA/ LARISSA VÉLEZ-JACKSON Y YACKEZ (LVJ)
28 JUNIO BABA/ JOÃO DOS SANTOS MARTINS & CYRIAQUE VILLEMAUX
5 JULIO PABLO ESBERT/ #VIVAS / DANI UMPI
12 JULIO BOLO BLAS/ NINOS DU BRASIL/ RIOBAMBA

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Miet Warlop | 9, 10 y 11 de febrero en Naves Matadero

Las obras de la artista belga Miet Warlop son lienzos vivos con brochazos de un humor silencioso. Su trabajo, considerado como un referente de la nueva vanguardia europea, se mueve entre las artes visuales, la performance y el teatro. Master en Multimedia Arts de KASK (Gante), por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild ganó el Premio del Jurado Franciscus Pycke y el Premio al Mejor Trabajo de Teatro Joven 2004. Desde entonces ha presentado sus obras alrededor del mundo rompiendo los moldes de todos los géneros.

Con Mystery Magnet (2012) fue seleccionada por la directora de teatro británica Katie Mitchell para el Stuckemarkt, parte del reconocido festival alemán de teatro Theatertreffen (Berliner Festspiele, Berlin) donde los jóvenes creadores escénicos se dan a conocer. Mitchell alabó el control sobre la teatralidad, el humor y la inconfundible firma visual de Warlop.

Mystery Magnet es un espectáculo absurdo y mágico, en constante transformación donde nada es lo que parece. Representa el surrealismo contemporáneo, un terreno experimental donde la ternura estrafalaria, la crueldad desensibilizada, las promesas brillantes y una destrucción imparable comparten espacio común.

Como espectador uno se mete dentro de la mente de Warlop, ¿y qué ve? Seres peludos, un coro de maniquíes, dardos gravitatorios, globos, mujeres caballo, personas que salen disparadas y un tiburón hinchable. Figuras aparentemente desconectadas y esculturas que reclaman su espacio como criaturas teatrales. Mystery Magnet representa un mundo hechizado donde el humor nace de la tristeza y la magia de lo prosaico”, dice Warlop. Un universo inspirado en el cómic y en la acción pictórica para desarrollar una lucha incesante de materiales, formas y colores. El resultado es una sucesión de escenas que se hilvanan sin lógica aparente y que buscan sorprender al espectador llevándolo, junto a los actores, a los límites de lo imaginable.

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3, 4 (12 y 17h) y 5 (12h) de enero en La Casa Encendida

Sweet puede ser traducido como dulce, agradable, bonito, suave y cariñoso; pero en este trabajo esos significados son llevados a otra dimensión, ya que en esta producción vemos cosas que no son lo que parecen.

En un paisaje de dulces y atractivos caramelos, dos personajes nos muestran de una manera muy efectiva y con humor e ironía qué pasa si somos excesivos. En Sweet las piruletas vuelan, el azúcar llueve, las cabezas están hechas de brazaletes comestibles y la suciedad es un suelo romántico de excesos y colores. La fantasía se sugiere y destruye de forma cíclica y las imágenes construidas ni mucho menos son siempre suaves, bonitas y agradables.

Producida por Het Lab (Utrech, desde 2009 Sweet ha sido presentada en diversos festivales por Europa con una gran acogida de público y prensa.

  • Idea, concepto y coreografia: Aitana Cordero (Pieza original hecha en 2009 con la participación de Sara manante y Jorge Dutor).
  • Performers: Aitana Cordero y Quim Bigas.
  • Escenografía: Aitana Cordero (idea original con la participación de Jorge Dutor).

Aitana Cordero (Madrid, 1979) es coreógrafa, performer y pedagoga. Graduada en 2006 en la School for New Dance Development (SNDO) de Ámsterdam, en cuya universidad realizó el máster en Coreografía y nuevas tecnologías “Dance Unlimited” de la Escuela Superior para las Artes Escénicas.

Edad recomendada: a partir de 7 años.

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De las 23.00 h del viernes 27 a las 6.00 h del sábado 28 de octubre en La Casa Encendida

Natten es el vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche. La noche es el único momento en que el hombre puede mostrarse verdaderamente tal cual es, escapar de la tiranía del tiempo y entregarse a una oscuridad que no pretende representar la muerte, sino la vida.

En una performance de casi siete horas de duración – los espectadores pueden entrar y salir cuando deseen–, Spångberg nos presenta su particular danza macabra. Un viaje a lo más profundo de la noche, hacia una eternidad abstracta y hacia una profundidad insondable. Allí el público puede mirar, soñar, dormir… Pero también ha de enfrentarse a sus propios monstruos. Nattenpretende conjugar danza, espanto, oscuridad, horror y aquello que nos es profundamente desconocido en una manera que sea de todo menos aterradora. O al menos no en el sentido clásico. Una reflexión sobre la noche, pero también sobre la parte de ella que más nos ilumina.

Mårten Spångberg es uno de los más celebrados enfant terrible de la danza –en algunos de sus montajes anima a los espectadores a dejar sus teléfonos encendidos y usarlos sin pudor–, además de todo un experto a la hora de hermanar pop y danza contemporánea. Es un artista particularmente activo en el campo de la investigación coreográfica, que ha abordado a través de prácticas experimentales y procesos creativos en una multiplicidad de formatos y expresiones. Sin embargo, en Natten explora una vía más íntima e intensa que en sus trabajos más mediáticos. Deja de lado su habitual actitud crítica hacia el neoliberalismo para sumergir al espectador en un experimento sobre la nada que roza lo metafísico, tanto en el sentido griego como en el más contemporáneo. En palabras del propio Spångberg, “quiero que el público tenga una sensación de miedo, pero no de algo sino de la falta de algo”.

Ficha artística

  • Creación: Tamara Alegre, Simon Asencio, Linda Blomqvist, Louise Dahl, Emma Daniel, Hana Lee Erdman, Adriano Wilfert Jensen, Mårten Spångberg, Else Tunemyr, Marika Troili y Alexandra Tveit.
  • Interpretación: Tamara Alegre, Mårten Spångberg, Liza Baiasnaja, Sidney Barnes, Marika Troili, Else Tunemyr, Emma Daniel y Alexandra Tweit.
  • Agradecimiento especial a: Liza Penkova, que facilitó el material dancístico central de Natten.

Natten se ha desarrollado en estrecha colaboración con: un grupo de estudiantes de P.A.R.T.S. Nuestro tiempo juntos fue extraordinario. Muchas gracias a Liza Baliasnaja, Nikita Chumakov, Sien Van Dycke, Akiyoshi Nita, Eileen Van Os, Laura Maria Poletti, Kamola Rashidova y Adriano Vicente.

Agradecimientos: Mette Edvardsen, Linda Blomqvist, Silvia Fanti, Silvia Bottiroli, Tove Dahlblom, María Jerez, Alejandra Pombo, Christophe Slagmuylder, Jon Resdal Moe, Danjel Andersson, Ben Woodard y Christian Töpfner.

Estreno absoluto: Kunstenfestivaldesarts, Les Brigittines.

En colaboración con: Kunstenfestivaldesarts, Xing (Bolonia), Black Box Teater (Oslo), Santarcangelo Festival y MDT Estocolmo.

La creación de pieza ha sido posible gracias a: PAF St. Erme.

Con el apoyo del: Comité de Becas de las Artes Sueco, el Consejo Sueco de las Artes y la Ciudad de Estocolmo.

Con la colaboración y el apoyo del Festival de Otoño.

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EQUIPO PALOMAR. Propaganda Queer

Del 26 de junio al 1 de julio de 2017

Inauguración: lunes 26 de junio a las 19h

Homesession: C/ Creu dels Molers, 15. Barcelona

Propaganda Queer plantea hacer uso de la apropiación de determinadas herramientas y estrategias de difusión normalmente encarnadas por campañas políticas y publicitarias para difundir y expresar determinadas demandas, contradicciones, luchas y pulsiones que se dan en la teoría y práctica queer o de género. Propaganda Queer se activará el día 22 de junio a las 10h en la Plaza de la Bella Dorita, frente al Molino del Paralelo, y durante toda la jornada El Equipo Palomar llevará a cabo una serie de intervenciones callejeras en el barrio del Poble Sec de Barcelona. Estas activaciones serán fruto de la puesta en común de ideas y materiales gráficos generados a lo largo de dos talleres que se realizarán en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y en el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Paralelamente, se busca conformar a lo largo de este proceso un pequeño archivo digital que recopile los diversos materiales enviados por diferentes personas afines a la temática. La intención es editar estos materiales, así como los que surjan en los talleres, para generar fanzines, volantes, carteles, pegatinas, pancartas, performances, etc. El resultado de las intervenciones (registros, fanzines, material gráfico, material audiovisual) será expuesto el lunes 26 de junio a las 19h en Homesession. También se facilitará la descarga digital del archivo. Para esta ocasión Equipo Palomar ha colaborado codo con codo en la coordinación y elaboración del proyecto con lx artista Belo C. Atance.

Equipo Palomar, integrado por Mariokissme y R. Marcos Mota, es un proyecto artístico enfocado a la investigación, recuperación y producción de una posible memoria transmaricabollo. El Palomar es un contexto de trabajo, un posicionamiento político y un replanteamiento institucional. Sus artífices son artistas, programadoras y comisarias que generan discursos críticos. Este laboratorio de base queer marca sus propios ritmos, combinando identidades múltiples para modificar las formas de trabajar con el arte desde el afecto. Algunos de sus últimos trabajos son No es homosexual simplemente el homófilo sino el cegado por el falo perdido (La Capella, 2016), Hedonismo Crítico (Fundació Joan Miró, 2016) y Fonsarmari i figura per Ismael Smith (Museu Nacional/Sala d’Art Jove, 2015. Sus proyectos también se han podido ver en espacios como Es Baluard (2017), Centro Párraga (2016), SOS 4.8 (2014), Biblioteca MNCARS (2016) o Galería Àngels Barcelona (2015). Equipo Palomar ha sido ganador del Concurs d’Arts Visuals Premi Miquel Casablancas 2017. http://el-palomar.tumblr.com/ VISITAS Del martes 27 de junio al sábado 1 de julio visita con cita previa enviando e-mail a: danilo@homesession.org.

Homesession es uno de los espacios independientes y no comerciales claves de la escena barcelonesa. Creado en 2007 aprovechando el salón de la casa particular de los iniciadores del proyecto, Homesession propone dos programas principales: una residencia (Residency, Exchange Residency) y unas becas de producción (Invited). Hoy en día, los ejes del proyecto se han incrementado con la inclusión del programa Polaritats con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcleona. En su local, inaugurado en abril del 2012 al barrio de Poble Sec, Homesession articula así un espacio de proyectos y un espacio de residencia para artistas internacionales.

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08 de abril 2017, 20.30 h.
09 de abril 2017, 20.30 h.
Lugar: Nave 10. Sala Max Aub
Precio: 8€

Los dramaturgos Ana Borralho João Galante realizan esta obra con 100 habitantes de Madrid esbozando un paisaje de personas con diferentes profesiones reclamando su posición en la sociedad.
Ana Borralho y João Galante, directores artísticos del Festival de Artes Performativas Verão Azul y comisarios del Festival de Música Electrónica Electrolegos en Portugal, unieron sus caminos en los años noventa como actores y co-creadores del conocido grupo de teatro portugués Olho. Desde 2002 han elaborado un rico y amplio mapa artístico que engloba la creación de piezas de danza, performance art, fotografía, arte sonoro y videoarte.

Los temas latentes en su filosofía son las relaciones entre cuerpo/mente, fuera/dentro, emoción/sentimiento, yo/otros, privado/público, lo social/lo político, género/ambigüedad sexual, el imaginario erótico y el autorretrato. Esto ha podido trascender al espectador gracias a su muestra en festivales internacionales de Alemania, Bélgica, Brasil, Escocia, Emiratos Árabes Unidos, Francia, Finlandia, Inglaterra, Italia, Japón, República Checa o Suiza.

Atlas Madrid convierte el teatro en un espacio político con 100 habitantes de Madrid. Con ellos se esboza un paisaje de personas con diferentes profesiones reclamando su posición en la sociedad, individual y colectivamente, cohesionando un tejido social.

En la mitología griega, Atlas fue condenado por Zeus a soportar el cielo sobre sus hombros. En este trabajo, Ana Borralho y João Galante, pretenden construir un atlas de la organización social, una representación de los seres humanos a través de su papel en la sociedad en la que están insertos, un silencioso grito al alma dormida.

Esta obra comprometida está basada en la canción infantil portuguesa que juega con la enumeración: “Si un elefante molesta a muchas personas, dos elefantes molestan mucho más; si dos elefantes molestan a muchas personas, tres elefantes molestan mucho más…”.

“Uno de los motores de esta pieza son las ideas del artista plástico Joseph Beuys: ‘La revolución somos nosotros’ y ‘Cada hombre, un artista’. Una revolución tranquila. Una obra motivada por la creencia de que el arte debería desempeñar un papel activo en la sociedad. Uniendo el arte y la vida”, explican Borralho y Galante.

Este trabajo que se crea con los 100 participantes en un laboratorio previo de seis días de duración, ha sido representado con éxito en 35 ciudades como Helsinki, Río de Janeiro, Budapest, Milán, Reykjavík o Lisboa.

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