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acción colectiva

Del 13 al 15 de diciembre en Teatro Ensalle

Sergi Fäustino, Terrorismo de autor, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández y Artús Rei.

La cuarta y última de las intervenciones que la compañía Ensalle realizará en el proceso de creación de lo que será la pieza “Antes de que llegue la bestia” que será estrenada aproximadamente en Febrero de 2020.
Se plantea como un trabajo frente al pensamiento único. Frente a un único punto de vista. Un primer acercamiento a la voz de las palabras, al cuerpo de las ideas, a la mirada del otro, al lenguaje del otro. Un posicionamiento, a su política. Una fiesta en suma.
La primera intervención fue en Junio de 2019 con el “Canchal VI. Terrorismo”, la primera colaboración con Terrorismo de Autor y en la que ya participaba Antoine Forgeron. En Septiembre dimos continuidad a este mismo Canchal pero creada desde cero y con resultados completamente diferentes. Esta segunda versión del “Canchal VI” se presentó en Valencia en Teatro de lo Inestable.
La tercera intervención es el “Canchal VII. Sergi” del 11 al 13 de Octubre de 2019, ya de regreso en casa, en Ensalle.
Este “Canchal VIII. Sergi, Antoine y Terrorismo” será el último encuentro de creación previo al estreno de “Antes de que llegue la bestia” y reunirá a todos los creadores de los anteriores canchales.
Será presentado dentro del XIV Festival Catropezas ’19 y tendrá un formato similar a los Seis Cordas que acostumbran cerrar este festival.

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IVAM, 9 de noviembre, 18:00.
Gratuito hasta completar aforo.

Radicantes pretende consolidar un espacio de investigación, experimentación y reflexión en torno al cuerpo, un campo semántico abierto en el que la acción y el movimiento adquieren todo protagonismo. Un dispositivo diseñado para compartir el acto creativo en vivo.

La sesión del 9 de noviembre está consagrada a la temática Homo ludens. Con ello pretendemos explorar las dimensiones de la esfera lúdica del ser humano y su capacidad para conformar subjetividades y experiencias.

“Sin cierto desarrollo de una actitud lúdica, ninguna cultura es posible”
Johan Huizinga

Un proyecto de Rocío Pérez, Tatiana Clavel y Mireia Ferrer Álvarez.

Participantes: Idoia Zabaleta, Macarena Recuerda, Amalia Fernández.

Idoia Zabaleta. Coreógrafa. En la Facultad de Biología se especializó en ecosistemas y dinámica de poblaciones. Estudia nueva danza e improvisación en los años noventa. Trabaja con la compañía Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 crea su propio trabajo colaborando con otras artistas e investigadoras como Isabel de Naverán, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini, Ixiar Rozas, Sofia Asencio entre otras.  Su trabajo ha podido verse en festivales y encuentros de ámbito internacional. Desde 2008, construye y gobierna junto con Juan González, el espacio de creación y residencias artísticas AZALA, situado en el mismo pueblo donde vive.

Macarena Recuerda Shepherd. Me formo en artes escénicas y audiovisuales.  Aunque estoy licenciada por el Institut del Teatre, lo que realmente me interesa son los proyectos participativos que tienen como objetivo crear nuevas formas de encuentro con el arte.  Desde el año 2012 mi investigación gira en torno al rol del espectador. Invento nuevos espacios para jugar, crear y pensar en compañía.   He realizado los siguientes proyectos:  2011 That’s the story of my life. Película en directo.  2012 Greenwich Art Show. Documental en directo.  2013 Whose are those eyes? Site specific.  2015 Experimento Ganzfeld. Experiencia

Amalia Fernández. Vivo y trabajo en Madrid desde hace casi 30 años. Me formé inicialmente en danza clásica, y luego en danza contemporanea con distintas coreógrafas (Ana Buitrago, Olga Mesa, Monica Valenciano etc). Mi trayectoria profesional ha ido de la interpretación (como miembro de la Cia. “El Bailadero-Mónica Valenciano”, durante 10 años) a la creación independiente a partir del 2005. En esta fase,  he creado piezas en solitario (Matrioshka, Kratimosha, En Construcción 1 y 2,El resistente y delicado hilo musical, Expografía y la recien estrenada Monstruos Musicales etc) y en colaboración (Shichimi Togarashi con Juan Domínguez, perrita china con Nilo Gallego etc). También he participado en procesos de otros artistas (Cuqui Jerez, Odd Enginears, Sonia Gómez, Oscar Bueno etc) como intérprete, coach, coreógrafa, colaboradora puntual…

Otra parte importante de mi trabajo está relacionado con la docencia en diversos contextos académicos y extraacadémicos, con el apoyo de instituciones públicas o privadas, y tanto para profesionales de las artes escénicas como para personas aficionadas. En este sentido, uno de los proyectos más bonitos, ha sido «ser o no ser un cuerpo», en colaboración con Santiago Alba Rico, y con el apoyo intermitente con el MPECV y el Museo Reina Sofía.

Canto en un coro desde el 2004, lo cual ha influido mucho en mis piezas de los últimos años.

También soy profesora de yoga Iyengar, y esta relación desde hace 24 años con el yoga, ha contaminado mi visión de las prácticas artísticas y su metodología de transmisión.

Me interesan mucho los procesos colectivos de estudio y creación.

Más información: https://www.ivam.es/es/actividades/radicantes-danza-y-otras-especies-noviembre-2019/

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Las Huecas

2 de diciembre a las 19h en el Teatre Kaddish

En quina mesura l’efemèride Olímpica de la ciutat de Barcelona té relació amb els projectes de futur i els discursos que, de petites – en ple boom de la societat del benestar- significaven les nostres vides? Quines relacions possibles hi ha entre el cos d’una nena nascuda l’any 92 i la instrumentalització de tota una ciutat? Quin aparell discursiu es posava en marxa a inicis dels 90 per part de les grans potències mundials i què hi té a veure COBI en tot això? Treballant a partir de la rememoració i buscant interseccions entre l’experiència pròpia, la ficció i el document, Projecte 92 és, possiblement, un espectacle sobre el desencís i el dolor d’una dècada que, no sense certa perversió, pretenia ser la més feliç possible.

Projecte sorgit de Croquis_bcn 2016.

>Aquí el artículo de Rubén Ramos sobre su paso por el Antic Teatre Barcelona

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9 y 16 de diciembre en el MACBA a las 23h

La segunda edición de Cabaret sigue inspirándose en el espíritu subalterno y subversivo de Joan Brossa, en su delicada ironía, el humor inteligente y la mágica capacidad de sorprender desde lo mínimo. Es un detonador para este espectáculo de variedades que rompe las barreras entre «alta» y «baja» cultura. La cultura de la noche, fértil, irreverente y anárquica, sirve para trastocar las jerarquías artísticas. Transformismo y estriptis, magia, música y poesía son algunos de los ingredientes con los que Cabaret explorará este maravilloso laberinto de identidades al que solo podemos acceder de verdad cuando se apaga la luz del día. Cada noche, una serie de invitados de distinta procedencia, guiados por un maestro de ceremonias, nos invitará a poner en suspenso algunos de los códigos de lo normativo. 

Pasen y sean. 

Participantes: Cris Blanco + Cor Amateurismes, Cristina Celada y Marc Vives, Rodrigo Cuevas, Dada Dj’s, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Jaume Ferrete, Víctor Guerrero, Cuqui Jerez, Brigitta Lamoure, Le Gateau Chocolat, Gilda Love, Úrsula Martínez, Peinetta, Alba Rihe y Itxaso Corral, Medusa Rise y Arantxa Martínez, Woolman Family y com a mestra de cerimònies La Terremoto de Alcorcón amb Merche Mar. 

Programa 

VIERNES 9 Y 16 DE NOVIEMBRE, a las 23 h
Lugar: Capella MACBA
Entrada: 15 € por sesión 

Viernes 9
Cris Blanco + Cor Amateurismes, Rodrigo Cuevas, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Jaume Ferrete, Brigitta Lamoure, Gilda Love, Úrsula Martínez, Medusa Rise y Arantxa Martínez, Woolman Family. 

Viernes 16 
Cris Blanco + Cor Amateurismes, Cristina Celada y Marc Vives, Dada Dj’s, Víctor Guerrero, Cuqui Jerez, Le Gateau Chocolat, Peinetta, Alba Rihe e Itxaso Corral, Woolman Family.

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Ella Poema surge como un proyecto de arte contemporáneo multidisciplinar  

que genera piezas de danza contemporáneafotografía y cortometrajes 

realizados con mujeres africanas creadoras en más de una docena de países,  

bajo la orquestación de la creadora española Aïda Colmenero Dïaz 

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  Un mapa poético de las mujeres creadoras del África de hoy 

 

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Jueves 4 de octubre 

a las 18h 

Centro Danza Canal 

Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid  

Muestra Ella Poema 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ellas: Nshoma Nkawe (Tanzania) y Estelle Foli (Togo) 

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Viernes 2 & Sábado 3 de noviembre 

a las 20h 

Teatro Sala Mirador 

Calle del Dr. Fourquet, 31, 28012 Madrid 

  

Trayectoria del polvo VII  Ella Poema-Tanzania 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Nshoma Nkawe  

Inspirado en un poema de Rosario Castellanos (México) 

Teaser cortometraje: cortometraje lifetime dust 

Teaser pieza: /vimeo.com/212558990 

Qué importa el abismo  Ella Poema-Togo 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Estelle Foli 

Inspirado en un poema de Isune de Goñi (España) 

Teaser corto: vimeo.com/239073526 

Teaser pieza: vimeo.com/211082542

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© Almudena Ávalos

Quorum, de Rui Horta

21, 22 y 23 de septiembre a las 20.30h en Naves Matadero

A través de una convocatoria pública, Horta pidió “personas que sepan cantar, bailar, recitar, tocar un instrumento o simplemente que tengan muchas ganas y vocación para estar en un escenario, aunque no tengan ninguna experiencia previa, para participar, voluntariamente, en un proyecto creativo con  una dinámica comunitaria muy fuerte”. Fueron seleccionadas 41. Cuarenta y un individuos que componen paisajes sonoros de voces y cuerpos en una pieza que es, en palabras de Rui, “un ejercicio de humanidad”. 

A Horta siempre le ha fascinado el sentimiento de comunidad que emerge de un grupo de personas que canta en conjunto, como un pulmón. “Me gustan los coros: personas que se encuentran para cantar fuera del trabajo. De ahí nacen mis ganas de hacer una obra sobre una comunidad que respete la diversidad. Hacerlo en Madrid le añade un desafío de inmersión en una cultura que siempre me ha apasionado. Busco una experiencia intensa porque no soy músico y me surgen muchas preguntas al respecto: ¿Qué es una pieza vocal? ¿Cómo voy a abordar esta obra? ¿Cuáles son los límites de una performance con voces y cuerpos “normales”? ¿Qué es lo “normal”? ¿Hasta dónde puede llegar un cuerpo o una voz sin formación? ¿Qué es lo auténtico y qué es algo diseñado o construido?¿Cómo expandir las fronteras de cada uno, sabiendo que el grupo es heterogéneo en términos de experiencia performativa, sin perder ese pulmón que respira al unísono? Entonces aparece otro trazo de unión: el cuerpo. Como dice el filósofo portugués José Gil: ‘el cuerpo es todo lo que tenemos’ ”, Rui Horta.

Hace un año, en la última pieza que Horta creó con una comunidad de personas, el crítico Afonso Becerra dijo de ella: “No hay poses, no se detecta falsedad ni en los movimientos ni en las actitudes ni en las expresiones. Me impresiona el sentido de verdad artística y de autenticidad que se percibe en el ambiente, sobre el escenario. Esa ausencia de pompa y de grandilocuencia, esa humanidad trascendida que se puede sentir cercana, esa sensación de piel, esa sensación de que la acción ocurre a flor de piel y, sin embargo, viene de lejos, de lo íntimo, de lo profundo, de lo divino”.

RUI HORTA

Rui Horta es un veterano salvaje cargado de futuro. Su trabajo como coreógrafo es considerado una referencia en la creación europea. Horta ha sido el impulsor de una nueva generación de bailarines y coreógrafos portugueses. En los años 90 dirigió la S.O.A.P. Dance Theatre de Frankfurt, que giró por los teatros más importantes del mundo. Y en el 2000 regresó a Portugal para fundar O Espaço do Tempo, un centro multidisciplinar de experimentación artística en un monasterio del s. XVI. En paralelo ha sido artista invitado para un amplio número de compañías de renombre como Ballet Gulbenkian, Grand Ballet de l’Opera de Génova, Ópera de Marsella, Netherlands Dance Theatre, Ópera de Gotemburgo, Icelandic Ballet, Scottish Dance Theatre, Random Dance, etc. Ha sido nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y tiene en su haber galardones internacionales como el gran premio de Rencontres Choréographiques Internationales de Bagnolet (Francia).

Su trabajo creativo se desborda de la coreografía y se extiende al teatro, la ópera, la música experimental, al diseño de luces y a la investigación multimedia, universo que utiliza frecuentemente en sus obras.

Ficha artística

Dirección artística, textos y diseño de luces: Rui Horta
Dirección musical: Guillermo Bautista
Texto adicional: Tiago Rodrigues 
Dirección técnica: Tiago Coelho
Intérpretes: Adrián Sepiurca Zukin, Nadal Bin, Alba Moreno, Álvaro Caboalles, Álvaro Manzano Olano, Ana Martín, Andrea Rus, Candela Caballero, Carlos Laguna Alonso, Carlos Indriago Ledesma, Carmen Colino, Claudio Gómez, Concha Contreras Iniesta, Corina Bustamante Márquez, Dan Cuadrado Martínez, Elias Miguez, Eugenio López Del Pino, Frances Ribes Renshaw, Gonzalo Figari Camino, Guille Pavón Gray, Jaime Cano, Jorge Padilla, Juan Antonio Rodríguez, Juan Bautista Alcalde, Juan Luis Peñaranda Acera, Laura Calero, Lucía Marceli, Natalia Katrina Serra Pineda, Nixón Martínez Salcedo, Olga Redondo, Pablo Velasco, Patricia Jorge, Paula Mendizábal Palacios, Roberto Bezos, Rosa García Camarillo, Chari Gutiérrez, Sandra Bermúdez, Sergio Salvador, Thalia Casher, Victoria Diéguez, Virginia Gallego

>Más información y entradas

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CA2M

PICNIC SESSIONS. INTERNATURALTECNOWAVES
PROGRAMACIÓN DE LA TERRAZA
31 MAYO — 12 JULIO
TODOS LOS JUEVES 21:00
APERTURA PUERTAS 20:30

Acceso libre hasta completar aforo

Las Picnic Sessions cumplen 10 años y, como cada primavera, ocuparemos la terraza todos los jueves desde el 31 de mayo hasta el 12 de julio. Un espacio donde mezclar lo corporal y lo sonoro; donde encontrase, bailar, cantar y ver atardecer.

«A ver… INTERNATURALTECNOWAVES, que estamos todos interconectados por ondas tecno, ¿algo así? Hace referencia sí, a algo de lo electrónico pero más reciente. Pero también a esta interconexión que se genera entre todos los que nos congregamos en las Picnic. Que se conforman como comunidades itinerantes de sentido. Música electrónica sin instrumentos electrónicos me gusta también. Para mí estas Picnic tienen ese toque digital, sensible, pero no nostálgico, ¿no? Porque… Ah! Otra cosa que nos gustaba era esta idea de que si bien es trash-tecno, igual hay mucha luz en la programación en sí, se apuesta a eso. Tiene que haber algo medio hipnótico. Sí, sí, y color».

«¿Quieren que empecemos a grabar? Sí, ya estoy grabando. Mode on. Todo sucede así, en un desierto de internaturaltecnowaves, electrónico y reciente, donde todo lo que tiene sonidos negros tiene duende, repleto de destellos, magnetismos, aullidos metálicos, carreteras fluorescentes con canciones irreverentes, soft material machine, un collage tecno trash de potencia luminosa. Hipnótico, y sí, con mucho color o muchos colores. Muy Móstoles y muy sureño. Con un par de capuchas rosas en la cabeza y alguna marca en el cuerpo. Un pacto de permanencia en una foto polaroid. Una mezcla de cuerpos que vibran al son de sus cánticos y sudan hormonas entre tubos luminosos que alumbran una noche sin luna pero repleta de estrellas, bailando en la libertad de lo bien arraigado. “Entre flores primaverales, los búfalos negros se acuestan, entre pinos erguidos, las grullas blancas reposan. Con nuestras voces, el crepúsculo cae sobre la terraza”. ¿Vosotras os animáis a algo así?».


Comisarias: Aníbal Conde, Magdalena Leite y Magui Dávila. Programación diseñada junto con el departamento de Actividades Públicas del CA2M (Gisela Serrano y María Euguizabal).

PROGRAMACIÓN
 

31 MAYO JULIM ROSA /ÓSCAR BUENO Y ANTO RODRÍGUEZ/ LINN DA QUEBRADA
7 JUNIO CUADRO FLAMENCO CUIR
14 JUNIO RITA INDIANA/ GARAT – SKRYCKY – TURENNE
21 JUNIO ANABELLA PAREJA/ LARISSA VÉLEZ-JACKSON Y YACKEZ (LVJ)
28 JUNIO BABA/ JOÃO DOS SANTOS MARTINS & CYRIAQUE VILLEMAUX
5 JULIO PABLO ESBERT/ #VIVAS / DANI UMPI
12 JULIO BOLO BLAS/ NINOS DU BRASIL/ RIOBAMBA

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Miet Warlop | 9, 10 y 11 de febrero en Naves Matadero

Las obras de la artista belga Miet Warlop son lienzos vivos con brochazos de un humor silencioso. Su trabajo, considerado como un referente de la nueva vanguardia europea, se mueve entre las artes visuales, la performance y el teatro. Master en Multimedia Arts de KASK (Gante), por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild ganó el Premio del Jurado Franciscus Pycke y el Premio al Mejor Trabajo de Teatro Joven 2004. Desde entonces ha presentado sus obras alrededor del mundo rompiendo los moldes de todos los géneros.

Con Mystery Magnet (2012) fue seleccionada por la directora de teatro británica Katie Mitchell para el Stuckemarkt, parte del reconocido festival alemán de teatro Theatertreffen (Berliner Festspiele, Berlin) donde los jóvenes creadores escénicos se dan a conocer. Mitchell alabó el control sobre la teatralidad, el humor y la inconfundible firma visual de Warlop.

Mystery Magnet es un espectáculo absurdo y mágico, en constante transformación donde nada es lo que parece. Representa el surrealismo contemporáneo, un terreno experimental donde la ternura estrafalaria, la crueldad desensibilizada, las promesas brillantes y una destrucción imparable comparten espacio común.

Como espectador uno se mete dentro de la mente de Warlop, ¿y qué ve? Seres peludos, un coro de maniquíes, dardos gravitatorios, globos, mujeres caballo, personas que salen disparadas y un tiburón hinchable. Figuras aparentemente desconectadas y esculturas que reclaman su espacio como criaturas teatrales. Mystery Magnet representa un mundo hechizado donde el humor nace de la tristeza y la magia de lo prosaico”, dice Warlop. Un universo inspirado en el cómic y en la acción pictórica para desarrollar una lucha incesante de materiales, formas y colores. El resultado es una sucesión de escenas que se hilvanan sin lógica aparente y que buscan sorprender al espectador llevándolo, junto a los actores, a los límites de lo imaginable.

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3, 4 (12 y 17h) y 5 (12h) de enero en La Casa Encendida

Sweet puede ser traducido como dulce, agradable, bonito, suave y cariñoso; pero en este trabajo esos significados son llevados a otra dimensión, ya que en esta producción vemos cosas que no son lo que parecen.

En un paisaje de dulces y atractivos caramelos, dos personajes nos muestran de una manera muy efectiva y con humor e ironía qué pasa si somos excesivos. En Sweet las piruletas vuelan, el azúcar llueve, las cabezas están hechas de brazaletes comestibles y la suciedad es un suelo romántico de excesos y colores. La fantasía se sugiere y destruye de forma cíclica y las imágenes construidas ni mucho menos son siempre suaves, bonitas y agradables.

Producida por Het Lab (Utrech, desde 2009 Sweet ha sido presentada en diversos festivales por Europa con una gran acogida de público y prensa.

  • Idea, concepto y coreografia: Aitana Cordero (Pieza original hecha en 2009 con la participación de Sara manante y Jorge Dutor).
  • Performers: Aitana Cordero y Quim Bigas.
  • Escenografía: Aitana Cordero (idea original con la participación de Jorge Dutor).

Aitana Cordero (Madrid, 1979) es coreógrafa, performer y pedagoga. Graduada en 2006 en la School for New Dance Development (SNDO) de Ámsterdam, en cuya universidad realizó el máster en Coreografía y nuevas tecnologías “Dance Unlimited” de la Escuela Superior para las Artes Escénicas.

Edad recomendada: a partir de 7 años.

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De las 23.00 h del viernes 27 a las 6.00 h del sábado 28 de octubre en La Casa Encendida

Natten es el vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche. La noche es el único momento en que el hombre puede mostrarse verdaderamente tal cual es, escapar de la tiranía del tiempo y entregarse a una oscuridad que no pretende representar la muerte, sino la vida.

En una performance de casi siete horas de duración – los espectadores pueden entrar y salir cuando deseen–, Spångberg nos presenta su particular danza macabra. Un viaje a lo más profundo de la noche, hacia una eternidad abstracta y hacia una profundidad insondable. Allí el público puede mirar, soñar, dormir… Pero también ha de enfrentarse a sus propios monstruos. Nattenpretende conjugar danza, espanto, oscuridad, horror y aquello que nos es profundamente desconocido en una manera que sea de todo menos aterradora. O al menos no en el sentido clásico. Una reflexión sobre la noche, pero también sobre la parte de ella que más nos ilumina.

Mårten Spångberg es uno de los más celebrados enfant terrible de la danza –en algunos de sus montajes anima a los espectadores a dejar sus teléfonos encendidos y usarlos sin pudor–, además de todo un experto a la hora de hermanar pop y danza contemporánea. Es un artista particularmente activo en el campo de la investigación coreográfica, que ha abordado a través de prácticas experimentales y procesos creativos en una multiplicidad de formatos y expresiones. Sin embargo, en Natten explora una vía más íntima e intensa que en sus trabajos más mediáticos. Deja de lado su habitual actitud crítica hacia el neoliberalismo para sumergir al espectador en un experimento sobre la nada que roza lo metafísico, tanto en el sentido griego como en el más contemporáneo. En palabras del propio Spångberg, “quiero que el público tenga una sensación de miedo, pero no de algo sino de la falta de algo”.

Ficha artística

  • Creación: Tamara Alegre, Simon Asencio, Linda Blomqvist, Louise Dahl, Emma Daniel, Hana Lee Erdman, Adriano Wilfert Jensen, Mårten Spångberg, Else Tunemyr, Marika Troili y Alexandra Tveit.
  • Interpretación: Tamara Alegre, Mårten Spångberg, Liza Baiasnaja, Sidney Barnes, Marika Troili, Else Tunemyr, Emma Daniel y Alexandra Tweit.
  • Agradecimiento especial a: Liza Penkova, que facilitó el material dancístico central de Natten.

Natten se ha desarrollado en estrecha colaboración con: un grupo de estudiantes de P.A.R.T.S. Nuestro tiempo juntos fue extraordinario. Muchas gracias a Liza Baliasnaja, Nikita Chumakov, Sien Van Dycke, Akiyoshi Nita, Eileen Van Os, Laura Maria Poletti, Kamola Rashidova y Adriano Vicente.

Agradecimientos: Mette Edvardsen, Linda Blomqvist, Silvia Fanti, Silvia Bottiroli, Tove Dahlblom, María Jerez, Alejandra Pombo, Christophe Slagmuylder, Jon Resdal Moe, Danjel Andersson, Ben Woodard y Christian Töpfner.

Estreno absoluto: Kunstenfestivaldesarts, Les Brigittines.

En colaboración con: Kunstenfestivaldesarts, Xing (Bolonia), Black Box Teater (Oslo), Santarcangelo Festival y MDT Estocolmo.

La creación de pieza ha sido posible gracias a: PAF St. Erme.

Con el apoyo del: Comité de Becas de las Artes Sueco, el Consejo Sueco de las Artes y la Ciudad de Estocolmo.

Con la colaboración y el apoyo del Festival de Otoño.

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