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Actividades paralelas

Del 23 al 25 de enero entre el CA2M y La Casa Encendida

Acento es un festival vinculado a Artistas en residencia, la convocatoria compartida por La Casa Encendida y el CA2M cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el cuerpo desde lo performativo. 

Durante tres jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2018 y se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2019. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible. 

Los artistas seleccionados en 2018 fueron: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca; Esther Rodríguez-Barbero; David Benito, Irene Cantero y Víctor Colmenero; Javier Marquerie Thomas; Oihana Altube y Javier Vaquero; Twins Experiment y Aniara Rodado y Óscar Martín. Además, Agua de borrajas, junto con las residentes de Acento, han producido una publicación que se unirá al final de los tres días de la muestra. Cada parte se presentará con su pieza y juntas conformarán Manual de instrucciones que quiere proponer probar el cuerpo de las acciones en casa.

Agua de borrajas es un proyecto editorial que parte del Departamento de Educación de CA2M junto con la imprenta Roma.

_Programación_

_23 de enero

>Guided Tour” de Esther Rodríguez Barbero.

>Notación y transmisión del movimiento de una Ruda” de Aniara Rodado.

>”Extraoceanic” de Javier Marquerie Thomas.

24 enero

>Rojo pandereta” de Oihana Altube y Javier Vaquero Bueno.

25 de enero_

>everlasting softness” de Twins Experiment.

 

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Saliva, Dos de Maig 196 (Barcelona)

Viernes 30 de noviembre, 8-11pm

CAT 

Benvinguts al segon event de Saliva. Aquest cop hi haurà un sopar i lectures organitzades per Gianmaria Andreetta i Angharad Williams. El sopar serà vegan-friendly.  

Després del sopar i les lectures tindrem un set de Sara V.Mallo.  

veniu! 

CAST 

Hola! ya tenemos aquí el segundo evento de Saliva. Esta vez nos acompañaran los artistas Gianmaria Andreetta y Angharad Williams, que presentaran diferentes lecturas y textos junto a una cena especial. También tendremos a la increíble Sara V.Mallo para que nos ponga unos buenos beats mientras hacemos la digestión.  

Venid! 

ENG 

The second Transnational Translation is finally here! Gianmaria Andreetta and Angharad Williams will read and present some text work and cook vegan-friendly dinner. Sara V. Mallo will play some beats to make us move around the table.  

come!

>Saliva web

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27 de junio en La Casa Encendida

Exotourisme es una banda sonora retro-futurista para replicantes transitorios y renegados nocturnos.

Tomando como referencia la película Blade Runner, Dominique Gonzalez-Foerster recurre a la new wave francesa de Lizzy Mercier Descloux y Serge Gainsbourg para producir un sonido seductor inspirado por las luces de neón, que evoca al underground de los años ochenta en París.

La práctica artística de Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, Francia, 1965) transita entre el cine, la literatura, la arquitectura, la filosofía y la teoría crítica. Utiliza la performance y las proyecciones holográficas en su obra para relacionar personajes de la historia, la literatura y el cine con sus fuentes sociológicas. Gonzalez-Foerster ha presentado exposiciones individuales en Centre Pompidou (2002 y 2015); Kunsthalle Zürich (2004); Musée d’art Moderne de la Ville de Paris (2007); Tate Modern (2008); Dia Art Foundation (2009); Guggenheim Museum (2011) y el Palacio de Cristal, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2014).

  • Canciones escritas e interpretadas por Dominique Gonzalez-Foerster.

  • Música compuesta por Dominique Gonzalez-Foerster y Perez.

  • Música producida y mezclada por Perez.

> Más info y entradas

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19 de mayo dentro de la ‘Nit dels Museus’ . Duración: 25 min. A las 19.30h – 21.30 – 23.30h

Acción performática a cargo de miembros de la compañía Vértebro dentro del espacio expositivo vinculada a la exposición “Máquinas de vivir”, y alrededor del flamenco y la arquitectura, la ocupación y el desarrollo urbanístico en el espacio.

“En esta ocasión, Vértebro propone un acercamiento al universo archivístico de Pedro G. Romero, a través de la elaboración de una serie de ideas comunes que co-habitan espacios relacionados con la marginalidad, el duende o la arquitectura moderna. Adorno es un espacio de reflexión a partir de la exposición ‘Máquinas de vivir’, y parte de la noción de lo que es accesorio y lo que no, para subvertir la naturaleza de lo austero y repensar la idea de ocupación. Frente al cúmulo y cruce de informaciones que puede suponer un ambiente expositivo, Adorno propone un ejercicio síntesis a través de una estructura coreográfica y sensible que abraza conceptos como funcionalidad, organización o ingeniería.”

Más información: http://granerbcn.cat/adorno/

 

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Jueves 14 GALA DE PRESENTACIÓN DEL SÂLMON< 18 a las 20h en el Mercat de les Flors.

Con Bárbara Sánchez, yJaime Conde como maestros de ceremonias y las intervenciones de Cris Blanco, Sara Fontán, Novios y la Flor de Alcorcón.

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Foto: Pep Herrero

Until I am no longer able to stand és un projecte d’Anna Dot, que proposa convertir l’Espai Cub, de La Capella (Barcelona), en l’escenari per a la construcció d’un discurs filibusterista que tindrà lloc l’últim dia d’exposició del projecte. Aquest serà pronunciat amb l’objectiu d’endarrerir tant com es pugui l’hora pactada per al tancament de portes de La Capella. Durant els dies d’exposició, l’Espai Cub s’anirà preparant per esdevenir un espai que faciliti l’elaboració del discurs final, i s’hi faran assajos oberts previs a l’últim dia. El procés de treball passa, doncs, per l’apropiació de les normes del joc filibusterista per intentar tancar les portes de La Capella més tard del que estava previst. Es farà una reflexió al voltant d’aquesta pràctica i s’exposaran una sèrie de relacions amb altres conceptes i referències diverses, com ara alguns discursos filibusteristes pronunciats al llarg de la història, la literatura i la manera de fer de Michel de Montaigne, la deriva, l’art de callar d’Abbe Dionouart, l’horror vacui i els blind text, entre altres.

Les sessions obertes d’assaig i de construcció del Discurs Final tenen lloc el dies 5, 12 i 19 de juliol i 2, 9, 16, 23 i 30 d’agost, a partir de les 15h.

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Foto: Pep Herrero

Until I am no longer able to stand es pot visitar del 22 de juny al 6 de setembre a La Capella (C/Hospital 56, Barcelona), en els següents horaris:

De dimarts a dissabte: de 12h a 20h.

Diumenges i festius d’11h a 14h.

Dilluns tancat.

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MACBA, JUEVES 7, 14, 21, 28 DE JULIO DE 2016, 19 h

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PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo es una exposición que ofrece un recorrido por la influencia del punk en el arte actual y se hace eco de su importante presencia como actitud y como referente entre muchos creadores. Está constituida por instalaciones, rastros documentales múltiples, fotografías, vídeos y pintura, por lo que no es de extrañar que algunas de las piezas desborden las salas de exposición y ocupen un programa tan versátil como MACBA SE VIVE, que en este caso traslada las referencias de una actitud a diferentes localizaciones y formatos en el museo.

Programa

Jueves 7 de julio, 19 h
Félix Pérez-Hita. Un arte reprimido

Lugar: Auditorio Meier
Parece que el mundo del arte actual tolera mejor la autocrítica que otros mundos profesionales. Es más, quizá nunca como hoy la producción artística había puesto tan a menudo en cuestión uno u otro aspecto de las instituciones que la sostienen: museo, ferias, crítica, publicidad, lujo, gusto oficial, etc. El museo ha sabido defenderse integrando esas críticas a su discurso y comprando para sus colecciones algunas obras incómodas. Félix Pérez-Hita, realizador y crítico cultural, propone una charla sobre las modernas formas de censura y represión en las democracias del bienestar y sobre ciertos asuntos todavía censurados. Se hablará, entre otras cosas, de algunos precedentes del punk, de la subterránea relación del MACBA con esa corriente cultural, de la visita de Raymond Pettibon al museo en 2002, etc. Pérez-Hita ilustrará su charla con vídeos propios y ajenos… y alguna sorpresa.
Más información: http://felixph.blogspot.com.es/

Jueves 14 de julio, 19 h
Antoni Hervàs y Corte Moderno representan Negociudad

Lugar: Atrio del museo
Antoni Hervàs y Corte Moderno trascienden la concepción tradicional del artista o la de un grupo de música, respectivamente. En su proyecto Hércules en la Luna, Antoni Hervàs ya contó con el grupo PELEA!, que tenía entre sus integrantes a Xabel Ferreiro e Ignacio Estrada-Nora, quienes en la actualidad forman Corte Moderno junto con Jordi G.G. No es de extrañar que la colaboración a la inversa surja de manera natural, y que en el caso de Negociudad sean Corte Moderno quienes recurran a Antoni Hervàs. El artista ha transformado Negociudad en un pop-up desplegable que ilustra el disco con el mismo título editado por Terranova. Negociudad es un álbum conceptual en la tradición de la ópera rock, y narra el éxodo masivo de las clases rurales hacia la gran ciudad, en lo que es a la vez una revisitación del germen del pensamiento marxista y una descripción distópica de la hipertrofia urbana actual. El reto será en este caso que el MACBA se convierta en el propio desplegable del disco.
Más información: http://antonihervas.com/ y http://cortemoderno.com/

Jueves 21 de julio, 19 h
Proyección del documental Tito, the Phantom Monk (2015)
Presentación a cargo de su director, Dani Montlleó

Lugar: Auditorio Meier
Tito, the Phantom Monk es la aproximación por parte de Dani Montlleó al trabajo y la trayectoria vital del artista Tito Díaz (Barcelona, 1958). El director desenmaraña la trayectoria de Tito, un autor heterodoxo y extremo que pasará de personaje público a artista amagado y desaparecido. Siguiendo la estela de Ghost Dog de Jim Jarmusch, Tito Díaz se disuelve y se convierte en un fantasma detrás de su propia obra, constituida por toneladas y bloques de cabello, huesos de cabra, caballo, vaca que se convierten en sonido, pintura, piedra y calacas.
Al interés de Dani Montlleó por el arte se le añadirá su interés por el cabello a comienzos de los ochenta, a raíz de tres descubrimientos: en primer lugar, el triángulo Beatles/Stu Sutcliffe/Astrid Kirchherr, triángulo perfecto que incluía música, arte y moda. Por otra parte –y también en la órbita Beatles– saber de la fantasía secreta de Ringo Starr, que deseaba tener una peluquería para poder pasearse entre señoras sirviendo cafés. En segundo lugar, el descubrimiento del poema «Quiero una vida en forma de espina» de Boris Vian, y en especial el verso «Quiero una vida en forma de peluquero salvaje». Y finalmente, descubrir y conocer la figura de Tito Díaz, un tipo de artista casi inexistente hoy en día.
Más información: http://www.danimontlleo.com/

Jueves 28 de julio, 19 h
Maria Pratts y Ulldeter

Lugar: Atrio del museo
La colaboración entre Maria Pratts y Ulldeter se inicia con Atalaia, un proyecto estrictamente musical de Aleix Clavera, miembro de Extraperlo y bajista habitual de El Guincho, que comenzó a grabar una colección de canciones bajo el seudónimo Ulldeter en el año 2009. Una vez completadas las ocho pistas que componen Atalaia, Clavera decidió, junto a la artista plástica Maria Pratts, ir más allá y convertirlo en un diálogo multidisciplinar, en el que cada canción adoptaría la forma de instalación escultórica. En este caso, retoman el hilo de Atalaia para proponer nuevos retos que nos presentarán en primicia.
Más información: https://ulldeter.bandcamp.com/

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Job Ramos
Si Can Palauet fos pla
I els homes van començar a pensar que podien controlar formes vives de la mateixa manera que podien controlar els objectes

Partint de les condicions de l’espai expositiu de Can Palauet, Job Ramos treballa analitzant la distància entre les coses. Aquesta “distància entre les coses” és un terme ambigu i pot referir-se a múltiples ítems diferents.

I precisament d’aquesta possibilitat difusa és d’on parteix aquesta proposta: mesurant la distància en mil·límetres entre on està una determinada superfície, respecte on aquesta hauria de ser.

Sales d’exposicions de Can Palauet
10.06.2016 | 10.07.2016
Horari:
De dimarts a diumenge de 6 a 9 del vespre;
Tancat els dilluns

Activitat a l’entorn de l’exposició:
06.07.16 | 19 h
L’arquitectura passejada
Conversa a peu dret per les sales de Can Palauet de la mà dels seus arquitectes, Montserrat de Torres i Isidre Molsosa, i de l’artista Job Ramos.
Entrada lliure

www.jobramos.net

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¿Por qué mirar? Tres ensayos ejemplares
Valentín Roma


Las líneas que siguen a continuación son el resultado de algunas charlas previas con Job Ramos en torno a  su proyecto para Can Palauet, donde salieron conceptos como el de desnivel, ideas como reverberación, palabras como ideal, posibilidades como fracasar. Se trataba, por tanto, de establecer un puente lingüístico, existencial y político con dos extremos, en uno hallaríamos su propuesta, en otro un coro de voces que, desde las zonas huecas de la historia, trajese consigo algunas preguntas inoportunas, acaso la única cuestión desde la que detener todos esos hostigamientos donde se nos obliga a convertirnos en héroes o en héroes caídos.

Hay tres textos «fundacionales» para la teoría del arte que precisamente lo son porque sobrepasan –o ignoran– los límites de esta disciplina, porque sus excesos contribuyen a entender que en el error habita una suerte de compromiso con la verdad, una especie de desorden que es aquello que promete cualquier gesto improcedente.

El primero es el ensayo que Maurice Merleau-Ponty dedicó a Paul Cézanne, donde el filósofo investiga la psicología del artista atendiendo a algo tan anacrónico y tan poco verificable desde el punto de vista de la hermenéutica del arte como son las numerosas patologías que atravesaban el carácter de este pintor. Merleau-Ponty basa su estudio, titulado La duda de Cézanne (1945), en algunos testimonios de quienes le conocieron, en ciertos textos de época y en la observación de los lugares y las obras cezannianas.

Todo el texto parte de una premisa inicial: Cézanne carecía de un contacto sereno con el mundo pero su pintura no fue tanto un exorcismo de estas dificultades, sino un territorio de enunciación para ellas. Así, la insistente repetición sobre un mismo motivo iconográfico, eso que los historiadores llaman el método del aller sur le motif, sería más una imposibilidad de despegarse de lo equivocado que un plan de trabajo, más una fijeza obstinada en el error que una búsqueda de soluciones. Igualmente señala Merleau-Ponty hasta qué punto Cézanne evitaba cualquier roce físico con los individuos, sus huidas persistentes de la amenaza que eran los demás y, al mismo tiempo, cómo perseveraba en la representación de los cuerpos nunca proporcionados. Por último, y aludiendo al taller del pintor, una casa diseñada por él mismo en Aix-en-Provence, Merleau-Ponty certifica que aquel estudio no poseía «ninguna línea a nivel», las estanterías estaban torcidas pero proporcionadamente descuadradas, los ventanales no ocupaban el centro de la pared sino zonas asimétricas, las puertas o eran demasiado grandes o pequeñas en exceso, el suelo resultaba de una inestabilidad justa, como queriendo ocultar este fallo arquitectónico.

Hay quien explica tales disfunciones por la enfermedad ocular de Cézanne, algo que rebate el filósofo con un argumento impecable: ¿no es la desproporción cierto homenaje de lo exacto? ¿no hay en cualquier «tragedia» la venganza de un dato que fue insuficientemente atendido?

Desde esta perspectiva, el mundo, los objetos, los espacios y los cuerpos desnivelados que pintó Cézanne estaría enunciando algo más urgente que la añoranza de la simetría, estaría proponiendo el desorden como fundamento de toda aventura intelectual, estética y moral.

El segundo escrito al que conviene referirse es un caso clínico. Lo firmó Sigmund Freud en 1914 y tuvo como «paciente» al Moisés de Miguel Ángel, quien fue sometido a una auscultación más psiquiátrica que artística donde Freud determinó algo sustancial para el análisis de la conducta humana: Miguel Ángel no representó a Moisés durante su célebre ataque de ira contra el pueblo hebreo que había dudado de la fe a Dios, la estatua que se encuentra en la basílica de San Pietro in Vincoli en Roma no muestra al profeta enfurecido, tirando las tablas de la ley al suelo, sino un minuto después, en plena decepción con sus compatriotas y consigo mismo.

Este giro hermenéutico desde la cólera hasta la frustración, desde el deseo por controlar a una multitud hasta la imposibilidad de gobernar las expectativas es observado por Freud en un simple detalle iconográfico: la posición de la barba de Moisés, los pliegues del pelo facial y la mirada del profeta. El psiquiatra llama a dichos detalles «la escoria de la observación», estableciendo todo un programa de análisis para el arte y para los individuos basado precisamente en aquello que queda lejos de lo esencial, en las excrecencias de lo prioritario, no sólo distante del primer plano sino como una reverberación de algo oculto que se manifiesta, incluso cabría decir irrumpe, en medio de nuestras propias observaciones. Así, el lenguaje de la interpretación traería consigo un desvelamiento de los códigos que organizan lo invisible, sería, en palabras de Giorgio Agamben, un gesto restitutivo y profanatorio, traer los objetos desde el más allá de la sacralidad abstracta al más acá del uso humano.

El tercer y último texto es la sentencia de los magistrados Horacio Corti, Carlos Balbín y Esteban Centanaro (27 de diciembre de 2004) a propósito de la censura de una exposición de León Ferrari en el Centro Cultural Recoleta Buenos Aires, promovida por el entonces cardenal Jorge Bergoglio, hoy Papa Francisco I.

Este informe explora concienzuda e inesperadamente para el lenguaje judicial la idea de «arquitectura de lo imposible», investigando hasta donde hay identificación y transferencias entre imagen artística y realidad colectiva, hasta qué punto una obra simbólica resume un uso público y si, de ello, se deriva un arquetipo idealizado, trasladable como dogma de conocimiento.

Cabe calificar dicha sentencia a la manera de una definición sobre los límites de la visión social y no tanto como una regulación de lo prohibido y lo lícito. Es muy interesante el desplazamiento que los magistrados realizan desde la moralidad hasta la ocularidad, desde la creencia hasta los sentidos. En el fondo reinscriben el fundamento de la experiencia artística en el cuerpo que mira, en las capacidades de éste para encarnar un saber simbólico pero, al mismo tiempo, en su propia experiencia para desembarazarse de identificaciones literales. Es fascinante que el lenguaje jurídico permita deshacer un problema que la teoría del arte no logra afrontar radicalmente: el espectador estético se mueve entre extrañezas, camina a través de ideas que apenas se precisan y que son volubles o inapresables, antes que simbólico el lenguaje artístico posee un régimen disruptivo, cuyas intermitencias obligan a quienes lo ejercitan o lo usan a emplear una mezcla sucia de datos e impresiones, un cóctel desordenado de expectativas, certezas, personificaciones y fracasos.

Estos tres textos reflejan, cada uno a su manera, la potencia de lo desnivelado, la basura de la información descodificando la sustancialidad y el trasvase del ojo que suplanta una ética totalitaria. En cierto sentido promueven todo un proyecto de reinvención de la esfera artística mientras escuchan dónde dejamos de comprender objetos, espacios y personas; de algún modo plantean la pregunta estética por antonomasia, una de las grandes incógnitas fundacionales del conocimiento y de la sensibilidad colectiva e individual: ¿Por qué mirar?

Més informació: http://www.mataroartcontemporani.cat/posts_exposicions/job-ramos-si-can-palauet-fos-pla/

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WE NEED TO TALK amb Eloi Fernández Porta i Roberto Fratini
24-05-2016, 18:30h
Roger Bernat, Centre d’Arts Santa Mònica

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Eloi Fernández Porta i Roberto Fratini activen We Need To Talk.

Eloi Fernández Porta és escriptor i assagista. Li ha estat concedit el Premi Anagrama de 2010 i el Premi Ciutat de Barcelona d’Assaig 2012. És autor de dos llibres de relats, una antologia com a coeditor, i quatre assajos de crítica cultural.

Roberto Fratini és professor de Teoria de la Dansa a la Universitat de Pisa i a l’Institut del Teatre de Barcelona, i de Metodologia Crítica a la Universitta de L’Aquila. Des de 1995 col·labora amb coreògrafs en qualitat de director i dramaturg, tant en dança com en òpera lírica.

We Need to Talk és la primera peça de Roger Bernat que es presenta en el marc d’Efervescència Col·lectiva. Es convida als visitants a reprendre la paraula del cinema i a reconstruir l’infern d’irracionalitat, injustícia i desigualtat que fa de tota relació amorosa l’espai d’ombra de la col·lectivitat. Els valors, les lleis i els costums queden en suspens per gaudir de l’excitant i sexual llibertat de faltar-se al respecte.

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El Ranchito Cuba-Finlandia-Japón

Desde el 15 de abril 2016 al 13 de mayo 2016 en Matadero Madrid

Hora: de martes a viernes de 16 a 21 h. Sábados, domingos y festivos de 11 a 21 h. Hasta las 22 h. desde el 3 de mayo.

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No sabemos volver solos es el título de esta edición de El Ranchito Programa de residencias Matadero Madrid – AECID que presenta el trabajo de diez creadores de España, Cuba y Finlandia seleccionados a través de convocatorias públicas que se han gestionado entre Matadero Madrid y los centros socios de esta edición: Artista x Artista en La Habana, HIAP en Helsinki y Tokyo Wonder Site en Tokio.

En esta ocasión se han seleccionado seis creadores españoles que han estado en residencia desde el 25 de enero durante 12 semanas. Son Andrea Canepa con el proyecto Anschauung, Arash Moori con Parasitic Noise; Belén con La nueva sinceridad; Fermín Jiménez Landa con El mal de la Taiga; Ferrán Pla con Lancelot Plissé; y Pedro Luis Cembranos con GALAXIA M-50 (para cinta magnetofónica y voz).

A principios de marzo se incorporaron a la residencia los creadores cubanos jorge&Larry, con el proyecto Estamos a merced del featuring, y Luis Manuel Otero con De la serie museos necesarios, y las finlandesas Anna Estarriola con Llega un mensaje post apocalíptico. Viene del futuro y Nastja Säde Rönkkö con A Walk with you / un paseo contigo; llevando a cabo un período de residencia de seis semanas.

El próximo otoño, los seis creadores españoles viajarán a los distintos países colaboradores para la segunda parte de su residencia: Andrea Canepa y Ferrán Pla en Tokyo Wonder Site, Fermín Jiménez Landa y Arash Moori en HIAP Helsinki y Belén y Pedro Luis Cembranos en Artista x Artista en La Habana.

Además de estos diez creadores conviven en los espacios de trabajo de la nave 16 dos estudiantes del Máster Universitario en Educación Artística en Instituciones Sociales y Culturales de la Universidad Complutense y dos estudiantes del Máster en Instalaciones y Arquitecturas Interactivas y Efímeras de la Universidad Politécnica que desarrollan proyectos de mediación y arquitectura efímera en relación a esta edición del programa de residencias El Ranchito.

A las relaciones y posibles colaboraciones que surgen, crecen y se nutren en el contexto de la residencia, se suman las visitas privadas de profesionales vinculados a la cultura, agentes, comisarios y críticos, locales, nacionales e internacionales, que han pasado por aquí para conocer el trabajo de los creadores. Así como las del público que puede acceder desde este viernes 15 a los trabajos en proceso de los residentes.

Más información: http://www.mataderomadrid.org/ficha/5412/no-sabemos-volver-solos.html

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