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Audiovisuales

7 de marzo a las 19h en Bulegoa z/b

Presentación de Antonio Menchen al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta negro fondo ultraterreno fue seleccionada junto a Espigadoras / Gleaners de Claudia Pagès en la convocatoria de residencias de 2018. El jurado estuvo compuesto por José Ramón Ais (artista), Beatriz Herráez (historiadora del arte y comisaria y actual directora del Museo-Centro Vasco de Arte Artium) y las integrantes de Bulegoa z/b.

Antonio Menchen: Materiales para una técnica (negro fondo ultraterreno)
Un objeto, una historia a la que se le dibuja un contorno temporal, a la que se intenta delimitar la sombra que aún proyecta. Así, desde su interior, poner en juego elementos, ejemplos, cosas distintas que confluyen, se solapan o reescriben para desembocar en una experiencia de una simple relación de semejanza entre no iguales.

negro fondo ultraterreno supone la continuación de un trabajo, de un hacer, que piensa un tránsito de la imagen; de un mundo mecánico a otro digital y cómo este paso actúa sobre un procedimiento, cómo afecta a un saber o recurso. Un agujero desde el que todavía asoman siluetas, papeles o voces que transfieren una experiencia, una realidad aún perceptible de un pasado analgésico, mítico, espectral.

Cambia así la forma en que consideramos el material, en tanto por acumulación y conversión, en tanto que necesidad y hábito. A partir de un archivo de imágenes en continua construcción, en continua edición, trataremos de ocupar ese marco para pensar en revertir la cancelación de lo proyectado, de lo aún posible, de lo imaginado para traer a la memoria la conformación de una predicción.

Antonio Menchen (Toledo, 1983), terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, fue estudiante visitante del departamento de cine de la Akademie der Bildenden Künste Wien (Viena, 2012-2013) y realizó el máster en Aural and Visual Cultures en el Goldsmiths College, (Londres, 2013-2014), junto con los tutores Mark Fisher y Kodwo Eshun. Ha participado de las exposiciones Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parecer noche (CA2M, Móstoles, 2018); Circuitos 2017 (Sala de Arte Joven, Madrid; Sala Borrón, Oviedo; Laboral, Gijón, 2017–2018); Alimentación 30. Archivo 2014-2015 (Espacio Cruce, Madrid, 2015); 10 VC (The Showroom, Londres, 2015); MUMOK Kino(Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena 2013); Rundgang (Akademie der Bildenden Künste Wien, Viena, 2012) o Sala de lectura(Espacio F, Madrid, 2005). Programó junto a Raúl Liarte el ciclo de cine Uno casualmente se acerca, siente algo y se queda (CA2M, Móstoles, 2016) y dirigió junto a Paulina Chamorro el programa de voz y performance El imitador de voces (Teatro Pradillo, Madrid, 2016).

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“Words,Planets”, 2018, Laida Lertxundi

Del 3 de marzo al 25 de abril en el CCCB

El cicle de cinema Xcèntric encara els mesos de març i abril amb una programació molt variada. Joves talents com Laida Lertxundi compartiran programa amb directors cinematogràfics amb una gran trajectòria como Wilhelm Hein, que obrirà les sessions de març, en persona, amb You Killed the Underground Film or The Real Meaning of Kunst bleibt, bleibt…

Noms tan il·lustres del setè art com Andy Warhol, amb col·laboració del Whitney Museum of American Art, o la versió íntegra de Petit à Petit de Jean Rouchtambé figuraran en la programació. Xcèntric abaixarà el teló, a l’abril, celebrant l’obra de Jonas Mekas, un dels referents del cinema d’avantguarda que ens va deixar aquest gener.

PROGRAMACIÓN

Projecció de Wilhelm Hein: “You killed the underground film” – Diumenge 3 de març, 18:30 h, Auditori 

Wilhelm Hein va ser una de les figures clau que va qüestionar els fonaments i conceptes del cinema d’avantguarda dels anys seixanta i molts dels seus representants, «els autoproclamats profetes del cinema underground», enfront dels quals expressa el seu desig de fer un nou cinema contundent, cru i brutal. El seu últim film, de més de 15 hores, You Killed the Underground Film, és un exemple audaç d’aquest anhel. En aquest film Hein demana als espectadors que s’alliberin de qualsevol idea preconcebuda del cinema. 

Els artistes de l’avantguarda dels anys vint buscaven a partir del cinema la independència del color i de la forma, i van aplicar l’anàlisi de la pintura i de la imatge estàtica a la imatge en moviment, qüestions semblants a les de la pintura cinètica. Wilhelm Hein i la seva generació van aconseguir distingir el mitjà cinematogràfic i ho van fer definint-ne les propietats específiques: la materialitat de la pel·lícula, la qualitat del projector i la pantalla, la naturalesa del cel·luloide i el raig de llum de la projecció. En aquell moment, ningú en el món de l’art no estava interessat en aquesta mena de projectes; dècades després tot un grup d’artistes viuen del llegat que van deixar Hein i els seus companys. 

El títol You killed the Underground Film or the real Meaning of Kunst bleibtbleibt es va agafar en part del text d’una actuació de Jack Smith a la Fira d’Art de Colònia de 1974, que Hein va documentar i va utilitzar al pròleg. A més de Jack Smith, al film hi apareixen figures com Marcel Duchamp, George Grosz, Nick Zedd, Arnold Schoenberg, Derek Jarman, Kurt Kren, Jerry Tartaglia, Samuel Beckett, Pete Seeger i Andy Warhol, entre molts d’altres. La pel·lícula funciona com un espectacle burlesc farcit d’estratègies i possibilitats estètiques que transcendeix la nostàlgia i es converteix en una afirmació de la independència pura. 

En aquesta sessió hi serà present el cineasta i es projectaran les bobines 1 i 3 de la pel·lícula, les més elaborades segons l’autor. 

You Killed the Underground Film or The Real Meaning of Kunst bleibtbleibt, Wilhelm Hein, 1989-2007, 16mm, 120min 

El nostre cos, el nostre sexe: Tres films-retrat pioners de la filmació íntima – Diumenge 10 de març, 18:30 h, Auditori 

Tres films-retrat pioners de la filmació íntima, confessional i en primera persona en la representació d’històries femenines que no es veien. Cara DeVito executa amb una càmera de vídeo un retrat de la seva àvia i la seva relació amb un marit violent; Janie’s Janie segueix una dona de classe treballadora a Newark que decideix prendre les regnes de la seva vida després d’anys de maltractament físic i psicològic; la cineasta Joyce Chopra parteix del naixement de la seva filla per exposar els conflictes entre la maternitat i la seva carrera. 

Ama l’Uomo Tuo (Always Love Your Man), Cara DeVito, 1975, 21min; Janie’s JanieGeri Ashur, Peter Barton, Marilyn Mulford, Stephanie PalewskiNewsreel, 1971, 25min; Joyce at 34, Joyce Chopra, 1972, 28min.

Prejecció en digital.

El mar torna a la vida. El cinema documental de Noriaki Tsuchimoto – Dijous 14 de març, 19:30 h, Auditori 

A través de l’activisme polític, Noriaki Tsuchimoto és una figura cabdal del documental japonès. La seva obra mestra, The Shiranui Sea, és un retrat líric de les víctimes de la malaltia de Minamata —el cas més important de contaminació ambiental al Japó—, de la relació amb la naturalesa i de la capacitat humana per a la curació i el renaixement, en confrontació amb els abusos del govern i la indústria. 

Shiranui Kai (The Shiranui Sea)Noriaki Tsuchimoto, 1975, Japó, 16mm, 153min 

Còpia cedida per la Fundació Japó  

Sobre ser humà: Els films de Jonathan Schwartz – Diumenge 17 de març, 18:30 h, Auditori 

Aquest programa de vuit pel·lícules de Jonathan Schwartz ofereix una visió general del seu treball cinematogràfic: des de les primeres pel·lícules collage, passant per visions íntimes de la família i el paisatge, fins a pel·lícules de viatges filosòfics, tant interiors com exteriors. Schwartz evoca, en els seus gestos cinematogràfics que capten la sublimitat, l’absurditat i l’abjecció dels cicles de la vida, l’eufòria i el dolor que comporta ser humà. 

Jonathan Schwartz: 

Interior Ape, 2004, 7min; Animals Moving to the Sound of Drums, 2013, 8min; If the War Continues, 2012, 5min; The Wedding Present, 2007, 3min; Nothing is Over Nothing, 2008, 16min; Between Gold, 2011, 11min; Winter Beyond Winter, 2016, 11minA Leaf is the Sea is a Theater, 2017, 16mm->vídeo digital 

Projecció en 16mm. 

Form and Feeling: Jack GoldsteinLaida LertxundiBeatrice Gibson i Morgan Fisher – Dijous 28 de març, 19:30 h, Auditori 

Aquesta sessió de cinema sobre cinema ens ofereix una sèrie de meditacions sobre el formalisme, l’estetització de la violència i experiències transformadores com la maternitat. La sessió inclou pel·lícules recents de Fisher, Lertxundi i Gibson i l’obra històrica The Knife, de l’artista californià Jack Goldstein. És l’estrena catalana de tots aquests films. 

The knife, Jack Goldstein, 16mm, 1975, 4min; Words, PlanetsLaida Lertxundi, 2018, 11min, 16mm; I hope I am Loud when I am deadBeatrice Gibson, 20min 2018, arxiu digital; Another Movie, Morgan Fisher, 2018, 22min, arxiu digital 

Projecció en digital. 

<< Vote McGovern >>. Warhol i la política – Diumenge 31 de març, 19:30 h, Auditori 

Warhol es va decantar pel cinema d’avantguarda, en part perquè se sentia lliure d’explorar temes primaris i subversius d’una manera que sabia que el món de l’art conservador no permetia. Warhol va renegar públicament de qualsevol interès per la política, però va recórrer a esdeveniments polítics com a temes per a la seva obra. En particular, l’assassinat de Kennedy, recreat a Since, va constituir una preocupació bàsica. 

Programa comissariat per Claire Henry, comissària adjunta del Whitney Museum of American Art amb motiu de l’exposició retrospectiva i del cicle de cinema Andy Warhol from A to B and Back Again. 

Andy Warhol: 

The Life of Juanita Castro, 1965, 16mm, 66min; Since (extracte), 1966, 16mm, 67min 

Amb la col·laboració del Whitney Museum of American Art 

Projecció de Joana Priestley: “North of Blue” – Dijous 11 d’abril, 19:30 h, Auditori  

Primer llargmetratge de l’animadora experimental Joanna Priestley, inspirat en els paisatges hivernals de Yukon (Alaska). North of Blue és una exploració no narrativa que interpreta amb grafismes preciosos les sensacions d’aquest paisatge i les connecta amb el seu propi bagatge i amor per l’art i el disseny. La composició musical és de Jamie Haggerty, que ha creat un disseny sonor suggeridor per acompanyar aquesta simfonia visual. Priestley es va formar al departament d’animació experimental de Cal Arts, amb el també presentador experimental Jules Engel com a mentor. Ha realitzat una vintena de curts que són exploracions formals, relacionades amb el seu propi univers, vivències i sentiments. Sovint combina l’abstracció amb la figuració, utilitzant tant tècniques animades analògiques com l’stop-motion o, en aquest cas, l’animació digital. 

North of BlueJoanna Priestley, 2017, 60min, arxiu digital 

Rapsòdia Satànica. Els orígens del color en el cinema – Dijous 11 d’abril, 19:30 h, Auditori 

El color ha estat present en el cinema des dels inicis. Ja el 1895 més del vuitanta per cent de les pel·lícules eren acolorides, almenys en part. Aquesta sessió, la primera d’una sèrie de programes dedicats als experiments cromàtics del primer cinema, presenta un conjunt de treballs que segueixen diferents procediments d’acoloriment aplicat sobre pel·lícula, entre els quals hi ha el melodrama «experimental» de Nino OxiliaRapsodia satánica, que explora de manera fantasmagòrica una variant femenina del Faust, amb referències al futurisme italià i a les coreografies de Loïe Fuller. 

L’anomenat «color aplicat» —procés de coloració que resulta d’una sèrie de procediments: el viratge, el tintatge, l’acoloriment a mà i amb plantilla— va exercir una funció important tant en l’anomenat «cinema d’atraccions» com en el cinema del període següent, que anhelava la reproducció del «color natural». En un primer moment el color pretenia introduir discontinuïtat per funcionar com un element d’atracció i sorpresa. Després, l’experimentació del color es va anar complicant i refinant. 

A cavall entre aquests dos períodes, aquesta sessió presenta, a més de la pel·lícula de Nino Oxilia, curts de la companyia Gaumont i de creadors com Georges Denola; un batibull de narratives melancòliques plenes d’elements fantàstics, on entre els colors de diferents espècies florals apareixen erugues i papallones que es metamorfosen en dones que, amb les seves danses serpentines, busquen la joventut eterna. 

Acompanyament sonor de mamuthone. 

Métamorphoses du papillonGaston Velle, 1904, Gaumont, 3min, 35mm; La légende des ondinesGeorges Denola, 1911, 6min, 35mm; Le Royaume des fleursGaumont, 1914, 7min, 35mm, sense so; Rapsodia satánica, Nino Oxilia, 1917, 42min, 35mm, sense so 

Antropologia compartida: Petit  à petit, de Jean Rouch  

Projecció de la versió llarga (230 minuts) de Petit à petit de Jean Rouch

14.04.19 — Primera part, extracte de 80 min | Diumenge 18:30h  

18.04.19 — Segona part, extracte de 75 min | Dijous 19:30h 

21.04.19 — Tercera part, extracte de 80 min | Diumenge 18:30h  

Diumenge 14 de abril, 18.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

Setze anys després de Jaguar, primera pel·lícula de ficció de Rouch, DamouréLam i Illo es tornen a reunir a Petit à petit. El punt de partida d’aquesta primera part, «Cartes perses», és la mirada etnogràfica de Damouré (etnòleg fictici i alter ego de Rouch, a qui dobla i parodia com a etnògraf occidental) sobre la “tribu” dels parisencs.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (primera part, extracte de 80min).  

Projecció en digital. 

Dijous 18 de abril, 19.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

A «Àfrica al Sena», segona part de Petit à petit, prolifera el teixit de fabulacions emmascarades i correspondències infinites entre París, els prats italians, Sunset Blvd i el record de la costa africana. La pel·lícula es converteix en una arquitectura mòbil de relacions entre diferents personatges i mons i els seus respectius reflexes.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (segona part, extracte de 75min).  

Projecció en digital. 

Diumenge 21 de abril, 18.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

Acompanyats de nous amics, els companys tornen a les ribes del Níger a «La imaginació al poder». Mentre es multipliquen els jocs entre persona i personatge, sorgeixen inesperades contradiccions en el seu programa polític: en lloc d’una companyia que reprodueixi les grotesques organitzacions europees, el seu pla consistirà en aturar-se per pensar, en fundar una societat secreta “no per guanyar diners, sinó per gastar-los”.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (tercera part, extracte de 80min).  

Projecció en digital. 

Jonas Mejkas. Mantén un diari i el diari et mantindrà – Dijous 25 d’abril, 19:30 h, Auditori 

Celebrem l’obra de Mekas amb un dels seus grans films-diari, rodat entre el 1969 i el 1984: retrats de la seva comunitat d’amics artistes i cineastes (RosselliniAnger, Warhol, FramptonLennon…), de «llocs, estacions de l’any, climes (tempestes, neu, ventades), carrers i parcs de Nova York, escapades breus a la natura, res d’espectacular, celebracions poc importants de la vida que se n’ha anat, fins ara, i es mantenen tan sols com un registre en aquests esbossos breus i personals» (Mekas). 

He Stands in a Desert Counting the Seconds of His LifeJonas Mekas, 1985, 16mm, 150min 

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12 de enero en La Mutant

Ivo Dimchev, extraordinario cantautor, presenta en un concierto en directo las canciones que ha creado durante su carrera como coreógrafo y performer.

La enorme musicalidad y su remarcable don vocal han sido la firma personal de todas sus creaciones. En este programa íntimo, Ivo agrupa una selección de canciones de sus performances creadas en los últimos 15 años, liberadas de su forma y contexto original se presentan como opuses independientes e individuales.

Ivo Dimchev (1976) es un coreógrafo y performer de Bulgaria, conocido internacionalmente por su provocativo y controvertido trabajo performático. Su trabajo es una mezcla extrema entre performance, danza, teatro, música, dibujos y fotografía. Dimchev es autor de más de 30 performances. Ha recibido numerosos premios internacionales de danza y teatro y ha presentado su trabajo en Europa, Sudamérica y Norteamérica.

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28 de noviembre a las 19h. en el Auditorio Meier del MACBA

La mañana del 27 de febrero de 1989, Keith Haring intervino en la plaza Salvador Seguí del Raval con el mural Todos juntos podemos parar el sida. En el documental 30 anys +, Lulu Martorell y Roger la Puente parten de la grabación audiovisual de esa intervención para explorar todo lo que ha provocado el sida en los últimos treinta años en Barcelona, revisando a la vez retos, soluciones, aciertos y conquistas alcanzadas.

Gracias a la complicidad de la Keith Haring Foundation y del Ayuntamiento de Barcelona, el mural fue reproducido en febrero de 2014, coincidiendo con el 25 aniversario de su realización. Actualmente está situado en el muro de hormigón que une la calle de Ferlandina con la plaza de Joan Coromines, junto al MACBA, y se ha convertido en un referente simbólico de la lucha contra la enfermedad en la ciudad de Barcelona.

Siguiendo el rastro que dejó Haring en Barcelona, los autores explican qué ha sucedido en los últimos treinta años de lucha contra el VIH y, al mismo tiempo, dan la oportunidad a los habitantes y visitantes de la ciudad de conocer la historia del mural, su simbología y trascendencia. 30 anys + no es solo un testigo de los años de lucha, sino también un regalo que ofrecen sus creadores a las instituciones y colectivos implicados para que puedan utilizarlo como juzguen conveniente para proseguir su lucha y su actividad: un documental para la ciudad y sus habitantes.

El documental es fiel al mensaje de Haring de estimular el activismo y la concienciación social para parar el sida. En él intervienen los principales actores de esta lucha en nuestro país, desde el ámbito de la ciencia hasta el activismo: Bonaventura Clotet (Can Ruti), Ferran Pujol (Bcncheckpoint).

Lulu Martorell es realizadora y guionista de televisión (TVE2, Canal 33 y Betevé) y actualmente directora freelance de documentales y vídeos sociales (con Roger la Puente/laInterferència). En 1993 realizó una trilogía para TVE, Línea 900, sobre el sida (El sida existe, El sida que viene es heterosexual y El sida peor: la cárcel). El documental que propone ahora sobre el estado de la cuestión es una deuda con los caídos, un reto personal, una necesidad social y colectiva.

Roger la Puente (laInterferència) es realizador y autor de audiovisuales. Actualmente está en proceso de producción del documental sobre la incidencia del arte en las escuelas, en el marco del Plan de Barrios en el Eje Besòs, encargado por el Fomento de Ciudad. Y en el trabajo documental sobre el mural participativo de Marcel·lí Antúnez en el Centro Educativo de Can Llupià.

Título documental: 30 anys +
Realizadores: Lulu Martorell y Roger la Puente, con la colaboración de César Melero.
Duración: 50 min

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Art i tecnologia

Ja fa temps que les màquines generen una part important de la cultura que circula pel món. Pel simple fet que els algorismes seleccionen les coses que veiem a les nostres pantalles, és a dir, que fan d’antòlegs, comissaris (curators) o consellers, ha de tenir conseqüències culturals significatives, tot i que no sapiguem medir bé aquestes conseqüències.

El món de l’art no podia restar aliè a aquests temes i molts artistes fan ús de les noves tecnologies, també amb intencions de crítica i denúncia.

La Volta convida a HilomentalArturo Bastón i Félix Pérez-Hita, per parlar i posar vídeos sobre aquest i d’altres assumptes amb Roc Parés, un dels grans especialistes que coneixem en les hibridacions i encreuaments entre art i tecnologia.

Dimarts 6 de novembre a les 19:30h a La Volta, plaça de l’Assumpció 25, Girona.

Més informació: http://www.femlavolta.cat/hilomental-art-i-tecnologia-dimarts-6-de-novembre-1930h/

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26 jun | 19h | Can Felipa

«Fa uns anys vaig estar en una residència artística molt particular, érem cinc artistes vivint en un parc natural a Conneticut (EUA). Un dia estava fent una passejada pel bosc i alguna cosa va fer que em girés, sense saber què… Em vaig girar i ¡bam! tenia un cérvol davant meu mirant-me fixament als ulls. Ens vam quedar així, mirant-nos, no sé quanta estona. La durada de la mirada és el que em va impactar, i quan es va acabar, em vaig trobar en estat de xoc. I és que durant aquest temps va ser com si hagués pogut tocar amb els ulls un món que no em pertanyia. Com si aquest animal s’hagués transformat en algú familiar i desconegut al mateix temps, fent de la situació aquest “entre” que permet l’accés a un altre món.

No es pot ser diferent, però sí relacionar-se amb alguna cosa diferent per crear coses noves: la necessitat d’un “entre” com a espai de relació, sense determinar, que a manera d’obertura fa que tot sigui possible. El que és decisiu no es troba en les coses que es relacionen, sinó en la relació pròpiament dita. L’obertura com a oportunitat de noves formes de ser, per descobrir noves formes d’estar al món. Si hi ha una obertura, alguna cosa pot emergir. Quan l’obertura es mou, una superfície és imaginada.»

Activitat en el marc de “Una exposició com un conjur“, a cura de Caterina Almirall, que es pot visitar a la sala d’exposicions de Can Felipa fins al 14 de Juliol. En aquesta activitat hi haurà una performance d’Alejandra Pombo en relació a la pel·lícula Glade, part de l’exposició, i de la qual farem un visionat.
L’activitat tindrà lloc a la Sala de conferències de Can Felipa (quarta planta). Es prega puntualitat.

Agraïments a Silvia Zayas, amb qui es va originar el text de la performance amb el projecte Jumping Scales. La pel·lícula Glade ha estat realitzada amb el suport de Mugatxoan, I-Park Foundation, ACA (Atlantic Center for the Arts).

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Jorge Mirón | Storm And Drunk 

 

No hay fotografías desenfocadas.

Foco proviene de fuego. El calor que nos reúne.

Una fotografía no-nítida ilumina como cualquier otra.

El anillo del objetivo se ajusta para desvanecer los cuerpos. Permite sintonizar otro plano y captar sus espectros.

Durante una semana el fuego congregará en Storm And Drunk a cinco personas a puerta cerrada. Cuerpos que vibran entre varias regiones y se repliegan de noche, seres que ocultan un perfil de la cara con el otro.

La cyborg

El alien

Bakalas

Un reptil

Los hombres

La actividad tendrá lugar las noches del 5 al 9 de mayo. Jorge Mirón (Madrid, 1983) realizará cinco sesiones de fotos en S.A.D. a cinco personas. Las sesiones a puerta cerrada buscan crear una atmósfera adecuada para la captación de los cuerpos y sus espectros. El artista usa espectro tanto en el sentido fantasmagórico del término, aparición, como el científico: rango electromagnético que el ojo humano percibe como color. Con él identifica el aura cromática que un cuerpo desprende y es revelada en sus imágenes.

Para las sesiones dispondrá de distintos utensilios lumínicos que él mismo crea y que configuran su escenografía de trabajo. En los últimos años Jorge Mirón ha empleado la fotografía como documento para narrar su vida nocturna en Madrid y también ha explorado con otras posibilidades del lenguaje fotográfico afectado por sus experiencias lisérgicas.

La actividad sin público será contada en Instagram y la web de SAD compartiendo las conversaciones que ha tenido los días previos con cada una de las personas.

 

 

 

 

 

 

 

Aquí un adelanto:

Cariátide Pepis

¿Tienes marcas en tu cuerpo que te recuerden a día de hoy esos otros estados? Quizás una parte del cuerpo sin marcas.

El cuerpo es el mapa de muchos de nuestros estados, de todas esas derrotas y pérdidas y gozos. Es la materia de una realidad que habitamos a diario. Por fuera puede ser unas venas encallecidas o una cicatriz blanca ya de cuidarla; por dentro

la ausencia , el empeño de la intuición para que no cierre la mina, y seguir viviendo.

Billy E. Morreale

Intenté hacerte fotos en una ocasión y me fue imposible. Estuvimos un rato y sentí que era una foto que no podía hacer yo. De alguna manera tuve la sensación de que no podías ser tú delante de mí. De que sólo necesitabas estar solo un rato y hacerte un selfie. Para esta sesión de fotos en Storm And Drunk no quiero hacer un retrato, me gustaría hacerte fotos recitando. ¿Existe Billy E. Morreale lejos de la poesía?

Yo me llamaba Billy antes de la poesía, cuando estaba viajando por USA. Para sumergirte bien en la mierda, en el lado de detrás de la cortina de humo que decía, tienes que ir vaciado, como decías tú. Normalmente no te metes en la mierda voluntariamente, ​la ponzoña te rodea y ya estás dentro. Ahí es útil llamarse Billy. Te protege el cuerpo, te aplaza el alma para más adelante, hasta cuando puedas sentarte a escribir y descargarlo todo en palabras y huecos entre palabras. La poesía es mi herramienta para entender el mundo y describirlo. La parte del mundo más cruda, la zona abisal, la que casi no contiene palabras. No sé lo que es existir lejos de la poesía.

Tadzio

En toda esta transformación ¿hay algo de lo que te sientas liberado? ¿Hay algo que siga ahí que te sorprenda? Pienso en tus ojos.

Me siento liberado de cierto tipo de mirada masculina (un paternalismo, violencia y deseo concretos debido a que me consideraban, por error, una mujer) y de la mayor parte de la violencia de la que mi cuerpo era objeto antes de y durante mis primeros años de transición. Es una liberación, no obstante, muy amarga porque sé lo que implica. El yugo sigue donde siempre y sólo se retira bajo ciertas condiciones, y ser hombre blanco te garantiza la retirada, a priori, de casi todos. Pero también me siento liberado, la mayor parte del tiempo en estos momentos, de lo peor de mi propia mirada. De mi propia autoconstrucción como monstruo -o al menos del ser totalmente incapaz de reapropiarme de ella. Ojalá no hubiera necesitado este par de cicatrices para ello, pero he tenido el privilegio de acceder a ellas y poder liberarme también de forma mucho más tangible. No tener que llevar algo que me oprime las costillas para poder salir aunque sea a por el pan o interactuar con alguien sin duda ayuda, y no sólo literalmente. Puedo bailar, también. Había dejado de hacerlo por más de una década debido a mi disforia. Eso también, aunque suene frívolo, ha sido parte de lo mejor de esta “liberación”. Pero en definitiva no es liberador el necesitar de tanto que han de proporcionarme otros (específicamente, profesionales dotados de autoridad médica) para obtener un mínimo de paz y conexión conmigo mismo.

 

Para lo segundo me temo que empiezo con una pregunta: ¿Por qué has pensado en mis ojos? Me hablan mucho de ellos, los hay que sostienen que hasta mis ojos han cambiado y otros que no han cambiado en absoluto. Yo creo que sí que han cambiado, pero que se parecen más a mi yo de hace 20 años, con 8, que al de hace sólo 4. Tiene sentido, en cierta manera. Y la verdad es que me gusta. También creo que mi voz, pese a haberse agravado, sigue ahí en cierta manera. Me costó mucho que llegara a gustarme aunque gustara tanto a alguna gente, pero me aterraba el que pudiera cambiar demasiado hasta dejar de parecerse a sí misma (a mí mismo), y creo que no lo ha hecho -o al menos no un cierto color, un cierto timbre. Sin duda me alegra. Me gusta reconocer la mayoría de mis gestos como míos desde siempre, también, aunque muchos tengan un matiz algo diferente o se vean distintos con las variaciones sutiles de mis rasgos. Y por último, me sorprende que mi piel, en algunas zonas ahora tan tomada por el vello, no haya dejado de ser suave. Fue de lo primero que me dijeron que cambiaría y me encanta que no haya sido así. Me encanta ser suave (o intentarlo), en toda su polisemia.

La fiera

Ambos tenéis una relación especial con vuestro propio cuerpo y sois apasionadas del tatuaje. Pero habitáis ese umbral dolor/placer desde lugares un tanto diferentes, lo deduzco sólo mirando vuestros tattoos: una se cubre el cuerpo de imágenes, casi como una colección de placeres. El otro se marca como si fuera un altar tallado en la piel.

Yo sólo tengo uno y en mi última experiencia con setas estuvo presente como un signo que me mantenía sereno y me recordaba quién soy y dónde estoy. Como si siempre hubiera estado ahí o si no hubiera podido ser otra imagen más que esa. ¿habéis tenido alguna experiencia con alguno de vuestros tattoos que os vincule en un plano trascendental a esa imagen más que al resto?

Mi relación con los tatus es muy amplia, no identifico una experiencia tan concreta como la que cuentas tú pero si que trascienden algunos de ellos en momentos especiales.

Tengo un tridente de una conquista muy grande… Una especie de ataúd galáctico por una muerte que sentí y compartí en una muestra de confianza absoluta.

Otro me lo marqué después de tener un sueño en el que un avión en el que iba una persona que no me quería a quien yo quería, con todo ese sufrir que conlleva, lo veía volar en el cielo y pensé “si se cae ahora…” como una especie de castigo a la persona que iba dentro. Y el avión empezó a caer. No sentí ningún placer ni realización, instantáneamente me entró una congoja gigante, el avión no llegó a estrellarse, remontó el vuelo casi a ras del impacto y siguió su camino.

Antes de este sueño siempre que veía un avión volar pensaba por unos instantes que molaría verlo estrellarse, eran pensamientos con una duración de microsegundos. El flipe de ver una catástrofe. Después del sueño ya no me pasa, automáticamente los lanzo para arriba en un vuelo tranquilo.

Aclaro que tengo pánico a volar y una vez casi me estrello, el tema del avión por ahí lo tengo, en el brazo, también.

Digamos que el avioncito que llevo me recuerda que desear el mal es horrible y demasiado grande para soportarlo. No se, creo que casi todos los tatus que llevo hacen la función que dices.

 

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Punto de Vista 2018 abordará el cruce entre lenguajes y artistas en torno al cine documental

Del 5 al 10 de marzo en Pamplona

http://www.puntodevistafestival.com

Descarga en PDF la parrilla de programación.

El festival también conmemorará el 50 aniversario de las revoluciones del 68, programará un ciclo de correspondencias cinematográficas entre cineastas y contará con la presencia de P. Adams Sitney, Trinh Minh ha y José Antonio Sistiaga

El festival estrena dirección artística, renueva su diseño estético y colabora con diversos espacios y colectivos navarros

En la primera edición de Garbiñe Ortega como directora artística de Punto de Vista, el festival navarro presentará una Sección Oficial en la que competirán 21 películas de 14 países. Por primera vez competirán dos cintas dirigidas por cineastas navarras: Young & Beautiful, de Marina Lameiro; y Yours Truly, codirigida por Maddi Barber.

Además, la programación de Punto de Vista en 2018, que se desarrollará en Baluarte y otros espacios de Pamplona, como Teatro Gayarre y Planetario, incluirá nuevas secciones, como DOKBIZIA, donde se abordará el cruce entre lenguajes y artistas que trabajan en torno a lo real. Varias de estas sesiones, además de proyecciones, serán piezas site-specific y performativas.

Entre las novedades de Punto de Vista 2018 se encuentra la sección DOKBIZIA, un encuentro interdisciplinar que quiere provocar el cruce entre lenguajes y artistas que trabajan en torno a lo real. Este programa, que atiende al documental dentro y fuera de la pantalla, plantea un itinerario de diversos formatos: proyecciones, conferencias performativas, piezas escénicas y site-specific, performance y cuenta con la presencia de cineastas, artistas visuales, escritores y performers. Centrado en las diversas maneras de poner el cuerpo en relación con la imagen en movimiento, este programa acogerá obras “Things said once” de Esperanza Collado, “Trilogía de la propiedad privada” de Nico Pereda, “Naturaleza y su temblor” de Societat Dr. Alonso, “Tijuana” de Lagartijas Tiradas al Sol, “Avalanche” de Carlos Casas o una especial de José Antonio Sistiaga y Stan Brakhage.

En 2018 se cumplen 50 años de Mayo del 68 momento histórico y hoy, en vez de recordarlo de manera celebratoria y retrospectiva utilizamos este aniversario como contrapunto con la obra de cineastas que nos demuestran que existe un cine muy consciente, que se cuestiona qué mirar y desde dónde, con una fuerza que golpea y emociona a partes iguales: “No intenso agora” de Joao Moreira Salles es un brillante ensayo sobre aquellos días en Francia y lo que realmente fueron. El trabajo de Hiwa K, Los Ingrávidos o belit sağ está hecho desde las entrañas, en primera persona, desde la primera línea del frente, se escuchan las balas. Además, tres cineastas estatales, Virginia García del Pino, María Cañas y Luis López Carrasco, mostrarán sus últimas películas.

El ciclo Correspondencias reúne a cineastas de todos los tiempos a través de películas que dialogan entre ellas como si fueran cartas audiovisuales que unos artistas filmaron para otros. Con este ciclo, el comisario Francisco Algarín y la directora artística de Punto de Vista, Garbiñe Ortega, han tejido un hilo narrativo sin tiempo, que viaja desde el pasado hacia el futuro y regresa desde mañana hasta ayer, una conversación entre filmes “que siempre estuvieron separados pero que, una vez reunidos, parecen haber estado destinados a acabar juntos”. Una suerte de películas, que como si fueran cartas, muestran un diálogo onírico entre los hermanos Lumière y Robert Beavers, entre Ute Aurand y Warrend Sonbert o entre Robert Fenz y Marjorie Keller. En definitiva, este ciclo es una colección de correspondencias imaginadas que “permiten acceder de forma no-lineal ni categórica, más bien privilegiada, al conocimiento de otra posible historia del cine.”

La publicación que Punto de Vista ha preparado para este año –“Correspondencias, cartas como películas”– completa este ciclo Correspondecias con una colección de cartas inesperadas que revelan amistades secretas (Louis Lumière y George Méliès) colaboraciones desconocidas (Orson Welles y Robert J. Flaherty) o proyectos que sin estas cartas jamás hubieran sido documentados (la propuesta de Pasolini a Jacques Tati para participar en Porcile). Una suerte de misivas que nos muestran otra historia del cine, una que no se había contado hasta ahora. La premisa ha sido fabricar un libro tal y como se realiza el montaje de una película.

El festival también dedicará un Foco a la cineasta vietnamita Trinh Minh ha, con proyecciones y conferencias, y acogerá un seminario con el historiador de cine estadounidense P. Adams Sitney. Además, en 2018, Punto de Vista iniciará una nueva línea de programación que incluirá el desarrollo de varios laboratorios de formación y creación donde se trabajará con diversas líneas relacionadas con el cine de vanguardia. Serán impartidos por colectivos como los estadounidenses Echo Park Center o los mexicanos Lagartijas tiradas al sol.

Otra de las novedades de Punto de Vista sera un programa educativo, un nuevo espacio de programación y formación para el público infantil y joven que se desarrollará en Planetario de Pamplona. El festival busca con este ciclo acercarse al público familiar y formar al espectador infantil y juvenil.

Y por primera vez la convocatoria Proyecto X Films contará con colectivos en lugar de con cineastas individuales para rodar un documental en Navarra producido por el propio festival.

Punto de Vista 2018 también acogerá un ciclo de cine vasco-navarro, “Paisaia”, con las obras más recientes de cineastas como Jesús María Palacios, Iñigo Jiménez, Koldo Almandoz, Inés García, Arantza Santesteban, Irati Gorostidi o Jaione Camborda.

La sesión de inauguración incluirá el estreno de la última película de Aianra Vera –“Hasta mañana si Dios quiere”– y la de clausura incluirá el pase de la Sinfonía de Pamplona, rodada en Super8 y creada en un laboratorio que van a desarrollar los responsables del Echo Park Film Center de Los Ángeles musicada en directo por Mursego y Harkaitz Cano.

La programación de Punto de Vista se completa con la realización desde Pamplona, durante toda la semana del festival, del programa de Radio 3 “El Séptimo Vicio” con entrevistas y las actuaciones en acústico de El Niño de Elche, Doctor Deseo, Kasettes y monte del Oso.

Garbiñe Ortega presentará un festival que ahondará en la esencia de esta cita con el documental de vanguardia: un lugar para la reflexión y la exhibición de propuestas con una fuerte identidad mixta e híbrida. La programación quiere apostar por esa pluralidad y heterogeneidad desde la reivindicación de tres cualidades: lo vivo, lo híbrido y lo común ofreciendo una programación que incluye no sólo la sección oficial, retrospectiva y sesiones especiales, sino un espacio importante para otro tipo de propuestas artísticas y formatos como conferencias performativas, piezas escénicas y site-specific donde se darán cita artistas visuales, coreógrafos, filósofos y cineastas para (re)pensar las formas de lo real desde la complejidad del presente”.

Durante siete días al año, Pamplona se volverá a convertir en centro del cine documental. Producciones de todo el mundo compiten con sus diferentes formas de captar la realidad desde su punto de vista independiente y necesario. La sección oficial queda abierta así a toda la amplia gama de estilos y registros del cine de no-ficción contemporáneo. Una de las primeras citas cinematográficas del calendario que recoge lo mejor de la temporada anterior, al mismo tiempo que lanza algunas de las más interesantes apuestas de futuro.

El espíritu de la competición pretende que los cineastas convocados intenten con cada película ir más allá de los caminos ya transitados y hacerlo con un claro compromiso ético. El jurado valorará su calidad, originalidad y, sobre todo, su capacidad para -como decía Jean Vigo“abrirnos los ojos y ayudarnos a ver más allá de las apariencias”.

Más información: http://www.puntodevistafestival.com/

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8 al 11 de Marzo 2018 / 19:00h – 23:00h

ENTRADA LIBRE

Teatre del CCCB
Montalegre 5
08001 Barcelona

Más información: http://www.desorg.org/

Camino de Retorno

visiones, silencios, oscuridad

Hace un par de años – justo después del OVNI de La frontera como centro– y quizás como consecuencia de él, entramos en introspección, y en ese espacio abierto hacia dentro se iban repitiendo una y otra vez las imágenes de un film de Bela Tarr, El Caballo de Turín (1). En especial tres secuencias:

En la primera, un hombre mayor conduce con gran esfuerzo, un pesado carro rural, a través de un paisaje dominado por la niebla. Poco a poco vamos entreviendo la particularidad de tanto esfuerzo, el conductor es manco y el carro pensado para dos caballos es arrastrado sólo por uno. Algo falta en ese mundo desangelado, un profundo desequilibrio a la vez lo agrieta y paraliza. La materia mutilada de aquello que lo anima, mutilada de sí misma, sufre aplastada por su propio peso y se hunde en su extremo ciego. Cualquier gesto, cualquier trabajo incluso alimentarse resulta penoso.

En la segunda escena, un personaje aparece y lanza un frenético y lúcido monólogo en el que señala la deriva del mundo “todo está degradado desde que lo han adquirido…Todo lo que tocan, lo degradan, y lo tocan todo. Comprar, degradar, …degradar, comprar, o dicho de otra manera tocar, comprar y de ese modo degradar… (…) un cataclismo que proviene del juicio del hombre sobre sí mismo”.

Palabras a las que el conductor del carro responde con un lacónico “Déjate de estupideces”. (2)

Luego el viento, el páramo, la soledad.

En la tercera, ya al final del film… los dos protagonistas, el padre y la hija, intentan al caer la noche oscura encender alguna lámpara o al menos una vela, pero la luz no prende. La luz se ha ido ya de ese mundo.

La luz se va del mundo.

Como os decíamos estas tres secuencias se quedaron en loop dentro de nosotras durante meses y meses, cómo intuiciones de un posible camino y a la vez hundiéndonos imperceptiblemente en su espesa niebla. Intentamos orientarnos en ella, pero apenas podíamos ver nuestra propia mano delante, así que caminamos un tiempo por lo invisible, y poco a poco aprendimos a confiar en esa niebla, en ese no saber, en ese no ver con los ojos, hasta que de alguna manera nos reconocimos en ella … Cuando este estado se asentó lo compartimos con el rizoma del que nace ovni, y así fue cómo un par de personas nos hablaron de la muerte y las muertes (3) … y cómo el “Camino de retorno” surgió inesperadamente de entre la niebla, no negándola, sino incorporándola dentro como un velo protector del misterio que a cada instante nos rodea y penetra.

Este OVNI de la niebla aparece pues como viaje anímico por el mundo intermedio, por la experiencia de la muerte física y las muertes del ego.

Planteado no como una programación habitual de vídeo sino como un ritual de paso donde las visiones (vídeos), los textos, sonidos, rituales y respiraciones se entrelazan con silencios y oscuridades compartidas.

Nos gustaría abrir la visión (4), abrirnos a la consciencia de que eso que llamamos cine, vídeo… esas extrañas proyecciones de luces y sombras que dibujan mundos y vidas, paisajes y sentimientos, se dan en la cueva de la sala oscura. Y es en esa oscuridad compartida o solitaria donde se incuban las visiones de los mundos… antes de que se establezcan las fronteras entre lo real o lo irreal, el sueño y la vigilia, la vida y la muerte… Visiones sobre una pantalla blanca que permanecerá blanca cuando las visiones de los mundos desaparezcan. (5)

Quizás así, una vieja herida en nuestra cultura y vidas se cierra, los hemisferios se reúnen, otros ojos se abren y el caballo de Turín ya no es apaleado. (6)

A fin de no escindir la muerte de la vida, iniciaremos cada día el viaje por las puertas del sueño -hermano gemelo de la muerte- y el trance, adentrándonos en los rituales de despedida y disolución del cuerpo…. Contemplaciones de la disolución que nos abocan a la contemplación agradecida de la vida.
Así Camino de Retorno se abre como un rito de paso, un recorrido que recomendamos hacer entero cada día (*), para un buen transitar por paisajes de ánimo intensos y no siempre fáciles que quizás nos ayuden a recuperar la percepción de la cualidad ilimitada, in-apropiable, irrepresentable de lo Real.

abu ali

(*) El horario de cada día será de 19h a 23h.

La sala del Teatre del CCCB se abrirá cada día a las 19h, luego permanecerá cerrada para abrirse un mínimo de dos veces más a lo largo de la tarde y noche. Mientras en el espacio del Hall del mismo Teatre y en la sala cercana dispondremos de un espacio acomodado y con audiciones para la espera.

  1. El caballo de Turín (A Torinói ló como título original en húngaro) es una película de 2011 dirigida por Béla Tarr y Ágnes Hranitzky.https://es.wikipedia.org/wiki/El_caballo_de_Tur%C3%ADn
  1. Transcripción del monólogo de El Caballo de Turïn: http://kathiesmith.blogspot.com.es/2012/03/turin-horse-script.html
  2. Pienso en Palmar Álvarez Blanco, en Marco Antonio Regueiro… y también en todas las personas que ya han partido durante este largo periodo de búsqueda.
  1. Abu Ali, Abrir la Visión, 2016 _ http://www.al-barzaj.org/2016/10/abrir-la-vision.html
  2. Una imagen que a menudo utiliza Ramana Maharashi.
  3. La versión más extendida sobre lo sucedido dice que Nietzsche caminaba por la Piazza Carlo Alberto, cuando un repentino alboroto que causó un cochero al castigar a su caballo llamó su atención. Nietzsche corrió hacia él y lanzó sus brazos rodeando el cuello del caballo para protegerlo, desvaneciéndose acto seguido contra el suelo.


Imatge de Thierry DE CORDIER, “MER GROSSE”.
Courtesy: the Artist and Xavier Hufkens, Brussels.

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La Ribot | Del 15 de diciembre al 3 de febrero en en la Galería Max Estrella

Con esta ‘Take a Seat’ Max Estrella muestra de forma concisa tres pilares en la creación de la Ribot: los vídeos Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, Mariachi 17, 2009, y Walk the Bastards, 2017. Espaciados en el tiempo estos trabajos comparten el común denominador del interés investigativo de La Ribot por la imagen, el espacio y el movimiento.

Walk the Bastards, 2017, es una instalación de 11 sillas compuesta por aquellas que no fueron incluidas en Walk the Chair 2010, una obra anterior que La Ribot realizó por encargo de la Hayward Gallery de Londres y que formó parte de la exposición ‘MOVE=Choreographing You’.  Las 50 sillas pirograbadas de Walk the Chair con citas de coreógrafos, filósofos, y artistas sobre el movimiento y el arte participativo, tienen una doble función: ser leídas, convirtiendo al visitante en intérprete, o ser utilizadas en su función más obvia como punto de observación. Tanto Walk the Chair como Walk the Bastards, son instalaciones cambiantes y aleatorias en la que la silla ocupa el lugar que le da el espectador.

Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, presenta dos tomas individuales y no editadas de cuatro minutos de duración, grabadas cámara en mano por los bailarines Olga Mesa y Gilles Jobin. Estos vídeos son el resultado de una intensa colaboración: grabar, revisar y grabar de nuevo con cambios y correcciones. Cada secuencia supuso cinco días y al menos treinta tomas. La estrategia es esencialmente la misma en cada vídeo, pero aplicada a dos sujetos danzantes muy distintos entre sí en dos lugares diferentes. Los espacios fueron elegidos para cada intérprete en función de sus personalidades. Mesa, nacida en la lluviosa Asturias, se siente estimulada en un frío, húmedo e invernal jardín inglés, mientras que a Jobin se le envuelve en un escenario fotográfico que fuerza hasta el límite las ambigüedades espaciales del cuerpo-operador. Las paredes y el suelo están recubiertos con fotografías murales de arboledas, lagos y montañas de los Alpes deliberadamente cursis, pero a medida que la cámara “vuela” a través de ellos se convierten en una caja multicolor de “efectos especiales”: un lago azul se transforma en un cielo y los árboles de un bosque otoñal en una alfombra transitable. La melancólica y popular melodía del Entreacto III de la ópera Carmen de Bizet introduce una nota irónica a la vez que inyecta una impresión de falsa seguridad en las acciones.

Mariachi 17, 2009, es un vídeo filmado en plano secuencia de 25 minutos grabado por tres bailarines cámara en mano en el teatro de La Comédie de Genève. Las bailarinas / operadoras nos muestran la imagen que resulta de su movimiento. El cambio de manos de la cámara es principalmente perceptible en la caligrafía del cuerpo, en su ritmo, en su peso, en su atención. La primera cámara, Marie Caroline Hominal, es ligera, veloz, ágil. La segunda, Delphine Rosay, más serena, controlada, concentrada. La tercera, La Ribot, es sutil, elegante y habilidosa. Son estos los tres movimientos de una sola composición, casi perfecta, sorprendente, que  perturba la mirada del público sin sumergirla en el caos a la vez que descompone la noción de espacio, arrastrándola a la imaginaria danza de un cuerpo invisible que penetra en el mecanismo de la construcción.

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