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Audiovisuales

6é Sessió de Visitas Sonoras. Dones experimentals. Programa de músiques dissidents, experimentació sonora i creació contemporània del  Teatre el Musical.

Visitas Sonoras establix un diàleg amb els dos espais triats dins del TEM: el vestíbul del teatre, obert i lluminós; en contrast amb la intimitat, la foscor i la capacitat d’amplificació de l’escenari de la sala principal.

ESCUCHA!Valencia Exposición Internacional de Artes Efímeras y Experimentación Sonora.

– Anna Clementi / veu
– Tania Garrido / moviment
– Daphne X / electrònica
– Brollador Donzella / veu
– Merche Blasco / electrònica i ve

Más info y entradas: https://www.valencia.es/web/guest/w/visitas-sonoras-ii-di%C3%A0leg-obert.

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Julia Martos – 25 de enero en Azkuna Zentroa

Interesada en la curadoría y programación de cine, la artista guía esta actividad que aborda algunos de los aspectos de su investigación y práctica en torno a la desmemoria, el apropiacionismo, y la defensa de procesos de reescritura cinematográfica feminista llevados a cabo por cineastas que trabajan con archivo.

En el encuentro Julia Martos entabla una conversación con representantes de La Digitalizadora de La Memoria Colectiva, una red de profesionales del mundo del archivo, el audiovisual, y la participación ciudadana, que sirve de apoyo a barrios y colectivos sociales en Andalucía para preservar sus memorias audiovisuales. Siguiendo una metodología de recuperación (espigado), digitalización, descripción, preservación y difusión de forma colaborativa, contribuyen a conservar la memoria audiovisual de los movimientos sociales y a reconocer la memoria colectiva como parte de una perspectiva plural de la historia.

Acompañando la sesión se proyecta el Nuevo Archivo de Video del Barrio San Francisco “Tele Frisko”, filmado por el camarógrafo Santi San Martín durante la década 1988 -1998;  y el cortometraje “Veladuras” (Pilar Monsell, España, 2022, 21 min) un ejemplo del trabajo con material doméstico apropiado en el documental de creación andaluz. En este filme, la mirada de unas hijas sobre las películas caseras de su padre, activa la potencia antropológica que contienen.

Más información e inscripción: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/julia-martos-espigar-conservar-futurizar-la-digitalizadora-de-la-memoria-colectiva/.

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Pedro Fresneda, Raquel Hernández, Artús Rey y Terrorismo de autor – Del 16 al 18 de febrero en Teatro Ensalle

Este Canchal X será un encuentro de Ensalle con Terrorismo de autor en el proceso de creación de “Sobre”, el próximo estreno de Ensalle.

En algunas zonas del interior de España, principalmente Extremadura y La Mancha, los pastores se encuentran ocasionalmente para compartir y acompañarse. Son breves encuentros, pero, o así lo veo yo, continúan al lado de los protagonistas muchos pasos después. En el largo camino que les queda tendrán tiempo de volver a lo hablado, de andar con ello. Hay un paisaje en concreto que acostumbra ser idóneo para este tipo de encuentros: las faldas de las montañas. Allí los caminantes encuentran grandes cantidades de rocas debido a los derrubios. El viento y la lluvia se encargan de erosionar y dar forma a la piedra, aplanar y alisar en forma de “tartera”, para dar asiento (e impulso) al viajero perdido. Estas tarteras también son conocidas como canchales.

Un Canchal es una reunión enfocada a la creación entre los integrantes del equipo artístico de Ensalle y artistas invitados. El trabajo de creación se organiza en una o dos semanas intensas en las que se comparten lenguajes creativos y experiencias escénicas distintas, para finalmente mostrar el resultado de una creación viva y en proceso durante tres días que no tienen que ser iguales.

Se trata de intervenciones puntuales encuadradas en el proceso de creación de los trabajos escénicos de Ensalle, y cumplen la función de “batir” el lenguaje que la compañía viguesa lleva dando forma desde hace más de 20 años. Este intercambio nutre tanto a Ensalle, como a los creadores invitados, que en ocasiones encuentran en los Canchales el “detonante” de sus siguientes trabajos.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/canchal-x-terrorismo/?event_date=2024-02-16.

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Domingo 11 de febrero 18:30h I NO IMATGE: UNA CHARLA EN TORNO A LA PERCEPCIÓN I David Bestué, Marta Azparren y Haize Lizarazu.

Domingo 18 de febrero 18:30h I WASHINGTON I Matías Daporta.

Domingo 25 de febrero 18:30h I CUARENTA Y SEIS SEGUNDOS I Los Torreznos.

Domingo 3 de marzo 18:30h I THINGS SAID ONCE I Esperanza Collado.

Siguiendo la línea de trabajo comenzada en 2014, El Cine Rev[b]elado propone un ciclo de actividades en torno a la performance audiovisual y la interrelación del cine con otras disciplinas. Una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional.

El 9 de febrero del año 2014 empezó la primera edición de El Cine Rev[b]elado en el Museo CA2M, 10 años después continuamos trabajando sobre la interrelación del cine con otras disciplinas proponiendo un diálogo que se rebela antes las convenciones del aparato cinematográfico convencional, en una búsqueda constante de nuevas revelaciones que nos lleven hacia otros lugares y activen un pensamiento crítico.

En esta edición de aniversario, planteamos una reflexión en torno a la propia imagen en cuanto a su presencia y sobre todo su ausencia, vinculándola con la oralidad, la palabra, el texto y el gesto a través de cuatro propuestas performativas de artistas que investigan y trabajan dentro de estas prácticas artísticas contemporáneas.

En 2024 celebramos una década y seis ediciones de El Cine Rev[b]elado junto al Museo CA2M y todas las asistentes que han convertido este ciclo en referente dentro de las artes vivas y performativas en la Comunidad de Madrid.

Comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel Martín y Natalia Piñuel Martín).

Más información: https://ca2m.org/actividades/el-cine-revbelado-6.

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16 de diciembre en La Casa Encendida

La primera colección de este ciclo, titulado ‘Presentes’, se exhibe por primera vez en conjunto y pone en valor la mirada de las creadoras españolas contemporáneas Rosa Berbel, María Sánchez, Pilar Adón Cristina Morales de la mano de Virginia García del Pino, Maddi Barber, Elisa Celda María Pérez Sanz.

De la unión de estas creadoras han surgido cuatro piezas audiovisuales, un concierto de Beatriz Vacas – Narcoléptica y una performance de danza de Laura Ramírez.

Las cuatro piezas audiovisuales resultantes son:

  • La niña mártir, de Cristina Morales x María Pérez, basada en el libro Introducción a Teresa de Jesús.
  • Las niñas siempre dicen la verdad, de Rosa Berbel x Virginia García Del Pino, basada en el libro Las niñas siempre dicen la verdad.
  • Alas / Tierra, de María Sánchez x Maddi Barber, basada en el libro Cuaderno de campo.
  • Las órdenes, de Pilar Adón x Elisa Celda, basada en el poemario Las órdenes.

Los cortometrajes resultantes son una libre interpretación por parte de las creadoras audiovisuales, que tratan de sacudir los textos, arrancarlos de sus páginas y ayudarles a apropiarse de un espacio nuevo en un mundo dominado por la imagen y lo digital.

Las piezas han sido seleccionadas en grandes festivales nacionales e internacionales como BAFICI (Argentina), Festival de Málaga, Festival de Gijón, Documenta Madrid, Zinebi (Bilbao) o D’A (Barcelona), acercando las obras de las escritoras a un público más amplio e intergeneracional.

Esto no es una poesía es un proyecto multidisciplinar que comienza su andadura en 2019 de la mano de Cristina Hergueta, Tasio Carmen Bellas.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/ciclo/esto-no-es-una-poesia.

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Lydia Ourahmane – Del 28 de noviembre de 2023 al 1 de abril de 2024

Las instalaciones, vídeos, esculturas y piezas sonoras de Ourahmane interpelan realidades contemporáneas en una reflexión sobre migraciones, colonialismos y geopolítica.

Habitar, unirse, compartir, ser permeable… Todas estas cualidades caracterizan el proyecto 108 Días de Lydia Ourahmane (Saïda, Argelia, 1992), creado específicamente para la torre del MACBA. El título hace referencia tanto a los días en los que la exposición estará abierta al público como al número de personas que la artista ha invitado a ocupar el espacio durante este período. 108 días transporta un contexto urbano ampliado dentro del museo, poniendo énfasis en individuos o colectivos que forman parte de su paisaje social. Estos invitados han sido elegidos especialmente por Ourahmane, que desde 2021 vive en Barcelona. La sala no está ocupada por ningún objeto u obra de arte acabada, sino por lo que cada participante considera urgente e incisivo, con el fin de promover un diálogo crítico y un intercambio con el espacio, el marco institucional y cualquier persona que decida entrar y pasar un rato allí. Con esta propuesta, la artista altera el modo en que el museo opera normalmente: en primer lugar, porque deja el espacio de la sala vacío, salvo los elementos necesarios para la ejecución de cualquier tarea prevista; y en segundo lugar, porque interpreta el encargo del museo de producir una obra invitando a 108 participantes. La confianza entre la artista, la institución, los invitados y el público es lo que confiere significación a la obra. Como muchos otros proyectos de Ourahmane, 108 días alude al entorno inmediato de la artista y contiene implicaciones sociales, políticas y experienciales, a la vez que está invariablemente arraigada en las historias y experiencias personales, ya sean individuales o colectivas. La praxis de Ourahmane plantea una serie de interrogantes: ¿Cómo desafiar las estructuras y parámetros institucionales que definen a las sociedades contemporáneas? ¿De qué modo pueden revertirse la vigilancia y las imposiciones de la burocracia? ¿Qué hacer para que las obras de arte impliquen una protesta activa y efectiva? A través de estas indagaciones, Ourahmane incorpora lo personal al ámbito de lo político y lo doméstico al ámbito de la historia.

Más información y programa completo: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/lydia-ourahmane-108-dias.

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18.11.2023 – 14.04.2024 en La Virreina

Chantal Akerman descubrió las posibilidades del trabajo con instalaciones cuando concebimos D’Est, au bord de la fiction, en 1994, unos cuantos meses después de terminar la edición del film D’Est. Explorar este nuevo territorio resultó emocionante, porque  la dimensión temporal que caracteriza el montaje de las películas se veía ampliada con una dimensión espacial. Ya no operábamos únicamente con las relaciones de los planos colocados uno detrás de otro, sino también sus relaciones al mostrarse uno junto al otro, en varios monitores, mientras buscábamos interacciones, vínculos, resonancias en el espacio.

Juntas concebimos unas 20 instalaciones. Algunas las hicimos a partir de películas existentes, otras dieron lugar a nuevos rodajes o nuevas investigaciones. Cada una tuvo un punto de vista diferente: un deseo, una visión, una obsesión, una intuición, una imagen, un título, un sonido…

A Chantal le gustaba especialmente trabajar en las instalaciones porque le aportaban una sensación de gran libertad. Le gustaba que lo hiciéramos todo «en casa», como artesanas, sin tener que explicarle a nadie adónde queríamos ir a parar. Decía que una instalación, incluso más que una película, no puede ser descrita de antemano, sino que nace poco a poco, a través de la propia obra.

Montando los films D’EstSud y De l’autre côté (2002) ya nos habíamos liberado de la linealidad del relato, pero con las instalaciones lo hicimos todavía más. Estábamos en contacto directo con los materiales mientras los amasábamos y los transformábamos. Trabajábamos la fragmentación, jugábamos con repeticiones, con oposiciones y con desajustes, sin caer en la sistematización. Al emanciparnos de la necesidad del sentido inmediato, al otorgarle una especial importancia a cuestiones relacionadas con el ritmo, el espacio, la presencia o el silencio, buscábamos que surgiera lo previo a cualquier conceptualización, para alcanzar la esencia misma del misterio de la vida.

Esta exposición es un reflejo de nuestro trabajo juntas. No es temática, sino que propone un recorrido abierto que conecta las distintas piezas, que invita a los espectadores a encontrarse con ellas, a encararlas, a dejarse impregnar por su presencia, a explorar el espacio a su ritmo, a crear sus propios caminos. No hay un hilo conductor, salvo aquel que teja cada cual con las imágenes y los sonidos. Las instalaciones de Chantal no dictan nada, nos atraviesan y nos llegan a lo más íntimo. Nos interpelan, nos espolean, nos ponen en movimiento y despiertan nuestro pensamiento.

Es probable que, por todo ello, la obra de Chantal sea profundamente política.

Claire Atherton, comisaria

Más información: https://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/es/exposiciones/encarar-la-imagen/665.

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AzkonaToloza – 9 diciembre a las 12.00 desde Casa de Cultura de Aoiz

Caminar Aoiz – Agoitz ibiltzea es una caminata sonora que nos acerca a la historia fluvial y forestal del territorio de Aoiz a través de las poéticas de AzkonaToloza  y la música de Rodrigo Ramsy. Estreno en el festival LEB de Aoiz el viernes 9 diciembre a las 12.00 desde Casa de Cultura de Aoiz.

Es una producción de LABEA – Laboratorio de arte, ciencia y naturaleza dentro del proyecto Caminos de Arte y Naturaleza que cuenta con el apoyo de Innova Local, Casa de Cultura de Aoiz, Antartika Kultur Container y Acción Cultural Española.

“Caminar Aoiz – Agoitz ibiltzea” nace a partir de un proceso participativo con colaboradores locales + residencia de creación de AzkonaToloza. El proceso participativo se llevó a cabo en Aoiz en Marzo de 2023 y reunió a alguno/as de los más activos caminantes de la ciudad con el fin de explorar los principales caminos de la ciudad de Aoiz y las memorias, tesoros e historias que guardan. Se seleccionó un camino y se mapearon sus principales hitos materiales e inmateriales. Ese mapa es el que AzkonaToloza recogió y ha  trabajado en el proceso de creación llevado a cabo en octubre y noviembre de 2023, y que ha desembocado en una experiencia sonora que se estrenará el 9 de diciembre de 2023  en el Festival LEB Jaialdia,  y que estará disponible para toda la ciudadanía en 2024 a través de placas QR instaladas en el inicio del camino y en la página web de Labea, www.labea.net.

Más información: https://www.labea.net/es/caminar/aoiz/.

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Lawrence Abu Hamdan – 2 de diciembre en Hangar

Nunca ha sido tan urgente debatir los horrores de la guerra aérea de forma exhaustiva e históricamente situada. El próximo Sábado 2 de diciembre a las 19 h, dentro de LaaS y del hilo de investigación práctica Inframantenimiento, Lawrence Abu Hamdan presentará en la sala Ricson de Hangar la performance Air Pressure.

Air Pressure se basa en una investigación realizada entre mayo de 2020 y mayo de 2021, sobre el paisaje sonoro aéreo del Líbano, en la que se documentaron 2.412 casos de aviones de combate y drones israelíes. A través de la secuenciación cronológica y el procesamiento de audio en directo, la performance analiza la relación entre el ruido de fondo y las atmósferas de violencia.

Air Pressure está interpretada por Lawrence Abu Hamdan con diseño de sonido en directo de Moe Choucair.

Información práctica
Día: 2 de diciembre, 2023
Hora: 19 h
Lugar: Sala Ricson, Hangar
Entrada libre hasta llenar aforo

Lawrence Abu Hamdan es un artista e investigador sonoro que se autodefine como “oído privado”: escucha con y en nombre de las personas afectadas por la violencia empresarial, estatal y medioambiental. El trabajo de Abu Hamdan se ha presentado en forma de informes forenses, conferencias y actuaciones en directo, películas, publicaciones y exposiciones en todo el mundo. Obtuvo su doctorado en 2017 y ha sido becario y profesor en la Universidad de Chicago, la New School de Nueva York y, más recientemente, en la Universidad Johannes Gutenberg de Maguncia, donde desarrolla su investigación AirPressure.info.

Las investigaciones sonoras de Abu Hamdan se han utilizado como prueba en el Tribunal de Asilo e Inmigración del Reino Unido y han sido parte fundamental de campañas de defensa de organizaciones como Amnistía Internacional, Defensa de los Niños Internacional y Forensic Architecture. Sus proyectos, que reflexionan sobre el contexto político y cultural del sonido y la escucha, se han presentado en la 22ª Bienal de Sídney, la 58ª Bienal de Venecia, la 11ª Bienal de Gwangju, la 13ª y 14ª Bienal de Sharjah, el Witte De With de Rotterdam, la Tate Modern Tanks, la Chisenhale Gallery, el Hammer Museum de Los Ángeles y el Portikus de Fráncfort. Estas obras forman parte de las colecciones del Reina Sofía, MoMA, Guggenheim, Hamburger Bahnhof, Van AbbeMuseum, Centre Pompidou y Tate Modern. Abu Hamdan ha sido galardonado con el Premio del Público de la Bienal de Toronto 2020, el Premio de Arte Edvard Munch 2019, el Premio Nam June Paik 2016 para nuevos medios y en 2017 su película Rubber Coated Steel gana el premio de cortometraje Tiger en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam. Para el Premio Turner 2019, Abu Hamdan, junto con los artistas nominados Helen Cammock, Oscar Murillo y Tai Shani, formó un colectivo temporal para que se le concediera conjuntamente el galardón.

Actividad desarrollada por Hangar y La Virreina en colaboración con La Casa Encendida.

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Guiu/Laia Gimeno Bardis, Laura Roig

La llenya escalfa dues vegades (La leña calienta dos veces)

Martes 14 de noviembre de 2023, a las 18.30 h

El concurso de astillar es una de las tradiciones más antiguas y más populares del pueblo de les artistas, Torrelles de Llobregat, que se celebra cada año en memoria de todas aquellas personas que trabajaban y habitaban los bosques: los leñadores.

La leña calienta dos veces nace del deseo de compartir esta festividad rural, utilizando el concurso como engranaje para trasladar los lenguajes de la tradición oral a los escénicos, llevando la acción desde el bosque hasta la Sala Gran de La Capella. La pieza dialoga entre la tradición y la contemporaneidad, y a través de la acción se revisa y se cuestiona la historia y las múltiples violencias que la propia tradición ha perpetrado. La performance se despliega en tres momentos escénicos: el bosque, el viaje de los trajinantes y la activación del concurso de astillar en la Sala Gran de La Capella. El live de Instagram será el dispositivo para generar la retransmisión en directo del viaje de esta tradición, desde el bosque hasta la ciudad.

*Live instagram en @lacapellabcn desde las 10 h

Guiu/Laia Gimeno Bardis y Laura Roig son dos amigues de toda la vida que deciden trabajar conjuntamente para explorar la posibilidad de un diálogo entre su contemporaneidad y el folklore popular de su pueblo. Su primera pieza es Galop de Panderetes (2022), estrenada en Hangar y reprogramada en el festival Rihihiu.

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Estanis Comella

SXT – Courtyard Rosebush

Miércoles 15 de noviembre de 2023, a las 19 h

SXT es un proyecto a largo plazo en el que confluyen escritura y producción musical, que toma el directo como soporte desde el que insertar imágenes en el espacio arquitectónico en forma de atmósferas que se desvanecen. En esta performance, el espacio de La Capella del Antiguo Hospital de la Santa Creu será el lugar donde materiales procedentes de un archivo propio, textos e imágenes, sientan las bases sobre las que poder improvisar en el directo, y se convierten en parámetros coreográficos. Courtyard Rosebush, una de las variaciones que nace de SXT, describe las leves modulaciones que ocurren en las secuencias temporales que lo estructuran. Los materiales empiezan a tomar forma de manera orgánica en torno a una noción, seamless, que, aplicada al sonido, sería una forma de señalar la continuidad y la sensualidad en el flujo, volviendo la linealidad del tiempo rotación.

Estanis Comella (Lleida, 1985). Los elementos que constituyen mi práctica tienen un comportamiento maleable, y buscan materialidades ligeras que se adapten a un contacto constante con el trabajo. Partiendo de una sensibilidad escultórica latente, imágenes, textos, sonido y dibujos pierden información en cada aproximación en la que intentan configurar atmósferas donde estas materialidades se superponen y generan amplitud. Es en la dificultad de nombrar cierta temperatura subyacente en el conjunto de esta práctica donde se instaura un campo poético que inunda soportes como la publicación, el espacio o el directo.

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Ari Cardozo

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?

Jueves 16 de noviembre de 2023, a las 17 h

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? es un concierto de larga duración, centrado en la improvisación electroacústica, en el que se trabaja con la eclosión de fenómenos sonoros y la voz. El proyecto pone el foco en la música como lenguaje capaz de generar y sintetizar experiencias trascendentales y pensamiento, para hacerse un sitio dentro de las prácticas artísticas contemporáneas. Prescindiendo de acompañamiento visual adicional, el propio cuerpo del concierto se convierte en la obra y la escena.

Ari Cardozo (Caracas, 1996) es una artista afincada en Barcelona. Apasionada por la música y activa en la escena underground de la ciudad, publica música de manera independiente desde 2016. Es miembro del colectivo y sello catalán Nova Era, referente local en la escena emergente en torno a SoundCloud. Entre sus trabajos recientes de performance destaca Demasiado ímpetu, encargada para la inauguración del festival Art Nou 2022, así como conciertos para las exposiciones Vermell Passió, de Irantzu Yaldebere (Halfhouse, 2022), e Information Resort, de Rafa Castells (L’Hospitalet de Llobregat, 2023).

 

Más información sobre el programa de Acción en vivo y La Capella: https://www.lacapella.barcelona/es.

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