— MuroTRON

Dana Michel – 27 de febrero en La Mutant

De niña, Dana Michel solía ponerse una toalla amarilla enroscada en la cabeza para volverse rubia, como si, de este modo, pudiese convertirse en otra persona. En YELLOW TOWEL, revisita este universo escapista de alteregos en un ritual performativo que busca sortear toda censura. Combinando austeridad y absurdidad, se adentra en los tropos de la cultura negra y los seres marginales, y les da la vuelta para comprobar si es capaz de encajar en ellos. Presenciamos, así, como hace emerger de esta intensa excavación una extraña criatura cuya lenta y desconcertante metamorfosis seguimos con fascinación; asistimos a una suerte de exorcismo en tecnicolor.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/yellow-towel-dana-michel/.

«Mezcla de improvisación intuitiva, coreografía y performance, mi práctica ofrece una exploración pública de la multiplicidad del ser. Trabajo con nociones como la alquimia performativa o el sueño lúcido, y recurro a mi historia personal, preocupaciones actuales y deseos futuros, para crear un movimiento centrífugo y empático con las personas presentes. Quizá hoy mi trabajo pueda describirse a través de algunas de sus influencias y encarnaciones: escultura, comedia, hip-hop, cine, tecno, poesía, psicología, dub y comentario social. Durante las fases de investigación, combino el trabajo dentro y fuera del estudio, entretejiendo instantes dedicados a sumergirme en un tema —a través de la escritura, la lectura, el vídeo y la conversación— con otros de distensión que permiten al cuerpo tomar protagonismo desde un lugar más intuitivo. En este proceso, me nutro de sonido, silencio y disonancias, en ocasiones, sobrecargo mi cuerpo y mente con estímulos para los que busca respuesta. Mi visión cinética permanece atenta a los pequeños detalles que se manifiestan en forma de movimientos delicados, resonancias, colores, texturas y algunas experiencias lumínicas, y que contribuyen a afinar la trayectoria de las piezas.

Uso la dificultad como metodología de navegación para convertir mis trabajos en espacios de vulnerabilidad y sorpresa, donde es posible generar una escucha íntima y cercana, y compartir con menos vacilación. Para ello, entiendo a los seres vivos como pruebas matemáticas o portales, formados por billones de posibilidades, da todavía más profundidad que permanece abierto a la interpretación, un vasto territorio de encuentro y ensayo que amplía las formas de ver y experimentar.

Siempre trato de huir de cualquier intento de reducir lo que hago o digo a un solo significado, y podríamos decir que he aprendido a comunicarlo de forma cacofónica”.

Dana Michel

Bárbara Sánchez – 17 de febrero en La Mutant

Morta Splendor ha venido a mostrarte su rostro. Ella es el reflejo más siniestro y necesita tu corazón caliente para poder existir. Número tras número, como sucede en los espectáculos de variedades, ella hará aparecer ante ti distintos personajes, distintas voces y distintos cuerpos. Pero ella siempre será la misma: da igual que aparezca como una gótica auténtica, una moderna siniestra, una bailarina exótica, un espectro o un payaso espeluznante. Ella es la extinción misma y está aquí para mostrarnos que, si para algo sirve el teatro, es para dejarnos ver como todo llega a su fin.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/morta-esplendor-barbara-sanchez/.

Bárbara Sánchez “Puchereta” es bailarina, actriz, coreógrafa y directora de escena. Nace y vive actualmente en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla. Su trabajo se mueve entre los límites del teatro, la danza y lo performativo. Sus principales líneas de acción son: crear obras en libertad, el humor, la hondura poética y el trabajo de incorporación energética de arquetipos, y, desde 2010, al entender que las mujeres no creen en una sociedad igualitaria, el feminismo la atravesará para siempre, tanto a ella como a su obra. Ha creado las obras escénicas A la vuelta de la esquina(2003), El jardín de atrás(2005), Plutón no es un planeta(2008), Gala Fantoche(2010), Ahuyéntanos este furor(2011), La satisfacción del capricho(2013), Electrohumor(2016), Somewhat paler(2016), Várvara(2019) y Morta Splendor(2022). Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Sociedat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III). Combina la creación escénica con la realización de talleres de creación en los que comparte sus intereses y prácticas artísticas.

Sandra Gómez – 16 y 17 de febrero en Sala Carme

Heartbeat es un solo de movimiento para una intérprete. La primera finalidad de este solo es ocupar un espacio y un tiempo bailando. Una sesión de tres horas de música dance, hip hop, techno y electrónica sirven de base al movimiento. La pulsación de la música es la que marca el ritmo y la que ofrece el estímulo al cuerpo para moverse. Un cuerpo que está “a la escucha” de sus necesidades así como de su espontaneidad en un ejercicio de improvisación.
 
La temporalidad que propone el trabajo provoca y permite calentar el cuerpo mediante la acción. Es así cómo, a través de dicha acción, baile o danza y mediante un efecto físico-químico, este cuerpo sube su temperatura, sus poros se dilatan y suda, se hace permeable abriéndose a cualquier estímulo, dejándose afectar. Un cuerpo que se entrega a la pérdida, al abandono para acabar mostrándose en su carnalidad. Podría decirse que, el recorrido que realiza, viene marcado por una búsqueda, la de perderse y encontrarse en un nuevo cuerpo o incluso en diferentes cuerpos, en diferentes realidades donde deseo y placer están presentes.
 
En Heartbeat el movimiento quiere alejarse de lo formal y de lo académico, siendo éste un elemento plástico y expresivo resultado del uso de una determinada energía y no una coreografía de formas cerradas. Una propuesta donde se juega a buscar los límites espaciales, temporales y energéticos de un cuerpo.

Este solo fue preestrenado el 2 de junio en la sala Carme Teatre de Valencia y el 30 de octubre de 2016 en la sala Pradillo de Madrid, estrenado el 20 de enero de 2017 en la sala Carme Teatre de Valencia y mostrado en La Caldera de Barcelona, en el Teatro Ensalle de Vigo y dentro del festival Domingo en la Casa Encendida de Madrid.

Más información y entradas: https://sangoproyectos.wixsite.com/dela/heartbeat.

Idea e interprete: Sandra Gómez

Proyección: Sergi Faustino.
Luces: Antoine Forgeron.
Gracias a: Espai Flotant.
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia.
Este trabajo se ha gestado dentro del espacio de encuentro e intercambio misióndivina.

Trajal Harrell & Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble – 23 y 24 de febrero en Conde Duque

En 1975, en medio de una gira agotadora que tenía como eje las improvisaciones al piano cada noche, la celebridad del jazz norteamericano de vanguardia Keith Jarrett se encontró con un imprevisto fatal en Colonia, Alemania. En lugar del piano de cola imperial Bösendorfer 290 que habían acordado, se encontró con un desvencijado y destartalado piano sin marca ni pedigrí, inconcebible para el intérprete y compositor, que quiso cancelar y al final no pudo. Salió entonces al escenario y no solamente interpretó desde ese instrumento el mejor concierto de la gira sino de toda su carrera. The Köln Concert es citado como concierto ejemplar y musicalmente único pero también como la prueba irrefutable de la primacía y el poder del sentimiento en la música.

Es bueno conocer la anécdota para poder acceder a las intenciones últimas que hay detrás de The Köln Concert, la versión coreográfica que ha ideado el creador estadounidense Trajal Harrell, uno de los nombres más reputados e innovadores de la nueva danza y al que el Festival de Otoño de Paris dedica su Portrait en 2023 con 9 de sus obras. Hay vestigios de la pandemia del coronavirus en esta creación que consiste principalmente en solos que se bailan reunidos. El encierro y la incomunicación dejaron a Harrell reflexionando sobre la danza de la privacidad, la que solitarios en nuestra casa hacemos para el disfrute, sobre la premisa de libertad que otorga no ser visto cuando bailas esa música que te gusta.

Una escenografía simple de siete taburetes de piano perfectamente distanciados unos de otros subraya la sensación de aislamiento, mientras los bailarines, incluido el mismo Harrell, van entrando con sus trajes de pieles, terciopelo y flecos, cada uno ensimismado y emocionado con la envolvente improvisación de Keith Jarrett. Están sobreexpuestos pero no lo parece.

El coreógrafo no para de jugar con los espectadores desde el mismo momento que entran a la sala. Instalado cómodamente, observa al público llegar como si él espectador fuese él. Sabe que en la cabeza de todos está la idea de ver bailado el concierto de Jarrett y sorprende y despista con un preludio, interpretando un solo de danza a partir de una canción de Joni Mitchell.

A fecha de hoy, Trajal Harrell, que ha basado buena parte de su obra analizando y reinventado la cultura de la danza y la música vanguardistas de su país, sigue suscribiendo el lema del No manifiesto, de Yvonne Rainner, que decía aquello de “no al espectáculo, no al virtuosismo”, un pensamiento que fue guía y parte esencial de su trabajo más complejo, celebrado y difundido: Twenty Looks o París is Burning at the Judson Church, proyecto largo que desarrolló entre 2009 y 2013.

Como coreógrafo, parecía sentir necesidad de reivindicar y homenajear a un tiempo a los pioneros, a ese grupo de artistas reunidos en los años sesenta en el efímero pero significativo grupo de la Judson, los artistas posmodernos que abogaron por la libertad creativa y el derribo de las normativas impuestas a la danza. Pero al mismo tiempo rizaba el rizo imaginando cómo sería un encuentro entre los cultos posmodernos y los que, simultáneamente, en  otro lado de la misma ciudad de Nueva York, estaban construyendo el voguing, baile de los afroamericanos de Harlem, de la resistencia LGTBI, que progresivamente evolucionaría hasta Madonna.

Vestidos de negro, de puntillas, Trajal Harrell y sus seis compañeros intérpretes representan una forma de danza individual en el cruce entre diferentes géneros, en la que el voguing se mezcla con influencias que van desde la antigua Grecia hasta el teatro Noh.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/trajal-harrell-schauspielhaus-zurich-dance-ensemble-koln-concert.

Con el apoyo de LAV (Tenerife), Centro Párraga (Murcia), Festival Citemor (Portugal) y Azkuna Zentroa (Bilbao)

Aimar Pérez Galí – Del 8 al 11 de febrero en el Mercat de les Flors

ALBA es un recital de danza y piano, pero también es una publicación de coreografías musicales, o un álbum de poemas danzados. Es un juego sobre la escritura coreográfica, musical y poética. En este nuevo trabajo, Aimar Pérez Galí se propone entender la composición como un tema en sí mismo, jugando con las reglas propias de los diferentes lenguajes para establecer caminos intertextuales de ida y vuelta. Con cinco intérpretes y un pianista en directo, desplegarán un poemario coreográfico inspirado en artistas que han entendido el lenguaje y su composición como juego, desde Joan Brossa a Raymond Queneau, Lucinda Childs, Gloria Fuertes, Tom Johnson, Maria Mercè Marçal, Josep M. Mestres Quadreny o Georges Perec.

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Se graduó como intérprete en danza contemporánea por la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam y posteriormente cursó el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Es docente de composición en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre, del que ha sido miembro del equipo directivo entre 2019 y 2022. Su obra, que se ha podido ver a nivel nacional e internacional, incluye trabajos escénicos como Sudando el discurso: una crítica encuerpada, The Touching Community o èpica, la película Touching Blues, publicaciones como Sudando el discurso, Lo tocante o los Cuadernos sobre el tocar, escritos junto a Jaime Conde-Salazar, con quien comparte el proyecto CondeGalí BL, creando trabajos dirigidos a público escolar como DITDIT o Subjecte · Verb · Predicat. Desde hace tres años estudia piano.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/alba/.

Citas a ciegas, de Sol Picó, 31 de enero y 1 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/cita-a-cegues/.

Notàlgia Ionqui (o vull tornar a ser gay), de Pere Faura, 2 y 3 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/nostalgia-ionqui-o-vull-tornar-a-ser-gay/.

Celebration, de Montse Colomé, 4 y 5 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/celebration/.

Paul B. Preciado – 15 de febrero en Azkuna Zentroa

Lectura dramatizada que el filósofo, comisario de arte y escritor, Paul B. Preciado pronunció ante tres mil quinientos psicoanalistas reunidos para las Jornadas de l’École de la Cause Freudienne en París, en diciembre de 2019.

Retomando el texto de Franz Kafka en el que un simio que ha aprendido el lenguaje humano se dirige a una academia de científicos, Paul B. Preciado se dirige como hombre trans y persona de género no binario a la asamblea de psicoanalistas no sólo para denunciar la violencia estructural que la psiquiatría, la psicología y el psicoanálisis llevan a cabo sobre las personas consideradas como homosexuales, trans, intersexuales, o de género no binario, sino también para invitar al psicoanálisis a abrirse a las mutaciones de género y sexuales que están teniendo lugar.

El resultado es un monólogo al mismo tiempo íntimo y político que no sólo se dirige a los psicoanalistas sino a cada uno de nosotros y a nuestra capacidad para acoger el cambio e imaginar una nueva utopía.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/paul-b-preciado-yo-soy-el-monstruo-que-os-habla/. | Texto de Mar Valyra sobre la obra publicado en Teatron: https://www.tea-tron.com/mambo/blog/2023/03/30/proteo-acariciade/.