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Vértebro – 16 de febrero en Centro Párraga

Cuando nos situamos ante la imagen, según Georges Didi-Huberman, estamos ante el tiempo. Y la obra artística inventa una forma del tiempo. Obra artística, imagen, cuerpo, tiempo, sonido… elementos unívocos y esenciales que están en la base de esta nueva pieza del colectivo andaluz Vértebro, que se erige aquí en canal de transmisión entre un dispositivo y un público. La pieza ha ido sufriendo transformaciones desde que fue tan solo deseo; metamorfosis y destilación que alcanza una especial sencillez. Después de un tiempo de barbecho, la tierra es otra: o se pierde o renace. Vértebro estuvo en barbecho y ahora renace. Ángela López, Juan Diego Calzada y Nazario Díaz estrenaron en el festival TNT de Terrassa de 2021 su espectáculo post-barbecho, esta imagen terrestre que llega como una caja de postales que ellos describen para el público. De observar el paisaje desde la distancia de la inacción relativa (nunca se está en barbecho del todo) y desde la relación, pantalla mediante, impuesta por el imperativo pandémico, surgen las ganas de hablar de una humanidad que gravita alrededor de la incertidumbre y se desvanece ante la vida misma. ¿Cómo lo hacen?

Lo hacen a través del viejo arte de la écfrasis, la descripción directa y fiel de una imagen, la búsqueda del grial de la objetividad, la utopía de una transmisión limpia y desinteresada. Tres intérpretes vestidos de negro, sobre un fondo negro, envueltos en un sonido continuo y una partitura de movimiento que genera a su vez imagen, imagen viva enmarcada por haces de luz. Tensión entre lo que está delante y lo que está detrás, lo que se ve y lo que se imagina. Tensión entre la palabra teatral y la palabra oral, espontánea. Tensión entre el silencio y el sonido. Tensión entre la luz artificial y el extractivismo global. Tres vampiros devoran un catálogo de imágenes que devuelven convertidas en palabras asépticas. ¿Es posible? Es posible si, como espectadores, nos enfrentamos vírgenes al dispositivo teniendo presente que nos define hoy como seres humanos un consumo voraz y compulsivo de imágenes y que son las imágenes las que establecen, como elementos sociológicos, filosóficos y políticos, nuestra relación con los otros y con el mundo.

                                                                                                                           Álvaro Vicente

Más información y entradas: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3907,i,1&r=Portal-50402-DETALLE_EVENTO.

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Programa completo: https://www.festivalsalmon.com/programa/.

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Alberto Cortés – 19 y 20 de enero en Conde Duque 

A partir de lo que canta Ana Torroja (Mecano) en La fuerza del destino, eso de «una noche en el bar del Oro me decidí atacar» o quizá gracias a lo que dijo Rilke, «todo ángel es terrible», Alberto Cortés sube al escenario con el músico César Barco para soltarnos una declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. «Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica», dice el mismo Cortés.

Descalzo, vestido con una blusa de volantes y unos eslips, el dramaturgo y performer invoca la figura del ángel, se pregunta cuáles son las identidades que están en ese lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo y cómo vamos a proteger a estos cuerpos cuando se expongan en su fragilidad. Porque sabe que él es fruto del amor y del deseo, de lo que otros hombres han hecho con él, con su lenguaje, su manera de mirar y de hacer. En el camino se le aparecen todas las grietas sin resolver que forman parte de lo inabarcable asociado a lo romántico; las tensiones entre las teorías que se formulan para inventar nuevas formas de relacionarse con la toxicidad masculina y la heteronorma y al mismo tiempo la capacidad de caer enfermos de deseo ante El Hombre que ara la tierra. Esa grieta es esta performance.

El artista malagueño comenzó su carrera en Málaga en 2009 y desde 2013 trabaja en solitario. Desarrolla su actividad formándose y relacionándose con diversas creadoras y compañías nacionales e internacionales. Ha creado montajes como Viva la guerra, Historia de Mikoto, Yo antes era mejor, Hollywood, Masacre en Nebraska El Ardor. En 2022 publica Los montes son tuyos (que reúne El Ardor, de 2021, y One night at the Golden Bar, de 2022) con la editorial Contintametienes.

Más información y entradas: Conde Duque | artículo de Bárbara Mingo Costales

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Inkuybeta Tales es un relato que imagina relaciones interespecie en las ruinas del capitalismo desde la ficción especulativa y las ecologías queer. La historia se sitúa en un futuro postapocalíptico dentro de un bosque enfermo y mágico. Le protagonista es Inkuybeta, una criatura que ya no puede habitar el exterior porque la contaminación del aire pudre sus conductos de ventilación. Vive en una cueva con un nido gigante para incubar un huevo que encontró explorando, del cual nacen musgos y líquenes. Son los últimos vegetales de ese mundo. Con el tiempo, Inkyubeta y el huevo de musgo han comenzado a vivir en una relación de interdependencia. Se han fusionado y se relacionan desde patrones de xenosolidaridad.

En la performance encarno a Inkuybeta y el huevo es una escultura protésica que funciona como un terrario de musgo. La he construido para llevarla colgada en mi torso y sonificar el contacto de cuerpos (musgo-plástico-piel). Creo así una composición sonora en directo que evidencia con el sonido la quimera híbrida de organismos que cohabitan. Funciona como una polifonía de múltiples voces sintéticas que se van sumando hasta crear un gran coro.

Performance, diseño sonoro y prótesis: Alicia Arévalo.
Vestuario: Zoe Oms.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/b23yo-inkuybetatales-alicia-arvalo-24th-jan-sala-taro-barcelona-tickets.

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Grandissima Illusione – 18 de enero en Azkuna Zentroa

Hola, soy Cris Blanco. Hoy es 12 de marzo de 2022 y escribo este texto desde la casa de mi madre, donde crecí, viendo por la ventana mi cole, el Bravo Murillo, en el que pasé 8 años. En la tele dicen que ayer hizo 2 años que se declaró la pandemia. Así que hace 2 años que empecé a pensar en esta obra de teatro (bueno, no sé si es esta obra que vas a ver…). Empecé a pensar en una obra muy grande, Grandissima Illusione se llamaba. Con muy buenas actoresqw (perdón por el error, mientras escribía esta frase mi perro ha pisado el teclado) con un cuerpo de baile, un coro en directo… era una obra de gran formato, con grandes escenografías recicladas de grandes producciones del Teatre Nacional de Catalunya.

El último montaje de Cris Blanco es el proyecto de investigación y creación de una pieza escénica de gran formato en la que conviven varios géneros teatrales. “Grandissima Illusione” es, según su propia creadora, un homenaje al teatro y a las convenciones teatrales, que le obsesionan.  La obra arranca cuando un personaje teatral del siglo XVII, una Marquesa de Lope de Vega, por ejemplo, se topa con el técnico tatuado del teatro y se enamora de él. A partir de ahí el caos se apodera de la obra y todas las convenciones saltan por los aires.

Nacida en Madrid, Cris Blanco vive en Barcelona. Desde el 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en danza, teatro y cine. Ha trabajado en escena con Cuqui y María Jerez, Amaia Urra, Juan Domínguez y Xavier Leroy, y en cine con Roser Aguilar e Icíar Bollaín, entre otras. Acompaña proyectos artísticos, imparte clases en el Instituto del Teatro y participa en proyectos educativos. Algunos de sus trabajos escénicos incluyen “cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE” (2004), “ciencia_ficción” (2010), “El Agitador Vórtex” (2014), “Bad Translation” (2016) y “Pelucas en la Niebla” (2018). En el 2019 creó “Lo mínimo y lo pequeño”, con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Sus creaciones se han visto en escenarios y festivales europeos, americanos y asiáticos.

Dirección: Cris Blanco
Interpretación: Cris Blanco y Óscar Bueno
Acompañamiento artístico: Anto Rodríguez, Óscar Bueno
Dramaturgia: Cris Blanco, Rocío Bello, Anto Rodríguez, Óscar Bueno
Consejo teatral: Roberto Fratini
Diseño de luces/Coordinación técnica: Montse Piñeiro y Cristina Bolivar
Diseño de sonido: Carlos Parra
Vídeo directo: Andrea Balaguer
Ayudante de vestuario: Oriol Corral
Fotografía y grabación: Mila Ercoli
Producción: Ariadna Miquel
Asistente de Producción: Andrea Balaguer
Coproducción del Grec 2022 Festival de Barcelona, Cris Blanco i Conde Duque Madrid.
Apoyos: El Graner, Teatre CCCB, Proyecto premiado con la Beca Premis de Barcelona 2020 y las Becas de Recerca e investigaciò del OSIC 2022.

Más info y entradas: Azkuna Zentroa | artículo de Rubén Ramos Nogueira

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20 de diciembre en La Mutant

NORBERTO LLOPIS

“Movimientos” es una investigación a caballo entre la práctica en danza, la performance y el pensamiento, que toma como materia de estudio las escrituras de la poetisa Gertrude Stein.

LUCÍA JAÉN

Un ejercicio de revelado de imágenes y un ejercicio de danza se encuentran en un mismo espacio y una temporalidad común: la duración del revelado viene a ser la duración de la danza – el movimiento se ve interrumpido.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/zona-grisa-llopis-jaen/#tab-id-2.

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17 de diciembre en La Mutant

El projecte Motors de Creació de l’APDCV (Associació de Professionals de Dansa de la Comunitat Valenciana) es centra en compartir amb el sector artístic, professional i el públic en general els processos de creació d’artistes de dansa i/o, pel seu interès específic, altres artistes de les arts escèniques o performatives.

A partir de les pràctiques artístiques de les artistes valencianes Paula Romero i Sandra Gómez, les artistes Aitana Cordero i Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego han establert un diàleg respectivament, per compartir les pràctiques amb un grup de persones que han participat en un taller a l’IVAM i l’altre a Espai LaGranja, també respectivament.

Les mostres que es presenten a La Mutant, són el resultat doncs del diàleg sobre les pràctiques i el processos de creació, fruit de la interacció entre Paula Romero i Aitana Cordero amb un grup de persones durant tres dies, i paral·lelament, de la interacció entre Sandra Gómez i  Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego  amb un altre grup de persones també durant tres dies.

Motors de creació és doncs un espai obert al descobriment i anàlisi dels processos de creació de les artistes però a partir de les pràctiques artístiques, és a dir des de l’interior de la pròpia matèria de les metodologies, ferramentes i els processos de creació.

Fitxa artística

Paula Romero i Aitana Cordero, més les persones participants al taller desenvolupat a l’IVAM

Sandra Gómez i  Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego , més les persones participants al taller desenvolupat a Espai LaGranja

El projecte ha sigut comissariat per Santiago Ribelles i produït per l’APDCV

Disseny: Vicente Ribelles

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/motors-creacio-apdcv/#tab-id-1.

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Lydia Ourahmane – Del 28 de noviembre de 2023 al 1 de abril de 2024

Las instalaciones, vídeos, esculturas y piezas sonoras de Ourahmane interpelan realidades contemporáneas en una reflexión sobre migraciones, colonialismos y geopolítica.

Habitar, unirse, compartir, ser permeable… Todas estas cualidades caracterizan el proyecto 108 Días de Lydia Ourahmane (Saïda, Argelia, 1992), creado específicamente para la torre del MACBA. El título hace referencia tanto a los días en los que la exposición estará abierta al público como al número de personas que la artista ha invitado a ocupar el espacio durante este período. 108 días transporta un contexto urbano ampliado dentro del museo, poniendo énfasis en individuos o colectivos que forman parte de su paisaje social. Estos invitados han sido elegidos especialmente por Ourahmane, que desde 2021 vive en Barcelona. La sala no está ocupada por ningún objeto u obra de arte acabada, sino por lo que cada participante considera urgente e incisivo, con el fin de promover un diálogo crítico y un intercambio con el espacio, el marco institucional y cualquier persona que decida entrar y pasar un rato allí. Con esta propuesta, la artista altera el modo en que el museo opera normalmente: en primer lugar, porque deja el espacio de la sala vacío, salvo los elementos necesarios para la ejecución de cualquier tarea prevista; y en segundo lugar, porque interpreta el encargo del museo de producir una obra invitando a 108 participantes. La confianza entre la artista, la institución, los invitados y el público es lo que confiere significación a la obra. Como muchos otros proyectos de Ourahmane, 108 días alude al entorno inmediato de la artista y contiene implicaciones sociales, políticas y experienciales, a la vez que está invariablemente arraigada en las historias y experiencias personales, ya sean individuales o colectivas. La praxis de Ourahmane plantea una serie de interrogantes: ¿Cómo desafiar las estructuras y parámetros institucionales que definen a las sociedades contemporáneas? ¿De qué modo pueden revertirse la vigilancia y las imposiciones de la burocracia? ¿Qué hacer para que las obras de arte impliquen una protesta activa y efectiva? A través de estas indagaciones, Ourahmane incorpora lo personal al ámbito de lo político y lo doméstico al ámbito de la historia.

Más información y programa completo: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/lydia-ourahmane-108-dias.

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El Museo Reina Sofía presenta la quinta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance. Desde la especificidad curatorial y con una óptica experimental, ESTUDIO propone percibir el trabajo artístico como proceso de aprendizaje de lo que está aún por conocerse. Asimismo, se incorpora su acepción espacial —el estudio como lugar de trabajo y experimentación— y ensayística —una apuesta por un conocimiento que se abre a lo incierto a partir de su alianza con el lenguaje y que funciona como prueba de todo aquello que damos por sabido—.

Bajo el título En el hueco, acontece, esta edición presta atención a las cavidades, mentales y físicas, que se abren en nuestros cuerpos tras el paso de otros cuerpos. Como seres porosos vivimos en relación e intercambio constante con otres. No solo porque somos sociales, o porque habitamos el planeta, lleno de otros seres vivos, sino porque somos el planeta. También su historia. Como parte de este ser-planeta, las tres propuestas de esta edición de ESTUDIO toman el testigo de una responsabilidad poética. Ola Maciejewska, Josu Bilbao y Paz Rojo ensayan formas materiales que son poéticas, físicas y anatómicas, y que implican pasar por la experiencia sabiendo que no hay resultados garantizados.

Ola Maciejewska, FIGURY (przestrzenne), Galería Nadežda Petrović. Fotografía: Milenko Savović

Miércoles 13 de diciembre, 2023 – 19:00 h

FIGURY (przestrzenne). Ola Maciejewska

Josu Bilbao, ágidxen. Fotografía: Josu Bilbao, 2023.

Jueves 14 de diciembre, 2023 – 19:00 h

ágidxen. Josu Bilbao

Paz Rojo, Lo que baila, Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón, 2022. Fotografía: Carlos Pascual

Jueves 14 de diciembre, 2023 – 20:00 h

Lo que baila. Paz Rojo

Más información y entradas: https://www.museoreinasofia.es/actividades/estudio-v.

Comisariado por Isabel de Naverán.

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