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ciclo artístico

Del 3 al 14 de diciembre en La Casa Encendida

Cuerpa es un festival creado por Aitana Cordero que pretende compartir y hacer accesible el trabajo de un grupo de mujeres relacionadas con las artes escénicas (coreógrafas, compositoras corporales, bailarinas de conceptos) cuyas investigaciones ponen el foco en el cuerpo —en concreto el femenino— y lo relacionan con la intimidad, la sexualidad y la violencia.

En un momento en el que la apropiación o necesidad de pertenencia a macrodiscursos es tan acusada y, no por ello menos necesaria, pero en el que quizás las palabras parecen decir más que las acciones, los microespacios, las distancias cortas y el autoconocimiento se han hecho secundarios o irrelevantes.

Las paradojas nos inundan y Cuerpa surge de la necesidad de poner sobre la mesa lo que supone habitar un cuerpo físico y de la idea de que es posible generar conocimiento, cambio y experiencia a partir de este.

El festival plantea cuáles son las éticas y estéticas de lo posible, lo permitido, la vulnerabilidad y los límites de lo que puede o no compartirse en escena y con otros cuerpos. El cuerpo como campo de batalla y sujeto discursivo entregado a prácticas que hablan por sí solas.

Del 3 al 14 de noviembre, Cuerpa propone adentrarse en trabajos de artistas que se están cuestionando cómo significan sus cuerpos, cómo son percibidos y categorizados, pero que no dejan de lado la experimentación de sus límites y posibilidades, que juegan con la capacidad propia de construirse y destruirse.

Trabajos que lidian con la necesidad de nuevas corporalidades y formas escénicas desde una perspectiva que no resalta únicamente los beneficios de asimilar estos haceres y discursos, sino que también reivindican y exponen el placer, el esfuerzo, la violencia y la incertidumbre que supone el proceso continuo de trasladarlos al cuerpo material, de trabajarlos desde la experiencia corporal.

Cuerpos con piel, vísceras, cuerpos con orificios, cuerpos en los que el placer, lo sensual y el dolor mental y físico se entrelazan. Y que cuestionan el poder de lo cultural y sus normas. Cuerpos en fiesta, en dedicación, en pregunta constante, que se exponen para ser compartidos y celebrados.

Partiendo de su propia necesidad hacia un discurso más experiencial que teórico, Aitana Cordero propone un juego al crear este festival. Extraer de su propia vivencia y de su trabajo como coreógrafa y creadora de espacios y cuerpos sus principales obsesiones y temas recurrentes, sus propias maneras de entender lo escénico, el cuerpo y el “recibir como público” para después vincular cada aspecto con otras artistas que la han inspirado en los últimos años y así crear el programa.

De esta manera surgen estos temas que pretenden tocarse y cuestionarse durante el festival:

la INTIMIDAD,

la VIOLENCIA,

la OBJETUALIDAD,

la SENXUALIDAD,

la DECONSTRUCCIÓN como estrategia constructiva,

y el COMPARTIR, el compartirnos.

Además, como una de sus actividades principales, antes del festival se desarrollarán los talleres de preparación a Cuerpa, en los que Aitana Cordero trabajará con varios grupos de personas sin experiencia previa en las artes escénicas, con la danza o con el arte, en dos barrios y contextos distintos de Madrid. Para ello el festival colaborará con la Casa San Cristóbal de la Fundación Montemadrid y la Universidad Carlos III (Leganés y Getafe).

Entre los objetivos de estos encuentros está dialogar con unas receptoras nuevas, crear un inventario de preguntas y reacciones y construir un espacio para explorar nuevas herramientas con las que enfrentarnos a la recepción escénica y al compartir-nos con otros cuerpos. Durante el festival, La Casa Encendida colaborará con Fundación Instante y Casa de las Alhajas, espacios que acogerán parte de la programación.

Proyecto realizado con el apoyo del programa de ayuda a festivales del Ayuntamiento de Madrid.

Programa

Del 19 al 27 noviembre “A Cuerpa”, talleres con Aitana Cordero.

03 y 04 diciembre “In Many Hands”, de Kate McIntosh.

05 diciembre Muestra de proceso “Lands of Concerts”.

06 y 07 diciembre “Dream Hostel”, de Mala Klein.

07 diciembre “Tamago (egg)”, de Jija Sohn.

09 diciembre “Una lucha transformadora”, con Florentina Holzinger y Btisame Amadour.

10 diciembre “RECOVERY”, de Florentina Holzinger.

14 diciembre “21 pornographies”, de Mette Ingvartsen.

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Vuelve Gelatina, el festival de arte y pensamiento que en su segunda edición nos acerca a narrativas que ponen en duda la propia idea de “individuo” al reconocer que lo “alien” ha estado siempre y que es una parte indispensable del ser humano.

Mediante su programa de charlas, performances, talleres y conciertos, Gelatina quiere seguir acercando a un público amplio distintas herramientas para poder interpretar (y producir nuevas formas de acción) un presente marcado por las lógicas turbocapitalistas, el desarrollo tecnológico acelerado o la toxicidad antropogénica.

El festival subraya la colonización mutua entre lo tecnológico y lo biológico, así como “modos de pensamiento” no antropocéntricos en los que se incluye a la inteligencia de especies tanto orgánicas como sintéticas. En Gelatina, en una especie de afrofuturismo 2.0, el aceleracionismo se encuentra con un pensamiento negro radical; el planeta se convierte en un laboratorio, los cuerpos 3D alcanzan volúmenes que se cuestionan la propia noción de “cuerpo”, las medusas nos desvelan el secreto de su capacidad regenerativa o la ingesta de medicamentos desligados del monopolio farmacéutico nos ayuda a plantamorfizarnos.

#FestivalGelatina está comisariado por Leticia Ybarra.
Equipo y diseño de espacio: Lorenzo G.A. y María Buey.
Música vídeo cabecera: “SPECIATION”, de Katia Barrett y Melissa Tun Tun

PROGRAMA

Jueves 16 de mayo
– 19.00 h. Charla “Possible Bodies”, con Jara Rocha.
Entrada libre hasta completar aforo. Patio

– 20.30 h. Charla “Volverse no-alien”, con Ewen Chardronnet
Entrada libre hasta completar aforo. Patio

Viernes 17 de mayo
– 12.00 h. Taller “Bug reporting”, taller con Jara Rocha. 5 €. Patio

– 19.00 h. Charla “Fallible compu”, con Toni Navarro y Alberto Vallejo. Entrada libre hasta completar aforo / Patio

– 20.00 h. Charla “Notas sobre ‘blaccelerationism’ II”, con Aria Dean. Entrada libre hasta completar aforo

– 21.30 h. Concierto Ikram Bouloum Dj set. Entrada libre hasta completar aforo. Sala A

Sábado 18 de mayo.
– De 16.00 a 20.00 h. Taller y performance: “Cápsulas a mano”, de Aniara Rodado y Jean Marc Chomaz. 5 €. Sala A.

– 20.30 h. Charla y performance “Stressed Out Jellyfish”, de Pakui Hardware. Entrada libre hasta completar aforo. Patio.

– 21.30 h. Concierto y performance “SPECIATION”, de BARE-TT (Katia Barrett y Melissa Tun Tun). Entrada libre hasta completar aforo. Sala A.

– De 23:59 a 06:00 fiesta PostGelatina w/ Oli XL, CULPA, Cooking Mama, Polymita En la Sala Caracol.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/conciertos/gelatina-8847

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10 y 11 mayo, 22:00, en La Casa Encendida, 5€, dentro del ciclo Unalmés.

Una obra que combina sonido, vídeo en sincronía y la interpretación en vivo de Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado. También quiere ser un “poema en 3 dimensiones”, en la medida en que gesto, grafía y sonido van apareciendo de a tres, en combinaciones y desplazamientos a diversos grados de dictado, habla y concreción en partitura.

Este es el segundo de los tres fragmentos que componen la zona de investigación audiotextual alrededor de la desobediencia subjetiva, del deseo, la represión y la norma, titulada Jinete Último Reino, iniciada por María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca en enero de 2017. Si Frag. 3 abordaba la noche como momento de liberación y desvío, lucha política y hedonismo, y en cierta medida, la juventud; Frag. 2 aborda el tramo de alfabetización: el tramo de alfabetización en el que el cuerpo de la infancia es normalizado hasta la retención de su color (o género) en una imagen más o menos fija. ¿De dónde viene esta violencia? ¿A dónde va? ¿Qué de la diferencia del cuerpo resiste?

María Salgado (1984) y Fran MM Cabeza de Vaca (1976) trabajan juntxs en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. La zona de investigación titulada Hacía un ruido (2012-2016), que enfocó el ciclo de desobediencia política de 2011, dio lugar a autoediciones gráficas de pósteres y panfletos, un libro publicado por la editorial Contrabando, un disco lanzado en el sello Ruido Sisterhood, una pieza instrumental para el ensemble Vertixe Sonora, una instalación sonora de dos meses de duración y un recital híbrido que giró por lugares tan dispares como el Espacio Naranjo y el Teatro Valle Inclán de Madrid, las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, el festival ZEMOS 98 de Sevilla, 16 Beaver de Nueva York, Hangar de Barcelona o El Arsenal de Córdoba. Jinete Último Reino, la zona de investigación en la que actualmente están inmersxs, tiene su origen en una pieza instrumental para oboe y dispositivo electrónico interpretada en el año 2013 por el Smash Ensemble y publicada como partitura en la colección Present Tense Pamphlets. Cuando los tres fragmentos que la conforman sean completados se unirán en una obra escénica de larga duración; mientras, las piezas van girando de forma autónoma por espacios como el C3A de Córdoba, el Centro Párraga de Murcia, el MNCARS, el festival Idiorítmies del MACBA, el Festival Sâlmon <, Escenas do cambio de Santiago de Compostela y el Matadero de Madrid; además de derivar en audios (como Negro RSRJ RJRS, Radio Reina Sofía, 2017), cartelería (Manifiesto, 2018) y publicaciones. Jinete Último Reino Frag. 2 será estrenado en el festival Idiorítmies del MACBA.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/jinete-ultimo-reino-frag-2-maria-salgado-fran-mm-cabeza-vaca-9978

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Ciclo de actividades sobre el trabajo y el cansancio comisariado por Taller Placer / Vicente Arlandis & Paula Miralles en Conde Duque, del 3 al 5 de mayo.

Viernes y sábado:

– Diálogo entre dos cuerpos cansados a las 19:30 horas

Domingo:

– Diálogo entre dos cuerpos cansados a las 12:00 horas

– Paella Popular a la 13:30 horas

– Siesta de domingo a las 16:00 horas

PRECIO: Entrada libre hasta completar aforo

Cada uno de los tres días que dura este ciclo tendremos a dos invitados que mantendrán una conversación en torno la cuestión del trabajo, el cansancio y su experiencia laboral. Para propiciar este diálogo hemos planteado una situación muy especial. Cada invitado estará tumbado en una camilla y mientras recibe un masaje y sus cuerpos son amasados, apretados y friccionados conversarán entre ellos. El objetivo es propiciar un intercambio de ideas en una situación donde el cuerpo tenga un protagonismo especial. Queremos confrontar puntos de vista y experiencias vitales diversas y reflexionar sobre cómo relacionamos vida y trabajo y cuáles son las contradicciones implícitas.

1er DIÁLOGO ENTRE DOS CUERPOS CANSADOS. 3 de mayo a las 19:30 h – Salón de Actos.
Mulas, hormigas y chinos

Mariví Martín y Miguel Oyarzun

Mariví Martín Espinós. Valencia, 1970. Desde los 4 años se dedica al estudio académico hasta cumplir los 23 y licenciarse en Periodismo. Los siguientes 26 años se dedica al estudio autodidacta. Trabaja como periodista de radio desde los 17 años y a los 20 comienza a trabajar en la Consellería de Cultura. Dedica los siguientes 21 años a las Artes Escénicas dentro del marco institucional en trabajos de comunicación, produccion y programación. Al cumplir los 41 da por terminada esta etapa. Los 7 años siguientes se dedica a la cocina y desarrolla el proyecto La cuina furtiva. Dejó de trabajar en 2017.

Miguel Oyarzun es, junto a Isla Aguilar, Director Artístico de Conde Duque y co-fundador de BE FESTIVAL. Con su compañía de teatro Mirage ha dirigido y escrito más de diez obras. Su trayectoria como actor incluye obras, series y películas. Se graduó en Interpretación Textual en la RESAD y tras su paso por la London International School of Performing Arts (LISPA), se postgraduó en “Performing Arts Leadership” en el Royal Northern College of Music.

2º DIÁLOGO ENTRE DOS CUERPOS CANSADOS. 4 de mayo a las 19:30 h – Salón de Actos.
La flexibilidad del cuerpo laboral: una aproximación masajística

Raúl De Arriba y Vicente Arlandis

Raúl de Arriba Bueno Doctor en Economía y profesor titular de Política Económica de la Universidad de Valencia. Ha sido investigador visitante en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París (Francia), en el Núcleo de Investigación en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales (Portugal) y en la Academia de las Ciencias de Bulgaria. Ha publicado más de 70 trabajos entre artículos, libros y capítulos de libro sobre temas de política económica, economía política internacional, y arte y economía. Actualmente enseña Política Económica Internacional y está trabajando en el proyecto Transmaking, financiado por la Unión Europea, cuyo objetivo es reforzar los vínculos entre arte, economía y política para contribuir al desarrollo de la capacidad de innovación basada en las artes en la construcción de nuevas narrativas sobre economía y participación política.

Vicente Arlandis Recuerda Trabaja como performer, investigador y docente en el campo de las Artes Escénicas. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and Scenography Trainning), Bruselas. Desde el año 2001 hasta el 2015 ha trabajado junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde ha llevado a cabo numerosos proyectos coreográficos. Ha colaborado con artistas como Hipólito Patón, Miguel Ángel Martínez, Lisbeth Gruweth, Macarena Recuerda, Jan Fabre, Amalia Fernández, Saioa Olmo, Rafael Tormo i Cuenca entre otros. En la actualidad forma parte de TALLER PLACER junto a Paula Miralles, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal. Un colectivo donde proponen actividades relacionadas con la filosofía, el sonido, la literatura, la política y las artes escénicas. Trabaja como artista asociado en el Centro Conde Duque y colabora con el Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM – Museo Nacional Reina Sofía) en Madrid.

3er DIÁLOGO ENTRE DOS CUERPOS CANSADOS. 5 de mayo a las 12:00 h – Salón de Actos.
Re_p_arar cuerpos sin miedo

Eva Fernández y Aurora Sales

Eva Fernández. Ha practicado la heteronimia, Eva Fernández, evalazcanocaballer. Usa las palabras para producir obras culturales (con cualquiera y para querer vivir). Lleva años haciendo autoetnografía de su “contrato cultural”. Investiga cómo ha funcionado en ella la conjugación obra-vida. Muchos años trabajó asalariada en educación para el desarrollo humano, luego publiquó una novela escrita en “nosotras” contra el “capitalismo” en un gran grupo editorial. En ambos casos la autor_ización violentó su autonomía emancipatoria. Cuestionando la potencia de sus destrezas y sus armas, de su lengua tan suya, como de cualquiera. Antes de pervertir lo más vital para ella, prefirió abandonarlo. Aprendió la “sinautoría” trabajando con imágenes y sonidos en las asambleas de Cine sin Autor. Luego volvió a las palabras, la lengua, a la oralidad, la escritura como tecnología de producción de mundo al igual que la cadena de producción del libro. En el centro de su vida no despreciar nuestras competencias y facultades, usarlas para lo que la vida requiere conjurando cualquier contrato cultural que nos indigne.

Aurora Sales Olmedo. Nacida en el 58, se cría en Bélgica donde su padre trabaja en una mina de carbón. A la vuelta a Elche a la edad de 10 años no es escolarizada y a los 13 años comienza a trabajar de aparadora. De 43 años trabajados, solo ha cotizado 15 a la Seguridad Social con lo cual, 30 años, tres décadas, ha estado trabajando como clandestina. Aparó en talleres clandestinos y en su propio domicilio, casi siempre en negro. Aurora se casó con 24 años con uno de 18 años: muy heterodoxo para la época, incluso para ahora. Tiene dos hijos. En su último empleo estable, de los últimos 13 años, comienza a sentir que por la edad como trabajadora empieza a ser prescindible; poco después y sumando los periodos cotizados se da cuenta de que solo tiene tres años computados. De este modo, al escuchar a la Ministra de Trabajo, Fátima Báñez, invitar a la ciudadanía a denunciar la economía sumergida, Aurora se embarca en una batalla judicial que evidencia el entramado de una provincia donde trabajan 100.000 personas en negro y donde el clandestinaje estructura la forma de vida.

PAELLA POPULAR. 5 de mayo a la 13:30 h – Patio Central.
Entrada libre previa inscripción.

Conde Duque y TALLER PLACER invitan al público a una paella para 50 personas carnívoras, omnívoras, vegetarianas. En breve se publicará la información en la web de Conde Duque para apuntarse a la actividad.

SIESTA DE DOMINGO – HAY QUE TRABAJAR. 5 de mayo a las 16:00 h – Sala de Ensayos de Danza.
Jaime Conde-Salazar

Una siesta es para dormir. Es cierto que en esta ocasión la situación será un poco especial no solo porque se escuchará una voz y aparecerán imágenes sino porque además estarás acompañada de otros cuerpos en disposición de echarse una siesta. Se trata de que puedas reposar después de comer si te apetece. Lo que sucede es que, como todas sabemos, en esas horas cuando la sangre está trabajando en otras cosas, es difícil controlar la consciencia y, a menudo, ésta emprende viajes bien fecundos e interesantes. Cada cual con su cuerpo liberado de toda exigencia, hará su camino en la oscuridad mientras una voz acompaña.

Jaime Conde-Salazar Pérez es licenciado en Historia del Arte (1997, Universidad Complutense de Madrid). Obtuvo su MA in Performance Studies (2002, New York University) gracias a una beca MEC-Fulbright. En 2003 presentó el trabajo de investigación Narrativas de la modernidad en la crítica de danza estadounidense con el que obtuvo su Diploma de Estudios Avanzados. Entre 2003 y 2006 dirigió el Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá desde donde puso en marcha un programa de residencias de creación en colaboración con La Casa Encendida. En 2015 publicó el libro La Danza del Futuro (Graner/Mercat de les Flors). Como dramaturgista ha acompañado procesos de creación de Ben Benauisse, I-Chen Zuffellato, Antonio Tagliarini, Sociedad Doctor Alonso, Claudia Faci, Aitana Cordero, Elena Córdoba, La Ribot, Álvaro Frutos,Filipe Viegas, Tania Arias, Bárbara Sánchez y Aimar Pérez Galí entre otras. Como performer ha colaborado con Aitana Cordero, Aimar Pérez Galí, Claudia Faci y Bárbara Sánchez, junto a la cual creó en 2016 el espectáculo Electrohumor (Tabakalera/CA2M/Mercat de les Flors).

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/trabajar-cansa

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Desde el 26 de abril hasta el 29 de noviembre de 2019, en CentroCentro, con entrada libre.

Comisariado por María Montero Sierra, presentará de forma mensual dos piezas nuevas de un total de 11 artistas

Contará con: Elena Aitzkoa; Ángela Millano y Julián Pacomio; Ana Guedes; Laia Estruch; Nuno da Luz; María Salgado; Camille Aleña; Marco Godoy; Hannah Weinberger; Nora Turato

Con una doble dimensión performática y plástica de las obras, algunas de ellas permanecerán expuestas a lo largo de un mes en el centro

El próximo jueves comienza en CentroCentro Frecuencia Singular Plural, un nuevo ciclo dedicado a las artes vivas, comisariado por María Montero Sierra. Una doble cita mensual con la performance, donde el sonido, la musicalidad, la voz, la melodía, el texto dicho y el ruido rivalizan y acompañan a la presencia corpórea. “El ciclo expone como la oscilación que vive el sujeto para definirse como individuo y como colectivo se materializa de manera casi autómata en la producción y escucha del sonido”, explica la comisaria. Además de presentar dos trabajos nuevos en cada cita, entre sesiones, una de las dos intervenciones permanecerá expuesta en el centro. La doble dimensión performática y plástica de las obras define así el formato y ritmo del programa. Desde abril hasta noviembre, el ciclo contará con: Elena Aitzkoa; Ángela Millano y Julián Pacomio; Ana Guedes; Laia Estruch; Nuno da Luz; María Salgado; Camille Aleña; Marco Godoy; Hannah Weinberger; Nora Turato.

La primera cita, Frecuencia Singular Plural I, será el próximo 26 de abril. A las 18:00 h, Elena Aitzkoa presentará su pieza Paraíso Terrenal (2019), una oda a la naturaleza, donde colisionan sus versos, la grabación de los mismos en el monte de su pueblo natal Apodaka, las esculturas compuestas de ramas, hojas y telas, y la interrupción de su canto de silbidos. La instalación permanecerá expuesta en el centro hasta el 22 de mayo.

El 26 de abril, a las 19:00 h, Julián Pacomio y Ángela Millano presentarán Make It, Don’t Fake It (2018), que forma parte del proyecto Asleep Images. La pieza, que transita entre el medio cinematográfico y el performático, incide no solo en el ejercicio de memoria de los individuos como dispositivos de almacenaje sino en el proceso de invención que supone su reapropiación. Pacomio y Millano cuentan en esta ocasión con la colaboración de Blanca Gómez Terán. 

La entrada a todas las sesiones será libre hasta completar aforo. Ambas tendrán lugar en la planta 3.

Frecuencia Singular Plural es el tercer programa de performance que desarrolla CentroCentro en su nueva etapa de programación bajo la dirección artística de Soledad Gutiérrez, tras el proyecto Saliva y el programa de actividades vinculado al ciclo de comisariado anual Mirror Becomes a Razor When it’s Broken de Sonia Fernández Pan.

María Montero Sierra, comisaria del ciclo

María Montero Sierra es historiadora del arte y comisaria. Cuenta entre sus proyectos de comisariado con: En los cantos nos diluimos, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid (2017), Are You In?, Bard College (2013) e Interferences, Bard College (2012). Ha colaborado entre otros en Performance Room, Tate Modern, (2015), Armin Linke. Prospecting Ocean, TBA21–Academy e ISMAR (2018) y Joan Jonas. Moving Off the Land, Tate Modern (2018). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid en 2006, obtiene el Master del Centro de Estudios de Comisariado de Arte Contemporáneo Bard College, Nueva York en 2013. Asistente editorial de This Side Up (2013-2014), desde 2017 escribe en Teatron. Actualmente es Productora y Coordinadora de Programas de la fundación TBA21–Academy.

Programa del ciclo

Frecuencia Singular Plural I

Viernes, 26.04.2019
18:00 h. Elena Aitzkoa. 
Paraíso Terrenal, 2019
19:00 h. Ángela Millano y Julián Pacomio.
 Make It, Don’t Fake It, 2018
La instalación 
Paraíso Terrenal de Elena Aitzkoa se expone hasta el 22.05.2019

Frecuencia Singular Plural II
Viernes, 24.05.2019
18:00 h. Ana Guedes. 
Untitled Records, 2016
19:00 h. Laia Estruch. 
Moat. Structure III, 2017
La instalación, 
Untitled Records de Ana Guedes se expone hasta el 26.06.2019

Frecuencia Singular Plural III
Viernes, 28.06.2019
18:00 h. Nuno da Luz. 
ON AIR, 2019
19:00 h. María Salgado. 
Lírica / 3, 2017
La instalación 
ON AIR de Nuno da Luz se expone hasta el 30.06.2019

Frecuencia Singular Plural IV
Viernes, 25.10.2019
18:00 h. Camille Aleña.
 Interpreter, 2019
19:00 h. Marco Godoy. 
Double Reverb, 2019
La instalación
Interpreter de Camille Aleña se expone hasta el 27.11.2019

Frecuencia Singular Plural V
Viernes, 29.11.2019
18:00 h. Hannah Weinberger. 
Concierto local, 2019
19:00 h. Nora Turato. 
The Good, the Bad and the Viscose, 2019

Más información

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Del 24 al 30 de abril en el Mercat de les Flors.

Deliberadamente radical, la producción artística de La Ribot configura un universo en el que las categorías se funden y las etiquetes se confunden, en el que el género se cuestiona y cualquier objeto, real o figurado, puede ser interrogado; un universo de abundancia y creatividad, dominado por el color y el humor ácido. Los espectáculos de esta bailarina y coreógrafa se han representado en numerosos escenarios del mundo. Pionera de la danza contemporánea, ha ampliado las posibilidades al hacerla entrar en los museos. Sus cuestionamientos en los ámbitos de la videocreación y las artes plásticas, que también ha cultivado, la han llevado a desarrollar el concepto de «corps-opérateur» (cuerpo operador) en sus obras en vídeo. Se sirve de todo tipo de soportes y no se limita a un género o una disciplina artística, una libertad de actuación y de pensamiento transversal e ilimitados que ella asocia a su condición de artista.

La constelación que se propone en el Mercat de Flors está formada por dos grandes espectáculos y por cuatro obras en formato de vídeo y videoinstalación. Los espectáculos son Panoramix (1993-2003), una antología de sus Piezas distinguidas de los años noventa, y Laughing Hole (2006), una pieza-instalación en la frontera de la performance. Las obras en formato de videoinstalación son Despliegue (2001), Another pa amb tomàquet (2002) y Beware of Imitations! (2014) y el vídeo Mariachi 17 (2009). Es, pues, una constelación de trabajos escénicos y de videoinstalaciones que, como elementos del lenguaje, permiten captar la creatividad y la aguda pertinencia de la obra de esta artista, llena de temas universales e intemporales, aún vigentes hoy. Y es que su práctica, innovadora y sorprendente, sirve sobre todo por denunciar, desplazar y cuestionar todo lo que está en juego en nuestra sociedad.

Además el MACBA se suma a la constelación con el programa que llevará a cabo el día 26 d’abril con la Pièce distinguée nº 45; también tendrá lugar una charla entre La Ribot, la directora del Mercat de les Flors Àngels Margarit y el jefe de Programas del MACBA Pablo Martínez. Y del 26 de abril al 6 de mayo podrá verse el FILM NOIR en la torre del MACBA.

Pack CONSTELACIÓN LA RIBOT
Precio del Pack: 24€ (incluye entrada a los 2 espectáculos y las actividades)

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/ciclesifestivals/constelacion-la-ribot-2018-19/

 

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Idiorritmias es un programa anual centrado en las prácticas performativas e impulsado por el deseo poético de construir, desde la institución y a través de la acción, una comunidad imperfecta, efímera e inestable; de teorizar en colectivo y de reflexionar sobre el potencial del cuerpo en una esfera pública dominada por la palabra. Como en las ediciones anteriores, el programa examina el papel de la institución en la constitución de esa comunidad y se acerca a los múltiples roles que puede adoptar el espectador.

Los artistas invitados proponen estrategias que replantean la idea de colaboración cuestionando los términos y contratos desde donde se generan, para no imponer formas de hospitalidad, de comportamiento o de actuación y respetar la discreción de los sujetos y su toma de decisión a la hora definirse. Se podría resumir con la siguiente pregunta: ¿cómo establecer formas de colaboración que se mantengan en relación crítica con las estructuras institucionales que las sustentan? Dejar a un lado la simple idea de moverse (juntos) y pensar de nuevo en el motivo que nos mueve, donde lo social y lo colectivo no funcionen simplemente como un ejercicio mental, sino como algo que es performado y ensayado con una cierta intencionalidad.

Programa comisariado por Ruth Estévez, curadora asociada del Rose Art Museum, Boston, y Pablo Martínez, jefe de Programas del MACBA.

Este año en Idiorritmias ensayaremos diferentes formatos de presentación y producción. Entre otros, la performance-taller de Olivia Plender Learning to Speak Sense, que analiza los mecanismos de poder que surgen del uso de la voz; la conferencia performativa de David Levine Some of the People, All of the Time, que indaga sobre la idea de las falsas audiencias y que tendrá lugar en distintos momentos y espacios; o Clean Room, de Juan Domínguez, un poderoso dispositivo que, partiendo de la estructura de las teleseries, se plantea como un happening en seis capítulos (a razón de dos capítulos por día) en el que los límites de realidad y ficción están desdibujados y la posibilidad de pensar en colectivo es desafiada de manera permanente.

Programa

 Descarga el programa completo aquí [en catalán].

► DEL 27 DE ABRIL AL 4 DE MAYO
David Levine. SW7701: Cavern Clay (GP02). Performance.
Lugar:
 Salas del museo
Para Idiorritmias, los comisarios le han pedido a David Levine y a su agencia de crowdsourcing o colaboración masiva GetPeople que llene el museo de visitantes bajo pedido, desde el 27 de abril a las 16 h hasta el 4 de mayo a las 19.30 h. Además de visitar el museo y las exposiciones, el único trabajo de esos visitantes es llevar a cabo un diálogo convincente sobre el tema de la hospitalidad.

► SÁBADO 27 DE ABRIL
Programación especial en el marco de Dissabtes MACBA
– 19 h: David LevineSome of the People, All of the Time, conferencia performativa.
Lugar: Capella MACBA
– 20 h: Lyra Pramuk. Concierto.
Lugar: Capella MACBA
Entrada gratuita a todas las actividades del sábado gracias a Uniqlo.

► DEL 30 DE ABRIL AL 4 DE MAYO
Juan Domínguez. Happening en seis capítulos Clean Room.
– Martes 30 de abril, a las 20 h: Capítulos I y II
– Jueves 2 de mayo, a las 20 h: Capítulos III y IV
– Sábado 4 de mayo, a las 20 h: Capítulos V y VI
Lugar: Capella MACBA y sala de exposiciones Convent dels Àngels.
Precio único de los 6 capítulos: 15 €.
NOTA: Clean Room se desarrolla los días 30 de abril, 2 y 4 de mayo, y en cada sesión se presentan dos episodios. Al tratarse de una miniserie que trabaja por acumulación, es imposible experimentar solo parte de sus episodios. Por lo tanto, la entrada es única para los tres días. En el caso de no poder asistir a la primera sesión, tampoco se podrá asistir a las siguientes.

► VIERNES 3 DE MAYO
– A las 20 h: Claudia Pagès. Estreno de la performance Arrela’t nena, arrela’t.
– A las 21 h: Alma Söderberg. Performance Nadita.
– A las 22 h: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca. Estreno de Jinete Último Reino Frag. 2.
Lugar: Capella MACBA.
Precio único: 10 €.

► SÁBADO 4 DE MAYO
– A las 12 h: Olivia Plender. Performance-taller Learning to Speak Sense.
Lugar: Espai La Cuina
Precio: 5 €
– A las 18 h: Terre Thaemlitz [1]+ Laurence Rassel [2]. Conversa.
Lugar: Auditorio Meier
Precio: 5 €.
[1] En colaboración con Club Nitsa en el marco del segundo aniversario del colectivo Draft.
[2] Parte del proyecto Re-Imagine Europe, cofinanciado por Creative Europe programa de la Unión Europea.
– De 0.30 a 5.30 h: DJ Sprinkles y Valentino Mora. DJ set.
Lugar: Sala Apolo. Club Nitsa.
Precio: 16 €.
Venta exclusiva a través a través de Nitsa/Apolo. Entrada gratuita hasta la 1.30 h, presentando la entrada de la conversación de Terre Thaemlitz + Laurence Rassel.
Organiza Club Nitsa en el marco del segundo aniversario del colectivo Draft.

Más información y entradas: https://www.macba.cat/es/programa-de-performances-idiorritmias-2019

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En esta constelación descubriremos el mundo creativo de estos dos artistas, piezas en los márgenes que nos proponen universos sorprendentes

El humor es el vehículo más rápido para acceder a las fisuras de nuestro entorno sin que el público desconecte frente a la crítica. Por eso Guillem de Palol y Jorge Dutor, pareja artística formada en Ámsterdam en 2008, juegan a crear ficciones risibles que en realidad son miradas quirúrgicas entorno a la cultura pop y otros mitos de la sociedad moderna.

El Mercat les ha invitado a remirar tres de sus piezas y ellos han querido invitar a su constelación a Eva Meyer Keller, con sus obsesiones pseudo-científicas, y a la pareja formada por Marcos Simões y Sara Manente, con un experimento de telepatía. 

“Hemos escogido a estas dos compañías porque las dos propuestas giran alrededor del juego como generador de ficciones. Propuestas conceptuales y coreográficas aptas para todo tipo de público y con un uso del humor y la ironía especial e idiosincrática”. Jorge y Guillem

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>#LOSMICRÓFONOS, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, 30 de octubre. 

 

 

 

 

 

 

 

>Y por qué John Cage?, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, 31 de octubre y 1 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

>Some significance, Eva Meyer-Keller, 1 y 2 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

>Grand Applause, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, 3 y 4 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

>TeleVisions, Sara Manente, Marcos Simões, 3 y 4 de noviembre. 

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Boris Charmatz se ha atrevido a convertir un centro coreográfico en un museo de la danza, a crear movimientos a partir del dictado de unas fotografías y a coreografiar pensando en cuerpos muertos. Charmatz utiliza la tergiversación, los cruces y las mutaciones como ingredientes principales de su magia negra para desplazar cualquier intento de certeza. Presentamos por primera vez en Barcelona a este imprescindible coreógrafo francés que expande la danza más allá de límites y fronteras en espacios singulares.

>Flip Book, 24 y 25 de octubre en el Mercat de les Flors

 

 

 

 

 

 

 

>20 bailarines para el siglo XX, 27 y 28 de octubre en el MACBA

 

 

 

 

 

 

 

+ info sobre el ciclo constelación de Boris Charmatz

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Sonido en los márgenes. Del 30 de junio al 26 de julio en el MACBA.

«Lorem Ipsum» nos remite a una fase de prueba, a una temporalidad que espera ser sustituida por algo más definitivo. El uso del texto original, extraído de la obra de Cicerón Sobre los límites del bien y del mal y alterado hasta perder su sentido original, nos sitúa en un momento procesual, inestable, en tránsito hacia lo que debería ser y aún no es. Este simulacro implica también juegos de formas e identidades, a través del filtro de los diferentes alfabetos, disposiciones de texto y pruebas tipográficas y espaciales.

Lorem Ipsum presenta una serie de propuestas que operan en los márgenes y en los pliegues de muchas cosas a la vez: música, performance, investigación artística, experimentación; lo queer, cuerpos racializados, desplazamientos y personas fuera de su sitio; operaciones diversas, dispares y disparatadas, de dislocaciones de lenguajes, significados, gestos y objetos, desde lo musical, en busca de una amable extrañeza.

Abren el ciclo Lolo & Sosaku, con nueva obra específicamente diseñada para el atrio del museo. Una propuesta de escucha atenta mediada por estructuras metálicas que hablan, escuchan y se mueven. Sutilezas sonoras y sonidos situados que invitan a la exploración. Una geografía de metal y cinestesia, que Violence rompe (y rasga) con su complejo amalgama de melodías, grime, música industrial y (un pasado) death metal, desde el que señala «las estructuras visibles e invisibles que crean nuestras sociedades binarias».

Esta es la línea que subraya asimismo el dúo sudafricano FAKA, poniendo el cuerpo queer y negrx en el centro, en un ejercicio histriónico de deconstrucción de la cisheterotopía del África poscolonial. Siguiendo su espíritu festivo y coincidiendo con las fiestas del Raval, el deseo y el goce se desplazan a la calle con la lituano-ecuatoriana Riobamba, al son del reguetón y el dembow, en un pulso amistoso entre la resistencia y la celebración.

Por su parte, el dúo japonés Group A mapea los márgenes de muchas cosas a la vez, entre la ambigüedad del avant noise, el minimal wave y el drone, habitando los rincones e intersecciones entre lo sonoro, la performance y la narrativa audiovisual. Y cerramos el ciclo con el estreno de The Mirror de la británica People Like Us, con quien nos volvemos a enfrentar a la cuestión de la(s) identidad(es) en un collage audiovisual inmersivo basado en su intenso trabajo sobre imágenes de archivo inscritas en nuestro imaginario colectivo.

Comisariado por Alicia Escobio y Anna Ramos

Foto: Lolo & Sosaku

Programa

SÁBADOS 30 DE JUNIO Y 14 DE JULIO a las 18.30 h
Gratuito. Sin inscripción previa. Aforo limitado.

30 de junio, LOLO & SOSAKU
Cinestesia mecánica, repetición, autonomía y sutilezas sonoras
14 de julio, RIOBAMBA
Calle y reguetón: un pulso apretado entre fiesta y resistencia

JUEVES 5, 12, 19, 26 DE JULIO, a las 20.30 h
Entrada: 5 €. Gratuito con carné Amic. Con inscripción previa. Aforo limitado.

5 de julio, VIOLENCE
Melodías, noise, metal, industrial e identidad en estado líquido
12 de julio, FAKA
El cuerpo negro y queer navegando en la cisheterotopía del África poscolonial
19 de julio, GROUP A
Drones, violines tratados, ruido abstracto y minimalismo industrial desde la performatividad
26 de julio, PEOPLE LIKE USThe Mirror
Plunderfonía inmersiva, found footage y reflejos

Más información: https://www.macba.cat/es/lorem-ipsum-2018

 

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