— MuroTRON

2024: CONTINUIDAD del PROYECTO del ANTIC!

Os convocamos a la rueda de prensa que tendrá lugar el martes, 16 de enero, a las 12 h.

Hablaremos de la actual situación administrativa del Antic Teatre en relación con la conversión de este espacio de Cultura de Base en Casa de Cultura.

También se presenta la programación de sala hasta junio y el nuevo proyecto de mediación.

Asistirán las compañías programadas P0RN0T0PIAcollective, Sara Manubens, Marina Guiu y Marc Caellas, entre otras.

David Bestué – Del 10 de junio al 22 de octubre en Fabra i Coats

Un gran temporal devuelve a la arena de la playa latas y plásticos de los últimos cuarenta años. Estos materiales llegaron al mar de muchas maneras, quizás a través del sistema de alcantarillado, ahora materialmente más sofisticado que hace centenares o miles de años. Los restos de un pozo medieval, ahora en un saco de construcción y dentro de los almacenes de un museo, guardan distintos vestigios, todavía por identificar, que nos permiten conocer los hábitos cotidianos de personas que estuvieron aquí mucho antes que nosotros. En las proximidades de la Estación de Francia, tras llevar a cabo una serie de excavaciones bajo el nivel del mar con el fin de construir nuevas viviendas, se encontraron fragmentos de una embarcación medieval que, recientemente, han sido museizados. Bajo la Ronda de Dalt, cerca del Hospital Vall d’Hebron, en un cruce de calles, se acumulan en un rincón grandes piezas de hormigón que, en otro momento, constituían parte de la estructura del Campo Olímpico de Tiro con Arco proyectado para las Olimpiadas por Enric Miralles y Carme Pinós. En el centro de Barcelona, concretamente en la calle Paradís, una rueda de molino incrustada en el suelo marca el punto más alto —poco más de 16 metros de altura sobre el mar— de la que fue la ciudad romana, el monte Táber. David Bestué, para quien todas estas referencias están muy presentes a la hora de conceptualizar esta exposición, piensa en esa rueda como un elemento que todo lo engulle, que tritura la ciudad, que la convierte en arena.
En Ciudad de arena, David Bestué propone una mirada desplazada hacia la ciudad de Barcelona. Entendiendo la ciudad como material y como símbolo, el artista contrapone la idea proyectada y soñada de ciudad —proyectos urbanísticos ambiciosos en forma de maqueta o la concepción de la ciudad desde una perspectiva de progreso y avances técnicos— con un imaginario a contrapelo y popular —en forma de imágenes distribuidas en prensa, revueltas o gritos a la contra plasmados en periódicos que se convierten en iconos, huellas compartidas en el subconsciente colectivo de todos aquellos que habitamos la ciudad. De algún modo, Bestué construye una historia a contrapelo, de lo que se encuentra en los bordes, mediante las migajas, los restos, los desechos.

Más que construir un nuevo imaginario, Ciudad de arena establece un marco en el que jugar con los tiempos revueltos, removidos —pasados no vividos, pasados recientes, presentes y futuros por venir— con tal de encontrar aquellas semillas con las que poder cosechar imaginarios de la ciudad —y de la escultura— como un lugar de posibilidad y potencia. A pesar de que, en muchos casos, trabaja desde la materia descompuesta, desde el objeto pulverizado y llevado al grado cero, la propuesta escultórica es de composición, propositiva. En una analogía con la poesía, constantemente referenciada y que acompaña en distintos niveles la trayectoria de Bestué, su concepción del tiempo —la convocatoria de tiempos históricos— mediante la escultura puede vincularse con la de Juan Ramón Jiménez con la escritura: «[…] una escritura de tiempo, fusión memorial de ideología y anécdota, sin orden cronológico; como una tira sin fin desliada hacia atrás de mi vida». La exposición reúne obras de nueva y reciente producción que integran, en su constitución, elementos materiales vinculados a la ciudad que, de algún modo, capturan su vida más afectiva y poética, así como obras de autoría diversa que han sido cedidas por distintas instituciones y que, de una manera u otra, son portadoras de la imagen colectiva de Barcelona.

En la planta baja, a nivel de suelo, se despliegan elementos de pasados no vividos por el artista. Bestué convoca, sin jerarquía ni orden, una serie de objetos y materiales que, en su conjunto, conforman una suerte de museo (roto) de curiosidades en el que distintos tiempos históricos e indefinidos se mezclan. No se trata de formas específicas del pasado sino, más bien, del pasado en bruto. Dos triángulos —referencia a las cuñas de granito de Ulrich Rückriem instaladas en Pla de Palau— de papel de periódico triturado, de residuos de la ciudad, nos dan la bienvenida; el pliegue con la última muestra tomada de la Stachys maritima, planta que nace y habita en las dunas marítimas y que, actualmente, se encuentra extinguida en Barcelona; o una bobina con una cuerda producida con palmera triturada y que remite al origen textil de la fábrica donde se ubica la exposición, conviven, junto a otros elementos, bajo una iluminación proporcionada por una recreación del sistema de iluminación de la Font Màgica de Montjuïc y un aplique MBM-2.

Las imágenes, poco vistas anteriormente en exposiciones de Bestué, a pesar de estar continuamente presentes en sus procesos de trabajo, así como en sus publicaciones, toman un gran protagonismo en la primera planta. Nos situamos en un marco temporal que abarca, aproximadamente, desde 1979 hasta 2011, desde el primer ayuntamiento democrático de la ciudad hasta el fin de un ciclo y el inicio de un nuevo paradigma político con el movimiento del 15M. Bestué ha llevado a cabo un barrido de todos los números de La Vanguardia de ese periodo. Este ejercicio —contrariamente a lo inerte del material escultórico— es una manera de trabajar con el tiempo, con los hechos, y traerlos al presente. Las cuatro proyecciones —destrucciones, maquetas, contra y cuerdas, entendido este último como una manera de hilar temáticas que se mantienen constantes a lo largo de esta ingente lectura—, se contraponen al conjunto de maquetas, como representantes de la ciudad proyectada, ambiciosa, ideal. Miles de imágenes que reflejan una suerte de cambio de ánimo de la ciudad, a la vez que una pérdida o desfiguración de su imagen. El ritmo de las proyecciones se acompaña, además, de un hilo musical compuesto por Hidrogenesse, una melodía popular que nos señala algunos de estos eventos que forman parte del imaginario.

El presente y la potencia de futuro habitan la planta superior. Iluminada, por primera vez, con luz natural, esta sala acoge materia fresca, viva. Un muro cubierto parcialmente con pétalos de distintas flores de la ciudad se fusiona con el horizonte; peras de azúcar cuelgan por encima de nosotros; una espalda deseosa, hecha con desechos de la ciudad como papel de periódico, buganvilla o fragmento de piedra de una fachada; los pilares nos envuelven en erotismo y deseo porque, igual que pasa con la poesía de Olvido García Valdés, la investigación escultórica de Bestué en Ciudad de arena es, al mismo tiempo, retener (registrar, señalar lo injusto en un momento en el que vivimos en un presente continuo) y v​erter (proyectar deseo, placer y, por qué no, una suerte de conciliación u optimismo por lo que sea que está por venir).

Para Bestué, la semilla es un elemento que revoluciona el entorno, que transforma la realidad y que posibilita un futuro, igual que hallar el catalizador para que la resina cristalice, un detonante. ​

Comisariado por Marta Sesé.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista interesado en las relaciones entre el arte y la arquitectura. Ha realizado trabajos sobre Enric Miralles, Viaplana i Piñón, El Escorial y la historia reciente de la arquitectura y la ingeniería en España. Otro de sus focos de interés es la relación entre la escultura y el lenguaje, visible en algunas de sus exposiciones, como ROSI AMOR, en el Museo Reina Sofía (Madrid, 2017); Pastoral, en La Panera (Lleida, 2021); o Aflorar, en el Museo Jorge Oteiza (Pamplona, 2022). También ha comisariado varias exposiciones, como El sentit de l’escultura en la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2021).

​Marta Sesé Fuentes es graduada en Historia del Arte por la Universitat de Barcelona y máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid y el Museo Reina Sofía. Trabaja e investiga desde la práctica del comisariado, la edición y la crítica de arte.

Más información: https://www.barcelona.cat/fabraicoats/centredart/es/content/ciudad-de-arena-david-bestu%C3%A9.

Elena Córdoba – Del 18 al 20 de noviembre en Teatro Ensalle 

En el año 2016 hice una obra íntima que partía de la observación del cadáver, una pieza con la que me acerqué al proceso de descomposición del cuerpo. Esta obra se llamó Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera y fue fruto de dos años en los que estudié, escribí y confronté mi cuerpo vivo a un cuerpo (su cuerpo) sin vida. Fernando Gandasegui me propuso revisitarla para el Festival Domingo.
Siempre me ha asustado no poder identificarme con lo que hice, por eso no suelo mirar atrás. Revisar o revisitar me parece tentar a la melancolía, una amiga a la que suelo esquivar todo lo que puedo.
Pero Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera partía de un texto escrito que no había cambiado en estos años, que me había estado esperando. Quise prestarle el cuerpo a esas palabras para que volvieran a sonar. Igual ahora, en los tiempos que vivimos, estas palabras vuelven a ser pertinentes.
Nunca habría retomado estas reflexiones sola, mi amiga Luz Prado y mi compañero Carlos Marquerie me acompañaron en este viaje.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/pensamientos-de-una-bailarina-que-entendio-el-ritmo-al-mirar-un-cadaver/?event_date=2022-11-18.

“Especies en Extinción” es un programa de encuentros, performances, conversatorios y lecturas conceptualizado por Cuqui Jerez y María Jerez desde el que se reflexiona sobre la práctica de las artes vivas planteando una analogía entre estas y las especies en extinción. Desde este foro, María y Cuqui plantean compartir el entendimiento de  la práctica del arte vivo como un ecosistema complejo dando cabida a una reflexión colectiva.

El encuentro pretende reflexionar sobre la búsqueda de formas en las que sostener la vida de las piezas, no solo buscando maneras de conservarlas intactas a través del modelo de exhibición tradicional, sino pudiendo también ser transformadas, traducidas, contadas, rumoreadas, escritas; mutándolas, pasándolas de un cuerpo a otro, transportándolas a otra era o contándoselas a nuestras hijas en la cama antes de irse a dormir.

DÍAS 3, 4 Y 5 DE OCTUBRE:

Otras Formas de Estar, taller Sin Quim Pujol

• 3, 4 y 5 DE OCTUBRE
• Horario: 10.00-14.00 h.
• Sede Injuve Calle José Ortega y Gasset, 71
• Aforo reducido
• Participación gratuita previa inscripción: creacioninjuve@injuve.es

Alberto Cortés – 11 y 12 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla

Desde 2008, año en que creó la compañía Bajotierra, este artista ha desarrollado una labor de creación teatral y promoción de iniciativas como El Quirófano. Festival de Escena Alternativa de Málaga o el ciclo Escena Bruta. En 2012 trabajó con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom, de gran influencia para él. Su trayectoria siempre se ha significado por la investigación sobre el hecho teatral (su narrativa, la palabra o el movimiento). Entre sus obras figuran Historia de Mikoto, Yo antes era mejor, El ardor, Hollywood y Masacre en Nebraska.

Su nueva propuesta, ONE NIGHT AT THE GOLDEN BAR, como él mismo manifiesta, es una declaración de amor cursi y musicada desde una mirada queer; la búsqueda de un estado de vulnerabilidad que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura celestial del ángel se atraviesa una lluvia de cuestiones: qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo, cómo cantar al amor desfasado, al amor infinito, políticamente incorrecto, insurrecto, sacrificado. Cómo vamos a proteger a estos cuerpos e identidades cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman; puede que ahora sea el momento de contraatacar. Hay una fuerza en todo lo extremadamente frágil, como dijo Rilke todo ángel es terrible y como dijo Ana Torroja en La fuerza del destino: Una noche en el bar del Oro me decidí a atacar. Este es el ataque del bar del Oro, un abordaje.

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/one-night-golden-bar.

Ça Marche- Del 10 al 13 de febrero een el Teatre Lliure

La compañía Ça Marche, encabezada por Nico Jongen, nos presenta su juego escénico. Un juego aparentemente inocente que, bajo su aspecto naif, mantiene la profundidad de antiguos ritos, con sus normas y tabús. Como los cuentos que nos han sido legados. Quienes juegan en escena son niñas y niños, ocupando un espacio de libertad. Juegan sin descanso, son creadores imparables. Nosotros, los adultos y espectadores de la función, estamos invitados a mirar.

Desde sus inicios, en el año 2015, la compañía Ça Marche ha ido perfeccionando una práctica escénica particular: tener por intérpretes a niños y niñas y dejarlos improvisar ante la mirada de un público adulto. Después de la Trilogía del hijo, formada por Ça Va, Ta Gueule y Silence, cierran el ciclo con Los figurantes. Una manera de sacudir el ojo del adulto que los mira. El teatro de Ça Marche quiere hacernos cuestionar de esta manera determinados modos de ver y pensar que imponemos por defecto sobre la condición de la infancia, por ejemplo su pureza naif. Los figurantes ataca esta idea edulcorada. Como un recordatorio que no siempre les hemos tratado así, podremos reconocer en él referencias a cuentos y rondallas de toda la vida, repletas de violencia en sus versiones pre-Disney.

Más información y entradas: https://www.teatrelliure.com/es/los-figurantes.

13 y 14 de noviembre en Réplika Teatro

# Juana Dolores # * massa diva per a un moviment assembleari * (# Juan Dolores # * demasiado diva para un movimiento asambleario*) es el debut en el teatro de la actriz y poeta catalana Juana Dolores Romero. En este monólogo, reclama una individualidad que se expresa en el dolor frente a una comunidad que intenta ahormarla e imponerle su pensamiento gregario. Escrita, dirigida e interpretada por la propia Dolores, que ha afirmado en varias ocasiones que quiere ser juzgada por su obra y no por su ideología, la obra quiere ser también una defensa de la cultura mestiza. En la dramaturgia de esta performance comparecen nombres como Rocío Jurado, Stalin, Marilyn Monroe, Beyoncé, Hannah Arendt o Pasolini.

Juana Dolores, de padres andaluces emigrantes, ha desarrollado su incipiente carrera en Cataluña. Además de escribir poesía y teatro ha realizado obras de videoarte y coordinado el proyecto digital @HYBRIS.VIRAL. En su obra dialogan la tradición, la cultura popular y la idea de fragmentación contemporánea, y expresa la tensión entre las ideologías y la belleza. Ha publicado Bijuteria (premio de poesía catalana Amadeu Oller, 2020, Edicions Galerada); Limpieza (2020) y Santa Bárbara (2020). Ha escrito y dirigido Miss Universo (2021), una pieza audiovisual producida por el Festival Temporada Alta (Girona), en la que interpreta a una modelo que reflexiona sobre el concepto de erotismo en Georges Bataille.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/juana-dolores-massa-diva-per-a-un-moviment-assembleari/.

Del 24 al 26 de junio en La Mutant

AHORA, organizado por APDCV (Associació de Professionals de la Dansa de la Comunitat Valenciana), COMITÈ ESCÈNIQUES (Associació de Creadors i Creadores d’Arts Escèniques Valencianes) y TALLER PLACER.

Relatoría del ciclo a cargo de Carolina Boluda.

El cuerpo es un enigma a resolver, un problema, un acertijo y una incógnita.  A veces se vive como un obstáculo, como una atadura o un inconveniente, eso que arrastro a mi pesar. También puede ser como una máquina prodigiosa con la que viajar por el tiempo y el espacio y que nos puede hacer sentir innumerables placeres. El cuerpo puede ser lo más propio y a la vez lo más ajeno. Aquello de lo que no me puedo deshacer por mucho que lo intente. Ese otro que conozco y desconozco, del que estoy enamorada y al mismo tiempo odio de la forma más profunda posible. El cuerpo es eso que me acompaña en todo momento y que me hace sentir la soledad más hermética y a la vez más maravillosa.

Este año comenzamos AHORA con un grupo de personas que durante varias sesiones ha leído en voz alta el libro Ser o no ser (un cuerpo) de Santiago Alba Rico. Esta lectura ha sido una excusa para reunirnos y experimentar, practicar y pensar qué es el cuerpo ahora y tratar de definir y a la vez de emborronar el propio cuerpo. Santiago lo define como una combinación chapucera de carne y palabra y también como una fuga y una huida de sí mismo. Y es en esas fugas donde precisamente el cuerpo se despliega y se hace cuerpo. Esas fugas pueden ser el lenguaje, la danza o la tecnología. Durante tres días os proponemos fugarnos de la mano de un grupo de artistas y con ellas bailaremos, cantaremos, gritaremos, escucharemos pájaros, nos aburriremos, leeremos y nos metamorfosearemos en otros cuerpos aún por imaginar.

Las personas participantes en alguna de las actividades de AHORA, tienen el 2×1 en taquilla para el espectáculo de Orquestina de Pigmeos “Brilliant Corners” los días 25 y 26 de junio.

Jueves 24 de junio

10h-14h.  Sala de La Mutant

Ser o no ser un cuerpo – taller con Amalia Fernández

Este laboratorio es una exploración del ser y del estar de cada ser humano. La identidad es una construcción hecha de muchas capas. El cuerpo es el contenedor, pero a la vez es otra capa más. Todo lo que queda fuera de la frontera de mi piel, también construye esa identidad: es a la vez contexto y capa. Propongo algunas prácticas para experimentar y compartir estas cuestiones, con la intención de que podamos detenernos en lo más inmediato, lo más cercano y lo más esencial: nosotras.

Amalia Fernandez es creadora escénica. Ha concebido, dirigido e interpretado varias piezas en solitario (Matrioshka, Kratimosha, El resistente y delicado hilo musical, Expografia etc) y también en colaboración con otros artistas (Perrita china, con Nilo Gallego, Shichimi Togarashi y Entre tu y yo con Juan Dominguez etc) . Paralelamente ha desarrollado una trayectoria docente y de acompañamiento de procesos artísticos, dirigida a profesionales y no profesionales, tanto en contextos académicos como fuera de ellos. El proyecto «Ser o no ser un cuerpo» (que dio lugar al libro eje de estas jornadas), fue su primera colaboración con el filósofo Santiago Alba Rico. En él participaron un grupo de artistas y el aula de 5º de primaria de un colegio público de Madrid.

Nº de participantes 16. Precio 6€ en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

16h-18h. La Mutant

El cuerpo y sus apéndices- Grupo de lectura AHORA

Durante los meses de mayo y junio el grupo de lectura AHORA nos hemos reunido para leer en juntas y en voz alta el libro de Santiago Alba Rico Ser o no ser (un cuerpo). En este encuentro leeremos (hasta donde podamos) el último capítulo del texto e invitamos a quien quiera a unirse a leer y reflexionar con nosotras acerca del cuerpo y del tiempo.

Entrada gratuita hasta completar aforo en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

18.30h-21h. Sala La Mutant

Perder el cuerpo – Santiago Alba Rico y Amalia Fernández:

¿De qué huimos todo el tiempo? Del cuerpo. El ser humano es el único animal que hace clasificaciones y también el único animal que huye de su cuerpo. De hecho, es el único animal que tiene realmente cuerpo y lo tiene en la medida en que está siempre huyendo de él -y recayendo. Casi todo lo que hacemos en nuestra vida -casi todo lo que ha hecho el ser humano desde hace 100.000 años- expresa esta tentativa de dejar atrás, aumentando la velocidad, nuestro cuerpo mortal.

Entrada gratuita hasta completar aforo en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

Viernes 25 de junio

10h-14h. Sala de La Mutant

AHORAROHA (PALANTE Y PATRÁS)– taller con Idoia Zabaleta

Aho(a), significa boca en euskera; Ra, es el dios-sol en egipcio. Si AHORA fuera un jeroglífico, aparecería un paladar como cielo, algunos dientes como rayos y la lengua como el astro que derrite lo que se habla bajo el sol.

En este taller vamos a derretir palabras y vamos a tratar de hacerlo con el calor que produce el cuerpo al hablar. Un ejercicio de reciclaje expresivo, todo sostenibilidad, palabra esta que exige mucha derridibilitilidad.

…la voz como un instrumento pulsional tras el cual existe todo un universo de deseos…de nexos entre pensamiento y palabra…para el desarrollo de un vocalismo absoluto llevado al límite y a los umbrales del descubrimiento…

Blackout de Nanni Balestrini

Idoia Zabaleta. Coreógrafa. En la Facultad de Biología se especializó en ecosistemas y dinámica de poblaciones. Estudia nueva danza e improvisación en los años noventa. Desde el año 2000 crea su propio trabajo y en 2008 construye el espacio de creación y residencias artísticas AZALA, situado en el mismo pueblo donde vive.

Nº participantes 16. Precio 6€ en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

16.00h-17.30h. Sala de La Mutant

Aventuras de un Ornitólogo Invidente: cómo sumergirse en los conciertos de la naturaleza– con Jose Carlos Sires

Normalmente estamos acostumbrados a observar la naturaleza con el sentido de la vista. Nos maravillamos ante un bosque, la belleza de una mariposa o una estrellada noche sin contaminación lumínica. Pero hay otros sentidos con los cuales se puede percibir el medio natural con la misma o mayor intensidad. José Carlos sires no posee visión pero eso no le impide disfrutar del campo y de sus conciertos. En su compañía podremos escuchar los paisajes sonoros más ricos de Europa, las mejores aves cantoras del mundo y las más grandiosas voces de la fauna ibérica.

Entrada gratuita hasta completar aforo en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

José Carlos Sires perdió la visión a los seis años pero eso no le impedía disfrutar de la naturaleza a la que amaba desde que tenía uso de razón. El día que su profesor de música puso sonidos de aves en clase como curiosidad él descubrió su pasión que consiste en salir al campo para disfrutar de los conciertos de las aves y otros animales.

Más tarde, cuando su padre le regaló una grabadora, comenzó a recogerlos en audio. Ahora imparte talleres donde enseña pautas para aprender a diferenciar especies de aves mediante sus cantos y reclamos y charlas donde relata sus experiencias y muestra la belleza de los paisajes sonoros.

Entrada gratuita hasta completar aforo en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

Sábado 26 de junio

11h-14. Sala de La Mutant.

A veces me siento cuerpo– Proyecto Pols

En esta sesión, atravesaremos juegos como Dark Souls, Red Death Redemption, Cup Head o Hollow Nights para observar los mecanismos que operan en esos entornos digitales. Trataremos de observar cómo un espacio concebido como representación en la pantalla puede desbordarse y afectarnos más allá de ella.  La manera en la que pautas de movimiento, ritmos, cadencias y motores gráficos ultra realistas generan una experiencia kinestésica que nos remite a nuestro cuerpo somático.

Pols es un proyecto de Paula García-Masedo, Nestor García y Carles Àngel Sauri localizado en el barrio obrero de Nou Moles, edificado a partir de los años 60 en un contexto anteriormente agrícola. En él, inician una programación cultural autofinanciada en otoño de 2019. La programación oscila entre exposiciones, conferencias y grupos de trabajo. Pols es una oportunidad de intercambio de conocimiento y prácticas de cerca y lejos. Un espacio que se aleja del cubo blanco y a la vez resulta un tanto heterotópico en cuanto a qué recuerda y remite a una multiplicidad de tiempos y espacios. Una oportunidad para trabajar en el mismo a nivel de cuerpo y de proyecto expositivo.

Entrada gratuita hasta completar aforo en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

14h-17:30h. patio y sala de La Mutant.

Quiero ser el perro de mi perro.  Paula Miralles

Por la boca se come y se cuenta. Por la boca se engulle y se traga hacia dentro y también se imagina y se proyecta en el afuera. La boca nos devuelve a nuestra animalidad cuando comemos y nos ayuda a huir de ella cuando hablamos. Comer y hablar son dos acciones que se disputan en nuestra boca y que la convierten en la puerta de entrada y salida de las dos dimensiones que nos constituyen como seres humanos: la carne y la palabra. Para cerrar estas jornadas vamos a comer y a dormir la siesta. Os proponemos un ritual de transformación del cuerpo a través del relato y del mukbang. 

Paula Miralles trabaja como creadora y organizadora de contextos, programas y situaciones en el ámbito de las artes escénicas. Actualmente forma parte de Taller Placer junto a Vicente Arlandis, un colectivo desde el cual proponen actividades relacionadas con la filosofía, el sonido, la literatura, la política y las artes escénicas. Le gusta pensar y pensarse a través de la voz y lo sonoro y por eso su práctica trabaja cuestiones como el ritmo, la vibración, el silencio, el lenguaje y la presencia.

Aforo máximo 40. Precio 10€ en www.lamutant.com o en la taquilla del teatro.

La entrada incluye una ración de paella (valencia o de verduras) y una bebida. Para la siesta guiada tráete tu esterilla o cualquier cosa que necesites para estar cómoda.

Imagen de Julio Linares

PROGRAMA

• J 27/05 | INAUGURACIÓN:  Javi Álvarez y Javi Pérez Iglesias; Maider López; Enrico Dau Yang Wey.
• J 03/06 | DIRECTOS: Ylia; SLVJ; Bazofia.
• J 10/06 | KATA GURUMA : Aitana Cordero y David Cárdenas
• J 17/06 | EN EL AIRE: Jonás de Murias; Kike García + Jesús Bravo; Lara Brown; Eliseo Parra
• J 24/06 | NOCTURNO: Bosque R.E.A.L y Cuqui Jerez. (Horario especial al amanecer: 06:30–08:30h).
• J 01/07 | 1 DE JULIO: Orquesta; JASSS.

«Después del invierno más largo, la imagen de un loro verde posado en un almendro ya florecido. En Madrid esta imagen hace poco no existía. Ahora ya es popular. No sabemos cómo vamos a volver a echar andar, una cosa que nos queda es celebrar un mundo que no va a ser exactamente igual.

Son muchas las cosas, más aún cuando celebrar forma parte en ese proceso de dejar atrás, y echar pa’lante. Ese camino que es saber que seguimos. Un sitio público, de todxs, verde, en alto, gratuito, y específico. Un lugar como las picnic. De forma intuitiva ha sido en torno al tema de la tradición donde nos hemos situado en el proceso de conformar este programa, decimos intuitiva porque no era buscada y no ha sido hasta que ha quedado todo dibujado que nos hemos reconocido en ella.

Tradición entendida de una forma expandida, y entre lo material e inmaterial de este momento que vivimos. Y quién dijo cuándo es y cuándo deja de ser así. A lo largo de las sesiones aparece la traducción más literal representada por el oficio, la mitología y las costumbres heredadas, pero aparece también todo este mundo reinterpretado, remezclado, subvertido, y dejado en abierto al aire de las tensiones de este mundo de hoy. En ese cielo abierto aparecen preguntas y propuestas sobre lo que significa tradición, ser tradición pero también hacerla y crearla. Creérsela.

En ocasiones aparece el folclore, otras veces lo ceremonial. Aparecen, también, cosas que sabemos que existen pero que nunca hemos visto, y que por formar parte de nuestros sueños también nos pertenecen. En otros momentos, llegan interpretaciones tan mestizas en sus lenguajes e influencias que desbordan. Y, al mismo tiempo, cuando se superponen crean juntas una imagen en la que en su fondo te puedes reconocer.

Estas son unas picnic muy locales. En ellas hay una referencia continua a lo que forma parte de nosotrxs y de lo que no nos podemos desprender. Esto sucede y se intercala, y de pronto nos sitúa en un punto común en el cual poder estar juntxs. Y hay en todo esto un momento autorreferencial de lo que es la tradición propia de las picnic y el lugar que es esa terraza. Hemos tenido el deseo de trasladar estas dos cosas a otros lugares, a otros formatos y, en definitiva, a poder vivir de maneras diferentes lo que apreciamos de siempre. Una terraza también puede ser un bosque..

Nos hemos saltado una primavera. Esto lo pensamos antes de que todo pasase, ahora no queremos calzar ningún zapato. Os contamos esto porque es verdad. Sentimos que solo nos queda invitaros a que miremos juntxs lo que viene desde lo que ya fue.»

Comisariado por Maral Kekejian y bwelke.

+ info

Durante tres jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo en 2020 y se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2021-2022. En estos días las tres instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

La muestra de presentación de proyectos se llevará a cabo los días 12, 13 y 14 de mayo en La Casa Encendida y en el CA2M.

Los artistas que han formado parte de las residencias 2020 son: Pablo Araya, Clara Best y Siwar Peralta, Amaia Bono y Damián Montesdeoca, Luz Broto, Jacobo Cayetano García Fouz, Clara García Fraile, Iniciativa sexual femenina, Sofía Montenegro y Amaranta Velarde.