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Electrónica

Enric Montesfusco

Del 20 al 22 de enero en Conde Duque

Un viaje escénico hacia el abismo de la pérdida de la identidad, la pérdida de la razón y la pérdida de la moral. Atravesar la sombra como camino ineludible y el sacrificio como acto artístico por excelencia. Por el camino: exploración de nuevos registros musicales, textos vomitados, epifanías, bailes, catarsis y también pequeños gestos nacidos de la sutil lucha a muerte entre la necesaria y tramposa significación y la nada. En tiempos de profunda revisión personal y social… ¿Qué queda cuando no queda nada?

Una nueva aproximación a la particular visión —a la vez íntima y socialmente comprometida— de Enric Montefusco. El que fuera durante veinte años líder de la banda Standstill entró en el teatro de la mano del creador escénico Rodrigo García en el año 2001. Con una visión abierta e inquieta, creó numerosos discos y espectáculos multidisciplinares, así como piezas audiovisuales y un libro. Ya en solitario, explorando las posibilidades de la cultura popular, ha editado discos como Meridiana y Diagonal y ha dirigido el espectáculo de gran formato Tata Mala, donde colaboraba, entre otros, con el colectivo loscorderos·sc y la coreógrafa y performer Sonia Gómez (Grec 2016). Regresó al festival en el 2018 rodeado de amigos (Albert Pla, Maria Arnal, Nacho Vegas, el Niño de Elche y Hermanos Cubero) para presentar el EP y espectáculo Los Coros de Medianoche.

Por su parte, Xavi Bobés ha sido el creador de la compañía Playground, ha producido espectáculos que van desde El cap als núvols hasta el premiado Cosas que se olvidan fácilmente, pasando por Corpus, un diálogo entre cuerpo y objeto visto en el Grec 2020. Paralelamente, fundó, con Jomi Oligor y Shaday Larios, El Solar-Agencia de Detectives de Objetos, con quienes creó el espectáculo Cuaderno de campo (Grec 2018).

Más info y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/enric-montefusco

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Programación completa y más información: https://www.fitdecadiz.org/

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Sandra Gómez

27 y 28 de marzo en La Mutant

Bailar al sonido es una propuesta que trata al sonido como una fuente energética, la propagación de la cual implica un trasvase energético dirigido a alterar y afectar al cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar.

En un ejercicio de retroalimentación que pone en relación los elementos cuerpo, espacio y sonido, las acciones de amplificar y registrar los sonidos que emite un cuerpo al moverse, van generando capas sonoras que se van sumando, ocupan gradualmente el espacio y producen una carga y una intensidad que afecta al cuerpo y modifica su manera de moverse.

Este proyecto ha sido mostrado dentro de la programación del festival Acento organizado por La Casa Encendida y CA2M.

Sandra Gómez. Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Ha trabajado como creadora junto a Vicente Arlandis en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional desde 2001 hasta 2012. Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento.

+ info y entradas

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SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE

Dijous 25 de febrer de 2021, a partir de les 18 h, Teatre Principal d’Olot

UN ESPECTACLE PER A UN ÚNIC ESPECTADOR QUE POTSER TAMBÉ SERÀ L’ÚNIC ACTOR D’AQUEST BOSC SIMBÒLIC, EN EL QUAL MIRAR ÉS TAN IMPORTANT COM ACTUAR

Els espectadors entren d’un a un. S’han de posar uns auriculars a través dels qual reben les instruccions que els guien en aquesta experiència. L’espectador és part activa d’un espectacle emocionant: hi haurà moments de mirar en silenci i d’altres per a una coreografia de moviments.

Respirem en un jardí com en un bosc i som en un teatre com al món. Però ni el jardí és la natura ni el teatre és el món. Algú prepara els jardins per gaudir d’un trosset organitzat de natura, originàriament salvatge i perillosa.

Al teatre algú ordena les paraules i les imatges en un discurs que dibuixa una lògica que sembla una resposta. Però quan tornem al món, la il·lusió desapareix i allò real esdevé indomable, perillós i sempre incomprensible.

L’individu que entra en aquest bosc simbòlic, que s’assembla molt a l’artifici del teatre, ocupa el rol d’intèrpret i el de públic consecutivament. Mirar i actuar, les dues accions bàsiques de l’acte teatral. Una reflexió sobre la convenció teatral i sobre com entenem la realitat.

Una de les companyies catalanes més inclassificables, trencadores i amb més projecció internacional ofereix un experiment sobre el desig de mirar aquells mons artificials que hem creat.

ELS PROTAGONISTAS

Dissabte 27 de febrer a partir de les 17.30 h i diumenge 28 a partir de les 11.30 i de les 16.30 h al Teatre Principal d’Olot

ESPECTACLE PER A NENS DE 6 A 12 ANYS. ES PERMET L’ENTRADA DE MÀXIM UN ADULT ACOMPANYANT PER NEN. 

Els nens i les nenes entren en petits grups per fer un recorregut sensorial per diferents mons en els quals faran d’exploradors i en seran els protagonistes! Un viatge a peu per ambients fantàstics que permeten adulterar la percepció d’un mateix segons l’espai que ens envolta, com si es tractés d’un videojoc analògic que vol que, amb el suport del grup, es vagi cada cop més endins d’aquest laberint escenogràfic.

Una història abandonada i indefinida, amb personatges inacabats, que espera que entrin per adquirir sentit des de les seves ruïnes.

Aquest és el primer espectacle per a públic infantil d’El Conde de Torrefiel, una de les companyies més internacionals del nostre país.

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El Conde de Torrefiel

Els treballs escènics de El Conde de Torrefiel es caracteritzen per posades en escena en les quals convergeixen coreografia, text i imatges plàstiques per crear narracions inusuals i fragmentades on les tensions entre allò individual i allò col·lectiu que caracteritzen la societat europea en el segle XXI afloren i es materialitzen en escena de manera sorprenent.

El Conde de Torrefiel inicia la seva trajectòria professional l’any 2010, amb l’estrena de La historia del rey vencido por el aburrimiento , i des d’aleshores ha produït vuit espectacles (Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento , Escenas para una conversación después del visionado de una pel·lícula de Michael Haneke, La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamentoLa posibilidad que desaparece frente al paisajeGUERRILLALA PLAZA , Kultur, Los Protagonistas i Se respira en el jardín como en un bosque), que han comptat amb extenses gires internacionals, especialment a Europa, però també a Amèrica Llatina i a Àsia.

A més de les creacions de peces escèniques amb un llenguatge de caràcter contemporani i amb segell molt personal durant aquests 10 anys, El Conde de Torrefiel ha treballat amb altres formats com són el vídeo, la instal·lació, el site-specific o la publicació de textos, en castellà amb la editorial La Uña Rota i en francès amb Actualité Editons.

El Conde de Torrefiel realitza també col·laboracions com a dramaturgs amb altres artistes, especialment en el camp de la dansa, a vegades a títol personal dels seus directors Pablo Gisbert i Tanya Beyeler.

Les creacions de El Conde de Torrefiel han estat presentades en sales i festivales com el Kunstenfestivaldesarts de Brusel·les, el Théâtre de Lausanne-Vidy, el Festival Steirisches herbst de Krems, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival d’Automne de Paris, el Festival de Otoño, el Centro Dramático Nacional i Teatros del Canal de Madrid, el Mercat de les Flors i el Festival GREC a Barcelona, la Triennale di Milano, el Short Theater de Roma, Vooroit de Gant, DeSingel d’Amberes, el Noorderzon Festival de Gröningen, l’Internationaal Festival d’Amsterdam, el MMCA de Seül, el Nowy Theater de Varsòvia, el Dublin Theater Festival, l’Hellenic Festival d’Atenes, el Zürcher Theater Spektakel, el Gessnerallee de Zurich, el Festival Actoral de Marsella, el CDN de Montpellier, el Festival Cena Contemporánea de Brasilia, el Museo del Chopo de Ciutat de Mèxic, el Festival Danzalborde a Valparaíso, el Festival Transamérique de Montréal, l’Alkantara Festival de Lisboa o el Teatro Municipal Rivoli de Porto, el HAU Berlin i el Mosontourm de Frankfurt, entre d’altres.

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Venres 11 de decembro, 20h

Lugar: Sala de Exposicións de NORMAL (Paseo de Ronda, 47, 15011 A Coruña)

Inscrición: Aforo limitado. A asistencia presencial deberá ser confirmada enchendo o seguinte FORMULARIO.

Technocracia é unha peza de artes vivas no seu segundo estadio de creación que aborda a festa como lugar de comuñón, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura co cotiá, de hedonismo físico e emocional, e tamén como unha metodoloxía de creación a partir do corpo en movemento e a masa, onde expandir a nosa experiencia escénica ao incluir ó publico como parte esencial da peza a través das accións que se xeneren. Trátase de deixar de crear ficcións para deixarnos crear polos feitos intentando preservar o noso calor interno, a nosa frescura e bondade humana contra a tiranía da orde.

Dirección: Cristina Balboa | Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra | Diseño iluminación: Afonso Castro | Diseño espacio escénico: Mauro Trastoy | Espacio audiovisual: Félix Fernández | Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández | Producción: Manu Lago | Foto y vídeo: Ángel Sousa | Diseño gráfico: Félix Fernández y Mauro Trastoy | Produce: Funboa | Ayuda en producción: Agadic · Xacobeo 2021 · Xunta de Galicia | Colabora: Galicia Danza Contemporánea

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5 y 6 de diciembre en Temporada Alta

El Conde de Torrefiel invita al espectador a un ejercicio escénico para una sola persona. El individuo que entra en este bosque simbólico, que se parece mucho al artificio del teatro, ocupa el rol de intérprete y el de público, consecutivamente. Habrá momentos para mirar en silencio y otros para una coreografía de movimientos. Mirar y actuar, las dos acciones básicas del acto teatral. Una reflexión sobre la convención teatral y sobre cómo entendemos la realidad. Una de las compañías catalanas más inclasificables, rompedoras y con más proyección internacional ofrece un experimento sobre el deseo de mirar aquellos mundos artificiales que hemos creado. 

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Societat Doctor Alonso

Del 9 al 12 de diciembre en el Mercat de les Flors

Andrei Rublev toma como punto de partida y titulo la película de Andrei Tarkovski rodada en 1966, en la que el pintor iconográfico Andrei Rublev (1360-1427) hace un largo viaje a la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y un recogimiento interior a causa del uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad, sino como una realidad entre las realidades. La compañía revisita esta pieza estrenada en el festival Temporada Alta 2016 para continuar investigando en los numerosos momentos formales, sonoros y materiales que hay  en escena y, de esta manera, profundizar en este diálogo.

Desde el año 2001, la Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto por lo que hace a su gramática constitutiva como por lo que hace a la lectura que un observador puede hacer. Desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que ponga en cuestión el status quo de nuestra comprensión de la realidad.

Dirección Tomàs Aragay / Dramaturgia Sofia Asencio / Creación e interpretación Sofia Asencio i Nazario Díaz / Con la colaboración en la creación de Virginia García del Pino, directora de cinema / Producción ejecutiva Imma Bové / Distribución Sara Serrano / Coproducción Temporada Alta, Festival Alt de Vigo, Fundació Catalunya La Pedrera / Con  la colaboración La Caldera centro de creación

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29 de febrero en Centro Párraga

La bailarina Bárbara Sánchez presenta en el Centro Párraga su espectáculo ‘Várvara’, un solo escénico que propone desde la danza un acercamiento feminista al arquetipo de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez  encarna la figura de La Gran Amante.
Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan.
Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.

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Del 19 al 22 de octubre.

+ info: https://www.lacasaencendida.es/cine/she-makes-noise-2017-7841

La Casa Encendida celebra la tercera edición del festival she makes noise y consolida un programa que apuesta cada vez con más fuerza por visibilizar el trabajo de mujeres en el campo de la música electrónica y experimental. “Chicas que hacen ruido” oscuro y contundente.

Si she makes noise siempre fue, desde el propio título, implícitamente feminista, queremos posicionarnos más allá de modas pasajeras. Se trata de un evento multidisciplinar que cuenta con una línea de actuación donde tienen cabida lo político, lo lúdico y lo estético con la clara convicción de que en la transversalidad se generan los discursos más integradores e interesantes.

El festival sigue creciendo y este año contaremos con seis actuaciones musicales, un ciclo de cine, un taller y una perfomance audiovisual. Además, colaboraremos con una hacker cyberfeminista, Rachael Runner, el primer bot artístico surgido en las redes sociales que planteará distintas interacciones vía online a través del hashtag #shemakesnoise.

La música en vivo nos trae artistas con raíces latinoamericanas y africanas. Ritmos periféricos y de raíz que se interrelacionan con la música electrónica más selecta. Se trata de reinventar los ritmos y culturas más ancestrales a través de la vanguardia y la cultura de club contemporánea. También estará presente el dark, la música industrial y el minimal techno con dos propuestas desde los países escandinavos, en definitiva el noise que más nos gusta y nos da nombre.

El taller de este año será impartido por la artista audiovisual española, Raquel Meyers, que trabaja con tecnología Arcade y quien ofrecerá una performance.

El ciclo de cine cuenta con el estreno en Madrid de dos largometrajes y un programa de piezas cortas realizadas por mujeres cineastas que han obtenido premios en los mejores festivales internacionales. Películas provenientes de Tailandia, Colombia o Brasil que apuestan también por recorrer nuevas latitudes, alejadas del eurocentrismo y que comparten cartel con dos obras norteamericanas, que centran su mirada en realidades diversas.

Comisariado por Natalia Piñuel (conciertos y taller) y Enrique Piñuel (cine).

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Sábado 17 de junio a las 20.30h y domingo 18 de junio a las 19h en La Caldera

Heartbeat es un solo de movimiento para un intérprete. La primera finalidad de este solo es ocupar un espacio y un tiempo bailando. Una sesión de tres horas de música dance, hip hop, techno y electrónica sirven de base al movimiento. La pulsación de la música es la que marca el ritmo y la que ofrece el estímulo al cuerpo para moverse. Un cuerpo que está “a la escucha” de sus necesidades así como de su espontaneidad en un ejercicio de improvisación.
 
La temporalidad que propone el trabajo provoca y permite calentar el cuerpo mediante la acción. Es así cómo, a través de dicha acción, baile o danza y mediante un efecto físico-químico, este cuerpo sube su temperatura, sus poros se dilatan y suda, se hace permeable abriéndose a cualquier estímulo, dejándose afectar. Un cuerpo que se entrega a la pérdida, al abandono para acabar mostrándose en su carnalidad. Podría decirse que, el recorrido que realiza, viene marcado por una búsqueda, la de perderse y encontrarse en un nuevo cuerpo o incluso en diferentes cuerpos, en diferentes realidades donde deseo y placer están presentes.
 
En Heartbeat el movimiento quiere alejarse de lo formal y de lo académico, siendo éste un elemento plástico y expresivo resultado del uso de una determinada energía y no una coreografía de formas cerradas. Una propuesta donde se juega a buscar los límites espaciales, temporales y energéticos de un cuerpo.

Nota:debido a la duración de la propuesta se permite entrar y salir de la sala según las necesidades del espectador.

Este solo fue preestrenado el 30 de octubre de 2016 en la sala Pradillo de Madrid y estrenado el 20 de enero de 2017 en la sala Carme Teatre de Valencia.

SANDRA GÓMEZ. Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Desde el año 2001 trabaja de manera conjunta con Vicente Arlandis en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos de creación e investigación que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional. Desde el año 2012 lleva a cabo su propia investigación y trabaja en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento: Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012).

Duración: 3 horas

Idea e interprete: Sandra Gómez / Proyección: Sergi Faustino / Luces: Antoine Forgeron / Gracias a: Espai Flotant / Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia

Este trabajo se ha gestado dentro del espacio de encuentro e intercambio misióndivina.

 

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