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Lema de 2021: Reset

La resiliencia era la palabra comodín que desde hace unos diez años ya nos martilleaba desde la política, el coaching, los manuales para el emprendimiento o los libros de autoayuda, pero que ha tomado un nuevo impulso desde la aparición de la pandemia. Ante la parada en seco, resiliencia. Ante la carencia de recursos, resiliencia. Ante una catástrofe, resiliencia. La voluntad, la capacidad de cambio del individuo frente a la adversidad, y una taimada culpabilidad que crece ante el supuesto fracaso de no haber sabido ser resiliente. De cambiar, de adaptarnos, de reconfigurar nuestras formas de hacer y trabajar, de lidiar con pocos recursos, sabemos un poco en el medio artístico y cultural. Pero también conocemos de la importancia del trabajo en equipo, de que pensar juntas es más práctico y sobre todo más enriquecedor, que los cambios no siempre son buenos, que adaptarse o transformarse a veces puede significar alejarse del contexto para y con el que se trabaja. Nos planteamos RESET este año como lema del Festival porque sabíamos de la necesidad de repensar las artes escénicas, el Festival, los vínculos que hemos ido trazando a lo largo de una década, pero lo hacemos desde la perspectiva de lo que es y ha sido más valioso para el sector y para el público, no desde la idea de un borrado de lo que nos ha ido construyendo. Nos centramos en los VIVEROS, nuestras piezas cortas en espacios no convencionales, que se han convertido en la cantera de los y las creadoras emergentes y han generado un público más amplio para las artes escénicas. Apostamos por dotar a estas creadoras/es de un espacio para poder montar sus creaciones, pero también buscamos a un público fuera del centro, fuera de la capitalidad de Valencia, en otras ciudades y pueblos de nuestro entorno, que sean partícipes y puedan disfrutar de esta creación emergente. Para ello hemos trazado nuevos vínculos con distintos ayuntamientos que quieren participar en proporcionar a la creación emergente de recursos, pero también quieren hacer llegar este trabajo, a través de la mediación, a su propio público, y que sea éste mismo quien también participe en parte de la programación de su propio ayuntamiento. Estamos muy agradecidas de la apuesta de estos municipios. Este año pulsamos RESET para llegar más lejos desde lo que tenemos más cerca. 

Equipo Russafa Escènica. Festival de Tardor 2021.

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Del 30 de septiembre al 3 de octubre en Terrassa

>Programación 

Florir en catalán es una palabra polisémica. El diccionario da varias definiciones, todas ellas hermosas. La primera: convertir las plantas en flor o aparecer las flores. En un sentido más amplio: prosperar, estar en pleno vigor. Pero también: cubrirse de hongos. Creo que todas las acepciones resuenan en la edición de este año que llega con una sensación compartida de que
hay demasiadas cosas sobre las que tenemos que hablar. En todo este tiempo se nos han acumulado las inquietudes, los miedos, las mentiras, también las ganas. Porque, como dice el filósofo alemán Hartmut Rosa, lo de antes de la pandemia era todo menos normal. Por eso este año el festival florece, pero lo hace como lo harían los hongos; descomponiendo materia
orgánica, convirtiendo lo podrido en fertilizante para otras especies, lo que ya no nos sirve en vida, en otra vida. Y por eso la imagen del cartel de este año.

Esta edición el programa incluye veintidós piezas, la mitad de las cuales son estrenos. Eso implica que es una edición con riesgo, una palabra que define el festival pero también al momento que estamos viviendo. Acogemos muchos trabajos gestados en este presente voluble y quizás por eso en clara apelación al mismo. ¿Cómo no hacerlo? Pues quizás lo más revolucionario en nuestra sociedad actual sea reflexionar críticamente como nos proponen las prácticas artísticas que apelan a lo real. Así, presentamos los trabajos de las compañías residentes Las Huecas y Urati, dos colectivos de creadoras y creadores, muy jóvenes, emergentes e innovadores, que se centran en la gestión privada de nuestra muerte y el cuerpo migrante en relación al cuerpo virtual, respectivamente. Dos propuestas que dibujan una senda por la cual transitan otros trabajos como, por ejemplo, los de Vértebro o Bárbara Bañuelos, también compañías residentes que presentarán sus nuevas piezas alrededor de conceptos como la locura contemporánea, la autoexplotación o la sostenibilidad. Son todas cuestiones que demandan reflexión porque nos ubican en el debate sobre cómo seguir viviendo, cómo construir un futuro tan cuestionado ahora mismo.

Para continuar internándonos en el tejido de la ciudad de Terrassa, hemos seguido incentivando el trabajo con colectivos, y en el seno de algunas piezas resonaran sus voces, sus cuerpos, su conocimiento. Entre otros, el grupo de biólogas que ha puesto su experiencia de vida al servicio de Paramecis i meteorits de Xesca Salvà y Marc Villanueva, una pieza que fija la mirada en la vida de las bacterias y los hongos, o el grupo de niñas y niños de la ciudad que pone su cuerpo y su juego en el centro de Los figurantes de Ça marche. En este sentido, iniciamos una primigenia expansión de la programación hacia los distritos. Lo hacemos con dos singulares propuestas; La llista de Quim Bigas, pieza que también clausura el festival el domingo por la mañana en la plaza del Ayuntamiento, y Vivir en Videoclip de Anto Rodríguez, un concierto-karaoke popular, una invitación en toda regla a cantar y a bailar.

La experimentación a través de nuevos formatos viene de la mano de María Jerez y Edurne Rubio, que traen los fenómenos naturales a la sala de teatro, El Conde de Torrefiel, con su ejercicio escénico para un espectador, o del colectivo escénico Los detectives que se han lanzado a experimentar con el cine y el placer de los cuerpos. TNT KIDS también acoge tres propuestas de nuevos formatos que buscan potenciar el espectador activo y huir de la infantilización. Un buen ejemplo es la propuesta Dit-dit de Condegalí, un taller-pieza que reivindica el tacto como herramienta de conocimiento y que en los tiempos actuales se presenta como una lección fundamental.

Las tres noches del festival terminaran con una propuesta musical que desborda el formato concierto. Glòria Ribera, Los Voluble y Mercedes Peón presentan sus últimos trabajos que comparten, además de un marcado carácter transdisciplinar, reivindicaciones profundamente políticas que están en la raíz y origen de sus singulares creaciones.

TNT es un festival vivo que transpira presente, necesidad, urgencia, y que atiende al malestar, a lo que no funciona, a la necesidad de cambio de nuestros modos de vivir. Por eso, este año los hongos nos acompañan. Algo tan obvio como pensar que somos finitos y que el mundo nunca ha sido nuestro es un primer paso, muy pequeño pero fundamental, hacia el cambio. Pensar, con humildad, que los hongos podrían sobrevivirnos como especie, y que podrían ser ellos los encargados de convertir nuestras ruinas, todo aquello que dejemos, en un mundo completamente nuevo. Dejar de ponernos en el centro, hacernos a un lado, mudar la perspectiva. Entonces, una cosa tan aparentemente fea como los hongos se convierte en algo bello, en un paisaje alucinante, como de otro planeta.

Marion Betriu
Directora artística TNT

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Del 1 al 5 de junio se celebra en Azkuna Zentroa Prototipoak. Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas en la que se presentan los proyectos desarrollados desde hace más de un año en el Centro.

Prototipoak es una Bienal de artistas con miradas diferentes, de procedencias muy distintas, que desde una práctica situada, desde la especificidad del contexto, plantean nuevas experiencias. Lo hacen a través de formas artísticas contemporáneas, con sus códigos y tiempos de creación, en escenarios y formatos que cambian, con lenguajes diversos a través de los que se cuestionan diferentes aspectos de la realidad, tratando de abrir posibilidades para transformarla.

Prototipoak continúa y expande el trabajo desarrollado en el programa 3, 2, 1, Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas, entre 2013 y 2015, y nace en 2016 con la intención de explorar la naturaleza, performatividad y multiplicidad de lo social a través del arte, además de contribuir a su formación de manera crítica desde una dimensión poética, estética y política.

Desde el inicio, el lugar ha sido un elemento central, no solo como el escenario donde pasa la vida, es decir como contenedor o contexto de acción, sino como lo que se constituye propiamente a través de lo que hacemos, de nuestras acciones situadas.

Un lugar complejo, en constate movimiento, en el que conviven lo normal, lo marginal, lo incierto y misterioso, lo absurdo, lo obvio, lo anodino y lo absolutamente excepcional, lo superfluo y lo fundamental para la vida.

En Prototipoak, prestamos especial atención a la posibilidad de entretejer, de entramar, de entrelazar los proyectos artísticos con el lugar, promoviendo relaciones que desborden nuestras prácticas y las de las y los artistas participantes. En la Bienal de 2021 participan los y las creadoras Sra. Polaroiska, José Ramón Ais, Diego Sologuren & Sébastien Tripod, Maider López, Laida Lertxundi & Ren Ebel, Elssie Ansareo, Elena Aitzkoa y Amalia Fernández.

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Del 15 al 17 de octubre en Teatro Pradillo

Creación: Talia de Vries y El Manisero
Asistencia a la dirección artística: Ricardo Santana y Johann Nöhles
Intérpretes: Ricardo Santana, Oihana Altube Lorea, Raúl Marcos y El Manisero (Vicente Colomar)
Iluminación y espacio sonoro: Óscar Villegas

Esta es la primera vez que la actualidad de un proyecto genera en nosotras tantos sentimientos encontrados. Por un lado el lógico entusiasmo y las ganas que un proyecto nuevo nos genera, pero por otro la desazón y la tristeza de la dramática realidad que vivimos y que otorga su actualidad a este proyecto, cargándolo de sentido. La Quietud estudia la detención, el parón, estudia lo que pasa cuando nos detenemos, cuando no sabemos ya que decir, que hacer. Estudia el momento justo en el que nos quedamos congelados sin palabras. La Quietud es una colección de escenas cotidianas en las que los cuerpos y los objetos se han quedado congelados, inmóviles, aunque pude que esto, tras un rato de atención, no sea tan cierto. La realidad siempre se mueve.

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Elena Aitzkoa y Marwa Arsanios presentan dos trabajos dentro de Display SeriesParaíso terrenal y Who is Afraid of Ideology? Display Series es una línea de programa centrada en los formatos de la exposición y la instalación. Su objetivo es generar un encuentro para que artistas tanto locales como internacionales muestren su obra en el espacio de Bulegoa z/b y se generen diálogos.

Jueves, 26 de septiembre, 2019:
17:00: apertura de la exposición
17:30: audición de Paraíso Terrenal, de Elena Aitzkoa
18:30: Marwa Arsanios presenta Who is Afraid of Ideology?

Fechas de la exposición:
26/09/2019 – 05/10/2019. De lunes a sábado de 16:30-20:30

ELENA AITZKOA: PARAÍSO TERRENAL. AUDICIÓN DEL DISCO
…Paraíso Terrenal, hay peligro y hay belleza, y entre todas las rarezas tu presencia es la que más. Pero, cuando cruzas la puerta de este jardín mal vallado, te saludan las ranitas acostándose hacia un lado, cro-cro, cro-cro… Hocico-rizo. El río acaba de secarse, el lago está precioso como un beso, me baño y el agua helada habla con mis huesos… En bandada desbandada aletean pájaros del paraíso junto con palomas pardas ¡Desmayarse!

Paraíso Terrenal ha sido editado en vinilo por Grupo de fe en marzo de 2019. Contiene grabaciones de poemas recitados en los alrededores de Apodaka durante los otoños de 2017 y 2018; el exterior canta. Es una apuesta sencilla. (…)

MARWA ARSANIOS: WHO IS AFRAID OF IDEOLOGY?
A modo de introducción, de pie sobre un camino de guijarros, la directora Marwa Arsanios se dirige a la cámara y pregunta: “¿Qué significa pertenecer a un lugar? ¿Qué quiere decir ‘estar aquí’? ¿Qué entraña la palabra ‘naturaleza’? ¿Qué implica decir ‘nosotros’?”. Los experimentos llevados a cabo por mujeres en tres lugares asolados por las guerras plantean estas cuestiones políticas. En el primero de ellos, a comienzos de 2017 en las montañas de Kurdistán, la insurgencia dirigida por el movimiento autonomista de las mujeres kurdas invita a los espectadores a experimentar y reflexionar de un modo diferente sobre el espacio, las plantas, la supervivencia, la ecología y las luchas económicas. El proceso, se nos dice, deriva de cuestiones prácticas: ¿cómo montar un ciclo de producción de alimentos orgánicos?, ¿cuándo hay que talar un árbol? (…)

Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984). Reside en Bilbao. Su práctica incluye la escultura, el dibujo, la poesía y la performance. Sus creaciones son un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales del entorno más o menos próximo y la experiencia vital. Entre sus últimos proyectos destacan la exposición Zarza Corazón (2019), en el Museo Patio Herreriano de Valladolid; el vinilo de poemas y silbidos Paraíso Terrenal (2019); la película Nuestro amor nació en la Edad Media (2018) y el ciclo de performances Headscarfs close to the Ground, en el marco de Oslo Pilot (2016).

Marwa Arsanios es una artista, cineasta e investigadora que reconsidera el ideario político del siglo XX desde una perspectiva contemporánea, centrándose especialmente en las relaciones de género, el urbanismo y la industrialización. Se acerca a la investigación desde la colaboración y el cruce de disciplinas. Ha expuesto de modo individual en, entre otros espacios: Skuc Gallery, Liubliana (2018); Beirut Art Center, Beirut, Beirut (2017); Hammer Museum, Los Angeles (2016) y Witte de With Center for Contemporary Art, Róterdam (2016). (…)
Más información:[www.bulegoa.org]

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6 y 7 de marzo de 18 a 20:30 h en La Virreina 

En abril de 1936 Lucía Sanchez Saornil, Mercedes Composada y Amparo Poch Gascón fundaban Mujeres Libres dentro de la CNT,  una organización pionera en la emancipación de la mujer desde la perspectiva  de la lucha de la clase obrera.  Este movimiento feminista proletario llegó a aglutinar cerca de 20.000 afiliadas.

Mujeres Libres era también una revista, de “cultura y documentación social”,  trece números editados entre 1936 y 1938. La publicación nació como boletín ideológico y de actividades de la asociación para atraer mujeres a la ideología libertaria, pero a partir de la cuarta se convirtió en prensa femenina de revolución y guerra.  Este material –dormido durante décadas en el fondo del olvido hemerográfico−,  se reactiva ahora como punto de partida para conocer y releer  el anarquismo femenino de la CNT de los años 30 del siglo pasado desde la ebullición y la pluralidad del movimiento feminista actual.

Para ello hemos invitado a mujeres de diferentes procedencias a trabajar las aportaciones de la revista Mujeres Libres durante dos jornadas.  La única premisa es la libertad de pensamiento y la intención de reivindicar a la mujer como agente de cambio social ayer y hoy.

Dialogaremos con Elena Carreras e Irantzu Varela.  Pondremos los cuerpos y la voz con Iniciativa Sexual Femenina, Mireia Redondo Prat, Núria Martínez Vernís y Anna Pantinat.

Reactivaremos la exposición y la iconografía que Mujeres Libres organizó en Barcelona sobre la revista,  ya que esta actividad es una nueva materialización del proyecto Gràfica Obrera Anarquista desarrollado por  el Observatori de la Vida Quotidiana que auspicia La Virreina Centre de la Imatge.

Links + INFO:

http://www.graficaanarquista.com/

http://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/ca/activitats/rellegint-mujeres-libres/364

https://www.facebook.com/events/640830193024988/ 

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Olga Mesa y Francisco Ruiz Infante

15 de febrero a las 18.30h en la Nave 11 de Naves Matadero

¿Qué ocurre en 2019 en la taberna de los contrabandistas que Carmen visita cada noche?
Como siempre, en ese lugar sin ley, soldados, gitanos y traficantes encenderán sus máquinas destripadas para inventarse una fiesta juntos.

El viaje –a veces vertiginoso- a través de las imágenes, los sonidos, los objetos y los cuerpos, construirá una entrada cautelosa en la franja resbaladiza que separa la realidad de la ficción. Como un diálogo desordos es el titulo genérico que Mesa y Ruiz de Infante dan a sus textos a cuatro manos, a sus montajes fílmicos y a sus conferencias performativas. En este tiempo de contacto muy directo con la audiencia, Olga y Francisco se dan el gustazo de experimentar una puesta en escena ligera y específica concebida para la ocasión. “El cruce de referencias gracias a formas más o menos ortodoxas del ‘género’ performance conferenciera, permite la proposición de diálogos ilustrados, de exquisitos malentendidos y el frotamiento chisposo de lenguajes”, explican.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

>Más info y entradas

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16 y 17 de enero en el Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta la primera edición de ESTUDIO, un programa anual que durante dos días reúne presentaciones en distintos formatos (piezas escénicas, conferencias performativas, acciones, lecturas, conversaciones), fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el área de la coreografía y la performance.

Desde esta especificidad y con una óptica experimental, ESTUDIO propone un contexto que, respondiendo a los diversos significados a los que su nombre alude, invite a percibir el trabajo artístico en su dimensión estudiosa, como proceso de aprendizaje; es decir, como práctica que necesariamente se adentra en el terreno de lo que está aún por saberse. Asimismo, se incorpora su acepción espacial, haciendo referencia al estudio como lugar de trabajo en el que se despliegan y comprueban los funcionamientos de los materiales y las relaciones entre objetos y lugares. Y, finalmente, como ensayo: una apuesta por un conocimiento que se abre a lo incierto a partir de su alianza con el lenguaje, y que funciona como prueba, como entrenamiento y como examen de todo aquello que damos por sabido.

En esta primera edición se invita al público a ser cómplice y acompañante de las propuestas de estos artistas, algunos de los cuales presentan sus experimentos por primera vez, mientras otros deciden participar con una obra ya realizada a fin de ponerla a prueba, verla y producirla de nuevo, y testar así su vigencia.

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18 de diciembre a las 18h en CentroCentro (planta 5)

Cada una de las exposiciones del ciclo Mirror Becomes a Razor When It’s Broken cuenta con una actividad específica que funciona como otra capa más de significados en cada uno de los proyectos de los artistas que participan . Para Vida de O., de Lúa Coderch, hemos invitado a Julia Spínola a que elabore un recorrido personal en torno a la materia y los objetos desde referentes que pueden (o no) estar conectados con su práctica artística. 

Julia Spínola (Madrid, 1979) vive y trabaja en Madrid. Ha recibido varias becas y premios como Beca de Artes Plásticas Marcelino Botín, Premio El Ojo Crítico de Artes Plásticas de Radio Nacional de España, ambos en 2013, Generaciones 2013, Fundación Montemadrid y el Premio ARCO 2017 de la Comunidad de Madrid. Ha  participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas como Lubricán, CA2M – Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid (2018); Mutaciones, Roca con David Bestué, Halfhouse, Barcelona (2016); Âo túnel-cabo pelo braço, Kunsthalle São Paulo, São Paulo (2015); Hablo, sabiendo que no se trata de eso, CaixaForum, Barcelona; 9a Biennal dart Leandre Cristòfol, La Panera, Lleida (2015); Stiff hip gait con Alex Reynolds, Komplot, Brussels (2015); Aprender a caer, Inéditos, La Casa Encendida, Madrid (2014); Paper Works, Tatjana Pieters Galerie, Gante (2014); ‘…’, The Mews, Londres (2013); El martell sense mestre, Can Felipa, Barcelona (2014); Retroalimentación, Sala Arte Joven, Madrid (2014); Sin motivo aparente (Out of the Blue), CA2M – Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2013); Into the point (vibration), Tatjana Pieters Gallery, Ghent; Oreja, Naufragio (en diálogo con Mauro Cerqueira), Galería Heinrich Ehrhardt, Madrid (2012); Resonance and repetition, EFA Project Space, Nueva York Teatro de Anatomía, RMS (2012); Antes que todo, CA2M – Centro de arte 2 de Mayo, Madrid (2011). Su trabajo está en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Fundación Marcelino Botín; Colección de Arte Comunidad de Madrid/CA2M; Museo La Panera, Lleida y Fundación Montemadrid/La Casa Encendida, Madrid.

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