— MuroTRON

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Espectáculo

10 y 11 mayo, 22:00, en La Casa Encendida, 5€, dentro del ciclo Unalmés.

Una obra que combina sonido, vídeo en sincronía y la interpretación en vivo de Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado. También quiere ser un “poema en 3 dimensiones”, en la medida en que gesto, grafía y sonido van apareciendo de a tres, en combinaciones y desplazamientos a diversos grados de dictado, habla y concreción en partitura.

Este es el segundo de los tres fragmentos que componen la zona de investigación audiotextual alrededor de la desobediencia subjetiva, del deseo, la represión y la norma, titulada Jinete Último Reino, iniciada por María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca en enero de 2017. Si Frag. 3 abordaba la noche como momento de liberación y desvío, lucha política y hedonismo, y en cierta medida, la juventud; Frag. 2 aborda el tramo de alfabetización: el tramo de alfabetización en el que el cuerpo de la infancia es normalizado hasta la retención de su color (o género) en una imagen más o menos fija. ¿De dónde viene esta violencia? ¿A dónde va? ¿Qué de la diferencia del cuerpo resiste?

María Salgado (1984) y Fran MM Cabeza de Vaca (1976) trabajan juntxs en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. La zona de investigación titulada Hacía un ruido (2012-2016), que enfocó el ciclo de desobediencia política de 2011, dio lugar a autoediciones gráficas de pósteres y panfletos, un libro publicado por la editorial Contrabando, un disco lanzado en el sello Ruido Sisterhood, una pieza instrumental para el ensemble Vertixe Sonora, una instalación sonora de dos meses de duración y un recital híbrido que giró por lugares tan dispares como el Espacio Naranjo y el Teatro Valle Inclán de Madrid, las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, el festival ZEMOS 98 de Sevilla, 16 Beaver de Nueva York, Hangar de Barcelona o El Arsenal de Córdoba. Jinete Último Reino, la zona de investigación en la que actualmente están inmersxs, tiene su origen en una pieza instrumental para oboe y dispositivo electrónico interpretada en el año 2013 por el Smash Ensemble y publicada como partitura en la colección Present Tense Pamphlets. Cuando los tres fragmentos que la conforman sean completados se unirán en una obra escénica de larga duración; mientras, las piezas van girando de forma autónoma por espacios como el C3A de Córdoba, el Centro Párraga de Murcia, el MNCARS, el festival Idiorítmies del MACBA, el Festival Sâlmon <, Escenas do cambio de Santiago de Compostela y el Matadero de Madrid; además de derivar en audios (como Negro RSRJ RJRS, Radio Reina Sofía, 2017), cartelería (Manifiesto, 2018) y publicaciones. Jinete Último Reino Frag. 2 será estrenado en el festival Idiorítmies del MACBA.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/jinete-ultimo-reino-frag-2-maria-salgado-fran-mm-cabeza-vaca-9978

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Sábado, 4 de mayo, 20:30 en La Mutant.

“La mesa verde”, del coreógrafo Kurt Jooss (maestro de Pina Bausch), es uno de los espectáculos de danza más emblemáticos y políticamente comprometidos del siglo XX. Estrenada en 1932, pocos meses antes de la llegada de Hitler al poder en Alemania, en ella se denuncia el auge del fascismo y la guerra, anticipando la oscura realidad en la que Europa se sumiría pocos años después.

Esta obra le sirve a Olga de Soto de pretexto para la creación de un documental escénico en el que ahonda en las posibilidades del archivo como material de creación. De Soto investiga la historia de la obra y la vida de los bailarines que participaron en su creación en julio de 1932, en una época marcada por el clima turbio que precedió a la Segunda Guerra Mundial. A partir de esta investigación, la autora aborda los temas centrales en su trabajo, la memoria y la huella; e indaga en el impacto del arte escénico, en su utilidad y perennidad.

Olga de Soto, artista valenciana, ha recibido en Bélgica el Premio de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos / SACD, tanto por el conjunto de su trayectoria como por su trabajo de investigación y de creación a partir de la obra de Jooss.

Más información: https://www.lamutant.com/val/portfolio-item/una-introduccion-val/

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03 May 2019 06:30 PM Halle 3
04 May 2019 06:00 PM Halle 3
05 May 2019 06:00 PM Halle 3

El Conde de Torrefiel has made a name for themselves with their irritating works about the brittle disposition of (western) European society and the hard to grasp sentiments of our time. The duo often employs projected texts, which range from futuristic simulation games to diary entries. They tell of an insecure generation and form a sharp contrast to the minimalist stage choreographies and energetic sounds. Tears emerge in the fabric of elements, which explore the irreconcilable between the “honest” observations of the portrayed individuals and the self-conception of a society in which nothing understood anymore. The world premiere of KULTUR at donaufestival leaves the typical theatre space of previous works by El Conde de Torrefiel. The performative installation derives from explicit scenes and the tension between textual reflections on life in public space and the realistic setting of a casting.

Conceived and devised by:
El Conde de Torrefiel
Direction:
Tanya Beyeler and Pablo Gisbert
Text:
Pablo Gisbert
Cast:
Jane Jones, Sylvan, Arno Genista
Set Design:
El Conde de Torrefiel & María Alejandre
Props & Costumes:
María Alejandre
Sound design:
Adolfo Fernández García
Technical director:
Isaac Torres
Voice:
Victoria Macarte (English), Margarita Göbel (German)
Translation:
Victoria Macarte (English), Martin Orti (German)
Production:
El Conde de Torrefiel
Production:
donaufestival (Krems)
Co-production:
Gessnerallee (Zürich)
Diffusion & tour management:
Caravan Production

+ info: https://www.donaufestival.at/en/programme/programm-2019/75-el-conde-de-torrefiel?set_language=en

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Naves Matadero estrena en España esta pieza de VA Wölfl, uno de los creadores más contemporáneos, que borra la línea entras las diferentes artes y las aúna para crear un espectáculo único que derrocha deleite estético.

26, 27 y 28 abril, 20:30h (excepto 28 abril 19:00h), 15 euros

“VA Wölfl trabaja para NEUER TANZ, NEUER TANZ trabaja en Düsseldorf”.Esta es toda la información que la compañía quiere que el espectador sepa. Pero, siendo ecuánimes con el resto de programación, no les importará que enmarquemos a su creador en el contexto contemporáneo: el pintor, fotógrafo y coreógrafo VA Wölfl es una figura emblemática de la danza alemana y su compañía NEUER TANZ, lleva en la vanguardia del arte desde los años ochenta. Sus provocativas, radicales y hermosas producciones convierten cada noche en un acontecimiento y el escenario en un lugar de investigación estética

VA Wölfl estudió pintura con Oskar Kokoschka en Salzburgo, fotografía en la Folkwangschule de Essen y, desde 2007, es miembro de la Academia de las Artes de Berlín. Nos encontramos, sin duda, frente a uno de los creadores más contemporáneos que existen debido al dispositivo que genera a partir de la danza clásica. En sus obras se entremezclan los lenguajes de las artes visuales, la danza, el teatro, la música y la fotografía, borrando la línea divisoria entre éstos y provocando y estimulando la percepción del espectador.

En von mit nach t: No 2, VA Wölfl encaja lo que no suele coincidir: lo militar con el baile o las alas de los ángeles con sonidos violentos. Y cuando el cubo blanco (al que se refieren en el mundo del arte para hablar del espacio expositivo) se ilumina de una luz monocromática, según los teclados de colores de Le Corbusier y los intérpretes forman imperfectos grupos de sugerentes cuadros vivientes; cuando se queman los micrófonos, los bailarines se hacen pasar por astrofísicos o fantasmas cae en picado acompañado de un ruido ensordecedor… es entonces cuando el espectador experimenta una exploración estética única. Y es algo que merece ser vivido.

Más información: https://naves.mataderomadrid.org/es/actividades/von-mit-nach-t-no-2

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Del 24 al 28 d’abril a la Sala Planeta de Girona.

‘Els diners, el desig, els drets’ és un projecte de teatre documental que analitza la gestació subrogada des d’una perspectiva feminista posant en relació (i en conflicte) la idea de “desig”, erròniament considerada irrevocable i inevitable, amb la defensa dels drets humans fonamentals.

Els actors Núria Lloansi, Susanna Barranco i Juan Navarro donen veu a diferents professionals de la filosofia, l´ètica, el dret, l’obstetrícia, les neurociències o la psicologia, així com als protagonistes (i, especialment, a les protagonistes) dels processos de gestació subrogada per tal d’oferir una anàlisis polièdrica i rigorosa d’aquest fet.

‘Els diners, el desig, els drets’ s’estrena a La Planeta dins el Cicle de Teatre Verbatim.

Més informació i entrades: http://www.laplaneta.cat/ca/programacio/c/1087-el-diners-el-desig-els-drets.html

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Del 21 al 24 de marzo en la Sala MAC del Mercat de les Flors – 20h (dg 18h) 16€

CÈL·LULA es una estructura flexible para la creación, la transmisión continua y el desarrollo de la danza. Invita y acoge a coreógrafos e intérpretes, y tiene como objetivo facilitar y producir creaciones de formato medio/grande.

CÈL·LULA#1: Primera producción del Mercat de les Flors dentro del proyecto CÈL·LULA

Dentro de La Quinzena metropolitana de dansa

Albert Quesada continua su investigación personal sobre el mundo del flamenco y su complejidad con la intención de encontrar el origen mismo del movimiento y el canto. El coreógrafo quiere descubrir el motor del flamenco y desplazarlo a otros cuerpos y otras músicas para generar un nuevo sentido. Conseguir, en definitiva, que la pequeña chispa que cada persona custodia dentro de sí se convierta, finalmente, en un gran incendio.

Flamingos es el resultado de colocar a Carmen Amaya en medio de una escena de John Waters. El impulso del flamenco para compartir el interior del alma humana se mezcla con la música, el vestuario y el imaginario más pop. ¿Cuál es nuestro propio flamenco? ¿Cuál es nuestra música y qué danzas invita a bailar? Los cuerpos, los deseos, los miedos y los referentes se dejan contaminar para dar voz a una jam session llena de duende. Una juerga que se alarga hasta la madrugada donde ocho intérpretes se exponen y se desnudan con la única voluntad de celebrar y de celebrarse, con movimientos y cantos que no dejan lugar a la duda o la incertidumbre. Esto es así y no puede ser de ninguna otra manera. ¡Ea!

Actualmente Albert Quesada es coreógrafo asociado al Mercat de les Flors y ha sido invitado a crear la primera producción del proyecto CÈL·LULA.

Idea, coreografía y dirección Albert Quesada / Ayudante dirección Claudia SolWat /Creada con e interpretada por Blanca Tolsá, Eliott Marmouset, Mario G. Sáez, Miquel Fiol, Katie Vickers, Laila Tafur, Víctor Pérez Armero, Viktoria Andersson / Diseño sonoro Rafael Cañete, Julián D’Avino, Carlos Parra / Diseño escénico y de iluminación CUBE.ez / Vestuario Jorge Dutor, Txell Janot / Dramaturgia Albert Pérez Hidalgo, Pau Masaló / Agradecimientos Mireia de Querol, Kosmonaut Production
Producción Mercat de les Flors / Coproducción Dansa – Quinzena metropolitana / Con la colaboración Fundació Banc Sabadell /

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/flamingos/

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Cuerpo gozoso se eleva ligero, de VICENTE ARLANDIS / TALLER PLACER

23 de marzo, 20:30h. La Mutant.

+ info: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-gozoso-se-eleva-ligero/

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza.

Una obra que tiene mucho de instalación visual.  Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

“Y entonces me iluminó de repente este pensamiento sencillo y santo: que yo no tenía que ser ni maduro ni inmaduro sino así como soy… que debía manifestarme y expresarme en mi forma propia y soberbiamente soberana, sin tener en cuenta nada que no fuera mi propia realidad. ¡Ah, crear la forma propia! ¡Expresarse! ¡Expresar tanto lo que ya está en mí claro y maduro, como lo que todavía está turbio, fermentando!; ¡que mi forma nazca de mí, que no me sea hecha por nadie…

Ferdydurke de Witold Gombrowicz

Una idea de Vicente Arlandis/TALLER PLACER
Creación e interpretación  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez  con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación  Isaac Torres
Producción Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura
Agradecimientos INPLASBA y La Mutant

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1-2-3 febrero 20h30
Carme Teatre, València
Más información y entradas: https://www.atrapalo.com/entradas/lp_e4827070/

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía.

LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Paula Miralles. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia y en Arte Dramático por la ESAD de Valencia. Ha realizado una intensa trayectoria como actriz de teatro. En 2016 crea la compañía Colectivo Mortero junto a David Alarcón, Esther Vidal y Pilar Parreño. Con esta formación pone el acento en la relación entre música y lenguaje, sonido, texto y palabra. Actualmente participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal y combina su faceta artística y creativa con la de gestión y producción de proyectos escénicos, tanto propios como ajenos. “LP” es su primer solo con el que inicia su propia línea de creación.

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La compañía Mikel Aristegui presenta el estreno de su nuevo espectáculo en el Auditorio Municipal de Ourense el 15 de noviembre a las 20.30hIn Between.

In Between es el primer espectáculo de Mikel Aristegui producido en Galicia. El proceso de creación comenzó el pasado mes de febrero a través de unos encuentros entre los intérpretes en Allariz – Ourense: Nuria Sotelo, Rosabel Huguet y Mikel Aristegui. En junio presentaron un extracto de la pieza en el Festival Vila Real Dansa en Castelló, como previo al estreno del espectáculo escénico.

 In between es ese espacio entre los cánones del hombre y de la mujer, entre lo masculino y lo femenino, la definición del género no binario, la necesidad de entrar en una dinámica de género fluido que proteja a la persona como tal, más allá del sexo que pueda representar. 

Dirección y coreografía: Mikel Aristegui

Interpretación: Rosabel Huguet, Nuria Sotelo y Mikel Aristegui

Iluminación: Octavio Mas

Música original: Gabor Csongradi

Vídeo: Camila Rapetti

Diseño gráfico: Marta Romero

Producción: Mikel Aristegui

Colaboran: Galicia Danza Contemporánea y Auditorio Municipal de Ourense

Espectáculo realizado en un ambiente seguro y de respeto para el colectivo LGTBIQ

Mikel Aristegui

En sus casi 30 años como profesional, Mikel Aristegui alternó su trabajo como intérprete con colaboraciones de creación con otros artistas: vídeo, iluminaciones, músicos, cantantes, artistas plásticos e incluso con estudiantes. También ha trabajado como productor, creando 2 festivales de coreógrafos vascos en Berlín (2009 y 2011ç9 y ha trabajado como comisario de arte y coordinador en una exposición en Berlín.

Arístegui trabajó como bailarín con Sasha Waltz & Guess durante casi 10 años, con Dv8 Physical Theater durante 3 años en la producción “Just for show” y como coreógrafo con el director de teatro Thomas Ostermeier, en la Ópera “Orpheo e Euridice” y para la Compañía “Dantzaz” entre otros.

Vive y trabaja en Allariz desde 2017.

 www.mikelaristegui.com

 

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Verónica Navas Ramírez, 09/11/2018 – 20:00h, CC Urgell, Entrada gratuita.

¿Qué se le puede hacer a una madre cuando ya está muerta? ¿Y qué se le puede decir? ¿Y qué nos podemos permitir sentir ante su muerte? ¿Y cómo nos emocionaremos? ¿Y qué nos diremos? ¿Y, cuando nuestra madre esté muerta, seguirá estando o habrá desaparecido por siempre jamás? ¿Seguirá con nosotros? ¿Seguirá en nosotros? ¿Seguirá viva en pequeños detalles, en pequeñas cosas que quizás son grandes, que quizás nos hacen cómo somos, nos hacen quién somos?

Verònica Navas se ha propuesto dar respuesta a estas y otras cuestiones sobre las relaciones entre madres e hijas y sobre cómo esta relación marca nuestra identidad, nuestra manera de ser y afrontar aquello que nos pasa, en un espectáculo que lo es a pesar de que no lo parezca: que nadie se espere una historia con argumento y desenlace, que nadie se espere personajes ni mentiras… Verònica Navas nos habla de ella y nos habla de su madre y lo hace en una conferencia que tampoco es sólo una conferencia aunque en un principio lo pueda parecer.

Hasta agotar existencias está hecho de palabras, las de su autora, pero también de las palabras de otros que nos llegan a través de varias grabaciones. Hasta agotar existencias está hecho de imágenes: la de Verónica Navas sobre el escenario pronunciando una conferencia sobre quién es su madre y quién es ella y cómo se relacionan y cómo se relacionarán cuando una de ellas, la madre, deje de estar; pero también otras imágenes, muchas imágenes, que nos llegan a través de una pantalla y que no ilustran pero que sí que explican.

Son imágenes y palabras que hablan de recuerdo y de legado, de presencia y de ausencia, de madres e hijas, de ser y estar.

 

FICHA

Autoría: Verónica Navas Ramírez. Asistente de dirección: Ona Sallas. Mirada externa: Anna Pérez, Agustina Basso, María García Vera. Diseño de iluminación y asistencia en espacio escénico: Oriol Corral. Agradecimientos: Salva Márquez, família Navas Ramírez. Una coproducción de Verónica Navas y el Institut del Teatre. Con la ayuda del Antic Teatre.

Más información: http://lameva.barcelona.cat/districtecultural/es/agenda/hasta-agotar-existencias-ensayando-para-que-la-muerte-de-mi-madre-no-me-pille-desprevenida

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