— MuroTRON

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Festival

Del 21 al 30 de octubre en diferentes lugares de Madrid

Más información y programa completo: https://seminarioeuraca.wordpress.com/programa12/.

“Hace un año que lincharon a Samuel Luiz en A Coruña y el Seminario Euraca se decidió a arrancar con un programa DOCE que, muy microscópicamente, le hiciera justicia, pensando en este acontecimiento como lo que es: una señal de la reacción en curso a los derechos y visibilidades conseguidos por las luchas lgtbq / feministas en los últimos años, y como una marca de la constante violencia que los cuerpos no normativos han sufrido en las calles del patriarcado. Pero los tiempos de nuestro seminario son tan lentos que ya ha pasado un año de trabajo hacia adentro para la organización del programa y otras cientos de señales más han venido a avisarnos de la ola de venganza y ultraredisciplinamiento de los cuerpos no blancos no cis no heteros que los masters del universo y los incels de las cloacas perciben como amenaza a su poder decadente, podrido, destructor. La insoportable masacre de jóvenes en la valla de Melilla, no muy diferente de la que a diario se hace en las fronteras de Europa, pero particularmente utilizada como celebración de un pacto de sangre entre España y Marruecos para continuar resolviendo bien la división del mundo entre blancos y no blancxs, entre trabajadorxs con derechos y trabajadorx sin derechos, entre cuerpos cuya vida importa y cuya vida no. La derogación del derecho al aborto en Estados Unidos para parar la ola de revueltas de las siervas de la reproducción que cada hombre ha tenido a su disposición a lo largo de los siglos, cuya fuerza internacionalista ha puesto en tensión la división del mundo entre el género que domina y el dominado, los trabajadores que producen mercancías por un salario y las trabajadoras que reproducen la fuerza de trabajo sin remuneración, la propia división del mundo en doses. No hay -no puede haber- igualdad mientras siga habiendo personas segregadas, violentadas, invisibilizadas y desposeídas de papeles, derechos, techo y sustento; sociedades que toleren una parte de la homosexualidad integrada pero masacren y niguen derechos a personas migrantes (como dijo Renate Costa en esta entrevista, min. 7.30)).

Porque si incluso algunas de las que esto escribimos en tan solo una vida hemos asistido a un 8M chiquito y a un 8M masivo y a una derechización fatal de una parte del feminismo, a una subcultura queer under y a una toma del mainstream por algunos de sus gestos, a la Veneno en prime time y al secretismo gay en todos los pueblos y ciudades a no ser las grandes, al Ya es ley de Argentina y la derogación del aborto en los US, a la cultura del 15M y a la de Vox, qué no habrá pasado en los más de 150 años que el feminismo lleva abriendo y ensanchando la grieta en el patriarcado capitalista, un cambio de la vida de lxs de abajo inimaginable segundos antes de suceder. No solo el derecho al aborto que las «petroleras» (con quienes abrimos en enero de 022 este programa) ni podían siquiera imaginar estando como estaban en los márgenes de la Comuna revolucionaria, sino el propio derecho a la Existencia, y sobre todo, el derecho a la Imaginación: que lo que hacemos y somos se vea, cuente, conforme imaginarios; y que otra forma de lo que somos se haga posible en el mundo. Inimaginable para Whitman la vida de Lorca, para Lorca la de Spicer, para Spicer la de Lemebel, para Lemebel la de Ioshua y, no obstante, unos a otros se contienen en el sueño que el deseo va abriendo con el cuerpo valiente que pusieron en sus escrituras. Un poco más próximas en el tiempo las vidas de Luz Pichel, Rita Indiana, Dalia Rosetti y Andrea Abreu trazan un mapa del sueño todavía más amplio en latitudes (Galicia > República Dominicana > Argentina > Canarias), imaginarios e imaginaciones por venir de parte de las chicas y chiques, de las ninias y adolescentes y ancianas, de las amigas para siempre, de las bolleras y bi y butch con y sin bulto seguro inimaginables para Gertrude Stein o Gloria Fuertes que las precedieron.

Y es a esta escala, y es por abajo y por afuera de las divisiones por arriba y por el centro, y es a esta invención de las genealogías y convivencia de tiempos, y es a esta historia de cambios a veces en avanzada y a veces en retroceso pero siempre con efectos en los cuerpos de las othras (Sayak Valencia) a la que queremos remitir. Y es a esta fuerza imparable a la que queremos afirmar como propuesta contra (y no como reacción a) la reacción en curso, aunque ahora no esté de moda proponer sino solo destruir: la era feminista sigue viva y está abierta.

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto 

La era feminista va generando un sujeto que no cumple con lo que estaba previsto para ser dentro del patriarcado cada vez en cada uno de sus periodos. Tan imprevisto como para que unos filólogos del siglo XIX encuentren una cantiga de una amiga a una amiga hecha en el siglo XIII y se vean obligados a cambiarle el género, incapaces de dejar existir en el pasado lo que no quieren que sea en el presente ni de imaginar para el futuro lo que podría ser si lo dejáramos pasar. Por suerte la escritura dejó un rastro suficiente para que otras lectoras del futuro podamos releer desde otra era, reestableciendo la señal entre los tiempos. Porque por suerte la escritura no consiste solo en quién era quien la hizo sino en cómo hizo lo quizo quien la hizo: un artefacto de lenguaje que nos posibilita ser otrx que el previsto: trans-cender de la realidad cis a mundo algo mejor para todxs en tanto seres vivxs, tal y como describe Fernanda Laguna en una entrevista con Martín Baigorria en el Flasherito: «[…] cuando uno escribe […] uno posee otro tipo de movimientos. La tristeza en el mundo real es algo que te hace sufrir, es un abismo. Pero la tristeza cuando está en manos del poeta […] pasa a ser algo dulce o bello. Y entonces las sensaciones que podemos tener frente al mismo estado de tristeza se vuelven otra cosa con la poesía. Yo a eso lo llamo  la “realidad cis” ‒la tristeza con el dolor tal cual se percibe‒ y la “realidad trans” es la realidad del poeta, transmutada, donde la tristeza se puede volver algo bellísimo y puede hacer sentir una sensación totalmente diferente. Y así con todo: podés tener un corte de luz en tu casa y si escribís se puede convertir en estrellas o en un montón de cosas más. Esa es la “realidad trans”, transmutada».

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto, y su era va sucediéndose a través de diferentes momentos de lucha en los que ese sujeto se va condensando en cuerpos históricos concretos (comuneras, bolleras, trans, maricas, bi…), fundamentalmente caracterizados por su desnaturalización de lo que unos segundos antes suponía ser una mujer/femenino/afeminado/cativa en la sociedad patriarcal, y por su desidentificación de lo asignado, por su no ser hombre, o su serlo mal. Y estos momentos concretos del cuerpo feminista van abriendo las posibilidades no solo de tener derechos sino de Existir e Imaginar mediante, por un lado, unas vidas tan valientes como fue la de de Pedro Lemebel, cuyas solas presencias = gestualidades y lenguajes de por sí desobedientes de la norma social afirman cotidiana y políticamente que otras vidas, más vividas y más vívidas son posibles, que es posible ser en este mundo; y mediante, por  otro lado, unos textos como Tengo miedo, torero donde esas vidas se vuelven imaginario y sueño para quienes las leemos. Así que la propuesta de viaje número DOCE del Seminario Euraca consiste en ir a unos poquitos (cinco) de los cientos de momentos de la lucha feminista, de las comuneras del XIX a los maricas del XX a las ninias y bolleras del XXI y un flashbck-flashforward al siglo XIII, de la homosexualidad a la homofobia, del deseo a la potencia, de la potencia a la violencia,  a través de (mayormente) novelas tan exuberantes, hermosas y emocionantes como PapiPanza de burro o Dame pelota, y poemas tan power como la Oda a Walt Whitman o el de la risa de cativa de Luz Pichel. Creemos que no solo por «ser mujeres» «ser bolleras» «ser maricas» las autoras sino por ser el feminismo un nuevo paradigma está cambiando la literatura que se hace y que nos gusta. Una textualidad a la que cabe más el cuerpo, el sexo y el desliz de todo tipo, formal e informal, no tan pesadamente psicologista ni familiriasta sino al revés, esto es, más bien, la confusión, el caos, la trama trepidante, la ya clásica promiscuidad, la ya clásica vitalidad voraz, el ya clásico enamoriscamiento permanente, la ya clásica sensualidad a mansalva de las desviadas… o el deseo, mi amor, el deseo… de leer, de escribir, de vivir, de que salga un verano para siempre. Y de, por primera vez en Euraca, explorar un nuevo género (literario): la Novela”.

«yo soy una más de lxs que estamos aquí»
(María del Monte)

«yo soy una más de ustedes»
(Isabel Pantoja)

«mariquita no, maricón que suena a bóveda»
(Miguel de Molina)

«quién no se ha dado un pipazo con una buena amiga»
(Lola)

«si quieres conmigo, guapo, tendrás que amariconarte»
(Lynn da Quebrada)

1939, acusado de beber semen en cálices, el reo replicó:
«yo eso lo he bebido siempre directamente de la fuente»
(Álvaro Retana)

«queremos todo gratis, todo homosexual»
(se canta en Chile, en las manis)

«todo gratis, todo gay»
(rey feliz)

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María Jerez y Edurne Rubio –  28 y 29 de octubre en Conde Duque

La superposición de dos espacios es el eje de esta pieza, la primera realizada en régimen de co-autoría por Edurne Rubio y María Jerez, dos artistas que ya habían colaborado en alguna ocasión anterior, pero nunca hasta el extremo de concebir un trabajo juntas.

Esta superposición pone a trabajar el espacio del teatro, cerrado y construido por y para el ser humano, y un valle, un espacio transformado y moldeado por las condiciones geológicas y atmosféricas y completamente abierto, un espacio exterior. La arquitectura humana frente al sublime kantiano de una Naturaleza siempre amenazante. O siempre cambiante, sin más. «Nos interesa —dicen las creadoras— entrelazar el uno al otro, permitir puntos de encuentro entre los dos mundos y así construir un tercer lugar transitorio, anacrónico por ser al mismo tiempo ancestral y futurista, una pieza de ciencia (ficción) especulativa».

Edurne Rubio y María Jerez observan así, el espacio teatral como ecosistema para, aprovechando su propia topografía, tecnología y materialidad acercarse a la extrañeza de la naturaleza, a sus dramaturgias y a sus fenómenos. Edurne ya nos transportó al interior de Ojo Guareña, la cueva que su padre exploró en tiempos de dictadura franquista, en la pieza Light years away. El teatro era la cueva, dos abismos de oscuridad y libertad. María Jerez ya nos introdujo en un cosmos artificial en constante movimiento en su pieza Yabba, que proponía una mirada atenta a la busca de una transformación constante pese a la incapacidad de nombrar lo que se estaba mirando. Estas dos piezas son los antecedentes inmediatos de A nublo, que toma su nombre de la tradición popular asentada hasta mediados del siglo XX, en la que los lugareños de las zonas rurales de España se enfrentaban a las tormentas, hablando directamente al cielo nublado para mantener la tormenta lejos de los pueblos, tratando de ahuyentar los rayos y pedirle al granizo que se convirtiera en agua.

Edurne y María llegarán al teatro de Condeduque y lo transformarán. «Generaremos un paisaje de manera tridimensional y envolvente. Situaremos al espectador en el ojo del huracán, en el centro del teatro, en la caja escénica: el valle. Comenzarán a observar el hermoso paisaje desde un punto de vista cómodo y seguro, pero, poco a poco, el clima cambiará».

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/maria-jerez-edurne-rubio-nublo-40deg25376n-3deg42421w.

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Del 10 al 30 de septiembre en La Casa Encendida 

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/idem-2022-festival-internacional-artes-escenicas-13958.

El Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM reúne, del 10 al 30 de septiembre, trabajos internacionales que suscitan un impacto social y político, abordando temas como los cuidados, la comunidad, el mundo sensorial, la travesía, la discapacidad, el encuentro entre los cuerpos y sus posicionamientos.

ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas, es uno de los proyectos emblemáticos de La Casa Encendida que, con periodicidad anual, se celebra en el mes de septiembre. Este Festival es un descendiente directo y evolucionado del Festival de Artes Escénicas y Discapacidad que se celebró entre 2002 y 2013, y que también fue pionero en su género, contribuyendo a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional.

En sintonía con la evolución en estos 20 años de los enfoques y conceptos de diversidad y accesibilidad; ÍDEM nació en 2013 con un nuevo nombre (una palabra latina que significa “igual” y evoca un idioma común europeo) dedicado a la diversidad en todos los sentidos: sin etiquetas, con un área de trabajo más amplia (no solo en torno a la discapacidad) y todo tipo de disciplinas, formatos e idiomas.

ÍDEM ha presentado a lo largo de sus diez ediciones el trabajo de artistas nacionales e internacionales que coinciden en su marcado activismo, en un compromiso con los problemas contemporáneos: la justicia y economía geopolíticas, la colonización y descolonización, el asilo político, la enfermedad mental, los cuidados, la diversidad y la inclusión. Desde diferentes perspectivas, ÍDEM nos invita a recolocar nuestra posición como espectadores y a afinar nuestra mirada para poder reconectar con el compromiso esencial del arte: su capacidad transformadora.

El objetivo de ÍDEM es acercar a la ciudadanía a la diversidad a través de la creación artística. El hecho artístico no debe dejarse solo reducido a la puesta en escena, debe apuntar a ofrecer experiencias y eso es lo que ÍDEM pretende proporcionar.

En su décima edición, y a través de formatos diferentes –performance, instalaciones, talleres, piezas de vídeo, documental, danza o proyectos escénicos a través de objetos-, el festival propone crear un espacio de escucha y cuidados, donde prevalezca la reflexión entre ciudadanía, público y artistas procedentes de países como Brasil, Zimbabue, Argentina, Uruguay, Bélgica, Chile, Italia, Austria o España.

El artista brasileño Jonathas de Andrade, representante del pabellón de Brasil en la Bienal de Venecia de este año, y nora chipaumire (Zimbabue) inauguran el festival con dos videoinstalaciones que se muestran por primera vez en EspañaOlho da Rua es un trabajo filmado en dos días con 100 personas sin hogar; un poderoso testimonio del Brasil contemporáneo, con su rico multiculturalismo y sus desigualdades estructurales. Y Arias. Nehanda es un trabajo que gira en torno a los efectos de la colonización y sus dinámicas.

nora chipaumire ha acompañado el festival desde 2019, cuando presentó por primera vez en nuestro país el espectáculo de danza #PUNK. En 2020 mantuvo dos encuentros online en el marco de festival: uno con el creador suizo Milo Rau y otro con la comisaria de ÍDEM Marisa Lull. En 2021, La Casa Encendida junto a la institución belga Arts Center Vooruit produjo la ópera sonora Nehanda, que se emitió por capítulos en La Casa Encendida Radio. Y ahora, en 2022, la artista cierra su participación con la videoinstalación Arias. Nehanda.

La programación continúa con el performer y coreógrafo Michael Turinsky, quien actúa por primera vez en España para estrenar Precarious Moves, pieza galardonada con el Premio de Teatro Nestroy de Austria 2021. Un solo-performance sobre el cuerpo y su movilidad, que marca el camino de cómo acercarse al otro sin reservas, y donde Turinsky muestra de nuevo su estudio del cuerpo etiquetado como “discapacitado”, su manera de estar en el mundo, su relación con la temporalidad y el ritmo, el afecto y la producción del afecto, el género y la sexualidad, la visibilidad y la invisibilidad.

ÍDEM 2022 acoge el estreno de Mejor que saludarse con los codosEl creador escénico Fernando Rubio y el investigador Alfredo Ramos se rebelan contra el lugar que ocupa el tacto en la jerarquía de los sentidos y estrenan una instalación performática, a la que precede un taller de creación multidisciplinar. Ambos se articulan entorno a siete bañeras donde crean un espacio de encuentro que nos invita a hablar sobre el tacto y  la piel.

Y también por primera vez en nuestro país se proyecta Third Act, de Lotte Stoops y Mieke Struyve (Bélgica), un documental donde Peeping Tom -una de las compañías de danza más importantes del panorama internacional- deja ver el backstage de sus proyectos VaderMoeder y Kind, que abordan los temas del envejecimiento y la familia.

Una danza en peligro de extinción

El festival propone el taller y la performance Save the last dance for me, del artista visual Alessandro Siarroni (Italia). La pieza pretende revisionar y recuperar una antigua tradición en peligro de extinción: la Polka Chinata, un baile de cortejo originalmente realizado en Bolonia solo por hombres, que data de principios del siglo XX y que en 2018 sólo practicaban cinco personas en el mundo.

La Merce (Chile) propone en Paseo para rastreras, reptiles y sinuosas una performance por los espacios de La Casa Encendida que ha coreografiado. Una recorrido -desplazamiento- donde muestra su deseo de desafiar lo hegemónico a través del encantamiento.

La programación incluye otras propuestas como la presentación del proyecto Monnula, muñecas que migran, de la coreógrafa y artista visual Tamara Cubas (Uruguay). El proyecto está compuesto por muñecas de manufactura artesanal, creadas por mujeres de la comunidad Comcaác, en Punta Chueca (México), y su cuaderno de viaje. Cada muñeca emprende una travesía por el mundo con un destino incierto y cada participante tiene la oportunidad de ser el anfitrión temporal de su primera parada y elegir su próximo destino. Monnula es una performance colectiva, gestual y de cartografía compartida que pretende crear conexiones entre mundos y personas.

Además, durante todo el festival se puede escuchar en La Casa Encendida Radio el Archivo sonoro de los cuidados, una serie de podcast que recogen testimonios orales y las vivencias de personas que cuidan a grandes dependientes y que han puesto en marcha Marta Fernández Calvo y Daniela Ruiz Moreno (España).

Y, a modo de espiral, el festival ÍDEM se cierra como comenzó: con el taller Fotopalabra: juegos, actos y gestos del brasileño Jonathas Andrade, quien presenta en el cierre del festival la videoinstalación Olho da Rua en un encuentro abierto con el público.

El festival está comisariado por Marisa Lull.

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Organizado por el Ayuntamiento de Burgos, la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos, el Festival Escena Abierta de Burgos profundizará en su vigésimo tercera edición en la esencia y la singularidad de la comunicación teatral que se establece en un espacio escénico mediante la exploración de todas las fuentes de expresión, no solo las tecnológicas. Para ello, esta consolidada cita cultural, que se celebrará del 8 al 16 de enero de 2022, programa seis espectáculos que mostrarán, en 11 funciones, la diversidad escénica actual con el foco puesto en la diversidad y riqueza de los lenguajes que se emplean en la creación teatral.

Sin duda hemos vivido tiempos convulsos, aún no hemos salido, pero ante cierta relajación de la época más crítica de la reciente pandemia, salimos con fervor a reencontrarnos con nuestros conocidos y a ocupar el espacio público que la epidemia nos había clausurado. El arte escénico, más que nunca, se convierte en ese puente necesario que nos conecta nuestra realidad con nuestros anhelos, nuestros sueños e incluso con la idea utópica de una sociedad ideal. La XXIII edición del Festival Escena Abierta, Burgos 2022 es una muestra de ello. El cuerpo y lo sensorial se convierten en el eje vertebrador de los creadores escénicos presentes con sus trabajos en esta nueva cita de Escena Abierta. Volver a reconocernos y volver a tener sensaciones en nuestros cuerpos y compartirlo de forma presencial.

El nuevo trabajo que nos presenta la burgalesa Bárbara Bañuelos es un ejercicio de escucha, una reflexión escénica sobre los cuerpos y sus contextos. La también burgalesa Edurne Rubio junto a María Jerez nos transportan a una experiencia sensorial que lo envuelve todo, interviniendo en el espacio teatral para enfrentarnos a la fuerza de la Naturaleza. Sleepwalk Collective nos brinda una visión del agua como metáfora de vida y muerte a través de los cuerpos. Óscar Gómez Mata visita nuevamente el Festival con su último montaje, que según sus propias palabras lo define como un teatro de espionaje, es una investigación para observar el mundo, tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible, es una obra sobre las capas. La tragedia de José Couso, llevada de la mano del arte escénico por medio de la emoción -pero también de la reflexión y el pensamiento-, es el sincero trabajo que nos ofrece Vuelta de Tuerca. La compositora, vocalista e instrumentista gallega Mercedes Peón nos ofrece su último trabajo en una única sesión, todo un fenómeno sonoro y visual lleno de corporeidad.

De manera ininterrumpida durante veintitrés años, la colaboración entre el Ayuntamiento de Burgos, el Vicerrectorado de Cultura, Deporte y Relaciones Institucionales desde su Aula de Teatro de la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos ha hecho posible convertir en realidad Escena Abierta como un foro imprescindible en nuestro entorno para dar a conocer los trabajos de los creadores escénicos que transforman sus propuestas en referentes de los nuevos caminos que se van abriendo en el mundo escénico desde el compromiso, el riesgo y la experimentación. El Teatro Principal y el Fórum Evolución Burgos serán los espacios donde se concentrarán las puestas en escena del XXIII Festival Escena Abierta, para el disfrute de los fieles seguidores del Festival y, este es nuestro deseo, el de nuevos espectadores ávidos de experiencias escénicas diferentes e intensas.

PROGRAMA. XXIII FESTIVAL ESCENA ABIERTA. BURGOS 2022
Sábado 8 a domingo 16 de enero de 2022

Organizan: Ayuntamiento de Burgos, Universidad de Burgos y Fundación Caja de Burgos

Sábado 8. 21:30 h. Mercedes Peón: “Osmose”. Teatro Principal. Entrada: 10 €.

Sábado 8 y domingo 9. 19:00 h. Bárbara Bañuelos_Barbara Fournier: “Hacer noche”. Fórum Evolución Burgos (Sala de ensayos). Entrada: 10 €.

Lunes 10 y martes 11.20:30 h. Edurne Rubio & María Jerez: “A Nublo”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

Jueves 13 y viernes 14.20:00 h. Óscar Gómez Mata/L’Alakran: “Makers”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

Viernes 14, 22:00 h. Sábado 15, 21:00 h. Sleepwalk Collective: “Swimming Pools”. Teatro Principal. Entrada: 10 €.

Sábado 15y domingo 16. 19:00 h. Vuelta de Tuerca: “El fuego amigo”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

VENTA DE ENTRADAS
Se podrán adquirir abonospara los 6 espectáculos, con un 30% de descuento, en las taquillas del Teatro Principal, Casa de Cultura de Gamonal y Cultural Cordón hasta el sábado 8 de enero de 2022.

Asimismo, se podrán comprar entradas sueltas a través de Internet (en el Servicio de Tele Entradas de la Fundación Caja de Burgos hasta 15 minutos antes del comienzo de la función; en www.aytoburgos.eswww.cajadeburgos.com/teleentradas y www.forumevolucion.es/e-entradas/taquilla), que deberán imprimirse por el comprador o bien descargase en el teléfono móvil o “tablet”. Y como es habitual, podrán adquirirse en los horarios habituales de las taquillas del Teatro Principal, Casa de Cultura de Gamonal, Cultural Cordón, Centro de Arte de Caja de Burgos  y en el caso del Fórum Evolución Burgos desde una hora antes del comienzo de la función en ese espacio.

Más información: http://www.aytoburgos.es/cultura/agenda-cultural/espectaculos/xxii-festival-escena-abierta-burgos-2021

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Programación completa y más información: https://badbilbao.eus/

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De Oscar Gómez Mata (L’Alakran) y Juan Loriente

Del 7 al 17 de octubre en el Teatro de La Abadía

“Makers” es una obra sobre la luz, el tiempo y el amor, viajando entre desbordamiento cómico y la contención emocional, entre el disparate y la verdad. Un espectáculo que mezcla lo poético y lo filosófico, en una especie de manual para sobrevivientes que trata de aportar soluciones a nuestro tránsito en la realidad.

La pieza nace de la función esencial de los ‘makers’: investigar para hacer la luz. «Somos detectives, tratamos de buscar lo sensible bajo lo sensible, encontrar una solución poética a la realidad», explica el artista asociado a Azkuna Zentroa. El resultado es una puesta en escena en la que este «dúo cómico» aborda temas clásicos como el amor, el tiempo y la luz, mezclado con humor emotivo. Nos dan así otro punto de vista sobre lo cotidiano de esta época fragilizada, de contornos borrosos e inciertos.

En su propuesta escénica diferencian su lado más épico, en el que el teatro es «una es una forma de espionaje, de investigación para vigilar al mundo», y la parte más íntima «tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible». Un espectáculo en la línea de los trabajos de la compañía L’Alakran, dirigida por Óscar Gómez Mata.

Así los ‘makers’, crean protocolos para espiar la realidad. «La obra es una historia de capas que se superponen, deshojamos lo que damos como cierto para descubrir lo que no esperábamos sentir». En “Makers”«hay sorpresa y sospecha. La actitud propicia de los makers se define en la frase de Daniel Innerarity (filósofo): “…la realidad es compleja, y cuando alguien la plantea de forma binaria tenemos la obligación de sospechar”».

Más información y entradas: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/696/makers

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PROGRAMA 2021


COIMBRA

Qui 22 Jul | 21:00 Teatro Académico de Gil Vicente

FRANCISCO CAMACHO // VELHS


Sex 23 Jul | 21:30 Teatro da Cerca de São Bernardo

HUGO CALHIM CRISTOVÃO + JOANA VON MAYER TRINDADE // FECUNDAÇÃO E ALÍVIO NESTE CHÃO IRREDUTÍVEL ONDE COM GOZO ME INSURJO


MONTEMOR-O-VELHO

Sáb 24 Jul | 22:30 Castelo

SERGI FÄUSTINO // 30 AÑOS DE ÉXITOS


COIMBRA

Qui 29 Jul | 21:30 Teatro da Cerca de São Bernardo

DINIS MACHADO // YELLOW PUZZLE HORSE


Sex 30 Jul | 21:30 Teatro da Cerca de São Bernardo

DIANA NIEPCE // ANDA, DIANA


MONTEMOR-O-VELHO

Sáb 31 Jul | 22:30 Castelo

RITA MORAIS  // ARQUIVO PRESENTE DE GUIMARÃES


Qui 5 a Sáb 7 Ago | 19:00 – 22:00 Junta de Freguesia

KIKA NICOLELA // ACTUS


Qui 5 Ago | 22:30 Teatro Esther de Carvalho

ORQUESTINA DE PIGMEOS // MONDEGO 2021


Sex 6 Ago | 22:30 Teatro Esther de Carvalho

AMANDA // LIVROs XXI


Sáb 7 Ago | 22:30  Castelo

CAROLINA CAMPOS + MÁRCIA LANÇA // OUTRO LADO É UM DIA


No acesso a todas as sessões é o espectador que define o preço do bilhete

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Más información: http://www.fitdecadiz.org/

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⇓Pincha sobre la imagen para ver la programación completa⇓

 

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Y CRECEN EN LOS HUECOS HERMOSAS PLANTAS

Son tiempos complejos. Arrancábamos nueva etapa durante unos meses paralizantes después de los cuales todo, de algún modo, pedía empezar de nuevo. Hemos construido día a día, impulsándonos desde la sólida y poderosa base creada durante las anteriores doce ediciones del festival. Hemos batallado para no dejarnos vencer por la incertidumbre. Y, como todo el mundo, seguimos en ello. Esta edición es el resultado de un gran esfuerzo colectivo fundamentado en la imaginación, la ductilidad y el empeño, el que hemos necesitado para empujar una roca que en algunos momentos parecía inamovible. Quizás sea por eso que hayamos recurrido a la palabra trans para explicar nuestro estado de ánimo, prefijo que proviene del latín: al otro lado, más allá, a través de.

Dadas las circunstancias sanitarias actuales, la programación de esta edición se ha visto reducida y está formada por un total de quince piezas. Tres posibles recorridos la atraviesan. tres caminos abiertos para ser explorados como quien se adentra en la selva. El primero de ellos comprende esas piezas para pocos espectadores en las que se apela a lo participativo, se altera la jerarquía y se ensayan nuevas relaciones. Aquí nos encontramos con trabajos como La ciudad de Verónica Navas, Brilliant Corners de Orquestina de Pigmeos o Archivo de Serrucho. Todas ellas proponen vivencias artísticas que incentivan tanto lo individual como lo colectivo a partir de la observación de lo cotidiano, y lo hacen expandiendo los límites de la escena hacia otras disciplinas: el cine, el arte sonoro, las artes plásticas, la performance.

Si como anticipó Pasolini, la modernidad pasa por la rebelión del espectador, también transita, pues, por una tendencia hacia los procesos y un acercamiento a la ciudadanía en un ejercicio de democratización de los espacios culturales. Alejarse del centro, acercarse a las orillas, abrir puertas y ventanas para que corra el aire. Aquí trazamos un segundo recorrido donde se inscriben proyectos como Vincdesdevenir de Quim Bigas que, durante un mes, ha realizado una serie de encuentros con adolescentes del colectivo LGBTQI+ de Terrassa basados en estar, charlar, compartir lo que les une, pasear por un laberinto sin centro. También El sol va por dentro, proyecto audiovisual del colectivo Nyamnyam, que toma como punto de partida el tiempo que compartieron con niñas y niños participantes del campamento de verano del distrito dos de Terrassa. También la pieza colectiva de Poderío Vital, un coro ciudadano bajo el sugerente título: Quien canta sus males espanta, que clausurará el festival el domingo al mediodía en la plaza del Ayuntamiento, con un vermut colectivo con el que celebraremos haber llegado hasta aquí.

Finalmente, un tercer recorrido recoge todas aquellas piezas de medio formato en las que sus creadores se meten de lleno en el barro para llevar a escena temas palpitantes de nuestra actualidad política y social, tan confusa y compleja. A este trayecto pertenecen piezas como Explore el jardín de los Cárpatos de José y sus hermanas, alrededor del turismo como motor económico de nuestro país; Light years away de Edurne Rubio, que revisa nuestra memoria histórica a partir de lo autobiográfico; y el debut de Juana Dolores con el que la joven poeta homenajea el paisaje periférico de Barcelona, reivindicando la deslocalización como campo de batalla y territorio artístico.

“Todo lo cercano se aleja”, escribió Goethe. Durante los últimos meses, hemos visto que lo que dábamos por hecho se desvanecía, que todo lo que siempre había sido de un modo, dejaba de serlo. Ha habido momentos en los que nos hemos rendido ante la sensación de peligro, ante la convicción de haber llegado al final. Pero esto, más bien, tiene que ser una llamada a reaccionar, a iniciar la transformación de un sistema en crisis desde hace tiempo. Como dice Kate Tempest: “dijeron que no podríamos renacer/ hasta que todos nos diéramos cuenta de que los viejos modelos tenían que desaparecer”.

Marion Betriu
Directora artística TNT

Más información: https://tnt.cat/

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