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Fiesta

21, 22 y 23 de febrero en la Nave 11 de Naves Matadero

El proyecto CARMEN // SHAKESPEARE nace en 2012 y se extiende hasta hoy, tomando formas artísticas plurales como piezas coreográficas autónomas (Los Actos), conferencias performativas para espacios no escénicos (Los Entreactos y Los Tablaos), un conjunto importante de instalaciones audiovisuales, trabajo de investigación a través de internet y laboratorios de creación (los LAB_REC).

Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante no cuentan Carmen, ni Shakespeare sino que apoyándose en el encuentro anacrónico de un mito y un inventor de mitos, proponen una reflexión sobre los cuerpos, los papeles y el juego de los sexos en la relación amorosa. CARMEN // SHAKESPEARE es el encuentro anacrónico entre la figura de Carmen y un autor que ha hecho de sus personajes arquetipos. Un diálogo improbable entre una musa indómita y un poeta.

CARMEN // SHAKESPEARE es una escritura viva, una dramaturgia del campo minado del amor. El escenario, lleno de ruidos y de luces, recorrido de cabo a cabo por una red de cables orgánicos, se transforma en la metáfora del desorden de las relaciones humanas.

En escena, Mesa y Ruiz de Infante son a la vez directores y protagonistas del espectáculo. Enredados en las imágenes que proyectan sus cámaras (grabadas o en tiempo real), se pelean por el territorio escénico y por el control del dispositivo tecnológico que arman creando imágenes, bandas sonoras complejas, cambios de escala, confusiones de espacios y tiempos. “En cada instante y en cada movimiento, la performance es la manera en que el cuerpo puede volver a afirmar su singularidad y su libertad, y negarse a ser tan solo un objeto”, explican.

Como en la ópera de Bizet, este último acto de la tetralogía CARMEN // SHAKESPEARE es el que nos confronta cara a cara con la muerte como desenlace del amor. Aquí, toda la dramaturgia será heredera de la fiesta de la muerte, la corrida. Una serie de episodios cortos performativos, coreográficos, fílmicos y sonoros van a inscribirse dentro de un protocolo de apariciones de varios artistas invitados: los matadores, que han sido convocados para hacer lo que nadie quiere hacer: matar y morir. Como dijo Carmen: “Estaré lista cuando llegue el gran día”. ¿O esto lo dijo Shakespeare?

“En CARMEN // SHAKESPEARE mostramos de manera caleidoscópica cómo nuestra época es atravesada por tecnologías que controlan nuestros cuerpos y nuestras imágenes. Aquí mostramos también cómo esas mismas tecnologías (trampa, oportunidad y barrera) autorizan nuevas relaciones de poder, seducción, miedo, deseo, fascinación, incomprensión, complicidad, celos, pasión… ¿El amor?”, dicen los creadores Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

Ficha artística

Concepción: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante
En el escenario: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante + artistas invitados : “Matadores” (en directo o diferido) Monica Valenciano, Vidal Bini y Loïc Touzé
Dramaturgia: Roberto Fratini Serafide
Técnica y luz: Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Producción: Hors Champ // Fuera de Campo – Pierre Kiener
Administración: Machette Productions – Mathias Gauthier-Lafaye
Coproducción: CCAM, Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia), CDCN Pôle Sud (Francia), CCN Ballet de l’Opéra National du Rhin (Francia), Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Apoyos: Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Centro Párraga de Murcia, Nave de Santiago (Chile), Théâtre de Bouxviller (Francia)
Colaboradores: Ministère de la Culture (DRAC Grand Est – conventionnement), Région Grand Est (ayuda a la creación), Ville et Eurométropole de Strasbourg (conventionnement)
Idioma: español y francés, con subtítulos en español

Estrenado en diciembre de 2018 en la Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia)

ESTRENO EN ESPAÑA

>Más info y entradas

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Edurne Rubio

7, 8 y 9 de febrero a las 20h en Conde Duque

Durante los años 50 y 70, mi padre y sus dos hermanos formaron parte del Grupo de Espeleología Edelweiss. En 1956 Edelweiss inició en el norte de Burgos la exploración de Ojo Guareña, una de las cuevas más grandes de Europa. 

Guiada por espeleólogos, LIGHT YEARS AWAY es una visita a través de la oscuridad del teatro, un recorrido en el que todo lo que aparece al paso sorprende, ya sea orgánico o inanimado, cronológico o anacrónico, visible o invisible. 

Se trata de una película fuera de la pantalla, un documental sin rostros, un espectáculo iluminado con linternas. 

https://www.edurnerubio.org

– Concepto y performance: Edurne Rubio

– Sonido: David Elchardus

– Cámara: Alvaro Alonso de Armiño, Gregorio Méndez y Sergi Gras.

– Edición: Edurne Rubio

– Con la colaboración artística:  Jan De Coster, Didier Demorcy, María Jerez, Loreto Martinez Troncoso.

– Técnica: Gregor Van Mulders y David Elchardus

– Espeléologos: Grupo de Espeleología Edelweiss

>Más información y entradas.

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Del 22 de enero al 9 de febrero en Barcelona

>Programación escénica

>Programación expandida

>salmon-dance.com

Cada cuerpo, con sus maravillosas singularidades, es una puerta abierta al conocimiento del mundo. Nuestros cuerpos vivos y vivientes son fuente de experiencias ilimitadas: gracias a que tenemos un cuerpo nos pasan cosas. Y gracias a que nos pasan cosas somos capaces de entender, percibir, intuir, imaginar y, en definitiva, conocer. Por eso quizás, cada vez se hace más difícil y absurdo distinguir y separar el saber del hacer. 

¿Y si nos atrevemos a bajar barreras y a dejar que los fenómenos del mundo migren libremente? 

¿Y si dejamos de tratar las prácticas artísticas como un hecho aislado y cerrado sobre sí mismo, y reconocemos su poder de crear realidad? 

¿Y si reconocemos que el sentido último de la creación es producir experiencia, y por tanto, conocimiento? 

El Festival SÂLMON<, en esta nueva etapa, está concebido como una celebración del cuerpo como lugar de aprendizaje y fuente de conocimiento. Más allá de las disciplinas y los géneros, más allá de las aulas, los teatros y los museus, más allá de los estilos, las escuelas y la historia, las artes vivas son experiència, es decir: son una oportunidad de ampliar los límites de lo que conocemos. 

Por eso, si la cuestión de la que nos vamos a ocupar es la fascinante labor de aprender, no tiene sentido restringir este festival a la exhibición convencional de obras escénicas. Entre otras cosas porque eso, nos condena a ser merxs consumidorxs de cultura, o lo que es lo mismo, de entretenimiento más o menos sofisticado. El conocimiento solo es posible como resultado de una colaboración entre personas que deciden compartir un tiempo y un espacio. Por eso, lo que Salmon reclama de vosotrxs es complicidad. 

Sois mucho más que merxs receptores de espectáculos. Vuestros cuerpos, vuestras capacidades de pensar, sentir, hacer, imaginar y entender son el corazón de este festival. Queremos que el SÂLMON< sea una oportunidad de aprender y de generar conocimiento libremente entre personas. Por eso, nos gustaría presentar aquí las propuestas de lxs artistas como invitaciones a poner en juego vuestros cuerpos, con todas sus habilidades e incertidumbres, con todas sus sensibilidades y fascinantes especificidades. En definitiva, lo que deseamos es que todo lo que nos suceda mientras permanezcamos juntxs participando de todo lo que hemos preparado, amplíe nuestra imaginación de lo que es posible.

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Juan Navarro junto a Chico Trópico, Cristian Wise, Mónica Carvallo, Ferdy Esparza, Juan Loriente, Semolina Tomic, Gonzalo Cunill, entre otros.

Más información: http://www.aytoburgos.es/cultura/ciclos-teatro-musica-danza/festival-escena-abierta/festival-escena-abierta-burgos-2019

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DIMARTS 17 DE JULIOL DE 18’30H A 24H AL JARDÍ DELS DRETS HUMANS (al costat del Graner, c/Jane Addams 14)

De Jorge Dutor i Guillem Mont de Palol, Los Torreznos i Societat Doctor Alonso

Una festa escènica oberta i participativa de pràcticament 6 hores de durada que es pot visitar l’estona que vulguem i quan vulguem des de les 18’30h a les 24h als Jardins dels Drets Humans (al costat del Graner).

Tres parelles artístiques amb una trajectòria consolidada i que treballen en el context de la creació pròpia s’han ajuntat per preparar una peça específica per al cicle i per al barri on parlen del valor, de compartir, del joc i la celebració. Com en una fira amb diferents casetes i accions, gaudirem de música, performance, menjar, beure i celebrarem que estem junts per posar atenció en el valor de les coses. L’atenció pot ser un ball i per ballar cal anar ben calçat!

“Nos reunimos a celebrar que nos reunimos. Todo movimiento supone un desgaste. El coste es al gasto, como el gesto es al resto. El resto es lo que queda y cada vez queda menos y eso nos da risa.”

Amb la col·laboració de Marc Sempere Moya (Compartir dóna gustet), Asociación Generación Guineocatalana Virgen de Bisila, Los Revolución, Barcelona Activa, Suelas Asencio Aznar i altres amics i amigues del barri.

Entrada gratuïta fins omplir aforament, no cal reserva, la festa escènica comença a les 19h i acaba a les 24h hi pots venir quan vulguis i quedar-t’hi l’estona que vulguis.

Recull un tiquet amb sorpresa a la Sala Pepita Casanellas, la Casa del Rellotge i la Biblioteca Francesc Candel des del dia 10 al 16 de juliol en els seus horaris d’obertura i descobreix de què amaga el mateix dia 17.

 

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Del 7 al 19 de mayo en Naves Matadero

La compañía L’Alakran, fundada en Ginebra por el director, actor, autor y escenógrafo vasco Oscar Gómez Mata, suscita en escena emociones radicales, creando espectáculos lúdicos, filosóficos y siempre poéticos. El contexto político, en el sentido de actitud crítica, es inherente a su proyecto artístico; para interrogarse sobre la relación entre el individuo y la colectividad, sin querer dar respuestas ni fijar la palabra en una ideología. Desde su creación en 1997 esta compañía agita y provoca al público para despertarlo y arrancarlo del bucle de la rutina.

Con un sello propio de creación y expresión quien ve por primera vez a L’Alakran, la recuerda para siempre. Rechazando la tradición centrada en la primacía del texto, la compañía se apropia el texto con el fin de pasarlo por el filtro de sus sensibilidades y del contexto en el cual se desarrollan las representaciones, convirtiéndolo en un trampolín, al igual que el resto de formas de expresión escénica.

Según el filósofo y crítico teatral Bruno Tackels: “las actuaciones de L’Alakran traspasan los límites del teatro y lo convierten en un espacio profundamente libre, donde todo es posible. La escena se transforma en el vivero donde se diseccionan las diversas formas en que el mundo contemporáneo nos afecta. Un laboratorio de nuestras pequeñas patologías de la vida cotidiana. Cómo el capitalismo que se ha infiltrado en nuestras venas nos está deshumanizando lenta pero seguramente. En busca del antídoto, desesperadamente. Si tienes una pista, escribe a L’Alakran”.

Teatron acompañará el paso por Naves Matadero de L’Alakran-Oscar Gómez Mata, compañía histórica que recientemente ha celebrado su 20 aniversario. 

7 al 12 de mayo · Taller Consciencia y pensamiento de la acción – Nave 11 

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14 de mayo · Clase magistral en la Universidad Carlos III – Campus Puerta de Toledo / Salón de Grados / 19h (entrada libre hasta completar aforo)

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15, 16 y 17 mayo · Ciclo de cine propuesto por Oscar Gómez Mata – Sala Plató de Cineteca.

15 mayo – 21h:  El jefe de todo esto (Lars von Trier)

16 mayo – 21h:  Opening Night (John Cassavetes)

17 mayo – 21h: Carretera perdida (David Lynch)

Oscar hará una presentación de cada película antes de su proyección.

Acceso gratuito.

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15 al 20 de mayo · Retrospectiva. Vídeo-instalación con selección de obras de L’Alakran – Vestíbulo de la Nave 11

  • Carnicero español (1997)
  • Cerebro magullado 2: King Kong Fire (2002)
  • Optimistic vs Pessimistic (2005)
  • Kaïros, sísifos y zombis (2008)
  • La Conquista de lo Inútil (2016)

Horarios Video-instalación

15 mayo – 12h a 20h

16, 17 y 18 mayo – de 17h a 20h

19 y 20 mayo – de 12h a 20h

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18 y 19 de mayo · Le Direktør (El jefe de todo esto) – Nave 11 / 20.30h

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Del 4 al 26 de mayo en Bruselas

> Programa completo

The Kunstenfestivaldesarts is not a festival that can be captured in a nutshell and that’s why we are so committed to it. It tends to prefer taking a risk rather than opting for something tried and tested. Within its space dedicated to vibrant and current artistic creation, it offers a multitude of possible narratives. It is written and experienced in real time. The great majority of works in its program is newly created and being premiered at the festival; they are works conceived with care, determination and a sense of urgency by artists from all over the world. Their journeys are different: some are already well known, others are here to be discovered. Their visions of the present and future world resist assimilation. They assert the importance of complex territories in which genres and definitions remain fluid and ideas continue to be questioned.

On the bill of this, our 23rd festival, key European artists use fiction to address anti-democratic developments on the continent. Milo Rau, a leading and controversial figure in contemporary theatre, is having a world premiere here. Histoire du Théâtre is dedicated to the present and the future of one of humanity’s oldest art forms and its essential ability to confront the world. The latest dark work by Joris Lacoste hits contemporary Europe where it hurts most: in populist words and a conservative closing of minds. Rooted in a sometimes unbearable present, the much-anticipated creation by the Spanish collective El Conde de Torrefiel takes us through different timeframes in search of a possible future world.

The role of fiction, its ability to add complexity to the world and to make us think about the future has inspired Sarah Vanhee’s ambitious creation with children. Younger generations have a direct presence and are addressed in various projects at this year’s festival. In Paradise Now (1968- 2018), Michiel Vandevelde brings a group of teenagers together around a cult work in theatre, a testimony of the utopias of the late 1960s.

Beyond Europe, the festival is collaborating with artists who question the decolonisation process. From Singapore (Ho Tzu Nyen) or Kisangani (Faustin Linyekula who is working on a project at the Royal Museum for Central Africa), they conceive works that dig into the stratifications of history in an attempt to bring future transformations to light. Several projects this year come to us from Brazil, a country badly affected by the reappearance of ultraconservative measures and still by numerous inequalities. Essential and occasionally crude, the choreographies of Alice Ripoll, Eduardo Fukushima and Macaquinhos address division – social, racial, physical and mental – through the body.

Dance features extensively at this year’s festival, offering particular choreographic formats, an exhibition of forgotten and marginalised dances (Eszter Salamon) and a program (initiated by Latifa Laâbissi) dedicated to the figure of the witch, a symbol of ‘the other’ being excluded and hunted today. Fundamentally the festival supports artistic expressions getting away from dominant codes while seeking solace through bodies, objects and spaces. This is particularly sensitive in the creations of a young generation of Brussels artists, including Léa Drouet, Gwendoline Robin and Louis Vanhaverbeke.

The Kunstenfestivaldesarts takes place in Brussels, reaching out for various venues in the city to realise remarkable projects. This year the festival centre is moving between four different locations, among these the art school INSAS, hosting a program dedicated to forms of resistance. The last stop will be at the former Citroën garage, a space holding the promise of a major new cultural project for Brussels.

4-26.5.2018 A festival in the present, dedicated to international, multidisciplinary and contemporary creation. Here and now lays the possibility of imagining a future. Time shared, intensely filled with artistic experiences, debates and celebrations, bringing us together in diversity. We would like to thank all our partners who make this precious project possible and warmly invite you to join us for the twenty-three days of this year’s Kunstenfestivaldesarts!

February 2018 

Christophe Slagmuylder, director 

 

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Marc Vives | Galería etHALL | Del 10 de abril al 18 de mayo, de martes a viernes de 11 a 19 h., sábados con cita previa | Inauguración: no hay

Durante las próximas siete semanas se podrá visitar la intervención que Marc Vives presenta en el espacio de la galería, utilizado en esta ocasión a modo de escaparate.

En el transcurso del mes de marzo previo a la muestra, el artista se plantea una serie de ejercicios físicos de enfrentamiento con el reverso de la montaña de Montjuïc. Con ellos provoca un giro introspectivo en sus modos de hacer, donde la montaña ocupa un lugar alegórico.

Dado el carácter íntimo de la propuesta, se establecerán semanalmente una serie de recepciones con el artista mediante convocatoria en Doodle. Para poder participar sigue este enlace.

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