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Teatro

Tripak – 29 de noviembre en Azkuna Zentroa

Partiendo de la idea de la existencia intermedia o el estado de transición de las almas, en Platea se nos presenta, como representación de un limbo imaginado, una mesa de banquete en medio de un paisaje de marismas. El movimiento de las mareas destaca la propiedad de la vida de dar y tomar sin encontrar explicación o amarre. Un Dios, como maestro de ceremonias, da la bienvenida a los cuerpos que llegan a este entorno mutable. Arrastrados por el mar llegan desorientados o desmayados, como náufragos o como sirenas; todos tuvieron antes una vida y una muerte. El lugar ha sido preparado para la celebración final, la gran transmutación, aunque antes deberán despojarse de sus anteriores voluntades, que aún resuenan.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/tripak-platea/.

Crónica de Rubén Ramos Nogueira sobre Platea: https://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2023/10/24/notas-que-patinan-133-platea-de-tripak/.

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Cris Blanco – Del 18 de octubre al 12 de noviembre en el Centro Dramático Nacional

Una serie de personajes coinciden en un espacio que parece ser la realidad, digamos en un teatro, digamos en la sala Princesa del María Guerrero. Allí encuentran un pequeño abismo que contiene todas las realidades desde todos los ángulos, lo infinitamente pequeño y el infinito macrocosmos. Aunque uno de los personajes solo consigue ver los azulejos del baño de su abuela en el barrio de la Coma de Madrid.

¿Qué hay detrás de la pared del María Guerrero?

«La escena, sin duda, no podía existir, pero allí estaba.»

Los reflejos dorados, Mario Levrero.

En el mundo cuántico se dice que la realidad no existe hasta que es observada. ¿Entonces qué hace, dónde está cuando no la observamos? ¿Dónde y cómo se queda? Yo de pequeña igual lo intuía, por eso me daba la vuelta rápido antes de salir de la habitación, para pillar a mis muñecos y objetos cambiándose de sitio.

La imaginación y la fantasía son el filtro que he puesto a la realidad desde siempre para poder transitar por ella. Como dice una amiga mía: «Yo de pequeña vivía en Fama, eso me salvó».

Pequeño cúmulo de abismos es un homenaje a esa imaginación que nos salvó. Un intento más de entender la realidad, o de rodearla acercándonos a todas las fantasías que podamos, desde todos los ángulos posibles, todos los barrios y todos los tiempos. Es el cúmulo de micromundos imaginarios que pueden caber en una grieta en la pared de un teatro, un abismo de realidad y ficción.

Cris Blanco

EQUIPO

Dirección: Cris Blanco.

Dramaturgia: Rocío Bello, Cris Blanco, Óscar Bueno, Anto Rodríguez.

Reparto: Ohiana Altube, Rocío Bello, Cris Blanco y otros por confirmar.

Escenografía: Pablo Chaves.

Iluminación: Miguel Ruz Velasco.

Vestuario: Jorge Dutor.

Diseño sonoro: Carlos Parra.

Vídeo: Marta Orozco.

Imagen: Jorge Anguita Mirón.

Ayudante de dirección: Marta Orozco.

Diseño de cartel: Equipo SOPA.

Coproducción: Centro Dramático Nacional, Cris Blanco y Festival Grec de Barcelona.

Más información y entradas: https://dramatico.mcu.es/evento/pequeno-cumulo-de-abismos/.

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24 de septiembre en Conde Duque 

Actuaciones y conciertos de música en vivo del género que actualmente marca tendencia desde estilos de raíz negra como el Rap, Trap, R&B, Soul, Reggaeton. Una panorámica contemporánea de la escena independiente de esta música que nace de los barrios. Una muestra de la diversidad y variedad de estilos de esta escena alternativa.

En esta segunda edición, transformamos el patio central de Conde Duque en una pista para el baile y la vanguardia de la escena club con varias de las artistas imprescindibles del momento.
     DJ’s: Flaca, Toccororo, Dembooty, Drea y Awwz.

     Mc’s: Juicy Bae, La Blackie y Polemik.

     Dancers: Vogue.

También ofreceremos un taller teórico y práctico de iniciación al DJ para chicas y nonbinary en el que se enseñará los tips, shortcuts y bases para empezar a pinchar.

Y el colectivo de comunicadores y realizadores audiovisuales El Bloque realizará un encuentro a modo de conferencia performativa bajo el título de Gimmicks.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/festival-blam-2022.

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Carlos Marquerie

Del 8 al 25 de abril en el Teatro de la Abadía

El 21 de marzo del 2019 escuché a Ada Salas leer-decir la primera parte de su Descendimiento en el Museo del Prado, y tras la lectura fuimos a ver ese otro Descendimiento: el de Van der Weyden. Al salir del museo me di cuenta de que quería trabajar sobre ese texto, pensar en la posibilidad de llevarlo a la escena. No montarlo, ni tampoco ponerlo en escena; solo llevarlo, cuidarlo en su camino hacia la escena, trasportarlo hasta ella. No hacerlo teatro, teatralizarlo. Tampoco explicarlo, ni buscar en él una narración lineal determinada. Solo, y no es poco, darle sentido en la escena. Sentido, como dice Ada Salas: “Un sentido que no tiene nada que ver con la racionalidad, sino con ser: decirlo es hacerlo ser, eso es todo.”

+ info y entradas

Reparto

Clara Gallardo
Lola Jiménez
Carlos Marquerie
Niño de Elche
Fernanda Orazi
Joaquín Sánchez Gil
Emilio Tomé

Ficha artística

Texto | Ada Salas

Música | Niño de Elche

Dirección artística y dramaturgia | Carlos Marquerie

Coreografía y movimiento | Elena Córdoba

Vestuario | Cecilia Molano

Espacio escénico e iluminación | Carlos Marquerie

Proyecciones y dirección técnica | David Benito

Marionetas y objetos escénicos | David Benito – Carlos Marquerie – Cecilia Molano

Ingeniero de sonido | Emilio Valtueña

Producción | Sarah Reis

Ayudante de producción | Fernando Valero

Colaboración en la dramaturgia | Elena Córdoba –  Cecilia Molano – Niño de Elche – Ada Salas

Una creación del Teatro de La Abadía

 

 

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Del 29 al 31 de marzo en Naves Matadero

María Jerez, una de las artistas contemporáneas españolas más innovadoras y, por lo tanto, necesarias, desarrolla su trabajo artístico entre el arte en vivo, el cine, la coreografía, la arquitectura y las artes visuales. Por eso, es habitual ver su obra en los festivales y espacios internacionales de creación y exhibición contemporánea como Tanzfabrik (Berlin), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (Paris), Humain Trop Humain CDN (Montpellier) o el Southbank Centre, (Londres) y en los españoles MACBA, Mercat de les Flors, Festival Salmon, Tabakalera o Veranos de la Villa, entre otros muchos.

Desde 2004, ha creado piezas que exploran la relación con el espectador como el espacio donde los modos de representación se ponen en crisis. Desde El Caso del Espectador a sus últimas piezas Blob y Yabba esta relación ha mutado de un lugar de “entendimiento” de las convenciones teatrales y cinematográficas, a la pérdida intencional de referencias donde la artista, la pieza y el espectador se comportan entre ellos como extraños.

A partir de 2010 compagina la creación artística con la organización de Living Room Festival (Madrid) junto a Juan Domínguez, Luis Úrculo y Cuqui Jerez; el comisariado de PICNIC SESSIONS 2017 en CA2M de Móstoles y la docencia en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual  UCLM.

Gracias a la iniciativa Terreno Común, de la fundación Siemens Stiftung en co-producción con Naves Matadero que proporciona un espacio de trabajo para que artistas latinoamericanos confronten e intercambien perspectivas con artistas locales, durante el proceso de creación de la pieza The Stain,  María Jerez ha invitado a un carpintero, a un músico, a un pintor, a un panadero y a un diseñador de luces a trabajar con ella y ha puesto a convivir cosas que no están destinadas a estar juntas. Un espacio donde desaparecen las clasificaciones firmes de la modernidad, que tienden a separar el conocimiento en campos segregados. Un espacio inestable donde entidades de diferentes naturalezas coexisten y coevolucionan en una coreografía de constantes encuentros con la otredadThe Stain es parte del proyecto de investigación La paradoja con los pelos mezclados.

La construcción de esta coreografía inestable, se centra en la idea de diseminación, colonización, invasión, coevolución y convivencia como un marco de pensamiento desde el cual relacionar “cuerpos” o fragmentos de “cuerpos” que no están pensados para estar juntos. Entendiendo “cuerpos” como objetos, personas, textos, sonidos, materias, colores, atmósferas, espacios, tiempo, espectadores, artistas … La relación establecida entre estos “cuerpos” dispares no se basa en una relación “inteligente” que busca coherencia, sino por el contrario, busca la experiencia de un parentesco extraño.

Todas esas cosas extrañas, ajenas, pertenecientes al exterior, comienzan a entrar en lo conocido, en lo propio, en el interior, haciendo que lo que conocido deje de serlo. Insistiendo, a su vez, en trabajar la diferencia dentro de la diferencia, distinguiendo la diferencia de la identidad; es decir, no en la idea de identificación, sino en la idea de la diferencia que coloca al “otro” dentro de uno mismo, permaneciendo así siempre en el terreno de lo desconocido.

María Jerez reflexiona sobre su pieza The Stain: “Cuerpos que entran en otros cuerpos, esta mañana, cuerpos que no están pensados para estar juntos, estuve en la radio, seres de diferente naturaleza que cohabitan en un mismo espacio y me pregunté, coexistencia de la diferencia que crea fricción entre las distintas materias, si en la cocina de la persona que escucha la radio, cuerpos dentro de cuerpos, habría, trozos de cuerpos que salen de cuerpos, una planta, lógicas fuera de contexto, dicen, presencias fuera de lugar, que cuando, espacios invadidos por otras sustancias, las plantas, espacios de negociación, escuchan frecuencias bajas, espacios fronterizos, éstas, espacios de co-evolución, favorecen la germinación, espacios de cocción, el crecimiento, espacios de indiferencia y la salud de las raíces. Las altas, por el contrario, parecen tener un efecto inhibidor”.

Ficha artística

Una pieza de: María Jerez
En colaboración con: Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Javier Cruz, Carlos Granados, Javier Mansilla, Antonio Peñuelas, Gilles Gentner, Arantxa Martínez y Andrea Spaziani, entre otros
Co-producción: Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Tanzfabrik Berlin y Terreno Común, una iniciativa de la Siemens Stiftung Foundation en co-producción con Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas
Con el apoyo de: NAVE (Santiago de Chile)
Proyecto financiado por: Apap-performing Europe 2020
Con la ayuda de: “Creative Europe” – Programa de la Unión Europea
Estrenada en febrero de 2019, Buda Kunstencentrum, The end of winter festival de Bélgica

ESTRENO EN ESPAÑA

Colabora
Siemens Stiftung
Creative Europe Programme
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Jan Lauwers / Needcompany

28 y 29 de marzo de 2019 en Teatros del Canal

Uno de los espectáculos más aplaudidos durante la pasada temporada en los Teatros del Canal fue, sin duda,The blind poet, así que volver a tener a Jan Lauwers con la Needcompany este año con nosotros nos colma de satisfacción, sobre todo sabiendo que viene con una pieza basada en la epopeya de Stefan Hertmans, todo un fenómeno editorial que se ha traducido ya a 24 lenguas y  en el que el propio Lauwers –amigo personal de Hertmans– encontró una historia muy cercana a su propia vida.

Alabada por la crítica literaria en todo el mundo, War and Turpentine (2013) parte de unos cuadernos que encontró el propio autor donde su abuelo, que era copista y quiso dedicarse a las bellas artes, cuenta su experiencia en la Primera Guerra Mundial. El abuelo de Lauwers también fue copista y también luchó en la primera gran contienda europea del siglo XX, pero en su caso, el tema era un tabú intocable para la familia. Vuelve así Lauwers, tras el éxito de La habitación de Isabella (2004), a contar Europa a partir de la historia de una familia. Entonces fue la suya; ahora, la de Hertmans.

La alteración principal de la novela en la pieza teatral es el cambio en la narración, que es en primera persona y en la voz de una mujer, interpretada por la fantástica Viviane De Muynck, habitual en los montajes de Lauwers. Pero como vimos en The blind poet, también hay danza y música en escena. “Es una performance muy física”, explica el creador belga, “incluso en algún momento se llega a situaciones incómodas, a una sintaxis del cuerpo y la violencia”. Un espectáculo lleno de riesgos, sin duda, pero nada firmado por Jan Lauwers está exento de riesgos. Y, como espectador, se agradece, aunque te rompa los esquemas… o precisamente por ello.

>Programa de mano

 

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Miguel Ángel Altet

16 y 17 de febrero en La Fundición

¿Cómo sobrevivir a la catástrofe? Hay acontecimientos en una vida que desembocan en algo muy parecido a un siniestro. Apenas hay marcas ni cicatrices visibles, pero sí órganos seriamente dañados. ¡Qué poco queda del hombre! En ese estado, uno desearía abandonar el juego definitivamente. Renunciar, claudicar, tirar la toalla. Quedarse en pelota viva. Pero acabas desarrollando estrategias, provocando pequeñas catarsis, a costa de mear vino de mesa y manosear, manoseártela como un bebé. Irse de este mundo, sin pausa, sin prisa, con el rabo entre las piernas. Castigarse con medida, pudrirse con prudencia…la explosión controlada.

No es el canto del cisne, pero sí el monólogo de un hombre que ha rebasado los cincuenta, donde se mezclan lo personal y lo ficticio. Bonneville reúne el diario íntimo (o la lista negra). Por momentos parece el manual del anacoreta que se desea, a sí mismo, posthumano.
Una “soledad compañera”, o sea, compleja, poblada de imágenes, sueños, fantasmas, memoria. Una soledad agresivamente reivindicada.
Hay un diálogo a destajo con algunas líneas pesimistas de sobra conocidas (Bernhard, Céline, Cioran) y retazos de una banda sonora –a veces punk, a veces sentimental– unida a las constantes vitales.
Las acciones físicas por las que el cuerpo amplía la dramaturgia, así como las imágenes, pretenden algo de justicia poética sobre la vida, que, como dijo un sabio, se parece más bien a la mala literatura.

Texto, dirección e interpretación: Miguel Ángel Altet
Dirección artística: María Velasco González
Diseño iluminación: Antón Ferreiro

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La Tristura | Del 5 al 8 de mayo en Teatros del Canal

¿Es cierto que las nuevas tecnologías han modificado los códigos afectivos entre los jóvenes?, ¿que han alterado de algún modo la manera de relacionarse, de quererse, de odiarse, de desearse? A fin de cuentas, los adolescentes de hoy, nativos digitales, son consecuencia del tiempo en el que viven y, al mismo tiempo, serán responsables del futuro que imaginan.

Siguiendo la estela de CINE, su anterior producción, La tristura trata de desdibujar los límites de lo teatral y se cuestiona las fronteras entre ficción y documental, entre la presentación y la representación. Será el espectador quien decida entonces la posición desde la que interpretar lo que sucede en escena.

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Juan Navarro 

Humain Trop Humain (CDN Montpellier) | 12 de octubre a las 21h

Sabemos hoy que para destruir la experiencia no hay necesidad de una catástrofe.

Pier Paolo Pasolini, Supervivencia de las luciérnagas.

En el interior del paisaje que ofrece No-one is an island se esconde un relato futurista, algo confuso por precaución a no sucumbir al encantamiento de una premonición. Una fábula entre lo arcaico y lo moderno protagonizada por un niño. Y por dos personajes vegetales, no son humanos aunque imiten sus apariencias: gestos, voces… Ellos son los guías de este rito de paso, de esta observación extasiada de la propia conciencia del niño.

Un camino sin principio ni fin. Despojado de contornos entre lo real y lo virtual. Y deteniéndonos un instante sobre lo virtual, podríamos pensar en un cartel luminoso que dijera: “Bienvenidos al futuro”, pero sería irrelevante y engañoso. La mirada del niño tan sólo nos desvela imágenes suspendidas, reconocibles y extrañas a la vez, un cúmulo de informaciones fosilizadas en el subconsciente colectivo. Ese luminoso tampoco tendría sentido porque ustedes no forman parte de este relato, ya están muertos: esto nunca pasó ante sus ojos.

La naturaleza persiste, su vegetación lo cubre todo imparable y sádica con la caducidad de la condición humana. Hay resplandores que son casi como objetos fósiles, una arqueología del futuro que las plantas camuflan entre sus raíces a la vez que celebran algo, un funeral o, tal vez mejor, un renacimiento de la experiencia. Una insinuación de que en el futuro la soledad ya no será un peligro.

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Rodrigo García

Del 1 al 4 de junio en los Teatros del Canal

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Tras sus revolucionarias Muerte y reencarnación en un cowboy (2010) y Daisy (2015), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo el Festival de Otoño a Primavera con 4. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda.

A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa.

En esta ocasión, el creador narra una historia de acumulación de cascabeles, de cabezas de coyotes, de movimientos con ropa enjabonada, de tocadiscos con la Sinfonía nº 4 de Beethoven, de gallos campando a sus anchas, de gusanos atrapados por plantas carnívoras, de niñas de nueve años, de samuráis, de dibujos animados, de luces de estadios de fútbol y de drones que traen a la ciudad ensoñaciones en forma de música de campanas.

Nacido en Argentina en 1964 pero afincado en España desde muy joven, Rodrigo García es no solo dramaturgo, sino también videasta, performer y director de escena. Creador atípico que conjuga en sus espectáculos elementos del pasado y de la cultura popular de hoy, ha creado un lenguaje teatral propio y siempre sorprendente, que en junio acercará de nuevo en Madrid.

El estreno absoluto de 4 tuvo lugar en noviembre de 2015 en el CDN de Montpellier. En España, antes de aterrizar en Madrid de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera, pudo verse en el Festival TNT de Terrassa en septiembre de 2016.

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