— MuroTRON

En este ciclo de artes escénicas, comisariado por Julián Pacomio para la Sala Amadís, participarán los artistas Ángela Millano, Xavier Manubens, Ignacio de Antonio Antón, Nazario Díaz, Víctor Colmenero Mir y Laia Estruch. Son 6 solo performances que convivirán entre ellas, simultáneamente, en el mismo espacio de presentación. Es decir, solos, que van a coexistir con otros solos en el mismo espacio y tiempo. Las presentaciones se articulan sobre la idea de ver, leer y contemplar dos cosas al mismo tiempo, de dejarte seducir por dos acontecimientos que suceden juntos y cercanos pero independientes.

El 8 de octubre tendremos el evento #1 con Ángela Millano y Xavier Manubens. En la pieza de Ángela Millano observamos cómo transformar un armario en un ataúd. Un cuerpo que en su vitalidad constructiva es interrumpido por la inevitabilidad de la muerte. Millano desembala pieza por pieza todos los utensilios y materiales que vienen dentro la caja de cartón recién llegada de los almacenes de IKEA. De manera minuciosa, paso a paso, despliega en el espacio cada maderita, cada balda, cada tornillo, y sin más, con su martillo, percutiendo golpes, construye un ataúd. ¿Y tan parecidos son un armario y un sarcófago? Pues igual sí. Al mismo tiempo, en el mismo espacio, Xavier Manubens lija una silla de madera hasta hacerla polvo. Con ayuda de una herramienta mecánica va puliéndola hasta hacerla desaparecer, hasta pulverizarla y deshacerla en pedazos pequeños. La silla, mueble básico y funcional por antonomasia, objeto destinado a sujetar un cuerpo siempre, ahora, no solo sirve para estar sentado, sino para establecer una relación dinámica, para conversar con ella, para adquirir posiciones acrobáticas, gimnasias y contorsiones.

En el evento #2, que tendrá lugar el 30 de octubre, veremos a Ignacio de Antonio Antón y Nazario Díaz. En la pieza de Ignacio Antonio Antón la puerta que da acceso a la sala obliga a la audiencia a recorrer y atravesar el espacio vacío. Ignacio De Antonio Antón aparece como un cómplice más que como un performer, que se nos acerca y se aleja, que nos susurra algo al oído y luego desaparece. Tenemos a un performer que es una suerte de cómplice o dealer para el público, tenemos una pieza con un dealer cuyo producto y cuya sustancia es la coreografía. Tenemos un dealer de la coreografía para la audiencia. En este traficar hay cosas que suceden y que no consigues mirar todo el tiempo, hay cosas que le pasan a los otros y que no te pasan a ti, hay cosas que suceden fuera y otras dentro de la sala. A la vez, también dentro y fuera del cubo blanco, está Nazario Díaz, vemos un cuerpo en un acto sutil que con sólo su presencia (y ausencia) lleva a cabo toda una transformación fonética, un flujo vocal que se hace presente a medida que la performance avanza; aparece la voz y desaparece el cuerpo (la idea del borrado a través de la insistencia) y coloca su cuerpo en colisión con el lenguaje, pirotecnia vocal y pirotecnia corporal. En ese juego de voz parece activar casi-palabras, parece casi-decir-cosas. Insiste, insiste en ese decir-no-decir, y entiendes alguna frase pero a la vez no entiendes nada, y le sigues y acompañas en ese hablar-y-no-hablar.

La última sesión, el 12 de noviembre, veremos a Víctor Colmenero Mir y a Laia Estruch. En esta ocasión lo sonoro es lo importante. El oído más allá del oído. La performance y el sonido. Lo sonoro y el concierto. Los conciertos y los instrumentos que no son instrumentos que son esculturas que son objetos. En el tercer evento tenemos a Víctor Colmenero Mir como un músico-performer-zahorí que busca un pozo de agua y sonido; y tenemos a Laia Estruch con un abrevadero que no es para beber sino que es para cantar y que lo se que canta en el abrevadero es cantarle al agua con el agua. Este encuentro tiene la potencia de ver en común dos trabajos con la intensidad vibracional como el protagonista. Dos acciones que oscilan entre lo tangible y lo intangible. Dos performances que navegan entre las ondas sonoras, el temblor y los acoples. Dos músicas sobre lo táctil, lo háptico y sobre escucha más allá del oído, la escucha con el cuerpo entero.

Lugar: Sala Amadís Injuve (c/ José Ortega y Gasset, 71. Madrid)

Aforo completo. Lista de espera a través del correo creacioninjuve@injuve.es

Read More

De Sergi Faüstino

10 y 11 de octubre en La Fundición (Bilbao)

Recorrido por la «historia» personal de un cuerpo. El cuerpo de Sergi Fäustino. Una «historia» personal que narra el desarrollo, a través del tiempo, de la conducta de este cuerpo, de sus luchas por sobrevivir, de su relación con el entorno; un espacio corporal que se expone –desde su naturaleza de espacio biológico deteriorable, vulnerable y caducable- junto con las huellas de la historia vivida, para mostrar lo que fue, lo que es, y para especular sobre lo que podrá ser.
La intención no es autobiográfica. Se ha utilizado información de primera mano para elaborar el contenido y después llevarlo a un general -o universal-, de forma que este cuerpo del cual se habla podría ser el de cualquier persona que lo esté observando mientras baila.
En el recorrido que proponemos, vamos a transitar por la memoria que queda inscrita en el cuerpo; tanto los cuerpos que hemos sido, que de alguna manera contenemos y nos conforman, como las huellas que deja la interacción con los espacios y las personas que nos rodean.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única. Resumiendo: es una celebración del cuerpo, del movimiento y de la danza.

Sergi Fäustino es uno de los creadores imprescindibles de la escena contemporánea nacional desde el estreno de ‘Nutritivo’ en 2002. Su investigación sobre el cuerpo, el cansancio y los límites físicos atraviesa de manera continuada su trabajo de los últimos 10 años con una profundidad, compromiso y coherencia difíciles de encontrar en el panorama actual y por eso mismo, extremadamente valiosas. Sergi ha pasado por muchas etapas como creador, ha presentado su trabajo en ‘Radicals Lliure’, en las programaciones y proyectos de La Porta Barcelona, en el festival «Citemor» de Portugal, o en el festival ‘El lugar sin límites’ del CDN. Como creador ha ido evolucionando, profundizando y clarificando sus líneas de interés hasta llegar a una depuración que va mucho más allá de la forma o del estilo, un posicionamiento ético como creador.

Read More

El miércoles 7 de octubre a las 20h arranca la temporada de artes en vivo de Azkuna Zentroa con el estreno de “Loser”, de la compañía OSA+MUJIKA, creado durante la Residencia de Danza Contemporánea 2019 en Azkuna Zentroa y en Dansateliers Rotterdam, a través del acuerdo de colaboración e intercambio con el centro de creación y exhibición de danza contemporánea holandés.

OSA+MUJIKA nace del encuentro artístico entre Jaiotz Osa y Xabier Mujika, y suma dos mundos creativos como la danza y la escenografía/vestuario. Su pieza “Loser”, es una reflexión sobre los milenials, sus relaciones sociales, su dependencia con las redes, y las expectativas de la sociedad: «Me dijeron que era especial, todo el tiempo. Me dijeron también que tendría todo lo que quisiera en la vida, solo por quererlo. Caí en el mundo real y en un instante supe que ni soy especial ni tendré todo lo que deseo solo por quererlo. La necesidad de mostrar una vida perfecta y sin problemas y la necesidad de aceptar un mundo que no es real, en busca de un camino que cubra el vacío infinito. Eso es lo que sentimos las personas Millenial, una generación criticada que oculta la verdad profunda: la insatisfacción».

A través de un lenguaje coreográfico muy físico y siempre partiendo del cuerpo, OSA+MUJIKA explora nuevas formas de expresión trabajando con mucho cuidado la dramaturgia, además del movimiento y la coreografía.

Según los artistas, «el objetivo de esta pieza es presentar al verdadero millenial, con todas sus características. Este personaje, luchará por sus sueños y objetivos, sintiendo al mismo tiempo una gran frustración y rabia. Los cambios en estos conflictos internos del personaje se reflejarán en las diversas escenas de la pieza. Así, mientras algunas están llenas de positivismo y euforia, en otras el fracaso será el protagonista».

La compañía OSA+MUJIKA está formada por Jaiotz Osa y Xabier Mujika. Osa es bailarín y coreógrafo y Xabier Mujika diseñador de vestuario y espacio escénico. Entre los dos crean un equipo cuyo objetivo es narrar historias visuales; la finalidad es crear todas esas imágenes que rondan en sus cabezas, darles forma y sentido, y llevarlas a cabo tanto a nivel de movimiento como en formato audiovisual.

Ficha artística:

Dirección: OSA + MUJIKA
Coreografía e interpretación: Jaiotz Osa
Vestuario y espacio escénico: Xabier Mujika
Iluminación: Alvaro Estrada
Fotografía y vídeo: Alvaro Sau
Loser canciones: Gartxot

Read More

De Claudia Pagès

4 de octubre a las 13h en Nave 73

“Arrela’t nena, arrela’t” es un relato por escenas escritas y habladas, que toma forma en un libro y en una actuación que funciona como una opereta revisada y su libreto, donde se entrelazan el texto narrativo y el lenguaje oral. El libro narra las diferentes economías que ocurren en un vecindario, así como los espigadores que re- colectan objetos, los sistemas comerciales en los mercados de pulgas y las compañías que se ocupan de la logística y la distribución como Amazon, Deliveroo u otros. Mientras carros de supermercado llenos de hierro son empujados hacia los pasos peatonales, ciclistas y transportistas se deslizan sobre el pavimento. El texto que configura el libro así como la performance, rastrea cómo la ciudad es modificada para esas operaciones logísticas, y si el texto comienza en los Encants, sigue los objetos hasta el puerto de Barcelona y sus cruceros.

Performers: Noela Covelo y Claudia Pagès. Producción musical: Pau Riutort. Vestuario: Joe Highton. Vallas: Martin Llavaneras. Diseño libretto: Sara V. Mallo. Asesoramiento: Andrea Rodrigo y Laura Ramírez.

Read More

⇓Pincha sobre la imagen para ver la programación completa⇓

 

Read More

Y CRECEN EN LOS HUECOS HERMOSAS PLANTAS

Son tiempos complejos. Arrancábamos nueva etapa durante unos meses paralizantes después de los cuales todo, de algún modo, pedía empezar de nuevo. Hemos construido día a día, impulsándonos desde la sólida y poderosa base creada durante las anteriores doce ediciones del festival. Hemos batallado para no dejarnos vencer por la incertidumbre. Y, como todo el mundo, seguimos en ello. Esta edición es el resultado de un gran esfuerzo colectivo fundamentado en la imaginación, la ductilidad y el empeño, el que hemos necesitado para empujar una roca que en algunos momentos parecía inamovible. Quizás sea por eso que hayamos recurrido a la palabra trans para explicar nuestro estado de ánimo, prefijo que proviene del latín: al otro lado, más allá, a través de.

Dadas las circunstancias sanitarias actuales, la programación de esta edición se ha visto reducida y está formada por un total de quince piezas. Tres posibles recorridos la atraviesan. tres caminos abiertos para ser explorados como quien se adentra en la selva. El primero de ellos comprende esas piezas para pocos espectadores en las que se apela a lo participativo, se altera la jerarquía y se ensayan nuevas relaciones. Aquí nos encontramos con trabajos como La ciudad de Verónica Navas, Brilliant Corners de Orquestina de Pigmeos o Archivo de Serrucho. Todas ellas proponen vivencias artísticas que incentivan tanto lo individual como lo colectivo a partir de la observación de lo cotidiano, y lo hacen expandiendo los límites de la escena hacia otras disciplinas: el cine, el arte sonoro, las artes plásticas, la performance.

Si como anticipó Pasolini, la modernidad pasa por la rebelión del espectador, también transita, pues, por una tendencia hacia los procesos y un acercamiento a la ciudadanía en un ejercicio de democratización de los espacios culturales. Alejarse del centro, acercarse a las orillas, abrir puertas y ventanas para que corra el aire. Aquí trazamos un segundo recorrido donde se inscriben proyectos como Vincdesdevenir de Quim Bigas que, durante un mes, ha realizado una serie de encuentros con adolescentes del colectivo LGBTQI+ de Terrassa basados en estar, charlar, compartir lo que les une, pasear por un laberinto sin centro. También El sol va por dentro, proyecto audiovisual del colectivo Nyamnyam, que toma como punto de partida el tiempo que compartieron con niñas y niños participantes del campamento de verano del distrito dos de Terrassa. También la pieza colectiva de Poderío Vital, un coro ciudadano bajo el sugerente título: Quien canta sus males espanta, que clausurará el festival el domingo al mediodía en la plaza del Ayuntamiento, con un vermut colectivo con el que celebraremos haber llegado hasta aquí.

Finalmente, un tercer recorrido recoge todas aquellas piezas de medio formato en las que sus creadores se meten de lleno en el barro para llevar a escena temas palpitantes de nuestra actualidad política y social, tan confusa y compleja. A este trayecto pertenecen piezas como Explore el jardín de los Cárpatos de José y sus hermanas, alrededor del turismo como motor económico de nuestro país; Light years away de Edurne Rubio, que revisa nuestra memoria histórica a partir de lo autobiográfico; y el debut de Juana Dolores con el que la joven poeta homenajea el paisaje periférico de Barcelona, reivindicando la deslocalización como campo de batalla y territorio artístico.

“Todo lo cercano se aleja”, escribió Goethe. Durante los últimos meses, hemos visto que lo que dábamos por hecho se desvanecía, que todo lo que siempre había sido de un modo, dejaba de serlo. Ha habido momentos en los que nos hemos rendido ante la sensación de peligro, ante la convicción de haber llegado al final. Pero esto, más bien, tiene que ser una llamada a reaccionar, a iniciar la transformación de un sistema en crisis desde hace tiempo. Como dice Kate Tempest: “dijeron que no podríamos renacer/ hasta que todos nos diéramos cuenta de que los viejos modelos tenían que desaparecer”.

Marion Betriu
Directora artística TNT

Más información: https://tnt.cat/

Read More

Sábado 3 de octubre, 18:00, Foyer del Mercat de les Flors
Gratuito. Aforo limitado

Con LAURENT PICHAUD y CARME TORRENT

(Traductora-intérprete: Emma Soler)

Dentro de la Constelación DEBORAH HAY

«Creo que toda mi experiencia como profesora y como coreógrafa ha sido una búsqueda: casi podría describir todo mi proceso como la búsqueda de un lenguaje que permita comunicar instrucciones de movimiento de la manera más simple, natural y rápida posible.» Esta cita de Deborah Hay resume una de las singularidades de la obra artística de esta coreógrafa: la creación de un lenguaje oral y escrito dentro del mismo proceso coreográfico. Por quien se interesen en esta singularidad, numerosos libros, artículos, cartas, grabaciones de audio y dibujos que forman parte de los archivos de Deborah Hay son una mina para comprender como una bailarina y coreógrafa compone un lenguaje que va más allá de las meras cuestiones coreográficas o literarias. Una coreógrafa-que-escribe, escribirá de manera diferente a una escritora? Una coreógrafa-que-habla, como predispondrá los bailarines en un estado imaginario determinado? Una coreógrafa-que-dibuja, como irá más allá de la simple práctica de la notación en danza? Los elementos que se presentan en la instalación Escribiendo como corèografa dan testigo de esta particular creatividad y permiten a los visitantes experimentar el lenguaje de Deborah Hay en su propio cuerpo.

Además de la instalación, la performance conferencia Traduciendo como bailarín(a), complementa este enfoque y examina la manera en la que los bailarines reciben y juegan con la “coreografía del lenguaje” que los ofrece Deborah Hay.

Laurent Pichaud es coreógrafo e intérprete de danza, director artístico de la compañía x-sur arte / site compañero y artista investigador invitado al Departamento de danza de la Universidad Paris 8.

El proceso de Laurent como creador y como investigador se centra en el uso del gesto coreográfico fuera de los contextos artísticos tradicionales o escénicos. Su obra incluye dos ejes principales. El primero trata prácticas site specific y proyectos comunitarios creados con no bailarines, como sus últimos proyectos: mon nom des habitants 2014·2018 2014·2018 -sobre monumentos conmemorativos de guerra- y … en jumelle -sobre ciudades gemelas-, que se estrenó en junio de 2019. El segundo eje corresponde a su polifacética colaboración con Deborah Hay, para quien ha sido intérprete en O, O (2006), asistente coreográfico (desde el 2008), co-coreógrafo en indivisibilities (2011) y archivero (desde el 2014). Más recientemente, también ha asumido el papel de traductor de la obra de Hay; su traducción ampliada de My Body, the Buddhist al francés fue publicada el 2017 y sirve para estudiar el funcionamiento de la escritura tanto para la documentación como para la transmisión en el proceso coreográfico.

El 2018 inició un doctorado creativo en la Universidad Paris 8 titulado Engaging-specificity site inside the work of another artist: Laurent Pichaud / Deborah Hay donde da un paso más en el desarrollo de la relación entre sus procesos creativos y de investigación, y su colaboración central.

Carme Torrent estudia arquitectura en la Universitat de Barcelona mientras trabaja en varios estudios, como el de Enric Miralles. Paralelamente, desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza, en solitario y con otros artistas como: Min Tanaka, Carmelo Salazar y Xavier Le Roy.

Interesada por el trabajo del Body Weather (laboratorio de climatología corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, viaja a Japón y entre el 2000 y el 2009 colabora regularmente con la compañía Tokason dirigida por Min Tanaka. Del 2012 al 2016, colabora con el coreógrafo Xavier Le Roy en propuestas para espacios expositivos.

Imparte talleres en el MACAP-Máster d´Artes Escénicas, Girona-Liubliana-Dartington (2008-2009) y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E en Montpellier (2014-2020).

Más información: https://mercatflors.cat/es/activitat/conferencia-performativa-traduciendo-como-bailarina/

Read More

Del 1 al 3 de octubre, 20:00
Entrada general: 15.00 euros

Se define a sí mismo como payaso conceptual y modelo, probablemente como parte de un juego clasificatorio irónico. Lo que es seguro es que es un artista con un lenguaje escénico muy personal que sigue evolucionando desde que comenzó su carrera a finales de los años 80 del siglo pasado, sin terminar de ajustarse a las categorías de bailarín, coreógrafo, actor o performer, pero sin dejar de integrarse en todas ellas. En los últimos tiempos, su práctica artística defiende radicalmente la imaginación, «no como fantasía —dice—, sino como producción de realidad y capacidad de pensamiento. Es en el teatro como espacio de libertad, de riesgo y provocación, como espacio generativo de diálogo, donde la imaginación puede desplegar todo su potencial transformador».

En esta temporada nos trae a Condeduque Tálamo, la segunda parte de su trilogía titulada No hay presente, mejor mirar atrás, un trabajo donde, precisamente, la imaginación del espectador cobra un gran protagonismo. Tálamo se desgaja de la primera pieza de la trilogía, My only memory, una coreografía-partitura, textual verbal, que el espectador escuchaba en la oscuridad del teatro. Casi, porque en los últimos 7 minutos de la pieza, después de estar dedicado exclusivamente a la escucha, el espectador comienza a intuir visualmente algo muy sutil en la escena, una imagen apenas imperceptible. «En estos últimos 7 minutos, la voz se silenciaba para dar paso a la imagen propuesta como una mezcla singular: parte visión, parte proyección, parte imaginación», explica Juan.

El final de aquella obra es el principio de esta otra. Tálamo lleva hasta sus últimas consecuencias esos últimos 7 minutos de My only memory. Se trata de buscar una vez más un estado físico activo del que mira, trabajando con y desde la oscuridad, con y desde la pérdida de referencias, en los límites no definidos entre lo legible y lo ilegible. Provocar esta necesidad de orientación, de comprensión, de reconocimiento y de resignificación de lo que se intuye sin llegar a saber exactamente lo que se ve, no puede ir más acorde con este tiempo de inflexión que vivimos tras el azote pandémico. «En ese estado el cerebro se activa de una manera inusual y la producción de significado y sentimiento se proyecta y crece exponencialmente. Después, la luz y la imaginación hacen aparecer la imagen».

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/talamo

Read More

Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros.

En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible.

Cada pase tiene una duración aproximada de 35 minutos y es para un único espectador/a.

NOTA IMPORTANTE: El/la espectadora debe estar 15 minutos antes de que comience su pase en el teatro.

Se realizarán un total de 28 pases, con lo que participarán en la instalación 28 espectadores.

Los pases se realizarán el

30/9/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases
30/9/20 de 17h a 20h: total 10 pases.
01/10/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases.

La Mutant. Espai d’arts vives.
24, Carrer de Joan Verdeguer, 22
46024 València

Más información: https://russafaescenica.com/representacion/los-protagonistas/

Read More

De Laila Tafur

1, 2 y 3 de octubre en Teatro Pradillo

El baile es mi oficio, la cosa que yo practico, donde aspiro a cierta maestría. Deseo la aparición de una forma en un cuerpo, bailo en la brecha entre una u otra posibilidad, me muevo entre la abundancia y la falta, con todo, la chicha y la ficción. En el encuentro con la canción, la danzante se vuelve audaz en sus estudios de erudita ignorante, toda una osada que hace como si sí supiera hasta que lo consigue hacer. Como el ignorante de Ranciere, titila entre el saber y el no saber colándose en ambos, mezclando cosas estando atenta a los humores y su brújula es el placer contenido en el hacer. Si la vida grita ella canta la canción de la fricción entre formas y las fuerzas, entre la carne y el significado, entrando en la potencia del tutti froti, clamando la urgencia por encontrar otras prácticas y otros modos de producir conocimiento, agrietar los estatus y disciplinas gracias a aquello que está al alcance de la mano, sosteniéndose en el juego y el placer.

+ info y entradas

Read More