— MuroTRON

Nazario Díaz – 11 de abril en Azkuna Zentroa

¿Cómo sería un texto que se borra a sí mismo? ¿Y una mirada que desdibuja? ¿A dónde me lleva palpar la palabra o encuerparla con los ojos cerrados?

Si antes me ocupaba de objetos y de mi propio cuerpo para desgastarlos mediante una acción insistente, mi trabajo actual retoma la idea de desgaste y desaparición de un cuerpo –ese tótem entendido como una entidad física, moral y espiritual–, pero esta vez de un cuerpo escurridizo que es la textualidad.

“amanecer alto cielo” convoca, por un lado, una infinidad de texturas escenográficas en un espacio vacío, a través de diferentes prácticas textuales que entrelazan sus materialidades, y por otro, aborda diferentes cualidades de la visión, y cómo éstas modifican los cuerpos y la percepción sobre ellos.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/nazario-diaz-amanecer-alto-cielo/.

Concepto y coreografía: Nazario Díaz
Co-creación y performance: Julian Pacomio, Ibon Salvador, Nazario Díaz Acompañamiento dramatúrgico: Carolina CamposIluminación: Leticia Scrycky
Producción: Kurzuth Silverstone

Apoyos: Azkuna Zentroa | Alhóndiga (Bilbao), Citemor (Portugal), El Consulado Fonteta (Valencia), Tenerife Lav, Dantzagunea | Sortutakoak (Errentería), Harrobia | Eszenabide (Bilbao), Azkuna Zentroa | Alhóndiga (Bilbao), Lekuona Fabrika (Errentería)

En su estancia en Lisboa, “amanecer alto cielo” es una investigación acompañada por Nina Botkay, Bruno Brandolino, Lucas Damiani, Carolina Campos, João Fiadeiro, Julian Pacomio, Daniel Pizamiglio, Santiago Rodríguez Tricot, Alina Ruiz Folini, Ibon Salvador, Leticia Skrycky y Forum Dança/PACAP5.

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Programa

5/4 | 18:30 h | Sala Ricson, Hangar
Anne Gillis / Amiga / SN Systema

12/4 | 18:30 h | Sala Ricson, Hangar
Sílvia Zayas / Genoveva Genocide / las lindas pobres

19/4 | 18:30 h | Sala Ricson, Hangar
Laringe, oscilador / T. Modet

26/4 | 18:30 h | Sala Ricson, Hangar
Gamelán Barasvara / Suso Saiz

26/4 | 23 h | Sala Vol
Strawberry Lime / Rumbler / Gatasanta

“La rarefacción es la reducción de la densidad de un medio, lo opuesto a la compresión. También puede referirse a un área de relativa bajas presiones que sigue a una onda sonora”.

Hangar presenta la quinta edición de Rarefacció, ciclo de escucha que se celebra en la Sala Ricson de Hangar con cierre en la Sala VOL y que se enmarca dentro de la línea de investigación Audio Formal/Políticas de la escucha.

Este año, Rarefacció sigue queriendo ofrecer un programa formado por artistas del territorio con otras prácticas dentro del panorama clubbing, que se mueven entre estilos como el ambient o electrónicas más abruptas como son el noise o el sonido industrial.

Anne Gillis y Suso Saiz abrirán y cerrarán el programa diurno respectivamente. Es un placer poder programar a estas artistas que llevan décadas siendo imprescindibles en el panorama internacional. También el proyecto Amiga se dejará escuchar por la sala Ricson, así como el directo de SN Systema o los ejercicios de síntesis vocal de Laringe, oscilador.

Asimismo podremos disfrutar de otras formas de entender el djing con las expansiones narrativas de las lindas pobres así como las sesiones neopsicodélicas de T. Modet.

Pero en Rarefacció no todo es música; Silvia Zayas nos presentará su trabajo audiovisual en formato vídeo donde grabaciones subacuáticas nos revelan la vida en el mar de Barcelona.

Como ya es habitual, no queremos dejar el programa huérfano de creadoras que utilizan sus propios instrumentos. Genoveva Genocide aterrizará desde el País Vasco para romper muchos de los esquemas establecidos utilizando materiales primarios como el hierro. También, y con mucha ilusión, podremos ver y escuchar a Gamelan Barasvara, quienes interpretan sonidos autóctonos de Bali o Java con metalófonos, xilófonos y gongs —por citar algunos— en una experiencia musical que se genera desde lo colectivo en lo sónico, acompañados de su danza tradicional.

Mantendremos el cierre nocturno de la muestra en el barrio del Poblenou en la sala amiga VOL, donde podremos escuchar el nuevo proyecto Strawberry Lime, quienes ejercen como selectores de gemas Techno; a Rumbler dj, que aglutina en sus sesiones sonidos que cruzan estilos como el Continuum Hardcore, la Ghetto music o el House. Por último, esperamos que la dj colombiana afincada en Barcelona Gatasanta os gaste las suelas con su maleta cargada de Electro y sonido detroit de antes y ahora.

El abanico es amplio y es así como queremos que siga siendo la oferta de Rarefacció, un conjunto de perspectivas dentro de la creación sonora alejadas entre sí pero con ciertos nexos en común en cuanto a contextos y momentos.

La imagen del festival corre a cargo de Diego Bustamante de Oficina de disseny. Para esta edición hemos querido centrar la imagen de la muestra en torno a la representación gráfica del sonido. Para ello se ha trabajado a partir de ejemplos de diferentes épocas donde distintas autoras alejadas de la tradición académica creaban sus propios sistemas gráficos para ejecutar las piezas.

Rarefacció 2024 cuenta la colaboración de Monkey Energy Drinks que siguen acompañándonos en esta edición ampliando las posibilidades de la muestra.

Sergi Botella, comisario de Rarefacció.

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Del 29 de febrero al 2 de julio en Arts Santa Mònica

La experiencia de ir al otro lado la vives cada noche cuando te duermes y sueñas. Ya durante la infancia has aprendido que la muerte, ese país no descubierto que no deja volver de sus fronteras a ninguna de sus viajeras, separa dramáticamente la vida de otro lugar del que poco o nada conoces. La conciencia es una pequeña isla rodeada por un mar profundo, el inconsciente, y adentrarte en este otro lado persiguiendo a tus demonios puede ser un viaje solo de ida.

Aparentemente hay un lado, este, y muchos otros lados. Pero, al mismo tiempo, cada vez toma más fuerza la intuición de que quizá de este lado tampoco hay solo uno. Las definiciones rígidas y binarias son insuficientes para describir la complejidad que nos rodea y atraviesa: hombre o mujer, locura o cordura, virtualidad o realidad. Imponernos estas categorías nos aprisiona y nos destruye. Nos impide transitar entre lo que creemos ser y lo que deseamos ser. Realidad y ficción empiezan a ser indistinguibles la una de la otra y, al final, quizá no hay ninguno, de lado.

El otro lado es todo lo que quieres que sea. O, más bien, todo eso que, no queriendo absolutamente que sea, quieres que sea absolutamente.

Olvídate por un momento de todo a lo que te obliga este lado, el único del que crees saber alguna cosa: olvídate de las categorías, de la razón y de la lógica. Olvídate de nombres y palabras impuestas. Olvídate del lenguaje que tan sólido parece ser. Olvídate de todo lo que crees recordar y adéntrate… en el otro lado.

Ferran Utzet y Enric Puig Punyet

Artistas / Obra expuesta:

Anna Irina Russell / Hincharse como
Antonia Rossi i Roberto Contador / Río negro
Domestic Data Streamers / Hipermuerte
Francesca Llopis / L’imminent… Libro de artista de Francesca Llopis (1984-2024)
Gian Maria Tosatti / My hart is so leeg soos ‘n spieël – Kaapstad episode
מייַן האַרץ איז בלאַנק ווי אַ שפּיגל – קאַפּע טאַון עפּיזאָד
Guillaume Faure / Eco
iara Solano Arana, Sleepwalk Collective / བར་དོ་ Usted está aquí
Max de Esteban / Retórica del silencio / 7 minutos
Pere Llobera / Recuerdo sin voz
Yapci Ramos / Parto

Actividades de la exposición:

19.03 / 18:30 h: El otro lado
Conversación entre Miquel Bassols, Miquel Missé, Eurídice Cabañes, Josep Maria Fericgla y Núria Martínez-Vernis.

13.04 / 11:30 h – 19:30 h: Hacia lo sutil
Retiro artístico-esotérico, a cargo de Elisa Arteta. Espacio de transformación y sanación con prácticas corporales y viajes de conciencia.

18.05 (Noche de los Museos) / 18:00 h, 19:00 h, 20:00 h, 21:00 h, 22:00 h, 23:00 h, 24:00 h: 1518/840 Transitar lo invisible
Performance de larga duración y resistencia, a cargo de Zoe Balasch, en colaboración con performers del Laboratorio Corpografías inclasificables y música de Xavi Lloses.

21.05 / 28.05 / 04.06 / 11.06 / 18.06 / 17:30 h – 20:00 h: Mortales/Liminal
Laboratorio ciudadano donde explorar de forma colectiva la muerte y el duelo, a cargo de Albert Potrony y Roser Sanjuan.

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Marta Azparren – Del 6 al 10 de marzo de Cineteca Matadero 

Cerrados y dormidos, los ojos ven (Paul B. Preciado)

Cine ciego es un proyecto multidisciplinar que se articula a partir del ensayo del mismo nombre de Marta Azparren (Libros de la resistencia, 2023). Investiga la relación entre los cambios de régimen de la mirada (estéticos y políticos) y la interrupción del flujo de imágenes, en concreto la imagen sin imagen. Desde el Cuadrado negro de Malévich hasta el BlackOut Tuesday de Instagram, se analiza de qué modo es necesaria la monocromía, el vacío o la pausa para cambiar el modo de acontecer de las imágenes en la sobreexposición vírica/viral actual y cómo la ausencia de imagen despierta la consciencia del espectador y lo mueve hacia la acción. Se trata además de mostrar cómo una cierta dosis de ceguera participa en cada una de las fases de la experiencia estética: la creación, la obra, la recepción y la reacción.

Se proponen cuatro sesiones de proyecciones, correspondiendo con los cuatro colores en que se divide el libro: blanco, negro, rojo y azul y cuatro momentos de la experiencia artística: creación, obra, público, interrupción. A modo de spoken cinema, cada sesión será un recorrido por los temas de cada capítulo del libro acompañado de proyecciones de fragmentos de películas y no solo películas, con algunas acciones e invitados.

Miércoles 6 de marzo. BLANCO: crear como acto de ceguera. (+info sesión BLANCO)

Jueves 7 de marzo. NEGRO: la obra monocroma. (+info sesión NEGRO)

Sábado 9. ROJO: el espectador ciego (+info sesión ROJO)

Domingo 10. AZUL: la ceguera total, la detención (+info sesión AZUL)

Más información y entradas: https://www.cinetecamadrid.com/ciclo/cine-ciego.

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El Rapto de la R es un contexto de encuentro entre artistas de diversas disciplinas cuyo marco de relación es el de la performance como Escritura expandida.  Termino que hemos tomado de Jacques Derrida y que apunta a una grafía que no está ya ligada a un sentido, a un querer decir, a un hablante o autor del discurso, sino que opera como marcas o huellas desatadas, que inauténticas ya no representan a nada o a nadie, sino que reescriben constantemente el espacio más allá del sentido. Si la escritura es un rapto, el teatro es un secuestro, la danza un conjunto de arrebatos y parálisis y la performance una detención, operantes todas ellas más allá del sentido, entonces nuestras prácticas como expandidas pueden ser entendidas como el rapto de otro rapto, sobre un fondo ya siempre raptado.

Sara Manente, Carolina Mendoça y Quim Pujol como artistas invitados, Sofía Asencio, Tomas Aragay y Norberto Llopis como coordinadores y agentes también activos, compartirán con los participantes de estas jornadas sus prácticas tanto en forma de seminarios como en forma de prácticas artísticas, dispositivos, performances, operaciones u otros modos de reescribir la experiencia.

Escritura expandida (Lab) – Del 5 al 9 de marzo

Plazas limitadas a taller (20 personas). Un grupo de trabajo abierto a cualquiera que se quiera acercar y compartir. Es preferible la asistencia a todas las sesiones del ciclo.

Día 5 de marzo Taller Quim Pujol en LA GRANJA de 11h a 15h

Día 6 de Marzo Taller Carolina Mendoça en la GRANJA de 11h a 15h

Día 7 de marzo Taller Sara Manente en la GRANJA de 11h a 15h

Día 8 de marzo Taller Norberto Llopís en la MUTANT de 10h a 14h

Día 9 de Marzo Taller Sofia Asencio en el CONSULADO de 11h a 15h

Info o inscripción (PROVISIONAL) a todas las actividades:

consuladofonteta@gmail.com

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-escritura-expandida/.

Useless land – 8 de marzo 

La noche nos ofrece unas horas para demorarse y escuchar. Una necesidad de confiar en la comunidad temporal de personas con las que dormimos. Un estado de vigilia donde podemos estar juntes en el disenso, con nuestros diferentes lenguajes y sueños, en un estado entre la alerta y el sueño.

Invitamos al público a pasar la noche con nosotras, tumbado y escuchando. Los textos son leídos en voz alta por nosotras hasta el amanecer. La noche nos da tiempo para digerir a través de nuestras bocas y sus oídos. Una isla de superficie suave, una conexión con un terreno colectivo, un espacio donde dormir es una forma de entender el mundo. Un terreno inútil.

Evento nocturno de 12 horas de duración.

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-useless-land/.

Variedad de variedades – 9 de marzo 

Johnson, Escamillo, Mirko, Charmion y otros muchos artistas de variedades del siglo veinte no han desaparecido sino que siguen susurrándonos al oído a través de fotografías, entrevistas, vídeos y relatos.

De tanto manipular estos documentos, Quim Pujol ha desarrollado una serie de números que ponen en tensión el hacer de estos artistas con su interés por las prácticas experimentales. Como si estuviésemos en el Paralelo de Barcelona, los espectros de equilibristas, travestíes, cupletistas, hipnotizadores y mujeres forzudas se harán más presentes que nunca.

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-variedad-variedades/.

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Olga de Soto – Del 28 de febrero al 1 de julio en el Museo Reina Sofía

La coreógrafa, bailarina e investigadora en danza Olga de Soto (Valencia, 1972) presenta Reconstrucción de una danza macabra, un proyecto de nueva producción que se enmarca en el programa Fisuras del Museo Reina Sofía. En él se revisita y amplía una investigación iniciada por la creadora hace más de una década sobre Der grüne Tisch [La mesa verde, 1932], obra antibelicista del coreógrafo alemán Kurt Jooss y pieza fundacional de la historia de la danza contemporánea.

Creada en el periodo de entreguerras y estrenada en París durante el ascenso del nazismo, La mesa verde hunde sus raíces en las danzas macabras medievales y se inspira en los textos políticos de Kurt Tucholsky y Carl von Ossietzky, quienes ya habían alertado de los peligros del nacionalsocialismo en Alemania y sus tendencias antidemocráticas. A pesar del éxito internacional alcanzado con esta coreografía, Jooss y su compañía —en la que había varias personas judías— tuvieron que exiliarse debido a las leyes antisemitas y la campaña de presión articulada por el nuevo gobierno de Adolf Hitler y la prensa asociada. Desde entonces la pieza ha sido interpretada por numerosas compañías alrededor del mundo.

De Soto se afana en indagar la huella que permanece en los espectadores que han visto La mesa verde y en los bailarines y bailarinas que la han interpretado, generando un archivo de testimonios de más de 67 horas de duración que atraviesa cuatro idiomas, seis países y dos continentes.

Un archivo no es considerado como tal hasta que se le da un orden, una sistematización, una interpretación. Todo archivo está dotado de una gramática, de un ritmo, de un lenguaje propio. La performatividad de este archivo desplegado por la creadora tuvo su primera presentación escénica en Une Introduction [Una introducción, 2010], donde se sucedían los cuerpos de las personas entrevistadas, los de los bailarines mostrados en las fotografías y el de la creadora como una cadena de presencias y ausencias. Entre líneas aparecían numerosas preguntas, reformuladas ahora en Reconstrucción de una danza macabra, tales como: ¿dónde quedan los restos de lo escénico?, ¿el archivo de la danza está en los documentos, en los cuerpos?, ¿quién decide qué trasciende?, ¿qué eventos, performances y acciones deben perdurar y cuáles no?

El trabajo de investigación de Olga de Soto sobre el propio medio de la danza, su historia, recepción y transmisión, la convierten en una figura clave que reflexiona tanto la disciplina como otras cuestiones: el archivo de lo coreográfico, la memoria oral y corporal o las posibilidades de traducción de lo escénico al espacio expositivo. Afincada en Bruselas, De Soto abandonó en el 2000 la producción coreográfica tradicional para embarcarse en proyectos en los que la danza demuda palabra, el cuerpo se vuelve sonido y el espacio físico se torna espacio mental. La voz como huella y el gesto como vehículo de la percepción son el corazón de Reconstrucción de una danza macabra. Al proyecto le acompaña un encuentro entre la artista y Lola Hinojosa, comisaria de la exposición, así como un programa de intervenciones coreográficas en las salas de la Colección, una invitación a penetrar corporalmente en esta nueva fisura practicada al Museo.

Más información: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/olga-soto.

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Mónica Valenciano – Del 1 al 3 de marzo en Teatro Ensalle

Hay un lugar de la memoria donde los pasos anteriores resuenan en presente, un espacio potencial donde la presencia sucede como lugar de a-parición, algo acude en esa trama palpitante .. . entre los pasos que el tiempo suspende, el cuerpo se mueve llevado por aquello que trae, una polifonía de voces en la voz.

Allí donde una llamada se juega en nosotros escuchamos la lengua que arde, la pregunta en ruinas baila su extravío… emergencias de un tiempo que a la vez ignoramos .

– Y la ocasión cantaba: entre todo la sed ladra en la saliva… a patadas la melodía dejaba caer tres notas y un ciego en la voz duele lejos aquí, la otra cara del gesto ofrecido.

Entre todo la sed tiembla en agujero, moviendo acentos a plena luz escucha donde… margulla el esqueleto, a qué sabe ahora tu silencio ?

Con la boca abierta ..la curiosidad del cuerpo salvaje y su abrevadero de ausencias tras la lengua, no llega la pregunta a convertirse en nido lo que sopla cruza la intempérie, dejando ver la transparencia mas antigua pastaban los ojos de aquella noche, en apenas un instante escupió el bosque.

Aún la imagen cuenta semillas… pasos de una multitud en el fondo del rasguño.

De que hablan los muertos… lo que no sabes alcanza primeros pasos, en el suelo de otra voz danza…

Es tiempo de qué?

Más información y entradas | Texto de Kike García 

Ficha artística

Corpografía e interpretación: Mónica Valenciano
Música – fragmento: Bach – Sonata nº 9 A Major para violin y piano Op. 47
Diseño Iluminación: Cristina Libertad
Acompañamiento en residencia de creación: Raquel Sanchez, Cristina Carroquino, Chefer Cuneo y María Escobar.
Espacios de Residencia en Colaboración: Teatro Ensalle (Vigo), CasaVella (Ourense), Espacio en Blanco (Madrid) y Casa Encendida (Madrid).

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Philippe Quesne – Del 12 al 14 de abril en el CDN

En parte bestiario medieval, en parte ciencia ficción ecológica y en parte western contemporáneo, The Garden of Delights es una epopeya retrofuturista que nos lleva de viaje a los mundos venideros. Philippe Quesne se ha inspirado libremente en El Jardín de las Delicias, el famoso tríptico de El Bosco, conocido por sus alegorías fantásticas y otras figuras quiméricas que navegan entre el infierno y el paraíso.

Al igual que el pintor del siglo XV, el reparto y el equipo de Philippe Quesne exploran, con melancólica curiosidad, las esperanzas e incertidumbres de una época en transición. Las fábulas de Vivarium Studio exploran mundos al límite del nuestro, donde todas las formas de heroísmo han dado paso a la fantasía desenfadada y a las utopías pacientes. La relación entre naturaleza y cultura se difumina, y cada uno de nosotros se aventura a formular respuestas lúdicas a las amenazas a las que nos enfrentamos.

Más información y entradas | Texto de Vera Martín Zelich

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Sara Manubens – Del 14 al 17 de marzo en el Antic Teatre

Symphony of the Seas es una travesti patéticamente inestable que ensaya un gran escándalo. Al borde entre la realidad y la ficción, Symphony entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral: emocionarse es un acto disidente. Symphony es un cuerpo que transiciona en su propia histeria mientras promete un gran espectáculo que nunca llega.
Symphony of the Seas es un estudio en la construcción del lenguaje con herramientas híbridas que provienen tanto de la Danza y la Performance como de la práctica e identidad Travesti, un estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino.


Sara Manubens. Artista, coreógrafa y travesti en Barcelona. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, grupo ARTEA). Su trabajo se mueve entre el site-*specific, la performance y la danza y se centra en la transcorporalidad y su impacto en la realidad. Toma la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental. Desarrolla sus propios proyectos de investigación desde 2015.
Diseña y ejecuta proyectos educativos en programas institucionales y escuelas públicas, entre ellos DRAG KIDS (2020) o TEEN HORROR (2023). Trabaja como performer con Cuqui Jerez, Aimar Pérez Galí, Idoia Zabaleta. Escribe reseñas críticas sobre danza y performance en el Blog del Mercat deles Flors.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/sara-manubens/?lang=es.

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2 de marzo en Azkuna Zentroa 

La última creación del coreógrafo Gaston Core es una relectura de la epopeya griega “Ilíada” desde la contemporaneidad, reconvertida en una batalla de rap.

Pienso que la “Ilíada” es ante todo la confrontación entre una sociedad determinada con el sistema de valores de un mundo que le precedió, legendario y heroico. Y por otro lado es la historia de un hombre que se enfrenta a sí mismo para acabar asumiendo la función que cumple en ese grupo y que le da sentido como individuo. La lectura de este texto es siempre nostálgica. Y esta es una de las muchas cosas que nos siguen conectando a él: esa mirada perpleja ante un mundo que se nos escapa y que imaginamos mejor que el que vendrá. ¿Pero cómo explicar la Ilíada?

Su importancia en la Historia, la modernidad de sus recursos narrativos y de los temas que trata, y sobre todo, cómo transmitir en una hora de performance la fuerza que tiene la palabra en este texto, de qué manera con ella se dignifica al otro para dignificarse uno mismo. Creo que la mejor manera es explicarlo a través de nuestros artistas contemporáneos de la palabra: los rappers. Eso es esta pieza: una mirada escénica y una reflexión estética a la obra fundacional de la literatura occidental mediante el lenguaje del rap y de la cultura hip-hop.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/gaston-core-antes-de-que-caiga-la-noche/.

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