— MuroTRON

Trajal Harrell & Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble – 23 y 24 de febrero en Conde Duque

En 1975, en medio de una gira agotadora que tenía como eje las improvisaciones al piano cada noche, la celebridad del jazz norteamericano de vanguardia Keith Jarrett se encontró con un imprevisto fatal en Colonia, Alemania. En lugar del piano de cola imperial Bösendorfer 290 que habían acordado, se encontró con un desvencijado y destartalado piano sin marca ni pedigrí, inconcebible para el intérprete y compositor, que quiso cancelar y al final no pudo. Salió entonces al escenario y no solamente interpretó desde ese instrumento el mejor concierto de la gira sino de toda su carrera. The Köln Concert es citado como concierto ejemplar y musicalmente único pero también como la prueba irrefutable de la primacía y el poder del sentimiento en la música.

Es bueno conocer la anécdota para poder acceder a las intenciones últimas que hay detrás de The Köln Concert, la versión coreográfica que ha ideado el creador estadounidense Trajal Harrell, uno de los nombres más reputados e innovadores de la nueva danza y al que el Festival de Otoño de Paris dedica su Portrait en 2023 con 9 de sus obras. Hay vestigios de la pandemia del coronavirus en esta creación que consiste principalmente en solos que se bailan reunidos. El encierro y la incomunicación dejaron a Harrell reflexionando sobre la danza de la privacidad, la que solitarios en nuestra casa hacemos para el disfrute, sobre la premisa de libertad que otorga no ser visto cuando bailas esa música que te gusta.

Una escenografía simple de siete taburetes de piano perfectamente distanciados unos de otros subraya la sensación de aislamiento, mientras los bailarines, incluido el mismo Harrell, van entrando con sus trajes de pieles, terciopelo y flecos, cada uno ensimismado y emocionado con la envolvente improvisación de Keith Jarrett. Están sobreexpuestos pero no lo parece.

El coreógrafo no para de jugar con los espectadores desde el mismo momento que entran a la sala. Instalado cómodamente, observa al público llegar como si él espectador fuese él. Sabe que en la cabeza de todos está la idea de ver bailado el concierto de Jarrett y sorprende y despista con un preludio, interpretando un solo de danza a partir de una canción de Joni Mitchell.

A fecha de hoy, Trajal Harrell, que ha basado buena parte de su obra analizando y reinventado la cultura de la danza y la música vanguardistas de su país, sigue suscribiendo el lema del No manifiesto, de Yvonne Rainner, que decía aquello de “no al espectáculo, no al virtuosismo”, un pensamiento que fue guía y parte esencial de su trabajo más complejo, celebrado y difundido: Twenty Looks o París is Burning at the Judson Church, proyecto largo que desarrolló entre 2009 y 2013.

Como coreógrafo, parecía sentir necesidad de reivindicar y homenajear a un tiempo a los pioneros, a ese grupo de artistas reunidos en los años sesenta en el efímero pero significativo grupo de la Judson, los artistas posmodernos que abogaron por la libertad creativa y el derribo de las normativas impuestas a la danza. Pero al mismo tiempo rizaba el rizo imaginando cómo sería un encuentro entre los cultos posmodernos y los que, simultáneamente, en  otro lado de la misma ciudad de Nueva York, estaban construyendo el voguing, baile de los afroamericanos de Harlem, de la resistencia LGTBI, que progresivamente evolucionaría hasta Madonna.

Vestidos de negro, de puntillas, Trajal Harrell y sus seis compañeros intérpretes representan una forma de danza individual en el cruce entre diferentes géneros, en la que el voguing se mezcla con influencias que van desde la antigua Grecia hasta el teatro Noh.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/trajal-harrell-schauspielhaus-zurich-dance-ensemble-koln-concert.

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Ángela Millano | 3 de febrero a las 12h y a las 18h en Artiatx Flex (Bilbao)

Escarlet explora un cuerpo que aún no se sabe de dónde viene ni adónde va. Un cuerpo que es anterior a la palabra, que no viene del verbo ni del concepto y pertenece a un lugar atrás o encima o debajo al que no llega la luz del nombrar. Es un cuerpo que viene de cuerpo, voz que viene de carnes. Un cuerpo extraño, conocido y no, de aquí pero no del todo, y al mismo tiempo vulnerable y humano. Sirena, ballena y androide. Santa Ludovica y monstruo. En un sentir, conocer y respirar entre las piernas.

Escarlet es un proyecto en proceso de desarrollo, que vive entre la danza y lo expositivo, a modo de lo que se deja ver y observar como imagen y volumen.

Más información: https://www.instagram.com/artiatx_flex/.

 

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9 de febrero en La Caldera

Las Magias es un solo de danza que evoca y se nutre de la mística, de la naturaleza, de las poéticas de lo microscópico y lo galáctico, de las potencias expresivas de un cuerpo nacido, entrenado y entendido para aprehender el mundo desde la dimensión más profunda de la danza.

En el primer abordaje del trabajo he abierto enamoramientos sobre figuras relativas a elementos naturales, celestes y místicos; y sobre las que he aplicado una superposición de capas básicas que ordenan y clarifican la acción del cuerpo y se complejizan en su interrelación. Poco a poco trato de dar sentido a todo con el soporte estético de la cosmovisión que se va revelando en este camino, y que me guía en la creación de una partitura base que cuide más y más todo el conjunto de la gestualidad del cuerpo. A lo largo de la residencia profundizaré en el estudio, desarrollo y manejo de esta partitura inicial, con el propósito de producir un lenguaje preciso y genuino, que permita la creación de una composición coreográfica estable. Refinar esta danza desconocida. Y siempre abierta a que todo cambie.

TERESA LORENZO.Artista escénica independiente especializada en lo salvajemente dancístico. En los últimos años profundiza desde un punto de vista poético y filosófico en varios modo de relación con la naturaleza en sus diversas manifestaciones, con un acentuado rigor experimental. Su lenguaje corporal es paradisíaco y ajeno a las tendencias contemporáneas convencionales.

Más información y reservas: https://www.lacaldera.info/es/actividades/ccc79.

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Amalia Fernández – 9 y 10 de febrero en La Mutant

«SOLALA es el título que he dado a un proceso creativo en soledad que empezó en el verano del 2022 y que ha ido mutando y diversificándose al entrar en contacto con los acontecimientos de mi vida personal: mi pasión por la salsa, la muerte de mi madre, un nuevo cambio de casa con su mudanza correspondiente…

Así que SOLALA es finalmente un periplo que da lugar a tres piezas escénicas, que son independientes entre sí, pero que han sido creadas para verse una a continuación de la otra, porque es así cómo pueden crearse ciertas conexiones, ciertos espacios flexibles que dan libertad de interpretación y posibilidad de apropiación; posibilidad de que cada persona encuentre algo de sí misma en estos relatos…»

-PIEZA PRIMERA: Familia Es trascendente el momento de la muerte del último progenitor. Ese momento en el que puedes decir que ya no tienes padre ni madre. En ese preciso momento (en el que desaparece el hilo que ha mantenido unidas las bolitas de un collar) hago este ejercicio de memoria, este homenaje, esta narración íntima y personal que, paradójicamente, cuando se comparte, podría ser, a grandes rasgos, la historia de cualquiera. Y es por eso que la comparto… Duración aproximada 50 minutos

-PIEZA SEGUNDA: Bailar el problema Pienso que Cuba son l@s cuban@s, o mejor dicho, el archivo de memoria que cada un@ de ell@s sostiene con su sola existencia. Pienso que Cuba es una mitología hecha de casi infinitos relatos particulares con los que se construye la Historia. Y como hay muchas posibles versiones de la Historia, esta que se cuenta en “bailar el problema” es sencillamente con la que yo me he encontrado; la que más sentido tiene para mi. Duración aproximada: 40 minutos

-PIEZA TERCERA: cajadecuadraditos-squarebox Esta pieza es una pequeña historia sobre las cosas que no sirven para nada: las cosas que hacemos, las cosas que tenemos y guardamos sin saber por qué o para qué. Una reflexión sobre la potencia de lo inútil. Recuerdo hace muchos años que fui al cole de mis hijos. Nos habían pedido a varios padres y madres que fuéramos a explicarles a l@s niñ@s en qué consistía nuestro trabajo. ¿En qué consiste ser artista?. Esa era la pregunta para mi de parte de ell@s. Si me viera en esa misma situación en este momento, mi respuesta sería hacerles un pase de “cajadecuadraditos-squarebox”… Duración aproximada de 10 minutos.

Amalia Fernández

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/solala-amalia-fernandez/.

FICHA

-Creación y dirección:

Amalia Fernández

-Intérpretes:

Andrés Martínez

Dianelis Diéguez

Alejandro González

Amalia Fernández

-Diseño de luz y coordinación técnica:

Isaac Torres

Con el apoyo de LAV (Tenerife), Centro Párraga (Murcia), Festival Citemor (Portugal) y Azkuna Zentroa (Bilbao)

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2 de marzo en Casa Montjuïc

La artista Meritxell de Soto nos ofrece una versión extendida de ‘Espai Segur’, una performance a caballo entre el ensayo sonoro y el dj set que presentó en octubre pasado en el CCCB.

La pieza es una invitación a cuestionar y pensar conjuntamente acerca de los espacios seguros y cómo crearlos colectivamente. Todo ello se vehicula a través de tracks, audios de voz y la acción de pinchar con todo el cuerpo como práctica coreográfica.

Más información y entradas aquí.

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Aimar Pérez Galí – Del 8 al 11 de febrero en el Mercat de les Flors

ALBA es un recital de danza y piano, pero también es una publicación de coreografías musicales, o un álbum de poemas danzados. Es un juego sobre la escritura coreográfica, musical y poética. En este nuevo trabajo, Aimar Pérez Galí se propone entender la composición como un tema en sí mismo, jugando con las reglas propias de los diferentes lenguajes para establecer caminos intertextuales de ida y vuelta. Con cinco intérpretes y un pianista en directo, desplegarán un poemario coreográfico inspirado en artistas que han entendido el lenguaje y su composición como juego, desde Joan Brossa a Raymond Queneau, Lucinda Childs, Gloria Fuertes, Tom Johnson, Maria Mercè Marçal, Josep M. Mestres Quadreny o Georges Perec.

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Se graduó como intérprete en danza contemporánea por la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam y posteriormente cursó el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Es docente de composición en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre, del que ha sido miembro del equipo directivo entre 2019 y 2022. Su obra, que se ha podido ver a nivel nacional e internacional, incluye trabajos escénicos como Sudando el discurso: una crítica encuerpadaThe Touching Community o èpica, la película Touching Blues, publicaciones como Sudando el discurso, Lo tocante o los Cuadernos sobre el tocar, escritos junto a Jaime Conde-Salazar, con quien comparte el proyecto CondeGalí BL, creando trabajos dirigidos a público escolar como DITDIT Subjecte · Verb · Predicat. Desde hace tres años estudia piano.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/alba/.

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Citas a ciegas, de Sol Picó, 31 de enero y 1 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/cita-a-cegues/.

Notàlgia Ionqui (o vull tornar a ser gay), de Pere Faura, 2 y 3 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/nostalgia-ionqui-o-vull-tornar-a-ser-gay/.

Celebration, de Montse Colomé, 4 y 5 de febrero: https://espaitexas.cat/espectacle/celebration/.

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Paul B. Preciado – 15 de febrero en Azkuna Zentroa

Lectura dramatizada que el filósofo, comisario de arte y escritor, Paul B. Preciado pronunció ante tres mil quinientos psicoanalistas reunidos para las Jornadas de l’École de la Cause Freudienne en París, en diciembre de 2019.

Retomando el texto de Franz Kafka en el que un simio que ha aprendido el lenguaje humano se dirige a una academia de científicos, Paul B. Preciado se dirige como hombre trans y persona de género no binario a la asamblea de psicoanalistas no sólo para denunciar la violencia estructural que la psiquiatría, la psicología y el psicoanálisis llevan a cabo sobre las personas consideradas como homosexuales, trans, intersexuales, o de género no binario, sino también para invitar al psicoanálisis a abrirse a las mutaciones de género y sexuales que están teniendo lugar.

El resultado es un monólogo al mismo tiempo íntimo y político que no sólo se dirige a los psicoanalistas sino a cada uno de nosotros y a nuestra capacidad para acoger el cambio e imaginar una nueva utopía.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/paul-b-preciado-yo-soy-el-monstruo-que-os-habla/. | Texto de Mar Valyra sobre la obra publicado en Teatronhttps://www.tea-tron.com/mambo/blog/2023/03/30/proteo-acariciade/.

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Del 8 al 10 de febrero en La Casa Encendida

Durante tres jornadas tiene lugar la apertura de los proyectos llevados a cabo en 2023. Trabajos cuya investigación artística se centran en el cuerpo, entendiendo éste como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Las artistas seleccionadas en 2023 son: Alejandría Cinque, Inés Sybille Vooduness y Matilde Amigo.

Acompañamiento artístico en las residencias y en la presentación pública: Ignacio de Antonio Antón.

Programa:

·       Jueves 8 de febrero. De 17:30h a 19:30h. Torreón 1.

Taller Cuerpo de inputs y outputs, con Inés Sybille.

·       Jueves 8  de febrero. 20 h. Patio.

Tao Te Queen, de Matilde Amigo.

·       Viernes 9 de febrero. 18 h. Torreón 1.

Mirar a lo lejos, pero de cerca. Conversatorio con Matilde Amigo y Sonia Fernández Pan. 

·       Viernes 9 de febrero. 20h. Patio.

Santa de sustrato autónomo, de Inés Sybille Vooduness.

·       Sábado 10. 20 h. Patio

After, de Alejandría.

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Casa Montjuïc – 24 de febrero

SPELL es una performance audiovisual en directo de los artistas Serafín Álvarez y Roc Jiménez de Cisneros que propone un mundo imaginario poblado por objetos que nos resultan familiares y extraños al mismo tiempo.

El show es una red de objetos-actores que chocan en una realidad material en la que las cosas crecen y se encogen inesperadamente, se estiran y se contraen, ya sea porque no son del todo lo que parecen ser o porque están atrapados en una especie de no-lugar, mucho más allá de nuestra física.

El trabajo de Serafín Álvarez, que ha sido presentado en lugares como La Casa Encendida, Fundació Joan Miró, MACBA o Sónar, se centra en conceptos asociados con alteridades no humanas, el viaje hacia lo desconocido y cambios en la percepción de la realidad.

Roc Jiménez de Cisneros explora los procesos de deformación, tanto literal como metafóricamente, en piezas gráficas, instalaciones de luz, ensayos y, especialmente, música. Sus grabaciones como parte del grupo EVOL han sido editadas en sellos como iDEAL.

Previamente recibiremos a ¥€$Si PERSE, quien nos propondrá una interfaz que permite a sus usuarios entrar en narrativas alternativas.

Más información y entradas aquí.

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