Archive for the ‘PreviasLP'09’ Category
“Copacabana = Barceloneta”, Paula Caspao + Valentina Desideri, 21 de marzo, delante del hospital del mar, a las 16, 17, 18 y 19h
Quim Pujol cambia la peluca por un frutero
A través de esta acción en el espacio público, Valentina Desideri y Paula Caspao quieren recrear el mito brasileño de Copacabana en la playa de la Barceloneta. Basta con presentarse allí con bañador (bikini para las chicas) o adquirirlo al módico precio de 10 euros de la mano de las directoras. A continuación Valentina grabará a los/las participantes ejecutando acciones sencillas como jugar a cartas, fumar cigarrillos, jugar a raquetas y demás actividades playeras que ella observó en directo en el famoso paseo carioca. Más tarde se editarán estos vídeos hasta obtener una única secuencia que se enviará a todos los implicados y que se proyectará en diversas pantallas de todo el mundo siguiendo los recorridos de esta artista nómada.
Más allá del componente lúdico, esta acción resulta indispensable para todos aquellos que creemos que el público debe recuperar el espacio público. A primera vista suena a redundancia, pero cabe recordar las pútridas ordenanzas municipales que restringen, acotan y monopolizan los usos de un espacio que es de todos. Hay tres turnos a las 16, 17 y 18 horas y a las 19 horas se sirven caipirinhas gratis para todos aquellos que hayan tomado parte en la acción. Yo no me lo perdería por nada del mundo. Ah, y si hace frío no os preocupéis. Nos podemos poner los bañadores por encima de la ropa: más divertido todavía.
“Copacabana = Barceloneta“, Paula Caspao + Valentina Desideri, 21 de marzo, delante del hospital del mar, a las 16, 17, 18 y 19h
“Todos los buenos espías tienen mi edad”, Juan Domínguez, 19 y 20 de marzo, Mercat de les flors
“TLBETME” de Juan Domínguez
“Todos los espías tienen mi edad” es predominantemente, al igual que “While we were holding it together“, una pieza experimental de texto. Lo que pasa es que, como la danza es el único espacio escénico que da la bienvenida a la experimentación, pues resulta que es una pieza de danza. Por otro lado y a estas alturas, ¿a quién demonios le preocupan las etiquetas? No desvelaré el mecanismo principal, pero esta pieza de Juan Domínguez muestra como se puede trabajar el texto dramático desde una óptica nueva.
Una vez más en este LP’09, el espectador resulta fundamental para reconstruir una narrativa que se presenta a través de claves fragmentadas y con tramas que se alternan convenientemente. El conjunto pone al descubierto el proceso de gestación de una pieza en todas sus facetas y el extraño papel de su creador. Este artilugio meta-teatral será un auténtico placer para todos aquellos que reflexionan alguna vez sobre qué es el teatro, cómo se produce y para qué sirve.
“Todos los buenos espías tienen mi edad“, Juan Domínguez, 19 y 20 de marzo, Mercat de les flors, 10 euros.
IN Special Edition, La Poderosa, 16 y 17 de marzo a las 21h, entrada gratuita
Masu Fajardo en “Micro-ficciones”
El IN de La Poderosa tiene algo de las “Noches Salvajes“, sólo que los creadores, en vez de ser invitados, suelen acudir por su propio pie y no disponen de más presupuesto que el que se puedan permitir. Allí nacen piezas con un sólido futuro o se derrumban experimentos como un castillo de naipes. Y estos fracasos ocasionales no tienen nada de malo, porque si no se prueban cosas en un continuo proceso de ensayo y error resulta imposible llegar a ningún sitio.
La única condición para participar en el IN (que se convoca varias veces al año) es pasar el proceso de selección de Las Santas (algo relativamente fácil con un mínimo de trabajo) y que la pieza dure veinte minutos como máximo. El resultado es un combinado entrañable y vertiginoso donde todo es posible. Por este motivo el IN constituye la vertiente más práctica del proyecto pedagógico que La Poderosa lleva a cabo con las clases y las prácticas escénicas. Parece que para esta edición especial el aforo ya está copado, pero si tenéis la oportunidad no falléis a las siguientes convocatorias. Y si se os ocurre una buena idea, sólo hay que presentarla cuando llegue el momento. Si vuestro e-mail no figura en la lista de distribución de La Poderosa basta con enviar un correo a info@lapoderosa.es con vuestros datos.
Esta edición especial dentro del LP’09 presenta piezas cortas bastante acabadas que se salen un poco del espíritu más purista del IN. La excepción sería la pieza de Masu Fajardo cuyos ensayos se iniciaron hace cosa de un mes. ¿Cómo lo sé? Pues porque he ayudado a Masu con este proyecto. Ya que no escribiré un análisis sobre su pieza porque estaré echándole un cable en escena, para compensarla escribo un texto previo para ella.
Masu Fajardo está desarrollando un trabajo donde su espacio escénico se restringe a un cuadrado blanco de dos metros por dos metros. Este espacio limitado está relacionado con su búsqueda de un habitat escénico a su medida. Dentro de este cuadrado Fajardo juega a desaparecer. ¿En qué sentido? A veces se trata de una muerte literal, a veces de una desaparición metafórica. Hay una cierta indefinición en este aspecto que la creadora quiere conservar como oro en paño, porque de esta indefinición surge la riqueza del proyecto (aunque también su riesgo).
Masu apuesta por un peligroso ejercicio entre la performance artística y lo escénico, entre la espontaneidad y la premeditación estética, entre figuración y abstracción. Pase lo que pase mañana, sus “Micro-ficciones (cómo desaparecer en escena)” tendrá el mérito de ser una propuesta rigurosa, trabajada e inteligente que se habrá enfrentado a los numerosos retos de un territorio inexplorado. ¡Mucha mierda!
Me encantaría escribir previas para los demás participantes del IN (Break fast, Azul como uma laranja y Desde el ángulo ciego), pero por desgracia no sé más de estas piezas que lo que se menciona en la web de La Porta. Les deseo mucha mierda a ellos también.
IN Special Edition, La Poderosa, 16 y 17 de marzo a las 21h, entrada gratuita
“No idea”, Carmelo Salazar, Mercat de les flors, 18/3/2009, 21h
Un fragmento de “Europea no es una puta” de Carmelo Salazar
¿Quién es Carmelo Salazar y qué relevancia tiene su trabajo en el panorama de la danza en Barcelona? Esta pregunta es difícil de responder así que, si a menudo pido ayuda para completar con la opinión ajena mis análisis, en esta ocasión solicito vuesta participación en los comentarios para conseguir un retrato más amplio de Carmelo.
Salazar trabaja en Barcelona desde hace muchos años (antes de que yo tuviese contacto con la danza), así que me limitaré a hablar de mi experiencia personal. En primer lugar, he sido alumno de sus laboratorios “Lo natural es moverse”. No he realizado muchos cursos de danza, pero el segundo día de mi primer curso con Carmelo tuve la sensación de volar realizando movimientos muy simples. Es una experiencia que difícilmente olvidaré y, de hecho, en mi calentamiento personal conservo algunos de los ejercicios que Carmelo me enseñó.
Salazar también promovió los encuentros informales del colectivo Farda que, a pesar de su falta de pretensiones, para mí siguen siendo importantes porque demuestran que hay otra forma de hacer arte. Se trata de una forma de creación espontánea, que huye de acartonamientos, exigencias y expectativas. Y, no sabemos por qué, en Barcelona estas dinámicas brillan por su ausencia.
“Espaciales II” en el Mercat de les flors no era un espectáculo del todo fácil, pero tampoco resultaba excesivamente hermético. En comparación con otras obras que corren por Europa, me atrevería a decir que era muy abordable. Además de relativamente accesible, esta pieza me sorprendió por su carácter personal y la viví como una obra muy bella y, en cierta medida, redonda. En particular, me encantaba el inicio y fui a verla dos veces. Las críticas publicadas en La Vanguardia y en El País me parecieron tan alejadas de lo que yo había visto que me irritaron profundamente. Sin duda pasarían a los anales de la ignominia en prensa escrita sino fuese porque, a diferencia de los países desarrollados, en España no queda apenas registro ni valoración crítica de las artes escénicas y nuestra historia se desintegra a medida que avanza.
“Espaciales III” hubiese horrorizado aún más a los críticos, porque era mucho más difícil que “Espaciales II”. Sin embargo el contexto de la misma era muy acertado. Se desarrollaba en la desaparecida sala Metrònom en vez de un teatro. Con “Espaciales III” Carmelo expresaba ideas muy claras respecto al discurso artístico. En vez de crear una pieza cerrada, la hacía evolucionar a lo largo de cinco días seguidos cambiando determinados parámetros. La experiencia en directo no era ligera pero, visto hacia atrás, hay algo de lo que Carmelo “dijo” con “Espaciales III” que ha quedado en mí. La última evolución de la pieza concluía con una libertad enorme para todos los intérpretes que participaban en ella y recuerdo con una sonrisa a Ana Rovira apagando y encendiendo focos según si le gustaba lo que veía o, al contrario, le desagradaba.
También debo subrayar la importancia de la investigación que Carmelo ha llevado a cabo con varios intérpretes como Bea fernández, Masu Fajardo y Carme Torrent. Juntos han creado un estilo muy particular y difícil de explicar que daría para varios tomos. Es una forma de moverse en apariencia natural pero que, al mismo tiempo, tiene una textura muy determinada. No sé por dónde siguen los vericuetos de la investigación incesante de Salazar, pero ojalá “No idea” (que comparte cartel con “Tendency” de Norberto Llopis) retome esa forma de moverse. Es algo que me fascina.
“No idea”, Carmelo Salazar, Mercat de les flors, 18/3/2009, 21h, 10 euros
“Agrio beso”, de Juan Navarro y Javier Corcobado, 21 de marzo a las 21h, Mercat de les flors.
Javier Corcobado en “Agrio Beso”
Vi este “Agrio Beso” cuando se estrenó en el Apolo hace un par de años y es una excelente decisión para clausurar el festival porque, aunque destila algo oscuro y vitriólico, también tiene algo muy festivo.
Después de un breve texto, “Agrio Beso” comenzaba por aquel entonces con un explosivo Javier Corcobado cantando “Cien mil caballitos de anís“, una canción que, si se repite, resonará en vuestra cabeza durante semanas. A pesar de las redes P2P, debo confesar que no conseguí descargarme la canción en ningún sitio ni descubrí en qué disco de Corcobado podía encontrarla, algo que aún lamento. ¿Alguien me ayuda?
Por otro lado, me despierta cierta curiosidad averiguar cómo habrá evolucionado con el tiempo el espectáculo original. En la última “Nit salvatge” tuve la sensación de que Juan tenía un lenguaje más maduro y personal que por aquel entonces. Sin duda eso, junto con el rodaje, habrá hecho crecer el espectáculo.
“Agrio Beso” se enmarca dentro de una dramaturgia que en algún momento apodé la “escuela lorraine” (ver este artículo y esta otra crítica), una determinada alternancia entre acciones y monólogos o diálogos. Es un tipo de teatro que se suele identificar con Rodrigo García, aunque algunos de mis mayores afirman que esta forma teatral nació en Madrid con Carlos Marquerie. Aquí asistimos a una peculiar variación bajo forma de concierto de la mano de Corcobado.
Además de algunas imágenes, canciones y textos muy poéticos, “Agrio Beso” es un espectáculo para todos aquellos que pensamos que ignorar la muerte resulta aún más deprimente y patético que la muerte en sí. Por otro lado, ¿quién no ha pensado jamás en afilarse una cuchilla en la muñeca? Licántropos, aves oscuras, almas góticas e hijos de la noche, aunque el 21 de marzo empiece la primavera, no está mal recordar que el invierno siempre acecha.
“Agrio beso“, de Juan Navarro y Javier Corcobado, 21 de marzo a las 21h, Mercat de les flors, 10 euros.
“You are here”, Deepblue, 19 y 20 de marzo, 22h30, Mercat de les flors.
“You are here” de Deepblue
Deepblue es el colectivo responsable de la fantástica “Box with holes” y del “Terminal” que presenciamos el año pasado dentro de un ciclo de La Porta. Este colectivo está especializado en la amortización de la tecnología con propósitos razonados. Es decir, no se trata de vácuo exhibicionismo tecnológico al estilo de las inauguraciones de macroeventos institucionales y otras fiestas de guardar, sino de su contrario.
El planteamiento de “You are here” está a medio camino entre “Box with holes” y “Terminal”. Es decir, más allá de un uso inteligente de la tecnología, el espectáculo parte de una frialdad aparente (Terminal) que evoluciona hacia la experiencia sensorial y el contacto íntimo con el público (Box with holes).
En ciertos momentos de la performance tienes la sensación de que te has convertido en un microchip dentro de un ordenador y que ves como la información se procesa en un yermo paisaje de silicio. Pero a partir de cierto punto surge lo humano, la imagen poética, la calidez y, al final, se nos devela otra forma de entender el secreto que tanto se nos ha ocultado.
“You are here” de Deepblue, 19 y 20 de marzo a las 22h30 en el Mercat de les flors, 10 euros.
“Deux danses d’ameublement” de Vincent Dunoyer y “Ella entra”de Sílvia Sant Funk , 13 y 14 de marzo a las 20h en el CCCB, entrada gratuita
“Ella entra” de Sílvia Sant Funk
Estas “Deux danses d’ameublement” de Vincent Dunoyer son el reflejo de un espejo en el reflejo de un espejo del reflejo de un espejo. Si tuviéramos que relacionar esta pieza con otra obra del festival sería la instalación “Los que se ven entre sí” de Bea Fernández, por la simple razón de que ambas piezas se interrogan sobre la memoria del cuerpo y la relación entre coreógrafo e intérprete. Si Bea ha creado un enorme archivo con entrevistas a experimentados intérpretes que ofrecen su opinión sobre el tema, Vincent reinterpreta ciertas coreografías famosas a partir de una serie de fotografías de intérpretes que las ejecutaron. Estas fotos muestran a Fumiyo Ikeda, archivo vivo de la compañía Rosas e imágenes del solo Primary Accumulation coreografiado por Trisha Brown.
La música que acompaña la pieza es “Cheap imitation”, una composición de John Cage inspirada en el drama sinfónico “Sócrates” de Erik Satie. Satie tomó a su vez como texto de partida “El banquete” de Platón, donde muchos de los personajes no expresan su propia opinión, sino que aportan los puntos de vista de personas que no están presentes.
Este solo delicado suscita diversas cuestiones. ¿Acaso no recrea el intérprete la coreografía con cada nueva función relegando a un segundo plano al coreógrafo? ¿Son las copias nuevos originales por derecho propio? ¿Por qué partir de cero para cada nueva creación?
En este aspecto, Dunoyer cita en una entrevista ciertas formas de teatro japonés donde los gestos siempre son los mismos y se transmiten de padres a hijos. ¿Qué implicaciones rituales tiene este reiteración en el tiempo?
Sílvia Sant comparte esta doble sesión con Vincent Dunoyer en el CCCB y el planteamiento de su pieza sólo está levemente relacionado con la de Vincent. Sílvia entra en escena y ejecuta unos ejercicios que escribe previamente sobre unas grandes hojas de papel. Se repite un cierto uso de la memoria que también está presente en la pieza de Dunoyer, aunque a otro nivel. Su forma de estar en escena también es distinta a la de Vincent, ya que Sílvia resulta más cercana y su investigación ahonda en una cierta cotidianidad. Hay algo de lo que hace que nos resulta familiar, cálido y levemente irónico. Sin embargo, a pesar de estas divergencias, ambos bailarines son intérpretes maduros que huyen de las estridencias y de lo supérfluo. Sus obras constituyen una síntesis, una forma sosegada y personal de estar en escena.
“Deux danses d’ameublement” de Vincent Dunoyer y “Ella entra” de Sílvia Sant, 13 y 14 de marzo a las 20h en el CCCB. Entrada gratuita. Reservas en reserves@laportabcn.com
Algunas citas más esta semana en el LP
Imagen de “It happened in Prairie du chien, at exactly 7″
Como empieza la semana y tenéis que planear las piezas a las que asistiréis, aquí hay unos breves apuntes sobre otras obras que no he podido presentar en profundidad con un texto autónomo por motivos varios. Más adelante escribiré en detalle sobre las mismas.
“It happened in Prairie du Chien, at exactly 7” de Paula Caspao es un vídeo de 35 minutos que se proyecta en el auditorio del CCCB el miércoles 11 a las 19h. Esta pieza a caballo entre muchas disciplinas es como un acertijo donde se presentan elementos en apariencia inconexos que se van relacionando poco a poco. Para amantes de la sutilidad y el ingenio.
Para los que echan a faltar las piezas donde el movimiento es el protagonista, “Sense títol” de Ariadna Estalella es una pieza sobria de ritmo pausado con una textura enigmática. Esta pieza se presenta el mismo día 11 en el CCCB a las 21h.
“The rehearsal”, Cuqui Jerez, Mercat de les flors, 14 de marzo a las 20h y 15 de marzo a las 21h, Mercat de les flors, 10 €
“The rehearsal”, de Cuqui Jerez
Para quien no la conozca todavía, Cuqui Jerez es uno de los nombres más importantes de la nueva escena ibérica. Su anterior “Real fiction”, que ya he mencionado en este blog, es una pieza antológica de esas que seguiremos recordando dentro de muchos años.
Escribo esta previa de oídas, porque no he podido ver el DVD de la obra. Según lo que me han contado, “The rehearsal” sigue explorando los límites entre ficción y realidad mediante una escena que proviene de su último “Real fiction”, pero donde se han transformado ciertos elementos. Este guiño a la pieza anterior es sin embargo amable. Me han asegurado que “The rehearsal” tiene el mismo interés que “Real fiction”, pero está desprovisto de la aspereza del mismo. Y es que, a la par que brillante, “Real fiction” tenía algo de tortura china durante la experiencia en directo.
“The rehearsal” forma parte del proyecto Neverstarting story al que pertenece también la excelente “The Movie“, que se proyecta por última vez el martes a las 19h en el CCCB. Esta nueva pieza promete ser un artilugio ingenioso y malvado que hará las delicias de todas las mentes retorcidas. Moriartys, Magnetos, Lex Luthors y demás espíritus maquiavélicos, nos vemos en el Mercat el sábado y el domingo.
“The rehearsal“, Cuqui Jerez, Mercat de les flors, 14 de marzo a las 20h y 15 de marzo a las 21h, Mercat de les flors, 10 €
“Solo a ciegas (con lágrimas azules)”, Olga Mesa, 12 y 13 de marzo a las 22h, Mercat de les flors, 10 €
“Solo a ciegas”, de Olga Mesa
¿Sirve de algo que te expliquen un poema en vez de leerlo? No. Por eso me abstendré de describir “Solo a ciegas (con lágrimas azules)”, porque esta pieza está construida con elementos sutiles, ambientes frágiles, estrategias invisibles. Siempre me ha hecho gracia que la poesía se considere un género cuando para mí es una cualidad. Y esa cualidad está o no está. Muy a menudo escasea donde más se la nombra: yo la percibo ausente en muchos recitales de poesía. Sin embargo, en “Solo en ciegas” me parece clara su presencia.
“En la ‘danza a ciegas’ de Olga Mesa, es el tacto imaginario el único sentido que permite un vínculo directo entre el espectador y el artista”, afirma José Sánchez. Esta frase tiene un carácter irracional que resulta adecuado para explicar los mecanismos irracionales que sustentan el espectáculo. Es algo sólo que entendí de forma neta hace relativamente poco cuando fui a ver una pieza corta de Victoria Macarte y no me satisfizo del todo el resultado. Muchas obras se construyen como un cúmulo de escenas donde el propósito es mantener la atención del espectador en el aire. En ese tipo de obras podemos desmenuzar fácilmente la estructura y verbalizar con claridad qué mecanismo sostiene cada fragmento. Pero hay otras piezas donde la conexión con el público surge de una identificación con el intérprete y su concentración. Es como si habitasemos el cuerpo del performer y lo acompañásemos en sus evoluciones en el espacio, en sus pensamientos, en su estado de ánimo. Creo que es por aquí donde va el “Solo a ciegas” de Olga Mesa y que éste es el fenómeno al que José Sánchez alude con el “tacto imaginario”. En este otro tipo de producciones resulta extremadamente difícil explicar por qué motivos exactamente funciona el conjunto. Por oposición al arte conceptual, hay un arte visceral.
Por supuesto, estas propuestas son a menudo las más frágiles. Con ellas se dice que “se entra” o no “se entra”, todo depende de si la identificación funciona. Según el espectáculo, esta identificación puede darse todo el tiempo, de forma intermitente, o no darse en absoluto. Y suele variar en gran medida con espectadores distintos, aunque los mejores artistas de este género consiguen hacer vibrar la mayor parte de la platea durante la casi totalidad del espectáculo. Aunque la pieza tiene un ritmo pausado, el vídeo que yo he visto parece indicar que con su sensibilidad Olga Mesa logrará ponerse al público en el bolsillo. No en vano todos los que la han visto dicen que tiene una presencia contundente. De nuevo, tengo excelentes expectativas al respecto. Vamos a ver.
“Solo a ciegas (con lágrimas azules)“, Olga Mesa, 12 y 13 de marzo a las 22h, Mercat de les flors, 10 €
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