Y ahora volvamos al principio, antes incluso de que empezaran las rooms, a la propia convocatoria, en la que aparecía un texto de Negri hablando de lo colectivo y de lo común, de las singularidades y las relaciones… y también de Spinoza, ese judío excomulgado que el propio Negri calificó como una “anomalía salvaje”. Como decía Peter Pal Pelbart, Poderiamos partir de Espinoza…
Este matemático de los cuerpos identifica el amor con la pasiones alegres que, frente a las pasiones tristes, son las que incitan a la acción, y por ello al pensamiento. La idea de todo cuanto aumenta o disminuye, favorece o reprime la potencia de obrar de nuestro cuerpo —es decir, su capacidad de amar—, a su vez aumenta o disminuye, favorece o reprime, la potencia de pensar de nuestra alma. El alma y el cuerpo, la acción y el pensamiento, el espacio y el amor… quizás no resulten dicotomías enfrentadas, sino dimensiones que se potencian desde lo más exterior: el alma desde el cuerpo, el pensamiento desde la acción y el amor desde el espacio donde se producen esas relaciones que dan lugar a las pasiones felices que afectan al cuerpo y lo hacen actuar.
Por eso cuando llegó el momento de revisar, por la misma dinámica de las conversaciones, las formas de crear comunidad dentro de la propia “sociedad” de los artistas, todas las respuestas apuntaron para abajo: vincularse desde el estómago, desde lo más exterior, desde el cuerpo a cuerpo, desde los afectos y la confianza. Esta última una palabra que apareció varias veces.
¿Cuál si no, es la diferencia entre un festival como Citemor y otro como Escena Contemporánea, con un presupuesto ligeramente superior al primero? ¿No será que uno se hace con un poquito de estomágo, pero con mucha cabeza, poniendo por delante los números y los cálculos, y otro se hace con todo el estómago, poniendo por delante las relaciones y los vínculos? ¿Es una diferencia de espacios o de afectos? ¿Por qué se potencian los procesos de creación en Montemor… por las ovejas, el río, las calles empinadas y el pan de maíz… o por las relaciones que ahí van fluyendo? ¿Por qué se pudre uno en Madrid…?
También Giorgio Agamben en La comunidad que viene vuelve con ese tema de la pura exterioridad, y claro, otra vez con Spinoza. Comunidades hechas desde fuera hacia dentro, desde lo más exterior, desde la íntima exterioridad, la pura convivencia física de los cuerpos y los afectos que los atraviesan, en lugar de pensarlo al contrario: agrupaciones en torno a identidades, fundamentos, modos de representación, tipos de teatro. Y también Agamben empieza hablando del bien y de los lugares, lugares que no tienen lugar sino en la medida en que son, en que se muestran, se manifiestan, suceden… Divino es el ser gusano del gusano, el ser piedra de la pidra. Que el mundo sea, que cualquier cosa pueda aparecer y tener rostro, que existan la exterioridad, y el desocultamiento, como la determinación y el límite de cada cosa: esto es el bien. Para terminar llegando a esa comunidad inesencial porque el tener lugar, el comunicar a las singularidades el atributo de la extensión, no las une en la esencia, sino que las dispersa en la existencia.
Nuevas estrategias sociales para tiempos distintos, porque lo que más “afecta” en una sociedad que aspira a un grado máximo de organización es una comunidad no identificada, un grupo de cuerpos sin nombre, una mera potencia de actuación, pura exterioridad, como los zombis de Sergi Faustino, singularidades sin ningún ánimo de pertenencia y desde ahí crear lo común…
que las singularidades hagan comunidad sin reivindicar una identidad, que los hombres se co-pertenezcan sin una condición representable de pertenencia (ni siquiera en la forma de un simple presupuesto), eso es lo que el Estado no puede tolerar en ningún caso. Pues el Estado, como ha demostrado Badiou, no se funda sobre el ligamen social, del que sería expresión, sino sobre su disolución, que prohíbe. Por eso, lo relevante no es jamás la singularidad como tal, sino sólo su inclusión en una identidad cualsea (pero que el cualsea mismo sea ganado sin una identidad, ésta es una amenaza con la que el Estado no está dispuesto a pactar)
Y por eso si al final en la mesa de conclusiones, el viernes por la tarde en Sismo, Sara Molina se emociona viendo las imágenes de los espacios al aire libre en Pontós durante el festival Mapa y recordando aquellos otros espacios en los que quince años antes ella hizo lo que entonces no se sabía que se llamaban creaciones in situ, y si después va Juan Úbeda y se marca un performance hablando con toda el alma, es decir, con todo el cuerpo, de cambios y revoluciones… ¿no son esas las mejores conclusiones que pudieron tener estos rooms, aunque a Pablo Caruana no le gustaran? ¿Hubiera sido mejor una mesa de argumentaciones, teorías e ideas sin cuerpo? ¿De dónde vienen las ideas y de dónde sale el pensamiento? Busquemos los espacios adecuados, sí, pero adecuados para volver a ver cuerpos con pasiones, pasiones alegres. ¿Y no hubo en esa mesa cuerpos, cuerpos afectados? Pues qué mejor conclusiones, como diría Negri, que un espacio lleno de energías, que es lo “fundamental en la concepción de lo común, que nunca es un depósito, sino precisamente una energía y una potencia”, una capacidad… de actuación in situ.
El alma se esfuerza cuanto puede por imaginar aquellas cosas que aumentan o favorecen la potencia de obrar del cuerpo, es decir, aquellas cosas que ama.
Efectivamente, el site specific, por el tipo de entornos donde se ha venido desarrollando, puede parecer algo directamente relacionado con los entornos naturales, el paisaje y los pueblos. Ya Sandra Cendal, la primera mañana, planteó los posibles sentidos que este desplazamiento puede tener, y si no se podría entender también como una especie de huida o retiro del artista. El hecho de que estas formas de producción se hayan dado además como reacción a los problemas de la creación dentro de las instituciones dominantes (teatros públicos y grandes festivales), hace que esto pudiera entenderse como una suerte de deserción de ese campo de batalla que son las grandes ciudades. Ante la dificultad de intervenir en estos medios, cuyos espacios y recursos públicos están totalmente organizados y controlados, se impone una toma de distancia desde la que reorganizar las estrategias. “La resistencia nace de la deserción”, decía un lema del movimiento partisano antifascista en la II Guerra Mundial en Italia. Esto es de Negri, claro.
Sin embargo, en una Europa en aparente paz, las cosas son más complejas y sutiles, lo del site specific es algo relativo, o mejor diríamos: gradual, como explicaba Armando Valente, de Citemor. En estos festivales, hay algunas obras hechas más específicamente para unos espacios concretos, que son las que difícilmente van a poder moverse, ya sea por su dependencia con ese lugar o ese contexto de realización, o simplemente por la participación de gente del lugar, en muchos casos no profesionales. Y otras obras, condicionadas igualmente, no sólo por lo específico de los espacios donde se van a hacer, sino más allá de esto, por el entorno relacional (social, económico y personal), que se genera en estos festivales, pero que sí van a poder mostrarse en otros lugares, incluso en teatros tradicionales, donde darán lugar a fenómenos escénicos distintos y con una recepción también diversa. En todo caso no van a perder la huella de ese entorno natural y social en el que se construyeron por primera vez.
La obra y sus entornos geográficos o humanos, medios adversos o propicios para la creación, da lugar a un diálogo complejo que determina la obra y su modo de recepción. El problema es cuando ese diálogo se va extinguiendo: las instituciones miran para un lado, siguiendo inercias heredadas e intereses ajenos a la creación, y los artistas, tratando de salvarse, miran para otro, y el público termina atontado sin saber para donde mirar. Aunque como decía Agnès Mateus, una de las directoras de Mapa, otro de los festivales rurales de creación in situ, no sólo es el público, sino la propia “comunidad” de artistas la que termina peor que atontada, apoyardada, porque en realidad vivimos muy bien, y esto de la creación afecta a pocos. Finalmente, en esta estrategia de retiros y recomposición de filas, de búsquedas y resistencias, la pelota termina recayendo sobre el tejado más frágil. No ya sobre los creadores en un sentido estricto, como explicaba Juan Úbeda, del desaparecido Canto de la Cabra, sino sobre esa comunidad de gente con un pensamiento poético, desde artistas y críticos, hasta programadores, teóricos, público en general y demás seres humanos que por unas causas u otras participan de este mundo, sin olvidar por supuesto a los técnicos –puro pensamiento poético hecho obra-.
Mirar a otras comunidades, querer acercarse a otros sectores sociales, hablar de relaciones, sin revisar en algún momento la propia comunidad que supuestamente podrían formar los que están dentro de este medio, sería, si no una incongruencia, al menos signo de una espléndida ceguera. Qué se le puede decir a una comunidad, cuando la propia comunidad a la que tú perteneces está en ruinas, o como diría un cubano, está en candela… y los cubanos de esto saben mucho. ¿Está la comunidad de artistas en ruinas? ¿Cuál es la fuerza del colectivo de gentes de la escena, entendiendo la “escena” como ese amplio espacio de las artes vivas? ¿Qué capacidad de movilización, de transformación, de presión tiene actualmente el mundo de la creación escénica? Si mañana desaparece uno de estos hermosos festivales in situ o incluso algún centro público que haya venido defendiendo los intereses de los artistas o algún tipo de ayuda o subvención… quién va a mover un dedo? ¿Cuál es la capacidad de acción que tienen los actores del medio?¿Si la Comunidad de Madrid se queda hoy sin Consejería de Cultura, mañana sin Escena Contemporánea y deciden además dedicar el Teatro del Canal a la zarzuela experimental, quién va a decir algo que no sea se veía venir… como en una viñeta de Forges? Y quizá, como decía Celso, de La Tristura, es que nos queremos poco entre nosotros. Es así como se empieza hablando sobre el espacio y se continúa hablando del amor, y es que para actuar, para actuar de verdad, para actuar in situ hace falta —como diría Angélica— amar mucho.
Reflexiones SISMO I (ver más)
Para mí lo más interesante de “SISMO festival de creación in situ” fue asistir la mañana del viernes al espacio de debate “Room” (el jueves estaba montando y el sábado no hubo encuentro). Aunque sólo me quedé un par de horas (tenía que preparar mi función) algunas de las cosas que se dijeron fueron muy interesantes.
La primera evidencia es que si la creación in-situ resulta tan necesaria ahora mismo es por la falta de conexión total de gran parte de las artes escénicas con la realidad en la que se insertan. (…)
Reflexiones SISMO II (ver más)
(…)Volvamos ahora a Sismo, donde todos repetíamos que el site-specific no era nada nuevo ya que en el pasado tuvo una gran importancia. En particular, el término se acuña en los 70, pero probablemente ya venía de antes. Sin embargo ahora mismo todos sentimos su necesidad: el efecto tranquilizador de incidir en la relación con el entorno. Curiosamente, en mi presentación “El discurso es mío” también explicaba que mis aproximaciones tenían mucho en común con ciertos artistas de los 60, en especial Fluxus. Por otro lado, con Masu Fajardo discutimos en unos ensayos sobre la relación de sus “Micro-ficciones” con el accionismo, cuyo auge se da entre los 60 y los 70. Por si alguien está poco convencido, deberéis reconocer que hace un par de años que la sombra de John Cage nos acompaña omnipresente en multitud de eventos y exposiciones. ¿Vuelven los 60 y los 70 como moda artística?(…)
(…)Así pues lo más (o lo único) site-specific fueron las intervenciones del grupo “En proceso”, la pieza de la compañía Puctum “Corte Arganzuela”, la actuación del Epicentro de propagación sónica que hacía referencia a la falta de dinero para su actuación y las reflexiones in situ de Room.
Está claro que Sismo ha nacido en precario y que se haya podido desarrollar es de por sí un milagro. Le deseo lo mejor para años venideros. Pero si el tema central del festival es lo site-specific igual se debería insistir en esta dimensión. Por otro lado, si hablamos de políticas de la afectividad, o de amistad (que para mí es lo mismo), resultaría importante entonces en un futuro proponer condiciones de igualdad que diluyesen en la medida de lo posible los grandes desniveles de poder. La disparidad de dimensiones y recursos posiblemente era contraria al espíritu del site-specific.(…)
(…)aquí en la nave de matdero con uno de mis gran hallazgos madrileños , unas zapatillas brillantes color naranja a 50 céntimos en sol y un silvido para animales que me lo vendieron estropeado por 2 euros, fue un derroche en presupuesto para la 4ª experiencia de microficciones que mereció alta y sísmicamente la pena(…)
After talk(ver más)
(…)Curiosamente en el taller de producción colaborativa HelloWorld! y en las mesas de trabajo del SISMO se ha padecido esta coyuntura. Y se ha hablado de ella, más o menos: producir ¿para qué? ¿o cómo? ¿para ésto?(…)
especific (ver más)
ahora que está pululando por teatrón el especific in situ especific, lo que sí me parece tan específico como específico es la reciente telenovela del CoNCA del que se ve que está tomando una linea conforme a políticas culturales de la prehistoria y la mayoría del sector cultural permanece in-situ, en qué sitio, pues parece que cada uno en el suyo, sin moverse vamos. Tengo la impresión y cada vez más la evidencia de que el sector artístico se mueve oscilando del in-situ suyo (de cada uno) al in-situ nuestro (que es un círculo alrededor de los intereses de cada uno) y lo que habría de resultar en el fuera se queda cada vez más dentro como un saturno devorando a su hijo. Hablamos de los modos posibles en que espacios específicos pueden abrirse hacia fuera y generar movimiento, pero si esto sólo resulta específicamente en ciertos espacios concertados por un tiempo, estamos vendiendo muy bien nuestra obra. Cual es el sitio específico ? o es fuera del sitio específico? fuera de lo que es propio de algo? , ya se me escapa. En resumen si en el encuentro entorno a las políticas culturales organizado por la porta acudieron unas veinte personas, es claro que existe una falta de interes o que permanece fuera de los que son particulares de cada uno. Así nos relacionamos con nuestro entorno más inmediato.
En mi video de Sismo samplée los siguientes creadores:
Via negativa/Marina Abramovic. (entrevista Martí)
Cristina Blanco/Cuqui Jeréz. (entrada a escena)
Sònia Gómez. (entrevista mercat, impro “En forma” y títulos con Post it)
Bob Dylan/Rem. (el clip de los carteles)
Roger Bernat. (Domini Public)
David Bowie/Daniel Hartin/Nico. (heroes)
Bea Fernández. (Alberto soltando la cinta naranja)
Bret Gaylor. (la “C”)
Paris Hilton. (La pose)
No todos los samplers quedaron en el montaje final. A todos ellos mi respeto y muchísimas gracias.
(…)Los que estéis en Madrid lo podéis ver durante todo el mes de noviembre en Matadero en la pantalla de”Video del mes”. Y el 19 de noviembre en el Centre Cívic Barceloneta, como bonus track de la sesión de “CanalMono” que compartiré con Equipo. Próximamente en youtube/vimeo.
Políticas de la afectividad I. Empezar hablando del espacio y terminar hablando de los afectos, de las relaciones, del amor… Este es uno de los recorridos, solo aparentemente erráticos, que se fueron trazando a lo largo de las tres sesiones de discusión que tuvieron lugar en los Rooms de Sismo. El espacio y los afectos son dos dimensiones que por vías distintas han vuelto a hacerse presentes, una vez más, en el panorama de la creación, entre medias anda la política, o quizá mejor la biopolítica, actitudes desarrolladas frente a formas de poder que han recubierto toda la realidad de la persona, desde lo social hasta lo personal. En el campo de la creación, la cara más visible de este poder son las instituciones. Y como respuesta a la sombra alargada de estas estructuras se han desarrollado unas formas de creación que de manera genérica se han llamado site specific.
Si el término puede parecer novedoso, la idea en realidad viene de muy lejos, como nos recordó Sara Molina, directora y dramaturga y, como ella decía con cierta ironía, ahora también artista site specific. Todo esto tiene que ver con la radicalización del aquí y ahora de la creación, del carácter efímero e irrepetible de lo que se está haciendo, pero también con la dimensión política de este “aquí y ahora”. Salvando discusiones interminables de tipo terminológico, este carácter espacial ha tomado protagonismo como un modo de desarrollar otras formas de creación en las que la ley del mercado y la obra como objeto de consumo que pasen a un segundo plano frente al desarrollo orgánico del proceso de creación, libre de otro tipo de determinaciones. Esta idea de “desarrollo orgánico” fue uno de los aspectos destacados por Armando Valente, uno de los directores de Citemor, para explicar el modo de funcionar de este festival, que ha conseguido desarrollar condiciones óptimas para la creación artística a través de sus residencias; la idea central: acompañar al artista en sus necesidades, ofreciéndole la máxima libertad; el resultado, como decía Estela Llovés, una de las muchas creadoras españolas que han pasado por Citemor, es sentir que hay un diálogo entre lo que estás haciendo y el entorno, recuperar el diálogo entre los procesos creativos y los otros que te rodean. La diferencia, en palabras de Fernando Renjifo ya en la primera mañana, la calidad de las relaciones que se generan. Y ahí aparece ya uno de los términos claves de estos recorridos: las “relaciones”.
Amor y política, amor y política, amor y política… me quedo con los que hicieron política hablando de amor… decía Angélica Liddell en Perro muerto, quien también estuvo en Citemor el verano pasado y quien demostró, hace dos años en esta obra producida por el Centro Dramático Nacional de Madrid, que un site specific no sólo se puede hacer en el campo, sino también en el corazón de una institución. Ahí está quizá el reto. Sismo: creación in situ en Matadero, Teatro Español, Ayuntamiento de Madrid!!! Miro la obra y la obra me dice, no sólo dónde está el artista, sino también donde estoy yo mirando esa obra, en el corazón del espacio oficial del teatro madrileño, observados, como estuvimos en muchas de las sesiones de Rooms, por Núria Espert en el cartel de La casa de Bernarda Alba, que se representaba en Matadero, y que nos miraba diciendo: “vosotros seguid ahí hablando de prácticas alternativas de producción, que el año que viene yo seguiré aquí arriba… representando a Lorca!!! Recepción in situ!
me estoy perdiendo un espectáculo para escribir esto.
esto tendría que ser un texto sobre el “room” o dicho de otra manera, el encuentro de distintas personas que están alrededor de SISMO.
he aquí el meollo de la cuestión: ¿el hecho performativo o lo que se genera alrededor?
pablo explica que SISMO tiene dos fuentes de inspiración, el MAPA y MONTEMOR. el primero por todo lo que se genera al interactuar unos artistas con los habitantes del pueblo de pontós, y el segundo por la cuidada relación que entabla el festival con los artistas. lo que se genera alrededor y lo que se genera alrededor.
¿al hablar de creación “in situ” o de “espacio específico” (rolf: a mí tampoco me gusta el término inglés), tendremos que hablar necesariamente de las energías y relaciones que se crean a su alrededor? y su vamos un poquito mas lejos, ¿nos vamos a preguntar si nos interesan mas estas energías o relaciones, que la el hecho performativo en si? pero no nos adelantemos, vamos por partes, que dijo jack el destripador.
yo solo pude acudir al “room” el viernes, así que voy a hablar de la sesión del viernes.
ESPACIO ESPECÍFICO
oscar entró al trapo apuntando que el hecho de escoger un espacio específico para hacer una obra es un claro posicionamiento político.
rolf dijo que si, pero que no había que olvidar el tiempo puesto que el tiempo puede adquirir una importancia igual o mayor que el espacio.
por ahí se apuntó una clara tendencia a salir de los teatros para ir en la dirección del “espacio especifico”, y apareció la pregunta sobre cual era la causa o el motor de este interés. mas específicamente, la pregunta era sobre si esto nace de una necesidad vital o como respuesta a las estructuras con las que no se está de acuerdo.
agnés explicó que MAPA nació porque tomás y sofía se fueron a vivir a un pueblo, hartos de la ciudad. pero no se fueron con la intención de montar un festival, se fueron porque no les gustaba la vida de ciudad y después de vivir un tiempo en el pueblo, decidieron montar el festival. Empezaron a pequeña escala y luego con el tiempo el festival creció..
ramon contó que él venía del arte contemporáneo y que después de trabajar a diferentes escalas, decidió crear “black & noir” en su estudio-casa y mantenerlo en un nivel bajo de difusión para poderlo controlar en todo momento.
rolf explicó en la exposición de su proyecto que entraron en el barrio del cartucho porque formaba parte de sus vidas en cuanto a habitantes de bogotá, y al ser un barrio que iba a desaparecer por una decisión política-urbanística, sintieron la necesidad de ir allí e interactuar con el barrio mismo. explicó que el proyecto parte de una intención artística y que coge una dimensión ciertamente social pero que nunca hay que olvidar esa intención artística primera.
quim dijo en su conferencia que se montó el chiringuito en su casa como respuesta a una relaciones de poder que están implícitas en un teatro, con la intención de crear una relación distinta con el espectador.
CAFÉ Y POSICIONAMIENTOS POLÍTICOS
luego nos fuimos a tomar un café, y entre sorbo y sorbo, pensé en lo paradigmático del encuentro entre quim y ramon. me parecen dos personas que han tenido la misma respuesta a unas estructuras que no les convencían, desde dos disciplinas distintas, quim desde las artes escénicas y ramon desde las artes plásticas. y lo conecté con ciertas meditaciones mías para darme cuenta de que una vez mas, estaba equivocado.
lo cuento: es que creo que hay una especie de agujero o vacío o falta de conexión entre lo que hacemos y el público. y creo que una de las posibles causas de este vació es que, en la mayoría de los casos, acabamos presentando trabajos dentro de un marco teatral, aunque con una voluntad de saltarnos, cuestionar o ir mas allá de los códigos “teatrales”. (ya se que estoy simplificando, pero se me entiendo no?) el vacío al que me refiero es que existe un público (coño, estoy escribiendo público pero no me gusta la palabra porque ya crea una diferencia y parece que se hable en términos de producción, y ahora no estoy hablando de eso. vamos a decir gente), pues eso, que hay gente interesada en el tipo de trabajos que estamos proponiendo pero esa gente no se mete en un teatro, y la gente que tiene costumbre de ir al teatro, nos viene a ver y sale horrorizada con toda la razón del mundo porque espera encontrar unos códigos que nos saltamos a las primeras de cambio. Y aquí viene mi error: Si el teatro no nos va bien para presentar nuestros trabajos busquemos otros espacios, como por ejemplo, las salas de exposiciones. MEC! error. las salas de exposiciones nos son la panacea y también tienen sus problemas, como prueba ramon y “black & noir”. así que seguimos buscando…
DINERO
después del café nos enzarzamos en una discusión mucho menos interesante sobre el dinero en la cual afloraron opiniones que a mi me chocan, como el hecho de querer hacer espectáculos en los cuales se rompan cristales y haya coches en escena, que de saque no tiene porque estar mal, pero que al ir acompañado de un ninguneo a la posición política de montarse el chiringuito en casa y considerarla precaria me hace pensar que detrás hay una escala de valores en la que primero están el dinero y los medios, y después el posicionamiento ético o político, la cual cosa es peligrosa porque, como apuntó ramon, hablar de dinero significa hablar de responsabilidad, de la responsabilidad que tenemos los artistas al manejar dinero público.
y bueno, se hablaron mas cosas, pero ahora mismo no recuerdo mas.
esto no quiere ser ni un resumen, ni unas conclusiones, ni ninguna verdad objetiva. solo son las impresiones que me llevé después de estar charlando toda la mañana y como tales son subjetivas. pero me apetecía que quedara algo de un encuentro en el que se habló de cosas interesantes y del que me fui con la sensación de que algo está cambiando. no se si este mismo cambio ya pasó hace unos años o no, pero me da igual porque mas allá de si repetimos esquemas, lo que me parece interesante son los porqués que están generando estos cambios y las respuestas que se están buscando y se están dando. me gustaría que los otros asistentes se animara a plasmar aquí las sensaciones que se llevaron para dar una visión mas rica y plural del encuentro.
yo no leo a foucault y tengo dudas sobre si soy pueblo o no. tengo dudas, muchas dudas.
Actividades gratuitas (salvo para las indicadas con asterisco) y aforo limitado.
* Retirada de entradas el mismo día del espectáculo a partir de las 18 horas y a partir de las 12 horas del sábado para el espectáculo de la Cia Puctum.
¿se acuerdan de la máquina aquella que es como un semáforo, que responde al sonido de manera que si suena un agudo se enciende el verde, si suena un medio se enciende el ámbar y si suena un grave se enciende el rojo? pues esta máquina la inventó mi padre. si, si, mi padre. aunque parezca mentira, la inventó él. mi padre siempre ha estado metido en negocios relacionados con el sonido. empezó en los sesenta montando una tienda de sonido, una muy buena tienda de sonido. luego en los ochenta montó una fábrica de agujas de tocadiscos, que fue muy bien hasta que llegó el disco compacto, se arruinó y entonces empezó un cisma familiar. pero bueno, esto ya es otra historia. volvamos a la tienda de los sesenta. se llamaba sonor y era una de las mejores tiendas de sonido de la ciudad condal. era de las mejores por la tienda en si, pues la hicieron un grupo de arquitectos jóvenes de la época -clotet, bonet, paricio, cirici y tusquets, la tienda ganó el premio fad en 1965-, por los equipos que vendían y por la clientela que la frecuentaba. en aquel entonces, bajo el yugo del generalísimo, era muy difícil conseguir cierto tipo de música como por ejemplo el jazz. cuando algún enfermo de la música hacía un viaje al extranjero o simplemente se acercaba a andorra y traía vinilos con las últimas novedades musicales, quedaban en la tienda y las escuchaban en una sala habilitada para tal efecto. resumiendo, que no era solo una tienda de música, sino que concentraba a buen número de amantes y locos de la música. y claro, en aquel oasis musical de la ciudad no podía faltar la gauche divine o alguno de sus representantes. para quien no conozca el termino, la gauche divine fue un grupejo de vividores de la burguesía catalana, con ínfulas de grupo socio-cultural que existió en la barcelona de los 60 y principios de los 70, cuya filosofía se podría resumir en el cocodrilo de “lacoste” tatuado en el pecho de oriol maspons, a la sazón fotógrafo del colectivo. resulta que uno de los lugares de encuentro del grupo era ibiza, y claro, para estar “in” había que ir desnudo, pero entonces se planteaba un problema, a saber: si todo el mundo iba desnudo, se perdían las señas de identidad y por tanto no se podía saber si tal persona era de buena familia o no. ¿y qué solución encontró oriol maspons a este problema? tatuarse el cocodrilo de “lacoste” en el pecho y asunto resuelto. ¿grande, no?.
pues el representante de la gauche divine que frecuentaba la tienda de mi padre fue el grande, el único, el inigualable (por mucho que su hijo lo intente, no tiene nada que hacer) ricardo bofill.
y ahora volvamos al semáforo musical. ¿qué hace el gran bofill cuando descubre el invento de mi padre en la tienda? pues le pregunta a mi viejo si se le pueden poner unos focos mas potentes, y tras la respuesta afirmativa de mi padre, le dice que acaba de construir un edificio en sitges y que tienen que probar el aparato proyectado en las paredes, que va a ser psicodélica pura. así que ya tienen al bueno de don jaime cambiando las bombillas, cargando el aparatejo en el coche junto con un equipo de sonido, y chupándose los tres cuartos de hora de las curvas del garraf hasta llegar al edificio “castell de kafka” en sant pere de ribes, al ladito de sitges.
allí le espera ricardo. mi padre lo monta todo, y cuando está todo a punto y se ha hecho de noche, va a darle al interruptor y bofill grita -“no, no aún no!!!”. mi padre se asusta, pregunta qué pasa y bofill dice -“espera hombre, esto hay que verlo fumándose un porro”, y va el tío y se lía el porro. encienden el porro y el aparato… y a partir de ahí la narración de mi padre se vuelve confusa y nunca me ha acabado de explicar qué pasó. pero lo importante es la reacción de bofill con el tema porros, porque lo que queda claro con esta anécdota es que el gran bofill era y es un cachondo mental. y esto nos va a dar una clave para entender al personaje y al hotel vela, que es a lo que vamos.
ahora estamos en pleno 2009, concretamente en septiembre, el día de la inauguración del hotel vela. gran polémica, y rechazo al edificio y al arquitecto. lo del edificio lo puedo entender, pero lo del arquitecto no. ¿como se puede estar en contra de un arquitecto que destapa de una manera tan clara la doble moral del ayuntamiento de barcelona?. lo voy a decir ahora y no me cansaré de repetirlo: RICARDO BOFILL ES EL ARQUITECTO DE LA VERDAD. y el hotel vela es la plasmación física de la verdad. porqué el ayuntamiento dice una cosa pero hace todo lo contrario y gracias a este hotel con su acero y su cristal, queda clara la política real del ayuntamiento. vean que maravilla:
como pueden ver, el hotel se salta a la torera la ley de costas, una ley que al parecer sirve para todo el mundo menos para los intereses del ayuntamiento de barcelona cuando se trata de facilitar habitaciones de cinco estrellas a los turistas pastosos. un paso mas en su objetivo de convertir la ciudad en un parque temático.
el ayuntamiento de barcelona es el responsable de la normativa urbanística de la ciudad y no vale la excusa de que el hotel está en suelo portuario porque los que tienen que visarlo son los técnicos del ayuntamiento.
pero, ¿estoy haciendo crítica arquitectónica? nooo dios me libre, yo estoy hablando de sentido común.
hacer un hotel casi dentro del mar a base de cristales y hierro es una aberración ecológica. un clima mediterráneo como el de barcelona ya tiene mucho sol de por si, pero si añadimos el hecho de que el hotel está físicamente dentro del mar y que el sol, al reflejarse en el mar hace un efecto de espejo que lo multiplica por diez, da como resultado un gasto de energía absurdo para acondicionar todo un hotel hecho de cristales. ahora eso si, todos a reciclar… o sea que el ayuntamiento recibe un proyecto que es un descalabro energético y que se salta la ley de costas pero que ofrecerá alojamiento a turistas yanquis pastosos. la decisión es suya, puede tirar el proyecto pa’trás o apoyarlo. ¿qué hace? mandar a tomar viento la política ecológica y darle el visto bueno.
imagínense que pasaría si el partido político que está mandando ahora mismo en almería intentara hacer este mismo hotel en el cabo de gata. se liaría la gorda no? pues al partido político que manda en barcelona ni plin. y precisamente ahí reside la grandeza de bofill porqué el responsable último de que se construya este edificio es el ayuntamiento y el listo de bofill solo se ha limitado a darles lo que querían (no olvidemos que en esencia, bofill es un vivales.) y a dejar claras las intenciones del ayuntamiento. y aún le critican. si lo único que está haciendo es decir alto y claro que el ayuntamiento miente y que le interesa mas el dinero que la ciudad en si. y todavía le critican… de hecho, es lo mismo que hizo con el teatre nazional de catalunya.
vamos a plantearlo de la siguiente manera, para que lo entiendan los que no viven en la ciudad condal: imagínense que les encargan hacer un gran teatro para cuatro trasnochados que se creen la reserva cultural y espiritual de occidente, y que en realidad, son unas personas que han perdido todo contacto con el mundo real y lo único que hacen es mirarse al ombligo y gastar muucho dinero. ¿que edificio harían? pues este es el que les hizo bofill:
¿a que es precisamente el edificio que se merecen? pues eso, el arquitecto de la verdad. y todavía le critican…
y volviendo al hotel vela y a pompeia, que son la causa de que me haya puesto a escribir, pues teo dice que le importa un bledo el señor ricardo bofill pero que le gusta el hotel vela, david dice que es fan de ricardito y que el hotel vela está muy bien, y rubén… bueno, lo que pasa es que rubén es gallego y ya saben lo que pasa con los gallegos, que te los encuentras en mitad de unas escaleras y nunca sabes si están subiendo o bajando…
POMPEIA
Creación: John McEnroe, Boris Becker, Björn Borg
Música: Boris Becker e Ivan Lendl
Letras: POMPEIA
Visuales, videoclips y vestuario: Björn Borg
Sesión electropop: DJ Nefando
Agradecimientos: María Jerez, Cris Blanco y Eva Fuentes
Programación TEATRON
Sábado 17 de octubre
Matadero Madrid, Nave 16, 23:00 horas
entrada libre hasta completar aforo
El festival Sismo de nuevas tendencias reúne a Aragay, Renjifo y Camacho
La creación surge en Matadero
16 Octubre 09 – M. A. – Madrid La Razón
Junto al nombre de Sismo aparece en el cartel una rana de papel. Es un guiño que nos lleva al origen de este nuevo festival de «creación in situ». Todo comenzó con una rebelión: la idea del teatro convencional no bastaba, hacía falta buscar nuevos caminos, lenguajes y motivaciones. Fue en Portugal, en el certamen Citemor –un paraje lleno de estos anfibios–, donde Pablo Caruana, director de la cita madrileña, lo vio claro. «Sismo es una reacción lógica a cómo lleva funcionando el teatro durante muchos años. Históricamente, hay esa necesidad de entender las cosas, de tocarlas, olerlas, vivirlas…», explica Caruana, gestor escénico, periodista y entusiasta de las nuevas tendencias.
En esta primera edición se cuela en el programa que se verá en la Nave 16 del Matadero «En proceso», una creación de Tomás Aragay con diez artistas de diferentes disciplinas (llenarán carnicerías de la zona con mensajes y pedirán su opinión a 400 vecinos sobre lo que es y lo que debería ser el Matadero, entre otras acciones). Aragay es un «pope» de la vanguardia catalana: con Roger Bernat fundó el centro General Eléctrica, y ha escrito guiones con Cesc Gay. Otra apuesta es Fernando Renjifo, el director de La República, con una pieza de poesías paisajísticas; o el más respetado de los coreográfos contemporáneos de Portugal, Francisco Camacho, junto a la joven artista plástica Vera Mota, con «Im». Habrá también lugar para descubrir nuevas voces, como el videocreador chileno Txalo Toloza, o las emergencias sonoras de «Epicentro de propagación sónica». El cartel no olvida al barrio: «Corte Arganzuela», de la compañía Punctum, da voz a jubilados e inmigrantes que reflexionan sobre su entorno.
Caruana resume así el espíritu del certamen: «Un festival no es sólo exhibición. No se trata de ir a ver una obrita y marcharte después a tu casa. Aquí puedes llegar y estar viendo un proceso de creación, tomarte algo en una barra que tenemos, asistir a los foros… El arte tiene que ver con lo vivencial. Si no, no tiene sentido». El propósito: «Crear un espacio de libertad y diálogo donde la cercanía con lo escénico sea grande». El encuentro, con 35.000 euros de prespuesto (autofinanciados, a la espera de que el Ministerio de Cultura conceda sus subvenciones anuales), reúne desde ayer media docena de propuestas escénicas y un foro de debate, «Room», coordinado por Óscar Cornago.
En un piso
Una de las metas de Sismo es replantearse la propia esencia del lugar de creación. Por eso, en el programa aparece Quim Pujol, que llevará a un piso de Alonso Martínez su «performance en zapatillas». Este blogero y «crítico con peluca», muy leído en Cataluña, decidió no pisar nunca más un teatro con sus obras.
Mattin ha sido el último de los invitados a las entrevistas en directo en SISMO TV. Rubén Ramos ha mantenido una charla con él en el espacio de Intermediae, en Matadero. La entrevista la podéis ver aquí.
Mattin actuará hoy junto a David Gómez (Krapoola) en la primera sesión del Epicentro de propagación sónica, a partir de las 23:00.
EPICENTRO DE PROPAGACIÓN SÓNICA
VIERNES 16, 23:00 H
SÁBADO 17, 24:00 H
MATADERO MADRID, NAVE 16
entrada libre hasta completar aforo
Durante el sábado día 17 de octubre desde las 11h hasta las 23h Matadero Madrid entrada libre hasta completar aforo
En estos nueve días de trabajo nos hemos interrogado sobre el sentido de un centro cultural como Matadero Madrid y de la relación que éste establece con el barrio contiguo de Legazpi.
Las nueve acciones resultantes de esta interrogación conforman una serie de posibilidades encaminadas a generar puentes entre ambos lugares, espacios de reflexión y de crítica.
Acciones de 11h a 23h
RECORRIDOS / MATADERO SALE DE MATADERO
1. Para disfrutar de esta acción sal del Matadero.
2. Mira al suelo, encuentra las fechas naranjas y síguelas.
3. No requiere explicación teórica.
AUDIO-GUÍAS
Hemos preguntado a gente del barrio de Legazpi qué querían que pasara en Matadero.
En el vestíbulo de entrada de MATADERO dispones de unas audio-guías para elegir tu recorrido. Sitúate en el punto “Usted está aquí” y pulse el play.
PACK “CARNAZA CREATIVA”
Documentación objetual del proceso de creación in situ desarrollado durante una semana para el Festival SISMO.
En una bandeja de poliuretano que habitualmente suele contener productos cárnicos encontramos una serie de pistas que nos permiten esbozar el transcurso de los hechos creativos que han tenido lugar dentro y fuera de Matadero, dentro y fuera del vecindario de “Pico del Pañuelo” (colonia de vecinos cercana a Matadero), dentro y fuera de las cabezas mal pensantes de los miembros y membranas invitadas a participar en esta sacudida creativa en forma de festival.
Instrucciones:
En las carnicerías y secciones cárnicas de los supermercados de los vecindarios colindantes a MATADERO podrás encontrar bandejas regalo con las pistas que te permitirán conocer más a fondo el proceso de creación de los 7 artistas invitados al Festival de Creación SISMO. ¡Consíguelas gratis!
A partir de las 21h30 en la NAVE 16 de MATADERO
SOMOS SERES HUMANOS PORQUE AMAMOS NO PORQUE PENSAMOS
Hemos Invitado a gente mayor de Legazpi para hacerles retratos en la NAVE 16.
Se proyectan estos retratos en dos pantallas colindantes situadas en la misma NAVE 16.
Explicación teórica: De cómo la vida aparece y desaparece y de cómo nuestras emociones y pasiones nos hacen brillar y/o obscurecernos.
VIDEOS DIÁLOGOS
Entrevistamos al Coordinador de Matadero, Pablo Berástegui, y a varios habitantes del barrio de Legazpi.
Los proyectamos en la Nave 16.
Que estén uno en frente del otro no quiere decir nada.
EL MURO
Fotografiamos el muro que rodea Matadero.
Creamos el croquis de posibles acciones en el muro cual catálogo.
No necesita explicación teórica.
EL CUARTITO
Preguntamos a la gente: Qué se imaginan que es o quisieran que fuera el Matadero.
Sigue la flecha que se inicia en la Nave 16 y encuentra el cuarto.
VISITA GUIADA
A: ¿Conoces el Matadero?
B: Sí, sí, claro… Bueno, nunca he entrado es que están en obras, ¿no? Dicen que iban a poner cosas culturales.
A: Pues está abierto
B: Ah, ¿si?, ¿se puede entrar?
Saldrán grupos desde la entrada de la Nave 16, a las 21:30 y 22:00 horas. Coge tu casco y sigue al guía.
DISPOSICIÓN INACABADA DE UN NÚMERO CONCRETO DE RESTOS ENCONTRADOS EN LA NAVE 16 DE MATADERO MADRID Y TRES MOQUETAS
Enmoquetado de tres habitaciones diferentes con tres funciones específicas diferentes. Una de las habitaciones enmoquetadas es una habitación genérica que forma parte del barrio de Legazpi. Otra moqueta se ha ubicado en la sala de reuniones del despacho de Coordinación de Matadero. Por último, la tercera, se instaló en el dormitorio/estudio de una artista de Madrid.
Las moquetas han registrado los procesos débiles que se han desarrollado sobre su superficie durante los días que ha durado En Proceso.
Disponemos en la NAVE 16 las tres moquetas junto a otros restos encontrados en ella estos dias .
