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El mediod\u00eda es ese tiempo sin esquinas que revela un lugar de tensi\u00f3n temporal en el que el cuerpo se desliza entre el deseo de sombra, la embriaguez solar y la necesidad de caer, rendirse y dormir. <\/span>Toda la luz del mediod\u00eda<\/span><\/i><\/a> es segunda parte de la trilog\u00eda sobre el sol que el artista Juli\u00e1n Pacomio estren\u00f3 el pasado 26 de marzo en Teatros del Canal en Madrid. La obra recoge toda la sintomatolog\u00eda asociada al imaginario popular de la siesta y contin\u00faa la l\u00ednea de investigaci\u00f3n que inici\u00f3 en <\/span>Apocalipsis entre amigos o el d\u00eda simplemente<\/span><\/i> (2021), que se centraba en el amanecer.\u00a0<\/span><\/p>\n Mientras que la primera performance celebraba el comienzo del d\u00eda con una energ\u00eda sostenida y festiva, esta nueva propuesta, concebida e interpretada en colaboraci\u00f3n con Bibi D\u00f3ria y Bruno Brandolino, se articula en torno a la idea de dejarse caer a plena luz, donde emerge un cuerpo en estado de incomodidad y vigilia. Si bien esta segunda parte podr\u00eda ser una suerte de <\/span>after<\/span><\/i> que contin\u00faa con la fiesta, es m\u00e1s bien un episodio sobre el reposo forzado, un retorno al campo, al trabajo, sudor, a lo popular y al imaginario tel\u00farico del artista.\u00a0<\/span><\/p>\n La pieza recoge distintas afectaciones y testimonios en torno al ideario de la siesta, como es el caso de la denominada <\/span>siesta del carnero<\/span><\/i>, de la que recupera una gran parte de su iconograf\u00eda. Se plantea como una ceremonia solar, y trata de ser un ejercicio que desde su propio t\u00edtulo se vuelve imposible: el de contener toda la luz cenital en un lugar cerrado, fabricarla e invocarla como uno de los demonios que aparecen en la obra. Porque eso es, en parte, lo que el sol significa a su hora m\u00e1s alta, desaz\u00f3n y malestar.<\/span><\/p>\n En escena hay tres im\u00e1genes que acompa\u00f1an la acci\u00f3n, todas vinculadas al relato de la historia del arte occidental y que constituyen el imaginario popular que cose la obra. La \u00fanica que se encuentra en vertical, y que enmarca la acci\u00f3n, es <\/span>Los cosechadores<\/span><\/i> (1565) de Pieter Brueghel el Viejo. Esta pintura forma parte de una serie dedicada a los meses del a\u00f1o, y representa a un grupo de labradores faenando y descansando durante julio y agosto, tiempo correspondiente para la siega. La imagen nos da la primera pista de la obra, comprender lo que le pasa al cuerpo durante el descanso diurno asociado com\u00fanmente con los trabajadores del campo. El suelo del escenario acoge a otras dos im\u00e1genes fundamentales que activan el ritual esc\u00e9nico. Por un lado, una obra de Lucio Fontana, perteneciente a su serie <\/span>Concetto spaziale<\/span><\/i> en la que el artista laceraba el lienzo abri\u00e9ndolo como si se tratase de una herida. Estas incisiones, lejos de ser meros gestos violentos, fueron planteadas como portales hacia otra dimensi\u00f3n, tal y como lo desarroll\u00f3 en sus manifiestos sobre el espacialismo. A su lado est\u00e1 <\/span>El aquelarre<\/span><\/i> (ca. 1798) de Francisco de Goya, encargada por los duques de Osuna para decorar su casa de campo en el palacio de El Capricho (Madrid), y se presenta en la escena como una figura de invocaci\u00f3n al dios Pan que emerge durante el sue\u00f1o de la siesta.<\/span><\/p>\n Las im\u00e1genes mencionadas funcionan como puertas o umbrales, son cartas m\u00e1gicas que conjuran y abren otros planos. Act\u00faan como signos y presagios que permiten al espectador adivinar el porvenir estrat\u00e9gico de la siesta. La entrada a este portal se revela al inicio de la obra en el texto que aparece proyectado en el panel superior del escenario. El relato recorre distintas definiciones de lo sublime, desde las formulaciones filos\u00f3ficas de Edmund Burke, Michel<\/span> Montaigne, y Paul B. Preciado, entre otros, hasta los paisajes sonoros de Caterina Barbieri, con la intenci\u00f3n de predisponernos a un estado afectivo propicio para dejarnos afectar por la embriaguez de esta siesta.<\/span><\/p>\n A continuaci\u00f3n, el texto se teatraliza y los int\u00e9rpretes comienzan a narrar historias autoficcionales sobre los estados del sue\u00f1o en plena hora del mediod\u00eda. El sonido y la luz, excelentemente ejecutada por parte de Santiago Rodr\u00edguez Tricot y V\u00edctor Colmenero Mir, cambian y la atm\u00f3sfera se oscurece poco a poco. La penumbra acompa\u00f1a a la desaparici\u00f3n del relato y el peso del espacio permuta. Gradualmente, los cuerpos en escena son pose\u00eddos, se convierten en vampiros o demonios solares. La sangre comienza a cubrirlos. Aparecen nuevos personajes con vestuarios marcados, figuras m\u00edticas que emergen: una lamia, un mufl\u00f3n, el dios Pan. Los int\u00e9rpretes se transforman en criaturas deformadas por la luz, cuerpos enajenados, habitados por el mito. Se devoran entre s\u00ed como si solo al consumir al otro pudieran sobrevivir. Se amalgaman, arrastran sus formas, se estiran en un todo, y caen rendidos. El deseo de desaparecer bajo el sol busca el retorno a un estado inorg\u00e1nico, a cierto aniquilamiento propio. El sudor se mezcla con la sangre en un banquete de carne, siesta, rito y herida.<\/span><\/p>\n Cuando finalmente caen exhaustos, comienza una negociaci\u00f3n infinita con el sol, mientas una de las int\u00e9rpretes traza un c\u00edrculo de sal alrededor de todos. Es un gesto de protecci\u00f3n, una forma de atravesar el tiempo suspendido del mediod\u00eda, ese momento que no pertenece ni a la ma\u00f1ana ni a la tarde. Dentro del c\u00edrculo quedan a salvo y la obra se cierra en el cenit del sol, mientras en el nadir descansan los cuerpos. La vigilia de la siesta concluye.<\/span><\/p>\n Toda la luz del mediod\u00eda<\/span><\/i> culmina como una investigaci\u00f3n esc\u00e9nica sobre los estados liminales del cuerpo y el tiempo, articulada a trav\u00e9s de un complejo entramado de referencias visuales, filos\u00f3ficas y populares. La pieza no solo ampl\u00eda el campo de investigaci\u00f3n iniciada en la primera performance de la trilog\u00eda, sino que profundiza en las implicaciones simb\u00f3licas y f\u00edsicas de la siesta como territorio de suspensi\u00f3n, vulnerabilidad y resistencia. En su di\u00e1logo constante con la historia cultural y el imaginario tel\u00farico propio, la obra propone una po\u00e9tica del agotamiento que, lejos de clausurarse en el gesto ritual, abre un espacio de reflexi\u00f3n sobre el cuerpo contempor\u00e1neo atravesado por el trabajo, el deseo y la luz como manifestaci\u00f3n de poder. As\u00ed, el mediod\u00eda, lejos de ser un mero intervalo temporal, se configura como un tiempo descentrado, donde no gobierna un antes ni un despu\u00e9s; un instante en el que el cuerpo se reconfigura en una pausa que obtura el horizonte, y la escena se transforma en un espacio de invocaci\u00f3n y tr\u00e1nsito.<\/span><\/p>\n Paula Noya de Blas<\/strong><\/p>\n Fotograf\u00edas de\u00a0Aline Belfort<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" El mediod\u00eda es ese tiempo sin esquinas que revela un lugar de tensi\u00f3n temporal en el que el cuerpo se desliza entre el deseo de sombra, la embriaguez solar y la necesidad de caer, rendirse y dormir. Toda la luz … Sigue leyendo ![\"\"](\"https:\/\/www.tea-tron.com\/mambo\/blog\/wp-content\/uploads\/2025\/04\/Captura-de-pantalla-2025-04-07-174122-1.png\")
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