![\"\"](\"https:\/\/www.tea-tron.com\/mambo\/blog\/wp-content\/uploads\/2025\/10\/INTERVAL_1_72dpi_032-1024x683.jpg\")
<\/p>\n<\/p>\n
Entro en la sala de exposiciones de la planta baja de La Fabra<\/a> invadida por la memoria perturbadora de haber sido cercada por una jaur\u00eda de perros. Un vac\u00edo inmediato por la ceguedad del blanco del espacio es r\u00e1pidamente llenado por el reconocimiento de rostros familiares y por la identificaci\u00f3n de los altavoces distribuidos por las paredes. <\/span>Progress Barks<\/span><\/i> (2022), de Rub\u00e9n Grilo y Robert M. Ochshorn, insiste en ladrar, pero falla, a veces. Si le prestamos mayor atenci\u00f3n, percibimos ruidos sutiles como distorsiones tonales que transforman el rottweiler en un robot. Es el primer anuncio de un programa que, guiado por el movimiento de la curva, parece querer abrir espacio a din\u00e1micas de tensi\u00f3n.<\/span><\/p>\n Interval #1<\/b> se organiza en torno a pr\u00e1cticas vinculadas al sonido. Programado por Noela Covelo Velasco, es la primera edici\u00f3n de un ciclo que ocurrir\u00e1 peri\u00f3dicamente dentro del proyecto de la nueva direcci\u00f3n de La Fabra Centre d\u2019Art Contemporani. Bajo el t\u00edtulo <\/span>en l\u2019estretor del revolt, una esquella<\/i><\/a><\/strong>, est\u00e1 compuesta por un ciclo de performances distribuido en dos noches y una instalaci\u00f3n sonora que puede visitarse durante tres semanas.<\/span><\/p>\n Con el folleto naranja del programa en las manos, me comenta Noela que en catal\u00e1n el t\u00edtulo formaba una combinaci\u00f3n de palabras que le parec\u00eda bastante abstracta. A m\u00ed tambi\u00e9n, pienso. Incluso en espa\u00f1ol, la palabra \u201ccencerro\u201d, que hasta entonces yo no conoc\u00eda, me remit\u00eda a cenizas, como si de un incendio en la ruta se tratase. Esa es una experiencia que compartimos quienes vivimos en un lugar cuya lengua corriente no es la nuestra. En la traducci\u00f3n torcida, las palabras pueden sugerir im\u00e1genes que realmente no poseen ninguna conexi\u00f3n con su significado real, y eso indica que la comunicaci\u00f3n puede estar ocurriendo en m\u00e1s de un plano.<\/span><\/p>\n Finalmente descubro que el cencerro es una campana. Comienzo por el texto del folleto porque entiendo que a partir de \u00e9l surgir\u00e1n las primeras emisiones sonoras, y ellas provienen de las gargantas de todas nosotras. En la lectura poco se revela acerca de las piezas. Sus t\u00edtulos apuntan a un conjunto de acciones en bucle: movimientos circulares e incluso infinitos, como el progreso; se\u00f1ales luminosas que anuncian un verano sin fin o la pr\u00f3xima vuelta del faro. El texto de presentaci\u00f3n define el desplazamiento de un cuerpo en el espacio como un ejercicio de lectura de un lugar, interrumpido, dentro de ese relato, por el sonido de un cencerro. All\u00ed provoca un desv\u00edo para quien conduce, pero en su uso habitual, colgado al cuello de un animal, funciona como un dispositivo de orientaci\u00f3n para quien pastorea.<\/span><\/p>\n Me aferro a esa idea porque la luz del faro, en el contexto n\u00e1utico, tambi\u00e9n funciona como una gu\u00eda a la distancia, especialmente durante la noche o en condiciones de baja visibilidad. Y el faro, en<\/span> Interval #1, es evocado no solo en mebrat \/ \u1218\u1265\u122b\u1275<\/i>, obra de Misiker Agull\u00f3, Adrasha presentada el primer d\u00eda del programa, sino que tambi\u00e9n existe como resonancia de la investigaci\u00f3n de Noela Covelo Velasco como artista. En pr\u00f3xima vuelta del faro<\/i>, obra presentada en La Capella en septiembre de 2024, Covelo Velasco investigaba el estrechamiento como dimensi\u00f3n de la memoria y como acci\u00f3n vinculada al cuerpo a partir del movimiento vibratorio de las cuerdas vocales. El ir y venir de la cadencia de su aliento se conjugaba con un desplazamiento por el espacio que ocurr\u00eda mediante un movimiento circular, configuraci\u00f3n que vi repetirse en todas las piezas que integraron Interval #1. Es importante hacer esta observaci\u00f3n porque Interval #1 no se anuncia como \u201ccurada por\u201d Noela Covelo Velasco, sino como \u201cacompa\u00f1ada por la pr\u00e1ctica\u201d de esa artista. Y este me parece un gesto pertinente que contribuye a las discusiones sobre los l\u00edmites y las posibilidades del trabajo curatorial, la reconfiguraci\u00f3n de sus formatos y de sus agentes, y que aqu\u00ed se articula, de forma prometedora, por parte de un programa institucional.<\/span><\/p>\n Entonces viene la curva, que tambi\u00e9n por su estrechez nos sit\u00faa en un momento de tensi\u00f3n. Aunque la curva se define justamente como el desv\u00edo de una l\u00ednea recta, y puede instaurar, por lo tanto, un territorio de libertad, es por el rozamiento entre el neum\u00e1tico y el asfalto que el trayecto curvil\u00edneo puede cumplirse. La curva es tambi\u00e9n el lugar de la incertidumbre \u2013 \u00bfqu\u00e9 viene despu\u00e9s? \u2013 y de alg\u00fan modo, el lugar de la desorientaci\u00f3n.<\/span><\/p>\n Reverberaci\u00f3n y distancia<\/i><\/b><\/p>\n feed \u267e\ufe0f back<\/span><\/i> (2025), pieza de Maguette Dieng en colaboraci\u00f3n con Azadi Sound System, abre la programaci\u00f3n de la segunda noche. La sala oscura est\u00e1 puntuada por azules que iluminan los sistemas sonoros preparados para la performance, con tres m\u00f3dulos del sound system triangulados por el espacio y una mesa de sonido. La sensaci\u00f3n es que la vibraci\u00f3n que emana de las torres transforma el espacio en una bolsa de aire que nos acoge con suavidad, un estado que es desplazado r\u00e1pidamente por la imponencia vertical y tot\u00e9mica de los altavoces. Lo que se escucha es la modulaci\u00f3n ondulada del sonido de los graves que crece y se complejiza a medida que nuevas capas van siendo a\u00f1adidas, estrechando cada vez m\u00e1s la distancia entre nuestro cuerpo y lo que vibra.<\/span><\/p>\n A partir de aqu\u00ed, la tensi\u00f3n que antes se establec\u00eda entre la audiencia y el sound system incorpora un tercer elemento, que es la propia artista. Acompa\u00f1ada por la selecci\u00f3n de vinilos de reggae y dub tra\u00eddos de Jamaica, Dieng se mueve alrededor de la mesa de sonido siguiendo los mismos c\u00f3digos de un DJ set. El p\u00fablico, sin embargo, no se aproxima, manteniendo una distancia respetuosa que instaura un espacio intermedio lleno de vac\u00edo y que termina por dividir la sala entre escenario y platea. Sucede que, pasados algunos minutos de la performance, queda evidente que quien act\u00faa esa noche es la m\u00fasica, y que, aunque sea la DJ la responsable de darle voz, quienes le daremos movimiento somos nosotras.<\/span><\/p>\n Se activa una negociaci\u00f3n silenciosa entre todas, y la mirada que antes se dirig\u00eda al escenario, se rebate y distribuye por la platea. La danza es retra\u00edda. Lo que reverbera, entonces, no se restringe al campo sonoro, y pienso en los efectos causados por esa reverberaci\u00f3n considerando la particularidad de un p\u00fablico que es, en su mayor\u00eda, europeo y m\u00e1s vinculado al circuito del arte que a la cultura Sound System o al reggae y al dub. El ruido es saludable dentro de un contexto tan habituado a los c\u00f3digos de la performance, del arte contempor\u00e1neo y de las fiestas de m\u00fasica electr\u00f3nica, donde Maguette Dieng tambi\u00e9n act\u00faa como Mbodj o con el colectivo Jokkoo.<\/span><\/p>\n La cultura Sound System tiene su origen en las comunidades negras de Jamaica durante los a\u00f1os 50, en pr\u00e1cticas comunitarias y de resistencia frente a la cultura dominante. M\u00e1s que un equipo sonoro, el Sound System es tambi\u00e9n un lugar. Un punto de encuentro que activa una experiencia sensorial colectiva vinculada a una conciencia pol\u00edtica y social. El pliegue surge de la combinaci\u00f3n entre eco y <\/span>delay,<\/span><\/i> y la percepci\u00f3n t\u00e1ctil del sonido de los graves, asociada al contenido de las letras, moviliza un \u201cestar junto\u201d que necesariamente pasa por la fisicalidad, por el roce, provoque situaciones de conflicto o de placer. Esa dimensi\u00f3n pol\u00edtica y social del Sound System ampl\u00eda los usos y los significados de la palabra <\/span>sistema<\/span><\/i>, que en toda la programaci\u00f3n de <\/span>en la estrechez de la curva, un cencerro<\/span><\/i> es considerada como infraestructura, como aquello que hace posible la colectividad.<\/span><\/p>\n Regreso al peso de la palabra porque es un elemento implicado en todas las piezas del programa. El texto, que hasta ese momento se escuchaba fragmentado como letras de canciones <\/span>como <\/span>Poor and humble<\/span><\/i> de Wayne Wade ou <\/span>Talk Love<\/span><\/i> de Sonia Spence<\/span>, adquiere cierto protagonismo en los minutos finales de <\/span>feed \u267e\ufe0f back<\/span><\/i>. A trav\u00e9s de una lectura po\u00e9tica que mezcla testimonios de Dieng con los de constructores de sound systems o de personas de origen jamaicano que migraron a Europa, la artista reflexiona sobre las formas de vincularse con la m\u00fasica y la cultura Sound System, y la importancia de concebir la fiesta como otro lugar de compromiso e imaginaci\u00f3n pol\u00edtica.\u00a0\u00a0\u00a0<\/span><\/p>\n Distancia y distensi\u00f3n<\/i><\/b><\/p>\n El programa de la noche termina con <\/span>end Como una dama de negro, sexy, lleva un ramo de rosas rojas, un candelabro y una vela, indicando que la gravedad all\u00ed es la de un cuerpo abatido por alguna tragedia. La performance avanza a medida que estos elementos se articulan en la construcci\u00f3n de un espacio ritual que, aunque parece \u00edntimo, tambi\u00e9n nos incluye. La comunicaci\u00f3n verbal que en ocasiones establece con el p\u00fablico rompe el drama con algo de humor \u2013 are you okay? \u2013, insinuando una invitaci\u00f3n sutil y generando un instante de duda respecto a la din\u00e1mica de la performance.<\/span><\/p>\n Su espacio esc\u00e9nico incluye toda la sala, incluso los vac\u00edos entre nosotras, por donde transita y tensiona, pero a\u00fan as\u00ed sosteniendo la sensualidad y el misterio mediante gestos m\u00e1s peque\u00f1os, m\u00e1s o menos accesibles para el p\u00fablico, como el dibujo que hace en una peque\u00f1a placa apoyada en el suelo. El movimiento de abrir y cerrar, como indicativo de estar cerca o lejos, de incluir o aislar, revelar u ocultar, retraer o expandir, se manifestar\u00e1 en una variedad de acciones y objetos, como el acorde\u00f3n. El instrumento, cuyo sonido es producido por el flujo de aire en movimiento a trav\u00e9s de la contracci\u00f3n y distensi\u00f3n del fuelle, aparece como un segundo diafragma que acompa\u00f1a, con cierta discreci\u00f3n, la modulaci\u00f3n vocal imponente de Christensen. El timbre del acorde\u00f3n trae el peso de otros escenarios a los que puede pertenecer, como el circo o el cabar\u00e9, contextos donde la risa y el llanto est\u00e1n tensando todo el tiempo.<\/span><\/p>\n La escucha es un gesto \u00e9tico y espiritual. Escuchar es abrir espacio y ceder control. Es reducir distancias. En <\/span>end La performance termina cuando Christensen desv\u00eda su camino hacia la salida y se va. Las rosas, el retrato, el guante, la vela y el candelabro permanecen en la sala como vestigios. Sigo pensando en la palabra \u201cendless\u201d, que es sin fin. Y en el movimiento de distensi\u00f3n, que puede ser relajamiento o lesi\u00f3n. Trauma, si estiramos demasiado.<\/span><\/p>\n Julia Coelho<\/strong><\/p>\n Fotograf\u00edas de\u00a0Eva Carasol<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Entro en la sala de exposiciones de la planta baja de La Fabra invadida por la memoria perturbadora de haber sido cercada por una jaur\u00eda de perros. Un vac\u00edo inmediato por la ceguedad del blanco del espacio es r\u00e1pidamente llenado … Sigue leyendo ![\"\"](\"https:\/\/www.tea-tron.com\/mambo\/blog\/wp-content\/uploads\/2025\/10\/IN-2-835x1024.jpg\")
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<\/p>\nless<\/del> summer <\/span><\/i>(2025), de Adam Christensen. Ahora ya no estamos de pie ni nos relacionamos con el espacio desde nuestra verticalidad: nos sentamos directamente en el suelo intuyendo una direcci\u00f3n para nuestra mirada. Al fondo se escucha la grabaci\u00f3n de una voz femenina en di\u00e1logos que parecen extra\u00eddos de cine antiguo, una sonoridad sombr\u00eda donde el grave activa en nosotros una emoci\u00f3n distinta de la que hab\u00edamos experimentado en <\/span>feed \u267e\ufe0f back<\/span><\/i>. Estamos esperando a Christensen, quien anuncia su llegada mediante el sonido de sus pasos en tacones.<\/span><\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.tea-tron.com\/mambo\/blog\/wp-content\/uploads\/2025\/10\/INTERVAL_1_2_72dpi_060-1024x683.jpg\")
<\/p>\nless<\/del> summer<\/span><\/i> somos testigos de un relato melanc\u00f3lico, visceral y tragic\u00f3mico que se realiza mediante la lectura de poemas, vocalizaciones y canciones transmitidas por un cuerpo que se mueve en c\u00edrculos, que orbita. Nosotras frente a nosotras, y su presencia alrededor nuestro. En la pr\u00e1ctica de Adam Christensen, su cuerpo funciona como un amplificador no s\u00f3lo sonoro, sino tambi\u00e9n pol\u00edtico. En sus piezas, el artista da voz a figuras marginadas, estirando los l\u00edmites de las expectativas de g\u00e9nero y sexualidad mediante referencias a la cultura <\/span>trash<\/span><\/i> y <\/span>underground<\/span><\/i>, al teatro de variedades y al cine de explotaci\u00f3n y de horror de las d\u00e9cadas de los 70 y 80, mezclando esos materiales con expresiones de su propia vulnerabilidad.<\/span><\/p>\n