LO OTRO. Presentació línia de publicacions de La Caldera. Presencial + streaming.

LO OTRO es la línea de publicaciones de La Caldera.Meteoritos. Piedras. Restos. Rastros que exponen a la luz los proyectos en su estado de latencia, que revelan las intuiciones y el conocimiento común que emergen de las prácticas compartidas. Escombros que son piedras preciosas, recogidas en publicaciones para la transmisión sensible de los saberes del cuerpo.

Compartiremos las auto-publicaciones que se han hecho para las tres ediciones Brut Nature (encuentros de artistas residentes en La Caldera, para compartir prácticas artísticas): la Carpeta Brut 2017, el fanzine Brut’zine 2018, editado por Fernando Gandasegui y la novela de ciencia-fricción Bruts. Coming From Outer Space!!! escrita a ocho manos por Ana Buitrago, Itxaso Corral, Arantza Enríquez y Oscar Dasí, con diseño de Roger Adam. Por otro lado, Itxaso Corral Arrieta presenta ESTO, un proyecto que recoge los rastros del trabajo procesual de Lara Brown, Carolina Campos, Adaline Anobile y Alba Feito, en colaboración con La Caldera. Y dentro del marco de ARAR, se presenta LARVA de Itxaso Corral Arrieta y Anabella Pareja Robinson, Botanografías Callejeras de Itxaso Corral y Mensajes Corporales de Esther Rodríguez-Barbero. 

Además presentaremos la nueva web de La Caldera, diseñada en colaboración con Roger Adam y que alojará las versiones digitales de estas publicaciones.

sábado 6 de febrero, a las 18h

El acceso es gratuito, pero hay que reservar previamente.

O si prefieres acompañarnos por streaming, estaremos en el canal youtube de La Caldera.

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¿CÓMO SE HACE UNA PERFORMANCE? reloaded | Twins experiment

¿CÓMO SE HACE UNA PERFORMANCE? reloaded | Twins experiment

viernes 5 y sábado 6 de febrero, a las 20h

La primera vez que fuimos a La Caldera fue en 2015. Estábamos en mitad de la investigación de nuestra primera pieza juntas: ¿Cómo se hace una performance? . Ahora es 2021, han pasado 6 años desde entonces. Hemos vuelto para pensar lo que ha pasado aquí y lo que pasará. Para convertirnos en algo así como un dropbox analógico de gestos que conforman el archivo inmaterial de este espacio.

¿Cómo se hace una performance? es un juego, donde se reúne el archivo de las piezas que vimos juntas durante un año, partiendo de la memoria de lo que aún permanecía en nuestros cuerpos después de verlas. ¿Cómo se hace una performance? Reloaded reformula esta primera pieza encuerpando gestos, partituras coreográficas, objetos, canciones y palabras que han estado presentes en La Caldera durante los 25 años de su historia.

¿Cómo se hace una performance? Reloaded nos devuelve a nuestra primera práctica como colectivo. Es un encuentro en el presente que invoca al pasado y al futuro. Es el calentamiento para lo que vendrá.

Entradas

Twins experiment. Ainhoa y Laura. Madrileñas. Twins. Fuimos separadas al nacer y nos reencontramos en 2014. Juntas somos Twins Experiment. Juntas hacemos playlists, listas, dibujos, collages, esquemas, clubs, pegatinas, piezas. También bailamos, inventamos juegos y a veces compartimos piso. Twins, somos dos y colectivo. Trabajamos desde la afectividad la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins nos permite tomar riesgos que no tomaríamos solas, juntas nos convertimos en superhéroes. Twins Experiment fue fundado en 2014 por Ainhoa Hernández y Laura Ramírez. Es un colectivo coreográfico donde desarrollamos un trabajo que tiene mucho que ver con la amistad, la vida y los afectos y que se materializa en 3 piezas escénicas, laboratorios y un club de lectura. Nuestro trabajo se basa en facilitar un espacio donde trabajar desde una perspectiva colectiva y horizontal. Como dúo artístico abordamos la práctica de la amistad en relación con la cuestión de cómo vivir juntas. Ser amigas implica un compromiso, una decisión, una responsabilidad, una complicidad. Ser amigas significa actuar como una estructura de apoyo. Exploramos esta  cuestión a través de muchas horas de unión entrelazada. Nuestras piezas no intentan resolver los problemas que plantean, sino presentarlos en su conjunto. Nos gusta que nuestro colectivo sea flexible, mutable, poroso, que no se establezca en una estructura que encierre nuestra identidad.

Hemos compartido nuestro trabajo en contextos como: Center for the Performance of Research NY, Arqueologías del Futuro BA, Museo del Chopo M , Zeitraumexit DE, INTacto ES, La Poderosa BCN, Antic Teatre BCN, La Caldera BCN, La Casa Encendida MAD, Matadero MAD, CA2M MAD, Conde Duque MAD,Teatros del Canal o el festival Living Room. Hemos recibido el apoyo de: CA2M, La Casa Encendida, Ayudas a la Creación Coreográfica de La Comunidad de Madrid, Centro de Danza Canal, La Caldera BCN, Injuve, Iberescena, PICE AC/etc.

web

Esta presentación forma parte del proyecto ARAR, propuestas de la mano de los cómplices de celebreació de los 25 años de La Caldera.

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Siempre Siempre de Nyamnyam y Carme Torrent

sábado 30 y domingo 31 de enero, a las 19h

¿Cuáles son las imágenes latentes en este espacio? Espacio que es fábrica, espacio que es cine, espacio que es cuerpo… Para entrever esas imágenes tomamos el espacio como objeto.

Quizás son imágenes que llevan a soltar la productividad incesante. Quizás son imágenes que necesitan una salida, ¿pero, en qué pantalla podría darse esa fuga?

Una arqueología de lo que ya está allí.

Una luz traquetea fuerte. Incluso cuando el proyector ha dejado de traquetear, hay imagen.

Interrumpir. Hacer venir una transformación.

Cuando la pantalla de la imaginación surge de los rastros, de los restos, de las grietas de un espacio, de los lugares entre objetos situados en la encrucijada de varias tensiones, es entonces cuando el objeto ya no es algo físico puesto enfrente del ser humano, sino una realidad que responde y recibe esta intersección de tensiones. Hay terremotos en curso a lo largo de las líneas de falla entre estas relaciones. Regiones sísmicas que son el lugar de la imagen y de la imaginación, donde todas las cosas, humanas y no humanas, reales y ficticias, son igualmente objetos. Lugares en tránsito desprovistos de toda determinación fija.

Todo depende de la manera como habitemos el entre.

Relaciones entre sonidos, luces, cuerpos, hackeos, chapuzas, que reparan y trastean, disponiendo una mirada oblicua que permite sustraernos de la necesidad de encadenar imágenes, de querer entenderlo todo, quedando solo impresiones parciales, ficciones no hegemónicas.

Un proyecto de nyamnyam (Ariadna Rodríguez y Iñaki Alvarez) y Carme Torrent. Con Carolina Campos, Pedro Pineda y DJ Tutu – Gemma Planell. Diseño de luces: Ana Rovira. Asesoramiento objeto lumínico: Jordi Canudas. Asesoramiento temático: Blanca Callén. Producción: Cooperativa NY NY SCCL. Coproducción: ICI – centre chorégraphique national Montpellier/Occitanie. Con el apoyo de La Caldera – Centro de creación de danza y Festival Sismògraf. Agradecimientos: Óscar Dasí.

Más info y entradas aquí.

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CCC#34_Anna Fontanet

22 de enero, a las 20h

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

Viernes 22 de enero de 2021, a las 20h, la artista en residencia Anna Fontanet compartirá su proyecto NAN.

Entrada libre con aforo limitado.

Imprescindible obtener una Entrada.

NAN (Now ask nothing) es un proceso de investigación enfocado a la creación trayectorias emocionales. Información sonora circunstancial o deliberada abocada a tentativas y / o expectativas en movimiento. Partiendo como elementos en escena: el cuerpo, la voz, el movimiento y la frecuencia sonora. La metodología de trabajo en este periodo cuestiona los conceptos de continuidad, transformación y el elemento discursivo de la trayectoria en movimiento. Así como la percepción tridimemsional temporal, entre el momento presente, pasado y futuro inmediato.

Entradas en la web de La Caldera

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CCC#33_Norberto Llopis

viernes 18 de diciembre, a las 20h

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

Viernes 18 de diciembre, a las 20h, el artista en residencia Norberto Llopis compartirá su proyecto No–Hueco.

Entrada libre con aforo limitado.

Imprescindible obtener una entrada aquí

En occidente se tiende a entender la significación, la acción y el cambio desde la perspectiva del trazo, desde la perspectiva de la figura. Todo cambio depende de un acto, de un personaje que actúa, de una figura o héroe que opera un cambio. En No–Hueco estamos investigando cómo podría darse la significación, la acción y el cambio desde la perspectiva de la superficie de inscripción. Desde esta perspectiva las cosas suceden casi sin suceder, más que un cambio patente de las figuras que ponemos sobre el espacio, se trataría de un desplazamiento en la superficie, un deslizamiento del plano sobre el que la figura se hace visible, este desplazamiento es en cierto modo un suceso invisible. Como si se operara un crimen blanco, un asesinato invisible, un homicidio de fondo, un asesinato sin asesino ni cadáver. La pieza ya ha tenido un primer periodo de investigación en que se trabajó los elementos visuales de la obra, en nuestra residencia en la caldera querríamos trabajar a fondo la parte de movimiento e intentar dar forma a una pieza acabada con todos sus elementos.

Coreograíia y dirección Norberto Llopis Segarra

Interpretación y colaboración en la creación Inka Romaní, Norberto Llopis Segarra, Santiago Ribelles.

Con el apoyo del Ajuntament de València, La Caldera (Barcelona), Consorci de museus de València (València) y Las Cigarreras (Alacant).

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‘Catalina’ de Iniciativa Sexual Femenina

Quinzena Metropolitana de danza 

10 de diciembre, a las 20.30h,

11 de diciembre, a las 20h

12 de diciembre, a las 20.30h

Catalina no se va de fiesta: es una fiesta en sí misma. Antes de salir se prueba sus cuatro medias rotas a ver cuáles le quedan mejor y por la mañana se descubre el pómulo morado, los pespuntes de dentelladas, las agujetas en los gemelos, la afonía. Catalina se revienta y consigue, a fuerza de besos bien y mal dados, que la demás se revienten. Frente al “Madame Bovary soy yo”, que no quiere ni en pintura, Catalina declara “Larumba soyyo”, como Andrés Caicedo en su novelón ¡Que viva la música!, el cual nos enseñó a chuparnos el pelo como Lectura fácil de nuestra compañera Cristina Morales nos enseñó aclavarnos el pico de la mesa. Catalina peca de danza y de literatura, pero expía su cultura con su poca vergüenza.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Duración: 50 min

Autoria y dirección: Iniciativa Sexual Femenina (Elisa Keisanen, Cristina Morales y Élise Moreau)

Textos:Cristina Morales e Iniciativa Sexual Femenina

Interpretación: Iniciativa Sexual Femenina (Elisa Keisanen, Cristina Morales y Élise Moreau)

Diseño de luces: Marc Augustin-Viguier

Técnico: Andrea Forlanza

Fotografía: Joan Manrique

Domingo 13 de diciembre, las 12.30h

En paralelo a esta programación, se propone la acción  Bailar con el coño una conferencia-charla entre Sara Pierallini e Iniciativa Sexual Femenina que inaugura la exposición ¿Sexo libre o libertad del deseo? que se podrá visitar en La Caldera a partir del 7 de diciembre de 2020.

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‘Spiritual Boyfriends’ de Núria Guiu

4 y 5 de diciembre, a las 20.30h

6 de diciembre, a las 19h

SB es un solo que gira en torno a la relación cuerpo-poder.

El yoga es el marco contextual de la performance, el cual sirve para cuestionar políticas de poder sobre los cuerpos; un poder externo impuesto sobre estos así como un poder que el individuo se impone sobre si mismo a través de una autodisciplina.

Digitalidad, belleza, salud, capital, amor, erotismo y auto-ficción, son conceptos entrelazados que se abordan como una forma de experiencia espiritual vinculada a la construcción de roles de poder a través del cuerpo y su imagen social.

¿Qué papel juega Internet en relación a la política neoliberal y sus técnicas de control y vigilancia?

Dirección y performer: Núria Guiu | Asesoramiento Artístico: Esther Freixa, Sónia Gómez | Acompañamiento dramatúrgico: Lucas Ubach | Diseño de escenografía: Lola Bellas | Asesoramiento vestuario: Lola Bellas | Diseño de luz: Joana Serra | Asistencia técnica: Sergio Roca | Manager: Fani Benages | Residencia en: Sala Hiroshima, La Caldera Las Cortes, Graner de Barcelona, CRA’P, La Briqueterie CDCN | Artista asociada a: Graner de Barcelona | Gracias a: Claudia Mirambell, Alicia Kopf, Telemanrec, Carles Decors, Claudia Brufau, Søren Evinson | Co-producción: Festival Grec de Barcelona, La Briqueterie CDCN du Val del Marne

Estrenado en el Festival Grec Barcelona 2020

Entradas en la web

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SPORÁ_CUQUI JEREZ Y OSCAR BUENO

Del 9 al 13 de noviembre, de 10 a 14h

En este laboratorio Cuqui Jerez y Oscar Bueno compartirán con el grupo de participantes el inicio de su proceso de investigación Mágica y Elástica.

Mágica y Elástica se plantea como un musical, un musical deconstruido o un antimusical que explora cómo el sonido, el movimiento y la imagen trabajan juntos. Estos elementos nos permiten percibir aquello de lo que no podemos hablar, nos permiten vislumbrar lo que el lenguaje no puede captar, nos conducen a un espacio de misterio, a lo eterno desconocido, al subsuelo del lenguaje y al momento en el que la experiencia se convierte en emoción.

Esta investigación surge como una expansión o desviación del proyecto anterior Las Ultracosas,, centrado en explorar la suspensión del sentido en una situación performativa, donde ponemos en tensión/relación la coreografía y la acción viva de los cuerpos con la música. Esta relación música-coreografía no es el centro de la investigación de Las Ultracosas pero es algo que se manifiesta de una manera muy evidente. Mágica y Elástica surge de la necesidad de atender a esta relación de una manera más profunda.

En Las Ultracosas la relación música-coreografía genera un modo de mirar y una temporalidad de la experiencia/estado muy específica donde la música es de algún modo el motor del acontecimiento vivo y escribe su dramaturgia: cinco horas ininterrumpidas de música en sus combinaciones más eclécticas acompañan a la práctica performativa de los cuerpos y el uso del lipsync, lo que nos hace viajar por innumerables narrativas, emociones, ambientes, densidades y paisajes. A partir de esta decisión estética tomada en Las Ultracosas (podríamos hablar de un pseudo-musical) empieza a surgir en nosotras una fascinación en torno a la relación música/coreografía (atravesada por el lenguaje) que se traduce en muchas preguntas, de momento muy iniciales, y que es el objetivo de este proceso profundizar en ellas. Durante el laboratorio compartiremos con el grupo de participantes algunas de las preguntas iniciales en forma de prácticas concretas que produzcan más preguntas.

El título Mágica y Elástica aparece a partir de una práctica inicial de describir la música con adjetivos y hace alusión a nuestra colaboración. Desde hace unos meses Cuqui y Óscar (aka Mágica y Elástica) realizamos escuchas de piezas musicales e intentamos describir de una forma intuitiva y abstracta estas piezas. Esta práctica está siendo el primer paso para poner en relación la música y la producción de imágenes (visuales y coreográficas). En estas escuchas observamos las imágenes que se producen en nuestra imaginación durante la experiencia de escuchar en tres niveles:

  • La imagen que genera la propia partitura o la traducción de la partitura a un espacio visual: líneas, curvas, puntos, formas, superposiciones, dibujos en el espacio etc..
  • La imagen que evoca la música en una dimensión más metafórica en relación con el mundo real: paisajes, acciones, cuerpos, naturaleza, lugares, objetos, colores, etc.
  • Movimiento: Energía, velocidad, ritmo, texturas, fugas, etc.

En cada uno de estos tres terrenos intentamos producir un espacio visual y coreográfico imaginado con el que poder empezar a trabajar de manera práctica pudiendo llevar esas imágenes y acciones a un plano físico y material.

Esta práctica es un posible inicio para entender las relaciones entre música, coreografía, imagen y narrativa con la idea de manipular, deconstruir y amasar las convenciones del musical como género: danza, canto, letras, narración, clímax, silencios, tensiones, etc. La deconstrucción de este género nos ofrece un campo de trabajo donde la narrativa podría partir de una imagen, la coreografía desde la música, la música desde la narrativa, la coreografía desde la imagen, la imagen desde la música, etc. siendo interdependientes entre sí y sin jerarquías entre ellas. Se moldean entre sí, creando un cuerpo musical amorfo, mixto y con múltiples capas.

Durante el laboratorio partiremos de la práctica de las escuchas para iniciar un trabajo de traducción y entendimiento del sonido, la imagen, la coreografía y la narrativa. Trabajaremos escuchando, imaginando, observando, pero también moviéndonos, coreografiando, cantando, dibujando, escribiendo y manipulando materiales. Propondremos inicialmente un espacio de trabajo donde ver como escuchar y escuchar como ver y veremos a partir de ahí el viaje juntas a dónde nos lleva.

Mágica y Elástica es un proyecto iniciado por Cuqui Jerez y Oscar Bueno en colaboración con Anto Rodriguez, Cecile Brousse, Javi Cruz y Louana Gentner.

Cuqui Jerez es artista, coreógrafa y performer madrileña. Vive y trabaja en Madrid y Berlín. Con una trayectoria como bailarina e intérprete desde 1990, trabajando en diferentes proyectos y con diferentes coreógrafos y artistas, y después de crear varias piezas cortas y colaboraciones, comienza a desarrollar su trabajo en 1999. Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales en Europa y también en América Latina y Estados Unidos.

 Trabaja en la creación de un lenguaje coreográfico a través del cuerpo en relación con el espacio, el tiempo y los objetos. Su trabajo coreográfico se encuentra siempre ligado a preguntas a cerca de la percepción, el lenguaje y la emoción. Sus últimas investigaciones giran en torno a la observación del comportamiento de las cosas/materias en el espacio/tiempo y a la suspensión del sentido dentro de una experiencia estética performativa, explorando los límites del lenguaje. Su principal actividad es la creación pero también participa en diversos proyectos de investigación, curatoriales, de docencia y publicaciones.

Óscar Bueno Rodríguez. 1985, Avilés, Asturias. Grado Profesional Musical en la especialidad de Piano. Licenciado en Arte Dramático por la ESAD de Asturias en la especialidad de Interpretación Textual. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de Universidad de Castilla la Mancha y el Museo Reina Sofía en Madrid. Máster en Artes Escénicas de la Universidad Rey Juan Carlos y posteriormente el CAP (Curso de Adaptación Pedagógica). Completa su formación a través de workshops de danza con Roberto Oliván, Pepe Hevia, Fernando Hurtado, y de creación con Mira Rychlicka, Leo Bassi, Carlos Marquerie, etc. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Algunos de los trabajos que he presentado, o están en fase de desarrollo son: Soundtrack, Big Square, La música camuflada, Estudios para sonidación, Easy music y Las Polaroids. Paralelamente a mi práctica colaboro con otras artistas: Itxaso Corral (dentro del colectivo Poderío Vital), Anto Rodríguez, Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco y Amalia Fernández.

Debido a las restricciones por Covid-19 el grupo de participantes será reducido a 8 personas por lo que se realizará una selección a partir de las solicitudes recibidas.

Toda la info aquí

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SPORÁ_ELENA CÓRDOBA

QUIMERAS. Entre la sangre y la savia

Del 2 al 6 de noviembre, de 10 a 14h


Solo mediante el examen de la estructura que nos sostiene y que nos sustenta podemos ver cual es nuestro sitio y, por lo tanto, nuestra responsabilidad.

En un metro de bosque, D.G Haskell

Desde hace tiempo estudio anatomía y trabajo a partir de ella. Desde hace menos tiempo me estoy acercando al estudio de la botánica, me he interesado por la estructura y las formas de la vegetación. La práctica de la anatomía es algo que vinculo de manera natural con el movimiento del cuerpo, con la danza. Sin embargo, la observación botánica, aún siendo profundamente sensorial, paraliza mi cuerpo, lo vuelve un sujeto mirando un objeto. Son dos formas de operar con el cuerpo y con sus sensibilidades, una que llama a la acción y la otra que me induce a la contemplación, a quedarme al acecho.

En esta Sporá os propongo trazar un camino entre una práctica y otra; un camino que parta de la observación de nuestra anatomía y de la estructura de lo vegetal de manera indistinta. No se trata de comprender o confrontar dos formas de vida diferentes, se trata de crear una disposición sensible para que una forma de vida pueda resonar en la otra.

Me interesan las estructuras, lo que sujeta la materia y sus formas. No sé explicar por qué, pero es ahí donde encuentro un espacio de pensamiento y de acción que me permite inventar, que me permite renombrar los gestos y los espacios. Pienso como el biólogo G.D Haskell que a través de la observación de las estructuras podemos entender nuestro sitio, nuestra responsabilidad. Estos días serán una invitación a transitar por la idea de estructura. Miraremos la estructura de nuestros cuerpos, a través del estudio de láminas anatómicas, y la estructura vegetal, mirando a través de un microscopio que me acompaña desde hace un tiempo.

Para terminar una historia de esporas. Hace unos días, cerca del huerto de casa vi unas setas que no conocía. Al día siguiente volví al mismo sitio a mirarlas y solo encontré sus restos, parecía que hubieran explotado dejando un espacio quemado (negro) a su alrededor, una amiga que es guía micológica los identificó como Coprinus. Este

genero de hongos se autodigiere hasta volverse líquido y así reparte sus esporas más lejos, más rápido. Eso que vi era su forma de reproducción, un proceso de delicuescencia.

La quimera era un ser mitológico constituido de la mezcla de especies.

Elena Córdoba (Madrid, 1961). Mi obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de mi trabajo. En el año 2008 inicié Anatomía poética, ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Me interesa especialmente el acto humano de bailar, su necesidad y su pervivencia social. He participado en distintos colectivos de investigación y práctica artística como Bailar ¿es eso lo que queréis? junto con Ana Buitrago y Jamie Conde Salazar, Déjame entrar, colectivo anatómico o ¿Bailamos? Actualmente trabajo entre el cuerpo y la botánica en el marco de Ficciones Botánicas, un proyecto de estudio y ficción en torno al mundo vegetal y sus leyes coreográficas. Dentro de esta investigación y en el contexto ARAR de La Caldera este año hemos generado Calendario para un tiempo vegetal, junto a David Benito y Luz Prado.

Toda la información aquí.

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‘Mercedes máis eu’ de Janet Novás y Mercedes Peón

‘Mercedes máis eu’ de Janet Novás y Mercedes Peón

22, 23 y 24 de octubre, a las 20.30h

Recuperamos la programación de la Quinzena Metropolitana de dansa de este año prevista inicialmente para el mes de marzo. Dentro de este marco se presenta Mercedes mai eu de Janet Novás y Mercedes Peón del 22 al 24 de octubre, así como una actividad paralela Fantasias de género y cuerpos del no mundo, una conferencia con Mercedes Peón el 25 de octubre.

Mercedes máis eu es un trabajo de colaboración de la artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón en el que ambas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”. Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los danzísticos o biográficos, otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas.“Mercedes mais eu” mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionada por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más instalativos o museísticos.

Janet Novás es Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Reside en Madrid desde el año 2001.Se formó en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín. En el año 2007 comienza a crear y a desarrollar su propios proyectos en solitario. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Sus creaciones se han presentado en diferentes festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Marseille, Festival Nouvelles-Pole Sud, Cement Festival, Dança en Transito, MOV_S, TNT Dansa, Festival de Otoño a Primavera, Escenas do Cambio y el Festival Bad, entre otros.

Mercedes Peón está considerada como una de las mujeres más carismáticas del circuito de la world music actual. Nació en 1967 y a los 13 años escuchó cantar a varias mujeres de la Costa da Morte. El tocar de la pandereta y el cantar de la ribeirana fue el detonante para recoger las canciones, bailes, cuentos y vivencias de sus contemporáneos habitantes de las aldeas. Comienza una intensa recopilación. Transmitió todo ese conocimiento en centros de enseñanza, en las escuelas municipales, en la Televisión de Galicia, y en Universidades de La Sorbona, Oporto, País de Gales, etc. La variedad de sus composiciones que arrancan desde la polirritmia bajo la mirada de los ritmos más ancestrales, culminan en temas eclécticos y descaradamente vibrantes. Su amplio repertorio, el embrujo y la energía que se apodera de cada una de sus actuaciones, hacen de esta mujer una apuesta segura por la continuidad de la escena etnocontemporánea en Europa. Después de profundizar en la tradición durante más de 25 años, en 2000 grabó su primer álbum llamado Isué. Se expresó libre de clichés y se expandió por el campo internacional sin ningún esfuerzo mediático. En sus trabajos posteriores, Ajrú (2004), Sihá (2007) y Sós (2008), sus composiciones la llevaron a una particular atmósfera rozando lo electroacústico, haciendo del resultado su señal distintiva dentro y fuera de nuestras fronteras. Su último trabajo, Deixaas (2018), es fruto de una intensa etapa de investigación sobre las posibilidades del arte sonoro llevado al ámbito de la tradición, en el que es un referente internacional.

Duración 70 min.

Dirección: Janet Novás | Dramatúrgia: Ricardo Santana | Interpretación: Janet Novás y Mercedes Peón | Autoria y dirección musical: Mercedes Peón | Interpretación musical: Mercedes Peón | Diseño de luces: Cristina Bolívar | Diseño de sonido: Ezequiel Orol | Ayudante de dirección: Ricardo Santana

Entradas aquí

Fantasías de género y cuerpos del no mundo con Mercedes Peón

diumenge 25 d’octubre, a les 12.30h

Actividades paralelas de la Quincena Metropolitana de la Dansa

Conferencia de Mercedes Peón

Hay imaginarios paralelos al capitalismo occidental que tienen relación con lo ecológico, con las relaciones y la creatividad que nace de la comunicación con aquello que nos rodea. Imaginarios sin género y sin arquetipos cerrados. Con mujeres que solas o no, por elección propia o no, criaban, trabajaban, vendían la cosecha y también, tenían su ‘tránsito extático’ dentro de una comunidad que se liberaba de la cotidianidad a través de excesos en comunidad de música y danza, aquello que en Galicia llamamos «seráns». Todavía hoy quedan cuerpos que, como entonces, no tienen esta (sub)misión albergada a la feminidad apresa de las castas sociales más alejadas del pueblo con tal de diferenciar y codificar el conocimiento.

Actividad gratuita con reserva previa en info@lacaldera.info facilitandonos Nombre completo, teléfono y DNI. 

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