CCC#57_Ceclilia Colacrai

Lunes 20 de junio, a las 20h, Cecilia Colacrai presenta una muestra de su trabajo en proceso R.A.V.E.

‘Partiendo de la idea de límite y fin, se propone una investigación del lenguaje escénico, que invite a reflexionar sobre el instinto y la insistencia de los seres humanos por preservar la propia especie.

En una época de tanta aceleración, como la nuestra, reflexionar en torno a nuestra percepción del tiempo surgió como una necesidad. El devenir, la idea de ciclo, el retorno a lo conocido, el revenir, el tiempo implacable, la idea de permanencia vs el cambio, lo indefinido, lo previsible, la duración y la incesante transformación, son algunos de los disparadores para la construcción de este solo que, inevitablemente, al abrir hipótesis sobre el futuro las abre también sobre los comienzos…’

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Entrada libre con reserva previa
Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

CECILIA COLACRAI. Bailarina, creadora independiente y profesora de danza contemporánea residente en Barcelona desde el año 2002. Actualmente y desde el año 2012 trabaja con el Colectivo Big Bouncers y en Group LaBolsa, y colabora con el artista Joao Lima en diversos proyectos desde el año 2008. Desarrolla su propio trabajo desde el año 2005 y en la actualidad se encuentra en proceso de creación de la pieza R.A.V.E. (Revolucionary Agglomeration for Voluntary Extermination), y REVERB (propuesta para espacios no convencionales) Ha colaborado con: Thomas Hauert, Emmanuel Grivet, Alexis Eupierre, Montse Colomé, Toni Mira, Jorge Albuerne, Asoc. Cultural Finmatun, Joan Català, Sebastián García Ferro, Gabriela Barberio, entre otros. Ofrece clases de danza contemporánea e improvisación desde el año 1997. Actualmente forma parte del equipo docente del Institut del Teatre (CSD) y de la escuela de teatro físico MOVEO. Ha formado parte del ajunta directiva de la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña, y ha sido socia de los espacios de creación La Caldera y La Visiva.

Toda la info en la web

Publicado en General | Deja un comentario

CANCELADO – ‘Pensamientos de una bailarina que entendió el ritmo al mirar un cadáver’ de Elena Córdoba y Luz Prado

Tres días después de estrenar y pareceremos árboles en el Festival Zip estaremos en La Caldera presentando Pensamientos de una bailarina que entendió el ritmo al mirar un cadáver. Dos obras distantes en el tiempo y diferentes en su forma pero que abordan una misma temática, la transformación del cuerpo como materia, y que resonarán juntas gracias a la complicidad de entre el TNC y La Caldera que lo han hecho posible.

“En el año 2014 hice una obra íntima que partía de la observación del cadáver, una pieza con la que me acerqué al proceso de descomposición del cuerpo. Esta obra se llamó Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera y fue fruto de dos años en los que estudié, escribí y confronté mi cuerpo vivo a un cuerpo (su cuerpo) sin vida.
Siempre me ha asustado no poder identificarme con lo que hice, por eso no suelo mirar atrás. Revisar o revisitar me parece tentar a la melancolía, una amiga a la que suelo esquivar todo lo que puedo.

Pero Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera partía de un texto escrito que no había cambiado en estos años, que me había estado esperando. Quise prestarle el cuerpo a esas palabras para que volvieran a sonar. Igual en los tiempos que vivimos, estas palabras vuelven a ser pertinentes. Nunca habría retomado estas reflexiones sola, mi amiga Luz Prado y mi compañero Carlos Marquerie me acompañaron en este viaje.”

Elena Córdoba

ELENA CÓRDOBA (Madrid, 1961). Su obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de su trabajo. En el año 2008, inicia Anatomía poética, ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Se interesa especialmente en el acto humano de bailar, su necesidad y su pervivencia social, a él le dedica el proyecto de investigación colectiva Bailar ¿es eso lo que queréis?, que desarrolla junto con Ana Buitrago y Jamie Conde Salazar. También participa en el colectivo anatómico Déjame entrar y del proyecto ¿Bailamos? para la creación de grupos de baile. Actualmente, Elena trabaja entre el cuerpo y la botánica en el marco de Ficciones Botánicas, un proyecto de estudio y ficción en torno al mundo vegetal y sus leyes coreográficas.

LUZ PRADO (Málaga, 1985). Es músicao, violinista y performer. Trabaja en lo escénico desde el sonido y cree en la creación colaborativa. Su práctica parte de un diálogo constante con el violín y el encuentro con personas que ponen en valor el ser y el estar a través del folclore, el diy, el movimiento o el ruido. Crece con músicos centrados en la improvisación como Wade Matthews o Julián Sánchez; expande lo sonoro con artistas como Violeta Niebla, Nilo Gallego, Elsa Paricio o Silvia Zayas, y comparte procesos con bailarinas como La Chachi, Elena Córdoba o Carlota Mantecón.

Martes 21 de junio, a las 20h
EVENTO CANCELADO

Mas información en la web

Publicado en General | Deja un comentario

CCC#56_Mar Garcia y Javi Soler

Viernes 17 de junio, a las 20h, Mar Garcia y Javi soler proponen una muestra de su trabajo en procés Nicolasito Pertusato.

Nicolasito Pertusato es un proyecto de creación escénica, el cual pretende utilizar Las Meninas de Diego Velázquez como fuente conceptual. De las teorías y especulaciones sobre los misterios (o no misterios) que propone el lienzo, las conclusiones que pretenden darle forma a la pieza parten de tres conceptos concretos: el protagonismo, el espectador y el enigma.

Cómo traducir los conceptos extraídos en una pieza escénica y conservar, al mismo tiempo, el aire de Las Meninas que tanto estimaba Dalí es el objetivo que pretende este proceso de creación, cuyos medios principales de traducción parten inevitablemente del sonido y el movimiento a partes iguales.

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Entrada libre con reserva previa
Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

MAR GARCIA Y JAVIER SOLER son una pareja de artistas valencianos de 26 años. Actualmente ambos cursan grados superiores en sus respectivas especialidades en Barcelona: Mar estudia el grado superior de coreografía e interpretación en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre (IT) y Javi el grado superior de dirección musical en l’Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC). Previamente a su traslado a Barcelona, Mar se graduó en psicología en la Universitat de Valencia y cursó el grado profesional de danza contemporánea en el Conservatorio de Valencia. Asimismo, Javi es graduado en magisterio musical y realizó los estudios profesionales de música en la especialidad de saxofón.

Al inicio de nuestras colaboraciones, Mar se encargaba de la parte interpretativa y coreográfica y Javi de la composición sonora, por lo que no fue hasta 2021 cuando decidimos producir una pieza rotundamente transversal tanto en concepto como en participación. Surge así RECORD: qué nos va a pasar?, que comenzó como un proyecto de Taller en el IT y continuó forjándose durante una residencia artística en la Comunidad de Creación Artística El Corralito, para después mostrarse en el Festival TNT 2021. Ambos como intérpretes, compositores y coreógrafos.

El hecho de estudiar disciplinas diferentes, creemos, nos permite un punto de vista especializado de nuestros ámbitos, por lo que nuestra forma de iniciar un proceso de creación siempre intentará darle la misma importancia tanto al movimiento como al sonido. Además, aunque nos encontramos en el inicio de nuestra carrera y finalizando nuestros estudios, podríamos hablar de una tendencia compositiva hacia la actualidad y abierta a todo tipo de público.

Toda la info en la web

 

Publicado en General | Deja un comentario

‘Water my dances, water my thinking: Ceremonia’ con Anabella Pareja Robinson

Water my dances, water my thinking, es el título/mantra de una investigación en la que llevo ya inmersa un par de años, y que ahora se convierte en una Ceremonia a la que el Agua nos convoca: Un espacio que desea que podamos pensar con ella, aprender de ella… escucharla y verla. Un lugar para honrar su belleza y para recordarnos una y otra vez que somos cuerpos de agua.

Esta Ceremonia, entre otras cosas, se conforma de bastante texto/palabras/información/curiosidades/datos que queremos compartir con ustedes, y que personalmente, considero muy valiosa. A esto se le suma una serie de sugerencias materiales, las cuales he preferido nombrar así, en lugar de prácticas artísticas o corporales, pues me ha resultado más cómodo relacionarme con ellas explorándolas como insinuaciones. Y ya que son sugerencias, ustedes también pueden evocar cómo quieren vincularse con ellas: desde la mirada, desde el hacer… desde donde les apetezca. Estas sugerencias materiales intentan ser lo más confortables posible y no buscan para nada el protagonismo de ninguno de nuestros cuerpos, sino todo lo contrario, indagan en la posibilidad de desvanecernos y ceder el lugar a esos otros no-humanos y humanos con quienes estamos conectados y que pocas veces les concedemos nuestra escucha y atención.

La Ceremonia, se llevará a cabo los días 28 y 29 de mayo, de 12 a 14h en La Caldera.

Está limitada a 15 plazas por día, por lo que será necesario inscribirse en info@lacaldera.info.

Y no es necesario traer nada en específico, a menos que tengas algún objeto que quisieras ofrendar al Agua, esto siempre será bienvenido.

ANABELLA PAREJA ROBINSON. Mexicana pero desde el 2017 resido en Barcelona. Pienso mis prácticas/investigaciones fluyendo entre los conocimientos de lo humano y lo no-humano, celebrando que somos Naturaleza e intentando vibrar con el Cosmos. Y las desarrollo y comparto en el ámbito de las Artes Vivas y la Escritura. De 2017 al 2020 formé parte del Colectivo ARTAS de La Poderosa quienes me acogieron para trabajar mi última pieza La Forma y con quienes comencé una investigación que continúo a la fecha: Water my dances, water my thinking. Junto con la artista vasca Itxaso Corral Arrieta, creamos un espacio de investigación llamado Hemos perdido el Cosmos en el que nos encontramos buscando prácticas que nos ayuden a  desarrollar pequeñas habilidades para re alinearnos, y por ahora han aparecido las publicaciones HECHIZO, LARVA y FÖSIL.

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Water my dances, water my thinking: Ceremonia’ con Anabella Pareja Robinson

‘Código fuente audiotextual de Jinete Último Reino Frag. 2’ de MARÍA SALGADO y FRAN MM CABEZA DE VACA

Viernes 6 de mayo, a las 18.30h en La Caldera

Al hilo de la metodología del «código fuente audiovisual» inventada por el festival ZEMOS98 para que lxs artistxs y pensadorxs liberen el software hecho por las diferentes voces que conforman su trabajo en relación al contexto en el que se produce, en esta sesión compartimos la escucha y comentario de una serie de obras poéticas, performativas y musicales que sirvieron de referencia, desafío y enseñanza a la hora de elaborar el Frag. 2 de la trilogía Jinete Último Reino. De Alexander Schubert a Tracie Morris, de Concha Piquer a Steve Reich; los problemas compositivos, las elecciones formales, la posición política tomada durante el proceso de invención de la pieza es puesta en común con lxs asistentes.

Este formato híbrido entre la conferencia, la audición colectiva y la pinchada, nos permite contar la teoría de la composición, el sonido y el lenguaje que vamos elaborando a partir de nuestra práctica creativa y el análisis conjunto de las piezas de poesía, música y performance que amamos, sin ocultar las referencias críticas que también manejamos ni los misterios y dudas y desvíos a los que también nos enfrentamos.

La Conferencia Audiotextual de Jinete Último Reino Frag. 2 se ha mostrado durante el curso 2021/2022 de la Escuela de Invierno de Conde Duque (comisariada por Celso Giménez) y en las Jornadas de Escribir de Arte: Escritos académicos, crítica de arte y textos que son arte de la facultad de Bellas Artes de la UPV (organizados por Edurne González Ibánez) en diciembre de 2021.

Esta actividad forma parte de ARTE Y PENSAMIENTO POSTFUNDACIONAL, NUEVOS JUICIOS ESTÉTICOS. Ciclo de diálogos entre filosofa y arte sobre los retos de la estética contemporánea y su potencial político, organizado por la Universidad Barcelona que tendrà lugar del 4 al 6 de mayo.

MARÍA  SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA trabajan juntxs en Madrid desde 2012. Su proyecto común se centra en la idea de audiotexto como confluencia entre poesía, lenguaje, música, arte sonoro y performance. Hacía un ruido (2012-2016) y Jinete Último Reino (2017-…) dan nombre a las dos investigaciones que han vertebrado sus obras de los últimos diez años. Su trabajo ha sido mostrado en contextos como el Museo Reina Sofía, MACBA, Teatros del Canal, CDN Balle Inclán, WKV Stuttgart, 16 Beaver o Espacio Naranjo.

El alumnado del grado de Filosofa de la Universitat de Barcelona inscrito en las jornadas tienen reservada una plaza.

Entrada libre con reserva previa en el siguiente formulario.

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Código fuente audiotextual de Jinete Último Reino Frag. 2’ de MARÍA SALGADO y FRAN MM CABEZA DE VACA

Dia Internacional de la Dansa a Les Corts

Viernes 29 de abril, a las 17.30h en la Plaça Comas

El Grupo CHM Salut Mental y La Caldera os invitamos a participar en la Celebración del Día Internacional de la Danza.

Lo celebraremos con un acto de carácter inclusivo y festivo donde presentaremos breves propuestas de Danza, la lectura del Manifiesto del Día Internacional de la Danza, y una coreografía colectiva, creada por el grupo de danza del CHM, para acabar todos bailando.

Con las actuaciones de:

MAGÍ SIERRA Y ANA MARIA KLAJNŠČEK presentando un fragmento de Cossoc.
LIANT LA TROCA con la pieza Sense con tacte.
GRUP DANSA de los Servicios de Rehabilitación Comunitaria del Grupo CHM Salut Mentalpresentando Despertar és possible.
El acto acabará con un baile conjunto del tema residus del sistema de LO PETIT COMITÈ.

Cossoc (fragmento), de MAGÍ SERRA y ANAMARIA KLAJNŠČEK

Magí Serra y Anamaria Klajnšček presentan Cossoc, un dueto de danza y equilibrios concebido para integrarse con el entorno. Una coreografía hipnótica repleta de imágenes sugerentes de lo que pueden hacer dos cuerpos en equilibrio constante. Un movimiento de investigación sobre la complejidad y la simplicidad de una relación. Una ventana de observación y curiosidad para el espectador, en la frontera entre el espacio público y el privado.

Sense con tacte de LIANT LA TROCA

Existe un juez poco visible, elegantemente cruel, con escasa consciencia de sí mismo, y que sin embargo, decide quien puede volar y quien no. O eres halcón, o mariposa con grilletes. Tu espíritu necesita expandirse, ¿Quién puede elevarse arrastrando cadenas? Te juzgan, lo crees. Te apartan, Lo naturalizas. Te niegan, lo asumes. Te condicionaron a temer las sombras que nos sobrevuelan, pero no pueden dañarte más allá del miedo. Date permiso. Arriésgate. Aventúrate a explorar. Sorprende. Acepta el desafío, equivócate. Comparte tu éxito y tu fracaso. Hazte visible, otros seguirán tus huellas. Vuela…Vuela… ¡Y ya nadie volverá a mirarte desde arriba!

Organiza: Grup CHM Salut Mental

con la colaboración de: La Caldera, centre de creació de dansa

Y el apoyo de: el Ajuntament de Barcelona, el Espai Inclusió y la Associació de Professionals de la dansa a Catalunya

Publicado en General | Comentarios desactivados en Dia Internacional de la Dansa a Les Corts

Publicación Poro estratosfèrica

Presentamos poro estratosfèrica.

Una nueva publicación que penetra dentro del núcleo de los procesos de creación y de los diálogos entre las artistas, para emitir las reflexiones y saberes del cuerpo que se generan, más allá de las cuatro paredes de La Caldera.

Una publicación con cuerpo de papel que huye de la saturación y el carácter efímero de las redes sociales y crea un espacio flexible y variable que permite relacionarse con las cosas físicamente, otra temporalidad y otra mirada.

Una publicación en proceso, que recoge los rastros de lo que está pasando, con publicaciones de varios formatos que se irán compilando para finales de año tener una publicación que se habrá ido generando en tiempo real.

Una práctica editorial surgida de la necesidad de comunicar una Caldera que este 2022 se convierte en ‘Brutal‘, poniendo en el centro los contextos de encuentro entre artistas para compartir prácticas, fricciones, contaminaciones… desde donde emergen las actividades de la caldera. Una red de contenidos que se irán tramando y desplegando orgánicamente durante el año, y de la misma manera, se irán comunicando sobre la marcha, en diferentes entregas poro estratosféricas.

Por el momento hemos lanzado la primera. Lo hemos presentado en el contexto del Dansa Metropolitana en La Caldera, con una recopilación de cuatro publicaciones en torno a los trabajos de João Lima, Lara Brown, Elena Córdoba y el proyecto Caldera Brutal 2022.

Si quieres recibir esta publicación en casa de forma gratuita, rellena el siguiente formulario con tus datos postales (hasta agotar existencias):

FORMULARIO

Publicado en General | Comentarios desactivados en Publicación Poro estratosfèrica

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero

Este año dentro del Dansa Metropolitana proponemos dos programas dobles muy potentes que nos encanta cómo dialogan entre sí:

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima, del 17 al 19 de marzo, a les 20h 

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero, del 24 al 26 de marzo, a las 20h

Presentamos de seguido, las dos primeras propuestas, que se presentan del 17 al 19 de marzo, en La Caldera: ‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero.

Bailar o Lo salvaje de Lara Brown

Este trabajo surge de la necesidad de entender el origen de la jota, preguntándose, así, si bailar responde a una necesidad innata de moverse de una forma improductiva. Investiga el origen de los bailes populares, y cómo han sido y son atravesados por el contexto histórico, político y social. El resultado es una secuencia de movimiento y coreografía que refleja toda la información recopilada.

Panorama de Raquel Gualtero

Del griego pân (todo) y hórama (vista) la palabra panorama fue popularizada por el pintor irlandés Robert Baker (1787) para describir sus pinturas circulares. En sus cuadros de extensos paisajes, el pintor genera una experiencia inmersiva que invita a la contemplación y, por ende, a la reflexión. ¿Cuál es nuestro lugar en este paisaje? De la misma forma, Raquel Gualtero nos propone entrar en un estado contemplativo en el que, a través de su cuerpo, transitemos por diferentes imaginarios que nos resultan extrañamente familiares. Toda la pieza está cargada de gestos reconocibles que a través de su repetición se convierten en coreografías infinitas. El cuerpo de la bailarina es el centro de este paisaje. Un lugar atravesado por una voz que nos pertenece y que transforma los moldes que hemos construido. Quizá, este lugar en el paisaje es un lugar extraño, inhóspito e inesperado, pero, sin duda, es un lugar anhelado.

Toda la info y entradas en el web

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima

Este año dentro del Dansa Metropolitana proponemos dos programas dobles muy potentes que nos encanta cómo dialogan entre sí:

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima, del 17 al 19 de marzo, a les 20h 

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero, del 24 al 26 de marzo, a las 20h

Presentamos de seguido, las dos primeras propuestas, que se presentan del 17 al 19 de marzo, en La Caldera: ‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima.

Lo Faunal de Pol Jiménez

En este extracto del solo Lo faunal, el bailarín Pol Jiménez encarna a la figura mitológica del fauno, que durante la siesta fantasea con las ninfas. Para hacerlo, se inspira en la representación del fauno de la danza clásica de Nijinsky, y tanto el intérprete como el director de la pieza, Bruno Ramri, se centran en la idea de que no es solo un personaje mitológico, sino más bien una condición. Una condición que comparte con la danza española, la de la hibridación constante para poder ensanchar sus fronteras.

Cavalo do Cão de João Lima

En portugués brasileño, cavalo do cão («caballo del perro», en traducción literal) es una expresión que significa a la vez un insecto cuya picadura provoca un dolor desgarrador, una persona indomable y el caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. El bailarín João Lima encarna a este animal a través de un espectáculo de danza contemporánea que nos evoca a un personaje cuya forma de vida es híbrida. Una composición basada en la materialidad y en la ritmicidad del cuerpo y el espacio, a través de la (des)conjunción entre el gesto y la voz, la imagen y el sonido, y que nos sitúa, quizás, entre el encanto y el espanto.

Tota la info y entradas en la web de la caldera

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima

¿Una danza decolonial? – ‘Cavalo do cão’ por Gérard Mayen

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

En un solo multidisciplinar y revuelto, el bailarín y coreógrafo João Lima configura el presente de un espacio emancipado de las alienaciones coloniales. La libertad se devuelve a la mirada del espectador.

Cavalo do cão? En portugués brasileño, esta expresión tiene muchos significados.  Literalmente, podría significar «caballo del perro», como si un cánido pudiera hacerse dueño de un equino. Cavalo do cão es también un insecto cuyas picaduras son terribles. Trataríamos también de Cavalo do cão a una persona joven particularmente indomable. Finalmente, en el registro de la mitología popular, Cavalo do cão es el «Caballo del diablo».

Ya des del título de esta obra, se nos sitúa en dos vías de percepción. Por un lado, la de la polisemia, con la apertura de múltiples significados. Por otro lado, captamos un imaginario cromático, rústico y, por qué no, exótico. Esto resuena con el hecho de que João Lima, que interpreta y firma el solo Cavalo do cão, sea de origen brasileño. Desde hace algunos años, no faltan figuras de este gran país latinoamericano que se alzan con furia, con dureza, con acentos muy marcados, a veces teñidos de arcaísmo.

En este registro, que no es el de João Lima, se capta claramente la intención de convocar las potencias de los referentes culturales que la colonización ha marginado. Pero estas figuras son a veces tan llamativas, extremadas, que suscitan una duda: ¿no despiertan, sin querer, un exotismo espectacular finalmente esperado, subrayado? Lo que acaba encerrando los territorios del imaginario, aunque se haga con las mejores intenciones políticas del mundo.

Como se ha sugerido anteriormente, João Lima traza su camino en un territorio completamente diferente, que deja indefinidamente fluctuante y polisémico. Pasan largos minutos antes de que distingamos visualmente su presencia en el escenario al comienzo de Cavalo do cão. Reina la penumbra. Fuertes gritos, potentes pero variados, la habitan. No hay duda: se nos está invitando a explorar todo un universo. La resonancia es potente: en el espacio, el grito se difunde y se inscribe en un aliento vital, orgánico, como el abrazo de un cuerpo humano presente en el vasto elemento que lo rodea. La llamada al imaginario es considerable.

A lo largo del resto del solo, esta fisicalidad sonora será indefinidamente relanzada por el intérprete. Esto, se trabaja con la aportación de un arquitecto de sonido, Miquel Casaponsa. Mientras tanto, se crea la luz, que modulará en todo momento sus poderes de revelación, sugeridos por Ivan Cascon. Todo se desarrolla en concierto, el espacio escénico se convierte en el actor de las metamorfosis. A partir de este momento, João Lima no dejará de sondear este territorio, de manifestarse en gestos que lo conforman: el artista hurga, tantea, empuja, designa, perfora, sopesa, indica, evalúa, cadencia. Todas estas acciones, intercaladas, se suceden y generan un ritmo de descubrimiento; mientras los gritos, las respiraciones, se llevan las imágenes de la mente.

Todo el escenario es recorrido de esta manera, en todas sus dimensiones, poco jerarquizadas. La situación es abierta, las fronteras son abolidas. Con una mirada penetrada, João Lima es un artista coreográfico ferozmente consciente de su presencia, pero sin ninguno de los alardes visuales de los cánones del cuerpo. Nada autoritario emana de su recorrido, no ignora la neutralidad de las pausas. Pero es, permitiendo esta libertad de espacio y también de sonidos, que se convierte en el director de orquestra de una polifonía de las miradas y las escuchas posibles. El viaje se devuelve a cada espectador/a, íntimo en la situación colectiva.

Con la complicidad de la artista Clara Sáez, el escenario está poblado de objetos dispersos que apelan a transacciones enigmáticas. Algunos sugieren un imaginario del país lejano: aquí un mechón de pelos, allí una posible lanza, más allá una especie de coral, una red para cazar mariposas, así como unos míseros sacos de yute. Es suficiente para despertar la curiosidad por mundos desconocidos, la perplejidad de acciones que quedan sin explicar, en un viaje del lado de las leyendas. Pero los materiales son sintéticos, banalmente contemporáneos, de plástico blando y colores llamativos. Este mundo es actual, pero se nos escapa, incluso cuando el artista decide disponerlo como un tótem.

Poco a poco, no cabe duda de que João Lima está revelando un universo, de otro modo invisibilizado. Poco a poco, captamos que esto dibuja un objetivo decolonial. Pero nada está aseverado en términos de conquista o reconquista. Un tiempo arremolinado nos devuelve a cada uno/a la responsabilidad de nuestra propia mirada. Manteniéndose en el presente, este se desplaza en proyecciones que abrazan el pasado mientras acarician el futuro. Puesto que se trata, igualmente, de desmantelar los agenciamientos de dominación, Cavalo do caõ lo hace de una manera segura, que consiste en configurar un territorio emancipado, móvil y liberado de la omnipotencia de las representaciones espectaculares.

Gérard MAYEN, Crítico de danza. Montpellier, febrero de 2022

 

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

 

Gérard MAYEN vino a ver una Cápsula de Creación en Crudo,  el 5 de noviembre de 2021, de Cavalo do Cão, trabajo en proceso de João Lima, en residencia en La Caldera. A raíz del encuentro escribió este texto. Una aproximación al trabajo y una mirada más amplia que queremos compartir con vosotras. Este texto forma parte de una publicación que estamos preparando.

João Lima ha sido residente en La Caldera con este proyecto, en 2020 con una residencia de creación y en 2021 con una residencia técnica. Presenta la pieza acabada en la programación de La Caldera por Danza Metropolitana.

17-19 marzo

Cavalo do Cão de João Lima + Lo Faunal (extracte) de Pol Jiménez

24-26 marzo

Bailar o lo salvaje de Lara Brown + Panorama de Raquel Gualtero

Toda la info en la web

Publicado en General | Comentarios desactivados en ¿Una danza decolonial? – ‘Cavalo do cão’ por Gérard Mayen