SPORÁDES 2018 | Conversación con Salva Sanchis 

Primera entrevista de SPORÁDES con Salva Sanchís que participó en Sporá Prógrama en junio de 2018 y que proponía para este encuentro:

Aprovechando la invitación de La Caldera, dedicaremos 5 días a repasar las ideas básicas de diferentes piezas de mi repertorio. Como si fuéramos capaces de hacer renacer animales extinguidos a partir de trozos de ADN, recuperaremos propuestas de movimiento e ideas centrales de varios trabajos para regenerar a través de procesos prácticos y condensados. Los resultados serán posiblemente mutaciones más o menos monstruosas de los originales, al fin y al cabo, los artistas somos más bien científicos locos que no arqueólogos disciplinados …

Salva Sanchis es bailarín, coreógrafo y pedagogo que vive cerca de Barcelona. En 1998 se graduó con la primera generación de P.A.R.T.S. y ha estado enseñando y produciendo piezas de danza desde entonces. Ha colaborado con los coreógrafos Marco Vanrunxt y Anne Teresa de Keersmaeker en varias ocasiones. Sus dos últimas creaciones se han podido ver recientemente en Barcelona dentro de la programación del Mercat de les Flors: «Radical Light» (2016) y «A Love Supreme» (2005/2017), esta última en colaboración con Anne Teresa de Keersmaeker. A partir de 2017, Salva ha detenido indefinidamente su actividad coreográfica para centrarse en el estudio y la enseñanza.

Video de Tristán Pérez-Martín

Publicado en General | Deja un comentario

SPORÁDES

Des del inicio de SPORÁ PRÓGRAMA decidimos mantener una conversación con las creadoras y los creadores que invitamos a compartir sus prácticas y metodologías de trabajo.

Con la colaboración de Tristán Pérez, hemos registrado en vídeo estas entrevistas donde exponen la experiencia que ha supuesto para ellas y ellos, su paso por Sporá y, a partir de ahí, nos hablan de sus intereses, reflexionan sobre estos aspectos de su trabajo creativo y su investigación.

Nos ha sido difícil encontrar el tiempo para visionar i elaborar estos materiales, pero al hacerlo nos hemos dado cuenta de su valor y nos ha parecido improtante compartilos.

A partir de ahora, empezaremos a publicarlos siguiendo el orden cronológico de su paso por Sporá Sprógrama. Esperemos que los disfrutéis tanto como nosotras al hacerlo.

Hasta ahora han pasado por Sporá Prógrama:

Salva Sanchís, Vera Mantero, Juan Domínguez y Amalia Fenández, Paz rojo y Mónica Valenciano en 2018.

Este 2019 han pasado Chrysa Parkinson, João Fiadeiro y Jone San Martín.

Y en otoño vendrán Olga Mesa y Lisa Nelson.

Publicado en General | Deja un comentario

Jone San Martin y el legado de William Forsythe

 

Jone San Martín llega a La Caldera el próximo viernes 19 y sábado 20 de julio para presentar dentro del Grec, Legítimo / Rezo un ejercicio que pretende compartir y hacer comprender, a la vez que disfrutar, de la técnica de trabajo de danza improvisada del coreógrafo William Forsythe, con el que la bailarina ha colaborado más de 20 años. La respalda una larga y consistente trayectoria que se relaciona con artistas como Nacho Duato, Jacopo Godani, Jan Lauwers, Jan Fabre o Jan Marteens.

Legítimo/Rezo es inicialmente un solo de danza que encargó el Mercat de les Flors a Jone San Martin con el objetivo de proponer un acercamiento al universo Forsythe, desde su perspectiva como integrante de la Compañía. Claire Verlet, encargada de la programación del Theatre de la Ville de Paris, vio la pieza y quiso programarla. Para encajar la propuesta en el teatro, le propuso adaptar la pieza juntando el solo con una conferencia que San Martín había presentado previamente, en el contexto de unas charlas en las que diversos bailarines compartían herramientas de creación de coreógrafos con los que habían trabajado. Jone fue la única en ponerle cuerpo a la transmisión de estos materiales, bailándolos. Posteriormente, con este formato, la propuesta se ha presentado en más de 30 ocasiones a nivell internacional.

 

Con motivo del estreno de la pieza doble en el Theatre de la Ville de París, la periodista Rosita Boisseau publicó un artículo detallado en Le Monde, que entre otras cosas, clarificaba:

La sonrisa y el buen humor de Jone San Martin evacúa toda nostalgia en esta pieza que parece más bien una conversación con el público. Una agradable sorpresa, ya que este pilar de la tropa de Forsythe no sonríe en sus espectáculos, generalmente duros y secos. Este placer de compartir, de hacer comprender, con vehemencia, la mecánica compleja de escritura e improvisación de ‘Bill’, como lo llaman sus amigos, pone en relevancia la búsqueda cotidiana del intérprete de una generosidad y un ardor emotivos. El talento para exponerse a si misma, rara vez mostrado anteriormente por Jone San Martín, a la que le gusta decir que su trabajo con Forsythe representa ‘la libertad y la creación desde hace más de veinte años’ y que su sitio está ‘en el estudio con sus amigos bailarines’, te golpea en los ojos.

Ser un ‘achivo vivo’ implica un destino terrible a la vez que bello. Desde el momento en que Jone San Martín se pone en movimiento, vemos Forsythe, habla naturalmente esta lengua gestual rota y explosiva de la cuál reconduce el vocabulario hacia nuevas frases inventadas en el momento. Ella se dice ‘tatuada, impresa’ por esta escritura, hasta los huesos. Está marcada hasta tal punto que sus pies se retuercen naturalmente hacia dentro como en las piezas recientes, muy torturadas, de Forsythe, y sus brazos vuelan y se alzan en todos los sentidos con una elegancia sideral.

Jone San Martin consigue el prodigio de clarificar el método Forsythe sin por ello, pasar cuentas a nadie. Muestra los caminos de este ’cuerpo inestable aunque controlado, que parece estar recogiéndose constantemente a si mismo, para sostenerse’ sin jamás resolver la ecuación de la escritura. El misterio de la creación, también el de la capacidad de invención personal del bailarín, imprescindible en Forsythe, persiste por y contra todo.

Coronando la conferencia bailada, su solo corto, cuyas líneas generales han sido dadas por el coreógrafo, atestiguan de todo esto. Lo que a veces toma un aura de danza poseída, desgarrada por múltiples deseos contradictorios, como si la intérprete ejecutara un gesto pensando en miles de otros; entrega a la vez, un retrato de Jone San Martín. Inspirada por una banda sonora extraña, que solo la bailarina percibe en sus auriculares. Se trata de la grabación de un programa de radio español en el que una mujer es víctima de un engaño y acaba comprando unos ojos; sobre la cual, Jone San Martín ha estado improvisando largamente, antes de finalizar su solo.

Esta distorsión, típica de Forstyhe, explica también una parte de la historia secreta de Jone San Martín. Con problemas de audición des de los 32 años, ha perfeccionado una técnica de atención particular que encaja totalmente con la obsesión de Forsythe. ‘Para mí, Legítimo/Rezo es realmente una manera de establecer comunicación con el público alrededor de lo que oigo, o no oigo, precisa. El público tampoco oye, pero percibe la situación particular en la que me encuentro. Al mismo tiempo le envío sonidos que hablan de lo que no puedo oír’. Esta dificultad, motor de creación y baza paradójica, hace de San Martín una antena vibrante de la escritura Forsythe que ‘trabaja sobre los malentendidos, dejando espacio al fracaso’.

*Artículo original extraído del periódico francés Le Monde, el 14 de septiembre del 2014.

 

Legítimo / Rezo se presentó también en Madrid en Teatros del Canal el 29 de abril de 2018 con motivo del Día Internacional de la Danza, para lo que se le encargó a Isabel de Naverán y Andrea Rodrigo escribir el programa de mano, del que compartimos un extracto:

Al entrar al teatro notamos que en ese espacio ya está sucediendo algo. Jone San Martín nos espera sentada en una butaca en el escenario. Y, mientras nos acomodamos, ella nos habla, planteando desde el inicio una situación aparentemente divulgativa y basada en el discurso hablado, que sin embargo sufrirá transformaciones al entrar en contacto con su propia materialidad oral y corporal.

¿Es posible una notación que dé cuenta de un movimiento en constante transformación? La pregunta inicial en torno a la posibilidad de una notación le lleva a configurar una situación en la que la explicación y el movimiento se entretejen. La respuesta a la que llega es que no es posible fijar en el espacio blanco del papel ningún trazo que dibuje esta danza y la capture, pues el punto a alcanzar se halla en constante movimiento, de manera que solo es posible llegar a él mediante métodos corporales específicos. En Legítimo/Rezo la danza no se manifiesta por dar forma o cuerpo a un texto o partitura previos. En su lugar, muestra cómo la bailarina alberga en su cuerpo una inscripción que cuenta con las palabras, recuerda con la memoria y ejecuta con los movimientos.

El método de notación en un trabajo así no se fundamenta en la escritura, sino en la lectura. Es una escritura que se hace a sí misma a través de la lectura o, más bien, en el momento de la lectura. Una suerte de “literatura física”, como la llama Forsythe, en la que los bailarines desarrollan una forma específica de escribir-leyéndose entre ellos, pues son la forma de un lenguaje que se articula en un espacio cambiante y en el que el tiempo es una variable que puede determinar la coreografía al completo. 

Legítimo/Rezo muestra cómo la danza, entendida como lenguaje, es ante todo un ejercicio de escucha. Y no es casualidad que la escucha, entendida de forma figurativa o literal, sea uno de los intereses centrales de Jone San Martín. Ella trabaja con el sonido y a través del sonido en varias de sus piezas previas, en las que habitualmente es acompañada por alguien que, desde la técnica y composición del sonido, le envía estímulos para que ella, en directo, pueda reaccionar a ellos. Mantiene así la coreografía en un estado de viva atención, de alerta constante, y por tanto de escucha y de lectura, más que de escritura.

 

 

En cierta forma, Legítimo/Rezo no se ha presentado todavía en Barcelona como tal. La Caldera ha considerado necesario revisitar este legado de Forsythe y acercarlo al contexto local. Coincidiendo con la propuesta de laboratorio con Jone San Martín en julio dentro del Sporá Prógrama, y enmarcándose en el contexto del Festival Grec que para esta edición presenta una instalación de William Forsythe en el MNAC (White Bouncy Castle).

Más info y entradas aquí

 

 

 

 

 

Publicado en General | Comentarios desactivados en Jone San Martin y el legado de William Forsythe

‘La col·lecció’ d’Azkona&Toloza revisita el passat colonial de Barcelona

‘La col•lecció. Guinea Equatorial 1948-1961’ de Laida Azkona i Txalo Toloza

dijous 18 de juliol, a les 19.30h amb entrada lliure

al Museu Etnològic i de Cultures del Món – Seu Parc Montjuïc

Artícle públicat al web del Museu Etnològic i de Cultures del Món – Seu Parc Montjuïc

Aquest projecte es presenta com un treball de recerca documental sobre fotografia etnogràfica, emmarcat en l’àmbit de les arts vives i amb el format final d’una performance site specific desenvolupada per a la Seu Parc de Montjuïc del Museu Etnològic i de Cultures del Món.

La present investigació neix de l’encreuament de dos projectes ja en curs. D’una banda, la peça de teatre documental Tierras del Sud, de la companyia Azkona & Toloza, que en la seva escena central traça una relectura de la fotografia etnogràfica de finals del segle XIX a Llatinoamèrica. De l’altra, el cicle d’exposicions i publicacions Memòria incòmoda del propi Museu Etnològic i de Cultures del Món que aborda críticament el passat colonial de la ciutat de Barcelona.

Tierras del sud d’Azkona & Toloza, tàndem format per la coreògrafa i ballarina Laida Azkona i el videoartista i director d’escena Txalo Toloza-Fernández, és un projecte documental en l’àmbit de les arts vives i forma part de la sèrie documental PACÍFIC. Sèrie centrada en les noves formes de colonialisme, la barbàrie sobre el territori i els pobles originaris de Llatinoamèrica i la seva estreta relació amb el desenvolupament de la cultura contemporània.

La col·lecció és un projecte d’arts vives que busca passar al cos dels performers, corporificar, una selecció de fotografies etnogràfiques realitzades, entre finals del segle XIX i mitjan segle XX, per fotògrafs europeus en els territoris de Guinea Equatorial.

La col·lecció busseja en el patrimoni fotogràfic inèdit del museu, amb especial atenció al passat colonial de la nostra ciutat. L’afany del projecte és treure a la llum part del material provinent de les primeres campanyes i viatges a Guinea Equatorial dutes a terme per l’ex-director del museu August Panella en companyia de l’etnòleg Jordi Sabater Pi. Aquestes quatre expedicions desenvolupades entre els anys 1957 i 1959, al costat de les primeres campanyes al Marroc, van suposar l’inici de la col·lecció del que en el seu moment va ser el Museu Etnològic i Colonial de Barcelona fundat el 1949.

Aquests arxius fotogràfics han començat recentment a ser digitalitzats pel museu, de manera que la majoria del material que els conformen romanen inèdits i mai han estat exposats, ni publicats.

Amb l’aparició del daguerreotip, la primera tècnica que permetia fixar imatges “reals» sobre una superfície, la fotografia va transformar radicalment la forma en què l’antropologia estudiava l’ésser humà. Més específicament allò que a mitjans segle XIX s’entenia com l’estudi de les diferents races humanes. Els dibuixos o pintures que, per molt detallades que fossin no deixaven de ser abstraccions, van venir a ser reemplaçades per imatges fotogràfiques que van ser presentades com el fidel reflex de la realitat, i com a tal, en proves objectives, científiques i irrefutables. Però, fins a quin punt reflectien la realitat aquests daguerreotips?

Potser la sèrie de daguerreotips que Joseph Zealy realitzar a esclaus negres de Carolina del Sud en 1850 (1) és el primer exemple clar d’aquest tipus de construcció de realitats científiques. Realitzades a petició del geòleg i zoòleg suís Jean Louise Agassiz, les imatges van ser encarregades per servir de prova antropològica a teories que buscaven demostrar la inferioritat de la raça negra.

La fotografia etnogràfica en els seus primers estadis, producte d’expedicions i viatges, més propera a l’àmbit documental i mancada de criteris científics clars, es va transformar en una potent eina de l’acadèmia per construir la imatge de «l’altre» com un ésser exòtic, inferior i la majoria de vegades salvatge.

Això últim és encara més flagrant en el cas de les antigues colònies d’ultramar, on la repressió i la barbàrie van tallar de cop gran part de la tradició oral dels seus pobles originaris. Amb el pas dels anys les fotografies etnogràfiques, realitzades gairebé sempre per europeus i construïdes per avalar científicament el Darwinisme Social, es van transformar en l’única prova documental del seu passat, en el «veritable rostre dels seus avantpassats».

Però aquesta forma d’explicar el món no va ser exclusiva de la fotografia, sinó que es va transformar en un estàndard de gairebé totes les branques de l’etnografia. Molts dels museus etnològics repartits pel món s’han sumit, en les últimes dècades en una intensa discussió interna sobre la seva visió museogràfica, amb especial atenció a la forma d’organitzar les col·leccions per intentar fugir del quadern de viatges exòtic o amb una profunda reflexió sobre la utilització de restes humanes.

És sota aquesta forma de veure, entendre i explicar el món, entenent l’altre com un ésser exòtic i assumint la barbàrie colonial com una forma de fer habitual, que nosaltres vam ser educats, instruïts i colonitzats. Nosaltres, els nostres museus i també les nostres institucions culturals. És per tot l’anterior que proposem portar endavant aquest projecte que busca transformar-se en una aportació real a la relectura de la nostra història cultural i, en definitiva, a la decolonització de la nostra mirada.

Com indicava Josep Fornés, director del Museu de Cultures del Món: “La memòria és una convenció social que canvia amb el temps, segons el moment de la societat. Fer memòria requereix la distància necessària que permet la reflexió crítica de qui la fa. Els fets que se solen incloure en la memòria són, en conseqüència, el resultat d’una selecció intencionada.” Cal “repensar la pròpia memòria colonial amb la sana autocrítica que correspon a una societat madura que revisita el seu paper en el passat colonial.”

 

FITXA ARTÍSTICA

Un projecte d’Azkona & Toloza | Coreografia i direcció Laida Azkona Goñi i Txalo Toloza-Fernández | Performers Rosalía Zanon, Claudia Fuentes, Oihana Altube, Tamara Ndong i Laida Azkona Goñi | Banda sonora Rodrigo Rammsy | Veus Sofia Coffi, Oscar Dasí, Alicia Eho, Susana Marilo, Toni Mira, Resurrección Rôpe | Textes Txalo Toloza – Fernández | Disseny audiovisual MiPrimerDrop | Estilisme Sara Espinosa | Disseny Fanzine Sarah Renau 

amb la col.laboració d’Agus Pérez, Pablo González, el personal del Museu Etnològic i de Cultures del Món – Seu Parc Montjuïc i l’Asociación Guineocatalana Bisila

Imatges de les pel·lícules ‘Cazadores de imágenes’ i ‘Le mal d’Afrique’ de Pere Ortín i Vic Pereiró ©Pere Ortín 2019 | Arxius de Manuel Hernández Sanjuan i Hermic Film | amb la col·laboració d’Altaïr Magazine

Una coproducció d’Azkona & Toloza, La Caldera, el Museu Etnològic i de Cultures del Món – Seu Parc Montjuïc de Barcelona i ICUB, en el marc del programa Creació i Museus – GREC

Més info aquí.

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘La col·lecció’ d’Azkona&Toloza revisita el passat colonial de Barcelona

‘Legítimo / Rezo’  de Jone San Martín – La Caldera Grec’19

Legítimo / Rezo de Jone San Martín

19 y 20 de julio, a las 20.30h

 

‘La verdad desaparece en cuanto se la pronuncia, solo puede ser transmitida.’ Lawrence Durrell, Quarteto de Alexandria, libro Clea.

 

Legítimo / Rezo es un espectáculo de Danza que consta de dos partes (Conferencia bailada y solo) que van anudadas y por lo tanto sin descanso ni separación.

‘Se trata de una conferencia bailada. Partiendo del tema de la notación en el trabajo de Forsythe, me gustaría hablar de la manera en que el bailarín se sirve de dicho material. Explicar o mejor ‘bailar’ el proceso al que se somete la escritura antes de convertirse en material coreográfico. Para ello es imprescindible conocer y dominar las técnicas de improvisación. El bailarín tiene una gran libertad y responsabilidad al interpretar la notación, y puede tomar decisiones que serán determinantes en el resultado final de la coreografía. Para el solo, William Forsythe me da la estructura organizativa; el esbozo de cómo la pieza podría funcionar hipotéticamente. El contenido es la suma de mis decisiones personales tomadas a cada instante.’

Jone San Martín

Concepción: Jone San Martín, Josh Johnson, William Forsythe

Interpretación: Jone San Martín

Composición musical: Mikel R. Nieto

Escenografía y diseño de la iluminación: Josh Johnson

Una producción del Mercat de les Flors y The Forsythe Company. Una propuesta de La Caldera – centro de creación de danza y artes escénicas para el Festival Grec de Barcelona .

Jone San Martín 

Jone San Martín nació en San Sebastián en 1966 pero su trayectoria profesional se ha desarrollado básicamente en el extranjero, y trabajando con artistas como Nacho Duato a Jacopo Godani, de Jan Lauwers y Jan Fabre a Jan Marteens, entre otros. Pero seguramente uno de los profesionales de la danza que ha dejado una huella más profunda en su trayectoria es William Forsythe, con quién trabajó de 1992 a 2015. El pensamiento y los métodos de trabajo de este grande de la danza están en la base de la doble propuesta que veremos en La Caldera.

Jone San Martín participa durante del 22 al 26 de julio en el Sporá Prógrama de La Caldera, que pretende impulsar la circulación de prácticas, herramientas y metodologías, ofreciendo a creadores locales la posibilidad de sumergirse en el universo creativo de otros artistas con una larga trayectoria y experiencia en la transmisión.

Más info y entradas en aquí

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Legítimo / Rezo’  de Jone San Martín – La Caldera Grec’19

‘La colección. Guinea Ecuatorial 1948-1961’ de Laida Azkona y Txalo Toloza

La colección. Guinea Ecuatorial 1948-1961 de Laida Azkona y Txalo Toloza

Jueves 18 de julio, a las 19.30h

 

En el Museo Etnològic i de les Cultures del Món de Montjuïc

Entrada libre

La colección es una exposición viva y efímera que navega entre los archivos gráficos de las primeras expediciones llevadas a cabo por August Panella y Jordi Sabater Pi en la antigua colonia española de Guinea Ecuatorial. Archivos fotográficos, fílmicos y textuales que hasta ahora han permanecido inéditos.

Una exposición al aire libre pensada como un viaje que bucea en la estrecha relación entre las primeras décadas de desarrollo de la fotografía etnográfica, el pasado colonial de la ciudad de Barcelona y la barbarie sobre aquellos y aquellas que sufrieron la colonización de sus cuerpos y su territorio. Colonización que pese al paso de los años se extiende hasta nuestros días a través de nuevas formas de organización política, económica y social.

Un proyecto de Azkona & Toloza 

Coreografía Laida Azkona Goñi 

Dirección de escena Txalo Toloza-Fernández 

Performers Rosalía Zanon, Claudia Fuentes y Laida Azkona Goñi 

Banda sonora Juan Cristóbal Saavedra 

Diseño audiovisual MiPrimerDrop 

Una coproducción de Azkona&TolozaLa Caldera y el Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona per al programa Museus i Creació dins del Festival Grec de Barcelona.

 

Azkona & Toloza

Azkona & Toloza a medio camino entre Barcelona, Pamplona y el Desierto de Atacama, Azkona & Toloza son un pareja de artistas dedicada a la creación de proyectos de artes vivas. Amantes de las posibilidades performáticas del My Firts Sony, además de desarrollar sus propios proyectos en pareja o por solitario, Azkona & Toloza han colaborado, entre otros, con la perfomer Sònia Gómez, el director de escena Roger Bernat o la compañía de teatro documental mexicana Lagartijas Tiradas al Sol. Web

 

Más info aquí

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘La colección. Guinea Ecuatorial 1948-1961’ de Laida Azkona y Txalo Toloza

SPORÁ PRÓGRAMA_JONE SAN MARTÍN

SPORÁ PRÓGRAMA_JONE SAN MARTÍN

del 22 al 26 de julio de 10 a 14h

Tras años de investigación en el terreno tan “in/ estable” como es el de la danza improvisada, me dispongo a compartir y revisar las técnicas de improvisación desarrolladas junto a William Forsythe.

A abordarlas como un útil que permite al bailarín, al intérprete, tomar decisiones en el escenario que serán determinantes en el resultado final de la coreografía. Prestando especial atención a la relación coreógrafo-intérprete en esta disciplina que niega la pertenencia pero que sí tiene un origen.

Propongo compartir con los participantes las dudas y certitudes a las que yo me enfrento en la práctica de la danza improvisada y las tecnologías que derivan de ella, para juntos poder comprender mejor la complejidad y la fragilidad de este tipo de composición coreográfica.

En paralelo, Jone San Martín presenta en La Caldera y dentro del marco del Festival Grec la pieza Legítimo/Rezo.

 

Jone San Martín

Bailarina, coreógrafa y profesora de improvisación de técnica Forsythe, nacida en San Sebastián (1966) y residente en Berlín.

Ha trabajado para compañías como: Ballet de Barcelona, Compañía Nacional de Danza de Madrid, Ulmer Theater, Ulm (Alemania), Archipel Sud, Namur (Bélgica), en el Ballett Frankfurt, en The Forsythe Company en Frankfurt y en Dance On en Berlin.

Para coreógrafos de renombre como: William Forsythe (del 1992 hasta 2015), Jacopo Godani, Fabrice Mazliah, Agnès Chekroun, Nacho Duato, Carlotta Sagna, Jan Lawers, Jan Fabre, Tim Etchelles, Matteo Fargion, Rabih

Morué, Deborah Hay, Jan Marteens, Ersan Mondtag, Johannes Wieland, Josh Johnson, Mikel R Nieto y Emanuele Soavi.

Trabajos propios de creación: “Ser, estar o parecer“, “Juana la otra”, ”Remote Versions”, “Double B(l)ind”, “Hostis”, ”Gorputiz”, “Legítimo/Rezo”, “Jugo”, “Snowfake”, “Huts”, “Any Body Sounds” y la conferencia performativa en un proyecto de archivo “D Archives”.

Más info aquí

Publicado en General | Comentarios desactivados en SPORÁ PRÓGRAMA_JONE SAN MARTÍN

‘Descansando en una hamaca a 60m del suelo’

Presentació En Residència 

Descansando en una hamaca a 60m del suelo

divendres 14 de juny, a les 13h i a les 19h

 

Divendres 14 de juny es presentarà a La Caldera en dues sessions (una a les 13h i una a les 19h) el treball realitzat pel col·lectiu d’artistes Misióndivina conjuntament amb els alumnes de l’IES Joan Boscà dins del marc d’En Residència, anomenat Descansando en una hamaca a 60m del suelo.

En Residència proposa als artistes que concebin una obra específicament pensada per ser duta a terme juntament amb un grup d’estudiants d’educació secundària obligatòria (ESO). Al llarg de tot el curs i dins l’horari lectiu, els alumnes participen en la seva concepció i realització.

Misiondivina som un col·lectiu d’artistes que ens reunim setmanalment per qüestionar-nos i moure’ns entorn de preguntes que deriven de les nostres pràctiques: la performance, les arts escèniques i visuals, la dansa, el cinema, la música o l’escriptura. Som Itxaso Corral Arrieta, Óscar Dasí, Diana Gadish, María García Vera, Xavier Manubens i Verónica Navas. El focus de la nostra recerca es col·loca en un coneixement que ve sobretot del cos. Partint de les diferents pràctiques artístiques individuals de cadascuna i confrontant-les, generem entramats de descobriments, suggeriments o pistes al voltant dels sabers d’un cos. Ens interessa trencar les construccions jeràrquiques en relació amb el coneixement.

Amb Carlos Alba Hernández, Paula Bagán Pérez, Marc Brañas Ardiaca, Valentina Bürgin, Víctor Campos Codina, Sara Cardona Torres, Izan Carrasco Ávila, Alexandra Farias Ayala, John Kevin Flores Tenecora, Ariadna Gómez Cano, Paddy Hally García, Ali Hassan, Nerea Jurado Sicilia, Lucía Mansilla Balastegui, Salma Kaliha, Michael Mba Moiche, Alexandra Navarro Bosquet, Hajar Ouacha, José Gabriel Pardell Moreno, Alexandro Rodríguez Escobar, Anna Seisdedos Martínez (alumnes de 4rt ESO) i Blanca Pérez-Portabella i Assumpció González (docents).

Més informació aquí.

Publicado en General | Comentarios desactivados en ‘Descansando en una hamaca a 60m del suelo’

CCC#22_Nadine Gerspacher

CCC#22_Nadine Gerspacher

viernes 31 de mayo, a las 20h

 

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

 

El viernes 31 de mayo, a las 20h, Nadine Gerspacher compartirá su proyecto en proceso The Age of Aquarium.

 

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

(Entrada libre con aforo limitado)

 

The Age of Aquarium es una pieza de danza teatro, donde el movimiento, la teatralidad y la música se unen en un feérico claro-oscuro. Es la primera parte de una trilogía anunciada para 2021-2022 que explora las consecuencias de la tecnología desde diferentes situaciones y perspectivas. Esta obra explora nuestras dependencias y la manera en la que nuestras relaciones se han transformado con la situación ficticia de una página blanca, una escena post-apocalíptica, desvelando imágenes retentivas de nuestras experiencias, nuestra cultura, nuestros condicionamientos. La multiplicación de las realidades de nuestras vidas cotidianas relativiza la definición de lo real mismo. El físico Stephen Hawking compara nuestra percepción a la de un pez rojo que solo ve una imagen distorsionada del mundo exterior a través de las paredes de su aquarium: Might not we ourselves also be inside some big goldfish bowl and have our vision distorted by an enormous lens? The goldfish’s picture of reality is different from ours, but can we be sure it is less real? Anthony Hawkins.

 

En la residencia técnica que nos ha sido otorgada, trabajaremos el diseño de las luces para reforzar el trabajo escénico. Zak Macro y su ayudante concretizarán la iluminación inspirada por los ensayos y las referencias de la pieza.

 

 

Cia. Nadine Gerspacher

Cia. Nadine Gerspacher es un proyecto creativo donde su trabajo se define de varias formas. La compañía es una plataforma para sus creaciones propias, así como para sus colaboraciones con otras artistas, conservatorios y diversas compañías de danza. Sus creaciones se inspiran por lo cotidiano, el teatro físico siendo el eje central. Nadine Gerspacher concibe pequeños mundos poblados por personajes donde la absurdidad, la poesía y la fisicalidad se combinan narrativamente. El humor, la transformación y la vulnerabilidad son partes esenciales de sus piezas. Después de un largo recorrido de creaciones a lo largo de los ocho últimos años, The Age of Aquarium es la primera parte de una trilogía sobre las relaciones entre la humanidad y el mundo digital.

 

más info aquí

Publicado en General | Comentarios desactivados en CCC#22_Nadine Gerspacher

CCC#21_Lautaro Reyes

CCC#21_Lautaro Reyes

jueves 23 de mayo, a las 20h

 

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

 

El jueves 23 de mayo, a les 20h, Lautaro Reyes compartirá su proyecto en proceso Ceremonia.

 

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

(Entrada libre con aforo limitado)

 

Ceremonia es una celebración de la abstracción. Un paisaje que sucede en el imaginario. Este trabajo investiga las posibilidades que ahondan en el acto performativo como un lugar de introspección y experimento, un marco de absorción. Los elementos escénicos; luz, cuerpo y sonido construyen un único túnel dramatúrgico hacia la subjetividad y narración abstracta de la persona que observa.

 

Lautaro Reyes 

Lautaro Reyes (1986) Director de la compañía Camaralucida, pone el foco de investigación en encontrar y desarrollar mecanismos para establecer canales de comunicación dentro de un campo sensorial, apostando por la apertura de la propuesta escénica a las narrativas subjetivas que sucedan en la persona que observa. Camaralucida a presentado trabajos en los teatros Antic Teatre, Conde Duque, Sat teatre, Sala Hiroshima y Mercat de les Flors, participando en los festivales Sismògraf, Per amor a l’hart, Dansat!, DNA Romaeuropa y Salmon, y en los marcos de intercambio Danceweb 14′, Brut Nature 18′ y FF90 19′.

 

más info aquí

Publicado en General | Comentarios desactivados en CCC#21_Lautaro Reyes