‘Código fuente audiotextual de Jinete Último Reino Frag. 2’ de MARÍA SALGADO y FRAN MM CABEZA DE VACA

Viernes 6 de mayo, a las 18.30h en La Caldera

Al hilo de la metodología del «código fuente audiovisual» inventada por el festival ZEMOS98 para que lxs artistxs y pensadorxs liberen el software hecho por las diferentes voces que conforman su trabajo en relación al contexto en el que se produce, en esta sesión compartimos la escucha y comentario de una serie de obras poéticas, performativas y musicales que sirvieron de referencia, desafío y enseñanza a la hora de elaborar el Frag. 2 de la trilogía Jinete Último Reino. De Alexander Schubert a Tracie Morris, de Concha Piquer a Steve Reich; los problemas compositivos, las elecciones formales, la posición política tomada durante el proceso de invención de la pieza es puesta en común con lxs asistentes.

Este formato híbrido entre la conferencia, la audición colectiva y la pinchada, nos permite contar la teoría de la composición, el sonido y el lenguaje que vamos elaborando a partir de nuestra práctica creativa y el análisis conjunto de las piezas de poesía, música y performance que amamos, sin ocultar las referencias críticas que también manejamos ni los misterios y dudas y desvíos a los que también nos enfrentamos.

La Conferencia Audiotextual de Jinete Último Reino Frag. 2 se ha mostrado durante el curso 2021/2022 de la Escuela de Invierno de Conde Duque (comisariada por Celso Giménez) y en las Jornadas de Escribir de Arte: Escritos académicos, crítica de arte y textos que son arte de la facultad de Bellas Artes de la UPV (organizados por Edurne González Ibánez) en diciembre de 2021.

Esta actividad forma parte de ARTE Y PENSAMIENTO POSTFUNDACIONAL, NUEVOS JUICIOS ESTÉTICOS. Ciclo de diálogos entre filosofa y arte sobre los retos de la estética contemporánea y su potencial político, organizado por la Universidad Barcelona que tendrà lugar del 4 al 6 de mayo.

MARÍA  SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA trabajan juntxs en Madrid desde 2012. Su proyecto común se centra en la idea de audiotexto como confluencia entre poesía, lenguaje, música, arte sonoro y performance. Hacía un ruido (2012-2016) y Jinete Último Reino (2017-…) dan nombre a las dos investigaciones que han vertebrado sus obras de los últimos diez años. Su trabajo ha sido mostrado en contextos como el Museo Reina Sofía, MACBA, Teatros del Canal, CDN Balle Inclán, WKV Stuttgart, 16 Beaver o Espacio Naranjo.

El alumnado del grado de Filosofa de la Universitat de Barcelona inscrito en las jornadas tienen reservada una plaza.

Entrada libre con reserva previa en el siguiente formulario.

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Dia Internacional de la Dansa a Les Corts

Viernes 29 de abril, a las 17.30h en la Plaça Comas

El Grupo CHM Salut Mental y La Caldera os invitamos a participar en la Celebración del Día Internacional de la Danza.

Lo celebraremos con un acto de carácter inclusivo y festivo donde presentaremos breves propuestas de Danza, la lectura del Manifiesto del Día Internacional de la Danza, y una coreografía colectiva, creada por el grupo de danza del CHM, para acabar todos bailando.

Con las actuaciones de:

MAGÍ SIERRA Y ANA MARIA KLAJNŠČEK presentando un fragmento de Cossoc.
LIANT LA TROCA con la pieza Sense con tacte.
GRUP DANSA de los Servicios de Rehabilitación Comunitaria del Grupo CHM Salut Mentalpresentando Despertar és possible.
El acto acabará con un baile conjunto del tema residus del sistema de LO PETIT COMITÈ.

Cossoc (fragmento), de MAGÍ SERRA y ANAMARIA KLAJNŠČEK

Magí Serra y Anamaria Klajnšček presentan Cossoc, un dueto de danza y equilibrios concebido para integrarse con el entorno. Una coreografía hipnótica repleta de imágenes sugerentes de lo que pueden hacer dos cuerpos en equilibrio constante. Un movimiento de investigación sobre la complejidad y la simplicidad de una relación. Una ventana de observación y curiosidad para el espectador, en la frontera entre el espacio público y el privado.

Sense con tacte de LIANT LA TROCA

Existe un juez poco visible, elegantemente cruel, con escasa consciencia de sí mismo, y que sin embargo, decide quien puede volar y quien no. O eres halcón, o mariposa con grilletes. Tu espíritu necesita expandirse, ¿Quién puede elevarse arrastrando cadenas? Te juzgan, lo crees. Te apartan, Lo naturalizas. Te niegan, lo asumes. Te condicionaron a temer las sombras que nos sobrevuelan, pero no pueden dañarte más allá del miedo. Date permiso. Arriésgate. Aventúrate a explorar. Sorprende. Acepta el desafío, equivócate. Comparte tu éxito y tu fracaso. Hazte visible, otros seguirán tus huellas. Vuela…Vuela… ¡Y ya nadie volverá a mirarte desde arriba!

Organiza: Grup CHM Salut Mental

con la colaboración de: La Caldera, centre de creació de dansa

Y el apoyo de: el Ajuntament de Barcelona, el Espai Inclusió y la Associació de Professionals de la dansa a Catalunya

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Publicación Poro estratosfèrica

Presentamos poro estratosfèrica.

Una nueva publicación que penetra dentro del núcleo de los procesos de creación y de los diálogos entre las artistas, para emitir las reflexiones y saberes del cuerpo que se generan, más allá de las cuatro paredes de La Caldera.

Una publicación con cuerpo de papel que huye de la saturación y el carácter efímero de las redes sociales y crea un espacio flexible y variable que permite relacionarse con las cosas físicamente, otra temporalidad y otra mirada.

Una publicación en proceso, que recoge los rastros de lo que está pasando, con publicaciones de varios formatos que se irán compilando para finales de año tener una publicación que se habrá ido generando en tiempo real.

Una práctica editorial surgida de la necesidad de comunicar una Caldera que este 2022 se convierte en ‘Brutal‘, poniendo en el centro los contextos de encuentro entre artistas para compartir prácticas, fricciones, contaminaciones… desde donde emergen las actividades de la caldera. Una red de contenidos que se irán tramando y desplegando orgánicamente durante el año, y de la misma manera, se irán comunicando sobre la marcha, en diferentes entregas poro estratosféricas.

Por el momento hemos lanzado la primera. Lo hemos presentado en el contexto del Dansa Metropolitana en La Caldera, con una recopilación de cuatro publicaciones en torno a los trabajos de João Lima, Lara Brown, Elena Córdoba y el proyecto Caldera Brutal 2022.

Si quieres recibir esta publicación en casa de forma gratuita, rellena el siguiente formulario con tus datos postales (hasta agotar existencias):

FORMULARIO

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‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero

Este año dentro del Dansa Metropolitana proponemos dos programas dobles muy potentes que nos encanta cómo dialogan entre sí:

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima, del 17 al 19 de marzo, a les 20h 

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero, del 24 al 26 de marzo, a las 20h

Presentamos de seguido, las dos primeras propuestas, que se presentan del 17 al 19 de marzo, en La Caldera: ‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero.

Bailar o Lo salvaje de Lara Brown

Este trabajo surge de la necesidad de entender el origen de la jota, preguntándose, así, si bailar responde a una necesidad innata de moverse de una forma improductiva. Investiga el origen de los bailes populares, y cómo han sido y son atravesados por el contexto histórico, político y social. El resultado es una secuencia de movimiento y coreografía que refleja toda la información recopilada.

Panorama de Raquel Gualtero

Del griego pân (todo) y hórama (vista) la palabra panorama fue popularizada por el pintor irlandés Robert Baker (1787) para describir sus pinturas circulares. En sus cuadros de extensos paisajes, el pintor genera una experiencia inmersiva que invita a la contemplación y, por ende, a la reflexión. ¿Cuál es nuestro lugar en este paisaje? De la misma forma, Raquel Gualtero nos propone entrar en un estado contemplativo en el que, a través de su cuerpo, transitemos por diferentes imaginarios que nos resultan extrañamente familiares. Toda la pieza está cargada de gestos reconocibles que a través de su repetición se convierten en coreografías infinitas. El cuerpo de la bailarina es el centro de este paisaje. Un lugar atravesado por una voz que nos pertenece y que transforma los moldes que hemos construido. Quizá, este lugar en el paisaje es un lugar extraño, inhóspito e inesperado, pero, sin duda, es un lugar anhelado.

Toda la info y entradas en el web

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‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima

Este año dentro del Dansa Metropolitana proponemos dos programas dobles muy potentes que nos encanta cómo dialogan entre sí:

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima, del 17 al 19 de marzo, a les 20h 

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero, del 24 al 26 de marzo, a las 20h

Presentamos de seguido, las dos primeras propuestas, que se presentan del 17 al 19 de marzo, en La Caldera: ‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima.

Lo Faunal de Pol Jiménez

En este extracto del solo Lo faunal, el bailarín Pol Jiménez encarna a la figura mitológica del fauno, que durante la siesta fantasea con las ninfas. Para hacerlo, se inspira en la representación del fauno de la danza clásica de Nijinsky, y tanto el intérprete como el director de la pieza, Bruno Ramri, se centran en la idea de que no es solo un personaje mitológico, sino más bien una condición. Una condición que comparte con la danza española, la de la hibridación constante para poder ensanchar sus fronteras.

Cavalo do Cão de João Lima

En portugués brasileño, cavalo do cão («caballo del perro», en traducción literal) es una expresión que significa a la vez un insecto cuya picadura provoca un dolor desgarrador, una persona indomable y el caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. El bailarín João Lima encarna a este animal a través de un espectáculo de danza contemporánea que nos evoca a un personaje cuya forma de vida es híbrida. Una composición basada en la materialidad y en la ritmicidad del cuerpo y el espacio, a través de la (des)conjunción entre el gesto y la voz, la imagen y el sonido, y que nos sitúa, quizás, entre el encanto y el espanto.

Tota la info y entradas en la web de la caldera

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¿Una danza decolonial? – ‘Cavalo do cão’ por Gérard Mayen

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

En un solo multidisciplinar y revuelto, el bailarín y coreógrafo João Lima configura el presente de un espacio emancipado de las alienaciones coloniales. La libertad se devuelve a la mirada del espectador.

Cavalo do cão? En portugués brasileño, esta expresión tiene muchos significados.  Literalmente, podría significar «caballo del perro», como si un cánido pudiera hacerse dueño de un equino. Cavalo do cão es también un insecto cuyas picaduras son terribles. Trataríamos también de Cavalo do cão a una persona joven particularmente indomable. Finalmente, en el registro de la mitología popular, Cavalo do cão es el «Caballo del diablo».

Ya des del título de esta obra, se nos sitúa en dos vías de percepción. Por un lado, la de la polisemia, con la apertura de múltiples significados. Por otro lado, captamos un imaginario cromático, rústico y, por qué no, exótico. Esto resuena con el hecho de que João Lima, que interpreta y firma el solo Cavalo do cão, sea de origen brasileño. Desde hace algunos años, no faltan figuras de este gran país latinoamericano que se alzan con furia, con dureza, con acentos muy marcados, a veces teñidos de arcaísmo.

En este registro, que no es el de João Lima, se capta claramente la intención de convocar las potencias de los referentes culturales que la colonización ha marginado. Pero estas figuras son a veces tan llamativas, extremadas, que suscitan una duda: ¿no despiertan, sin querer, un exotismo espectacular finalmente esperado, subrayado? Lo que acaba encerrando los territorios del imaginario, aunque se haga con las mejores intenciones políticas del mundo.

Como se ha sugerido anteriormente, João Lima traza su camino en un territorio completamente diferente, que deja indefinidamente fluctuante y polisémico. Pasan largos minutos antes de que distingamos visualmente su presencia en el escenario al comienzo de Cavalo do cão. Reina la penumbra. Fuertes gritos, potentes pero variados, la habitan. No hay duda: se nos está invitando a explorar todo un universo. La resonancia es potente: en el espacio, el grito se difunde y se inscribe en un aliento vital, orgánico, como el abrazo de un cuerpo humano presente en el vasto elemento que lo rodea. La llamada al imaginario es considerable.

A lo largo del resto del solo, esta fisicalidad sonora será indefinidamente relanzada por el intérprete. Esto, se trabaja con la aportación de un arquitecto de sonido, Miquel Casaponsa. Mientras tanto, se crea la luz, que modulará en todo momento sus poderes de revelación, sugeridos por Ivan Cascon. Todo se desarrolla en concierto, el espacio escénico se convierte en el actor de las metamorfosis. A partir de este momento, João Lima no dejará de sondear este territorio, de manifestarse en gestos que lo conforman: el artista hurga, tantea, empuja, designa, perfora, sopesa, indica, evalúa, cadencia. Todas estas acciones, intercaladas, se suceden y generan un ritmo de descubrimiento; mientras los gritos, las respiraciones, se llevan las imágenes de la mente.

Todo el escenario es recorrido de esta manera, en todas sus dimensiones, poco jerarquizadas. La situación es abierta, las fronteras son abolidas. Con una mirada penetrada, João Lima es un artista coreográfico ferozmente consciente de su presencia, pero sin ninguno de los alardes visuales de los cánones del cuerpo. Nada autoritario emana de su recorrido, no ignora la neutralidad de las pausas. Pero es, permitiendo esta libertad de espacio y también de sonidos, que se convierte en el director de orquestra de una polifonía de las miradas y las escuchas posibles. El viaje se devuelve a cada espectador/a, íntimo en la situación colectiva.

Con la complicidad de la artista Clara Sáez, el escenario está poblado de objetos dispersos que apelan a transacciones enigmáticas. Algunos sugieren un imaginario del país lejano: aquí un mechón de pelos, allí una posible lanza, más allá una especie de coral, una red para cazar mariposas, así como unos míseros sacos de yute. Es suficiente para despertar la curiosidad por mundos desconocidos, la perplejidad de acciones que quedan sin explicar, en un viaje del lado de las leyendas. Pero los materiales son sintéticos, banalmente contemporáneos, de plástico blando y colores llamativos. Este mundo es actual, pero se nos escapa, incluso cuando el artista decide disponerlo como un tótem.

Poco a poco, no cabe duda de que João Lima está revelando un universo, de otro modo invisibilizado. Poco a poco, captamos que esto dibuja un objetivo decolonial. Pero nada está aseverado en términos de conquista o reconquista. Un tiempo arremolinado nos devuelve a cada uno/a la responsabilidad de nuestra propia mirada. Manteniéndose en el presente, este se desplaza en proyecciones que abrazan el pasado mientras acarician el futuro. Puesto que se trata, igualmente, de desmantelar los agenciamientos de dominación, Cavalo do caõ lo hace de una manera segura, que consiste en configurar un territorio emancipado, móvil y liberado de la omnipotencia de las representaciones espectaculares.

Gérard MAYEN, Crítico de danza. Montpellier, febrero de 2022

 

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

 

Gérard MAYEN vino a ver una Cápsula de Creación en Crudo,  el 5 de noviembre de 2021, de Cavalo do Cão, trabajo en proceso de João Lima, en residencia en La Caldera. A raíz del encuentro escribió este texto. Una aproximación al trabajo y una mirada más amplia que queremos compartir con vosotras. Este texto forma parte de una publicación que estamos preparando.

João Lima ha sido residente en La Caldera con este proyecto, en 2020 con una residencia de creación y en 2021 con una residencia técnica. Presenta la pieza acabada en la programación de La Caldera por Danza Metropolitana.

17-19 marzo

Cavalo do Cão de João Lima + Lo Faunal (extracte) de Pol Jiménez

24-26 marzo

Bailar o lo salvaje de Lara Brown + Panorama de Raquel Gualtero

Toda la info en la web

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CCC#51_Fran Martínez

Cápsulas de Creación en Crudo son omentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Jueves 10 de marzo, a las 20h Fran Martínez nos comparte una muestra de su trabajo en residència técnica Transfixión

TRANSFIXIÓN: 1. f. Acción de herir pasando de parte a parte. U. frec. en religión, hablando de los dolores de la Virgen ante la agonía de su Hijo.

Una pieza sobre el hacer. En exceso. Un ejercicio de misticismo de baja intensidad. Un ir y venir: el adentro, todo oscuridad, y el afuera que, de tan visible, indescifrable. «Entremos más adentro en la espesura».

FRAN MARTÍNEZ se forma en interpretación y danza en diferentes escuelas de España, Portugal y Bélgica. Recibe la beca DanceWeb – ImpulsTanz Festival Vienna 2019. Ha trabajado con Teatro Ensalle, Tino Sehgal, Dora García, Amélia Bentes, Meytal Blanaru, Jesús Rubio y Voadora – Marta Pazos. Actualmente trabaja como intérprete para Pisando Ovos – Rut Balbís, Natalia Fernandes, Alba González y Back Productions. Co-fundador de la compañía de artes del cuerpo Pálido Domingo. “la temperatura el temperamento”, su primera creación, fue estrenada en 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo y recibe el premio del jurado en el festival GraciasXFavor – Santander 2017. Actualmente se encuentra en proceso de creación de “humedales”, proyecto apoyado por Centro Cultural Conde Duque + Coreógrafos en Comunidad, Centro Danza Canal y Teatro Ensalle.

Entrada gratuita con reserva previa

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CCC#48_Victor Colmenero

viernes 14 de enero, a las 20h

A través de los jardines nace la alineación, el orden, la cadencia, la distancia entre los planos y la perspectiva. Giles Clément plantea en su libro “Una breve historia del jardín” el jardín como una reducción de la historia de las formas. Pero los jardines también son una relación de ritmo y movimiento. Un pulso entre cuerpo y espacio para contener o proyectar entornos. Lxs jardinerxs trabajan para el futuro. 

Mi intención es explorar el cuerpo como generador de paisajes pero también como paisaje en sí mismo. Me interesa observar ese momento de transición que llamo dentro del proyecto fenomenologías y que se inspiran en la realidad pero también en la ciencia ficción: craquelado, efervescencia, disolución…

Cápsulas de Creación en Crudo (CCC) son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Entrada libre con reserva previa

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CCC#47_Amaranta Velarde

jueves 13 de enero, a las 20h

El proyecto investiga los conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Indaga en la necesidad de búsqueda de estado alterados de conciencia y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y la condición de vacío humano.

Como punto referencial de inspiración el proyecto Desbordes mira hacia la estética camp y el movimiento efímero de los años 80 llamado New Romantics. La mezcla de elementos que lo comportan, su estética kitsch, su optimismo exuberancia, las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Dirección e interpretación: Amaranta Velarde

Interpretación: Guillem Jiménez

Música en directo: Juan Cristóbal Saavedra

Ojo externo: Cris Blanco

Asistencia de movimiento: Oihana Altube

Fotos: Jorge Mirón

Con el apoyo de La Caldera, Centro Coreográfico Canal y Premis Barcelona

Cápsulas de Creación en Crudo (CCC) son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

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‘Ecoica’ de Blanca Tolsà + ‘Debris’ de Georgia Bettens y Javier de la Rosa

Programa doble:

Ecoica de Blanca Tolsà 

35 min.

Ecoica explora los orígenes del deseo que mueve el cuerpo para entender por qué sus formas acaban respondiendo a un imaginario común. Cuestionando mi propia inercia, desgranando cada detalle, me evado de lo terrenal y saco nuevos patrones de mi misma. Dejo algo en el aire e intuyo qué podría ser lo próximo desde una escucha más afinada. A través de la discontinuidad, la mutación y la fantasía abro cápsulas suspendidas en el tiempo: un desdoblamiento de la realidad donde lo real y lo irreal se alinean y se distancian.

+

Debris de Georgia Bettens y Javier de La Rosa

40 min

Debris es una sintonización de la imaginación, el espacio y el tiempo. Nuestro trabajo proviene de una manera especial de percibir y gestionar la sensación, el espacio y el tiempo que se relaciona con nuestra autopercepción y con la experiencia que tenemos del entorno. La sensibilidad se eleva al máximo para conectarnos con nuestro propio cuerpo, el del otro y nuestro alrededor. Nos involucramos en una constante transformación de la textura, el tiempo y la densidad del espacio.

Encajamos puzzles con nuestros cuerpos.

Resolvemos problemas con nuestros cuerpos

BLANCA TOLSÀ (València 1991), bailarina. Graduada en 2013 en ITdansa Jove Companyia Institut del Teatre, bajo la dirección artística de Catherine Allard donde realiza giras internacionales con repertorio de Ohad Naharin, Jiri Kylian, Montse Sánchez/ Ramón Baeza, entre otros. En el 2016 trabaja con Ariadna Montfort (Bathseva, LaVeronal) para “Moaré” (por la cual recibe una nominación a los Premios MAX por mejor intérprete femenina en danza). En 2017 realiza una producción en Zappalà Compagnia (Sicilia). Después integra en “Wu Wei”, de Raquel Klein. Forma parte del Cèl·lua 1, “Flamingos” de Albert Quesada. Actualmente trabaja con diferentes coreógrafas en Barcelona como Irene García La Quebrà, Lipi Hernández y Raquel Klein. También canta en el Cor Universitat de Farmàcia como soprano.

GEORGIA BETTENS se graduó en el Victorian College of the Arts de la Universidad de Melbourne en 2014 con una licenciatura en bellas artes (Danza). Ha trabajado con coreógrafos como Xavier Le Roy, Deboray Hay, Benoît Lachambre y Becky Hilton. Georgia ha girado internacionalmente con «If It is All In My Veins» de Martin Hansen. Recibió la subvención Ian Potter Cultural Trust, del Fondo Individuales de Artes Queensland, de la beca global de la Universidad de Melbourne y del premio Norma De Gruchy.

JAVIER DE LA ROSA se licenció en Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid en 2018 y en Danza Contemporánea en la Escuela de Danza Privada Carmen Senra de Madrid en 2017. Ha trabajado con compañías de performance y danza como El Conde de Torrefiel dirigida por Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, como Zukdance Performing Arts dirigida por Itsaso A. Cano, o como Dani Paulo Co. Dance and Theatre en colaboración con Zukdance Performing Arts.

jueves 21 de octubre, a las 20h y viernes 22, a las 21h

Entrada en la web de La Caldera

Esta propuesta forma parte Corpografies, la línea de programación de La Caldera centrada en las escrituras corporales y narrativas de la presencia, la capacidad del cuerpo para articular un discurso sensible, donde el cuerpo es texto y el pensamiento es acción.

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