‘Descansando en una hamaca a 60m del suelo’

Presentació En Residència 

Descansando en una hamaca a 60m del suelo

divendres 14 de juny, a les 13h i a les 19h

 

Divendres 14 de juny es presentarà a La Caldera en dues sessions (una a les 13h i una a les 19h) el treball realitzat pel col·lectiu d’artistes Misióndivina conjuntament amb els alumnes de l’IES Joan Boscà dins del marc d’En Residència, anomenat Descansando en una hamaca a 60m del suelo.

En Residència proposa als artistes que concebin una obra específicament pensada per ser duta a terme juntament amb un grup d’estudiants d’educació secundària obligatòria (ESO). Al llarg de tot el curs i dins l’horari lectiu, els alumnes participen en la seva concepció i realització.

Misiondivina som un col·lectiu d’artistes que ens reunim setmanalment per qüestionar-nos i moure’ns entorn de preguntes que deriven de les nostres pràctiques: la performance, les arts escèniques i visuals, la dansa, el cinema, la música o l’escriptura. Som Itxaso Corral Arrieta, Óscar Dasí, Diana Gadish, María García Vera, Xavier Manubens i Verónica Navas. El focus de la nostra recerca es col·loca en un coneixement que ve sobretot del cos. Partint de les diferents pràctiques artístiques individuals de cadascuna i confrontant-les, generem entramats de descobriments, suggeriments o pistes al voltant dels sabers d’un cos. Ens interessa trencar les construccions jeràrquiques en relació amb el coneixement.

Amb Carlos Alba Hernández, Paula Bagán Pérez, Marc Brañas Ardiaca, Valentina Bürgin, Víctor Campos Codina, Sara Cardona Torres, Izan Carrasco Ávila, Alexandra Farias Ayala, John Kevin Flores Tenecora, Ariadna Gómez Cano, Paddy Hally García, Ali Hassan, Nerea Jurado Sicilia, Lucía Mansilla Balastegui, Salma Kaliha, Michael Mba Moiche, Alexandra Navarro Bosquet, Hajar Ouacha, José Gabriel Pardell Moreno, Alexandro Rodríguez Escobar, Anna Seisdedos Martínez (alumnes de 4rt ESO) i Blanca Pérez-Portabella i Assumpció González (docents).

Més informació aquí.

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CCC#22_Nadine Gerspacher

CCC#22_Nadine Gerspacher

viernes 31 de mayo, a las 20h

 

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

 

El viernes 31 de mayo, a las 20h, Nadine Gerspacher compartirá su proyecto en proceso The Age of Aquarium.

 

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

(Entrada libre con aforo limitado)

 

The Age of Aquarium es una pieza de danza teatro, donde el movimiento, la teatralidad y la música se unen en un feérico claro-oscuro. Es la primera parte de una trilogía anunciada para 2021-2022 que explora las consecuencias de la tecnología desde diferentes situaciones y perspectivas. Esta obra explora nuestras dependencias y la manera en la que nuestras relaciones se han transformado con la situación ficticia de una página blanca, una escena post-apocalíptica, desvelando imágenes retentivas de nuestras experiencias, nuestra cultura, nuestros condicionamientos. La multiplicación de las realidades de nuestras vidas cotidianas relativiza la definición de lo real mismo. El físico Stephen Hawking compara nuestra percepción a la de un pez rojo que solo ve una imagen distorsionada del mundo exterior a través de las paredes de su aquarium: Might not we ourselves also be inside some big goldfish bowl and have our vision distorted by an enormous lens? The goldfish’s picture of reality is different from ours, but can we be sure it is less real? Anthony Hawkins.

 

En la residencia técnica que nos ha sido otorgada, trabajaremos el diseño de las luces para reforzar el trabajo escénico. Zak Macro y su ayudante concretizarán la iluminación inspirada por los ensayos y las referencias de la pieza.

 

 

Cia. Nadine Gerspacher

Cia. Nadine Gerspacher es un proyecto creativo donde su trabajo se define de varias formas. La compañía es una plataforma para sus creaciones propias, así como para sus colaboraciones con otras artistas, conservatorios y diversas compañías de danza. Sus creaciones se inspiran por lo cotidiano, el teatro físico siendo el eje central. Nadine Gerspacher concibe pequeños mundos poblados por personajes donde la absurdidad, la poesía y la fisicalidad se combinan narrativamente. El humor, la transformación y la vulnerabilidad son partes esenciales de sus piezas. Después de un largo recorrido de creaciones a lo largo de los ocho últimos años, The Age of Aquarium es la primera parte de una trilogía sobre las relaciones entre la humanidad y el mundo digital.

 

más info aquí

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CCC#21_Lautaro Reyes

CCC#21_Lautaro Reyes

jueves 23 de mayo, a las 20h

 

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

 

El jueves 23 de mayo, a les 20h, Lautaro Reyes compartirá su proyecto en proceso Ceremonia.

 

Después hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

(Entrada libre con aforo limitado)

 

Ceremonia es una celebración de la abstracción. Un paisaje que sucede en el imaginario. Este trabajo investiga las posibilidades que ahondan en el acto performativo como un lugar de introspección y experimento, un marco de absorción. Los elementos escénicos; luz, cuerpo y sonido construyen un único túnel dramatúrgico hacia la subjetividad y narración abstracta de la persona que observa.

 

Lautaro Reyes 

Lautaro Reyes (1986) Director de la compañía Camaralucida, pone el foco de investigación en encontrar y desarrollar mecanismos para establecer canales de comunicación dentro de un campo sensorial, apostando por la apertura de la propuesta escénica a las narrativas subjetivas que sucedan en la persona que observa. Camaralucida a presentado trabajos en los teatros Antic Teatre, Conde Duque, Sat teatre, Sala Hiroshima y Mercat de les Flors, participando en los festivales Sismògraf, Per amor a l’hart, Dansat!, DNA Romaeuropa y Salmon, y en los marcos de intercambio Danceweb 14′, Brut Nature 18′ y FF90 19′.

 

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(DES)COMUNAL festa de dia

(DES)COMUNAL festa de dia

diumenge 19 de maig, d’11h a 18h

Trobar-nos, ajuntar-nos, engrescar-nos, despistar-nos, nodrir-nos, sentir-nos, pensar-nos, calmar-nos, embrutar-nos, suar-nos, respirar-nos, somiar-nos, festejar-nos, afectar-nos, ballar-nos… 

 

Us convidem a passar un dia (des)comunal a La Caldera. Un temps i un espai per compartir i celebrar estar juntes. Podreu participar en la construcció de la vostra ciutat ideal, gaudirem d’una sessió de música especialment pensada per fer vibrar els nostres cossos junts, cuinarem el menjar amb ingredients que haurem portat i descansarem veient una pel·lícula somiada.

 

Amb la col·laboració de La città infinitaNyam Nyam, dinamització a càrrec de Quim Bigas i DJ Amarantis; i projecció de la pel·lícula In Praise of Nothing de Boris Mitić.

 

Entrada lliure amb reserva prèvia aquí (activitat adequada per a públic familiar).

Important: portar roba i calçat còmodes + un ingredient per a l’àpat col·lectiu.

 

 

La città infinita

Com vols que sigui la teva ciutat?A través de la performance lúdica, participativa i sostenible de La città infinita, petits i grans construïrem conjuntament per aconseguir una nova idea de ciutat. La città infinita és un joc constructiu amb materials industrials reciclats, principalmente de fusta. La performance proposa un espai de joc obert a tothom amb l’objectiu de jugar en família, redescobrint el valor de compartir, crear, somiar plegats noves possibilitats per al nostre entorn. Amb l’ajut de la imaginació la ciutat creixerà a poc a poc donant vida a una instal·lació artística col·lectiva única.

Edat a partir dels 4 anys.
Horari sessions de joc a les 11h  i 12h. A la tarda l’espai de la ciutat quedarà obert i seguirà el joc de forma fluida, sense torns.

Durada 60 minuts / sessió.

Web

 

 

Nyam Nyam

Són Ariadna Rodríguez i Iñaki Alvarez, Busquen promoure la creació, la reflexió, l’intercanvi de coneixement i la cultura creant estratègies de participació i interacció per a respondre a la necessitat de generar diàleg. Utilitzem dinàmiques i eines pròpies de la creació artística per a plantejar accions col.lectives que creïn relacions horitzontals i ens situïn a tots en un mateix pla d’acció. Fomentem la relació entre les diverses formes d’Art i el menjar com a element vehicular per a crear situacions que ajudin a dinamitzar i crear noves maneres de relació i contacte entre el teixit social. D’aquesta manera pretenem aprendre noves dinàmiques i crear sinergies que poden re-activar o re-pensar la nostra manera de viure, crear i menjar.

Web

 

 

Quim Bigas

Obsessionat amb la coreografia, la dramatúrgia i els processos informatius, el seu interès en la creació escènica està centrat en la performativitat i lo performatiu, la ramificació d’una mateixa idea o les trobades creatives, així com en la investigació de moviment, les interaccions i els procediments informatius que es generen. Combina el seu propi treball amb col·laboracions artístiques, tant com a creador com a intèrpret. Normalment treballa en connexions entre la teoria i la pràctica, amb l’objectiu de qüestionar i redefinir idees relacionables amb representació/actuació, la constitució del procés creatiu o els protocols de l’espai escènic.

Web

 

 

DJ Amarantis

Amaranta Velarde és coreògrafa, ballarina, dj opaco, dj amix o velarde. Amarantis es mescla amb altres persones que treballen en el camp de les arts escèniques des de diferents prismes. Això alimenta i manté viu el caràcter immutable del seu ésser, que es reflecteix en les seves sessions de dj eclèctiques. Per aquesta ocasió, es farà una sessió que mantingui viu l’esperit del ball.

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In Praise of Nothing de Boris Mitić

Ens trobem davant d’una paràbola satírica i gens convencional sobre No-res, en què No-res, cansat de ser un incomprès, fuig de casa i es posa a revelar els seus pensaments sobre gairebé tot, incloses vida i mort, amor i política. Amb sentit de l’humor i de l’autoreflexió, aquest film ens desafia a replantejar-nos la importància de la vida. In Praise of Nothing està documentada a partir de 20.000 pàgines de la bibliografia més eclèctica, i la van filmar al llarg de vuit anys 62 directors de fotografia a 70 països. Està narrada en vers per Iggy Pop, i musicada pels mestres del cabaret Pascal Comelade i The Tiger Lillies.

 

Boris Mitić (Sèrbia, 1977) va viure en alguns continents, va treballar uns anys als mitjans més prestigiosos del món, va comprendre unes quantes coses i va dedicar la resta de la seva vida a la criança creativa, al futbol creatiu i als docuementals creatius, com ara Pretty Dyana (2003), Unmik Titanik (2004) i Goodbye, How are you? (2009).

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SPORÁ PRÓGRAMA_JOÃO FIADEIRO

SPORÁ PRÓGRAMA_JOÃO FIADEIRO

del 13 al 17 de mayo, de 16 a 20h

 

ANATOMíA DE UNA DECISIÓN
Laboratorio de introducción a la Composición en Tiempo Real.
Volverse cosa. Volverse duración. Volverse acontecimiento.
Ser ocupado por un cuerpo. Mantenerse ocupado como un cuerpo.

Desaparecer en lo obvio. (Re)aparecer en la ausencia.

 

La Composición en Tiempo Real es una herramienta teórico-práctica que estudia, problematiza y sistematiza la experiencia de la composición en el arte, utilizando el campo proporcionado por la danza contemporánea como territorio privilegiado de investigación y aplicación.

 

Presentación

La Composición en Tiempo Real defiende que el gesto creativo no puede resultar de una intención o proyección personal (ya sea explícita o implícita). Para la Composición en Tiempo Real, el gesto creativo tiene que resultar de un encuentro. Un encuentro con el tiempo, el espacio, el otro, con una cosa, un afecto… La fuerza de este encuentro, su importancia e influencia es directamente proporcional a la capacidad que tiene este de suspender nuestra trayectoria (por milésimas de segundo que dure) y generar duda o sorpresa. Esta suspensión es lo que nos permite mantener la equidistancia entre la inquietud y la situación, creando las condiciones para descubrir (en medio del ruido, el exceso y el desperdicio), aquello que nos afecta, nos toca y nos mueve.

La practica de Composición en Tiempo Real nos da herramientas para retardar la respuesta, prolongando el tiempo de apertura de esta brecha, y posibilitando la formulación justa y precisa de la pregunta que nos inquieta. Por eso, la Composición en Tiempo Real entrena la capacidad de mirarnos desde fuera, mientras ocurre y se desarrolla el acontecimiento. Cuando ganamos distancia, así como cuando somos materia (como pasa cuando improvisamos con nuestros cuerpos), nos fijamos en detalles y relaciones que nos pasarían desapercibidas si estuviésemos demasiado ‘dentro’ de nosotros mismos o si dependiésemos exclusivamente de nuestros patrones habituales de percepción.

 

Modus operandi

La práctica del método de la Composición en Tiempo Real se desarrolla en el estudio a partir de un dispositivo de juego extremadamente simple: un encuadre espacial (un dentro y un fuera) y temporal (un antes y un después) bastante claros. En el inicio, los participantes se encuentran ‘fuera’ de el espacio de juego y el Trabajo empieza a partir del momento en que la atención de los participantes se centra en el espacio ‘en blanco’ de el área de juego. Esta mirada (esta atención) se constituye como una pre-acción, una antecámara de el acontecimiento por venir.

La condición previa para que el trabajo suceda correctamente es la capacidad que tenemos de inhibir acciones reflejas y, por definición, precipitadas. La razón es simple: siendo el tiempo (que se gana con el tiempo) lo más preciso posible para que la práctica suceda de forma correcta – para mapear una situación, crear hipótesis de relación y, cuando llegue el momento, decidir – si el participante actúa por reflejo, por impulso, sin tener en consideración la situación, exclusivamente por necesidad personal, este tiempo (real) deja de existir. Y sin este tiempo (real), no se puede componer.

 

Su práctica se basa en principios simples, entre los cuales destaca la transferencia de protagonismo del sujeto hacia el acontecimiento. También se basa en aplicar algunas (muy pocas) reglas como son: el juego del silencio (sin explicaciones ni justificaciones); la capacidad de relacionar las relaciones entre posiciones (en oposición a la tendencia que tenemos todos de relacionarnos con las situaciones); o la restricción de no poder hacer más de dos movimientos simultáneos (y así promover el manejo de la situación en vez de su manipulación). El entrenamiento se realiza en una lógica acumulativa y circular, en un ‘vaivén’ entre el espacio de ‘fuera’ y el espacio de ‘dentro’, interrumpida solo por momentos de feedback quirúrgicos e intensos, una herramienta fundamental para el proceso de transmisión.

 

 

 

João Fiadeiro

João Fiadeiro (1965) pertence a la generación de coreógrafos que emergieron al final de la década de los ochenta y que debe su origen a la Nova Dança Portuguesa. Se forma mayoritariamente entre Lisboa, Nueva York y Berlín, habiendo sido bailarín de la Companhia de Dança de Lisboa (86-88) y del Ballet Gulbenkian (89-90). En 1990 funda la Compañía RE.AL, responsable de la creación y difusión de sus espectáculos, presentados con regularidad por toda Europa, Estados Unidos, Canadá, Australia y América del Sur. Acompaña con frequencia, en calidad de tutor, a artistas emergentes y acoge, en el ámbito de la programación del Atelier Real, artistas y eventos transdisciplinares. El método de la Composición en Tiempo Real, diseñado originalmente para apoyar la escritura coreográfica y dramatúrgica de sus trabajos, se ha afirmado como herramienta y plataforma teorico-práctica para pensar la decisión, la representación y la colaboración. Esta investigación acontece en el contexto del arte y en colaboración con otras disciplinas – la economía, la antropología, o las ciencias de los sistemas complejos – y le ha llevado a orientar laboratorios en programas de Master y Doctorado en universidades portuguesas y estrangeras. Actualmente participa en el doctorado en Arte Contemporáneo del Colégio das Artes de Coimbra.

Web

 

 

Precio 70€

20% – socios APDC / socios AISGE / alumnos del Institut del Teatre / usuarios carnet Teatron

20% – a partir del 2n sporá

30% – a partir del 3r sporá

(descuentos no acumulables)

Inscripciones y consultas en aula@lacaldera.info

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CCC#20_Lara Brown

CCC#20_Lara Brown

miércoles 27 de marzo, a las 20h

Cápsulas de Creación en Crudo son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados ​​para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo. Muestras informales, presentaciones con diferentes niveles de exposición, sesiones abiertas de estudio, proyecciones, conversaciones y otros dispositivos para descubrir el interior de los procesos de creación.

El miércoles 27 de marzo a las 20h, Lara Brown compartirá su proyecto en proceso Ser Devenir.

Después (o antes) hablaremos de su trabajo mientras tomamos un vinito

Entrada libre con aforo limitado.

 

Ser Devenir es un proyecto consiste en investigar de una manera minuciosa una relación con el cuerpo y el movimiento del mismo, permitiendo así distanciarse de él y tratarlo como un material ajeno. Perder el sentido del reflejo de un yo, encontrarse con un otro y convivir a su gusto transitando terrenos desconocidos de la forma. Como atravesar a otra dimensión de la auto-percepción utilizando el cuerpo como catalizador.

Pretendo generar una secuencia de acción que sostenga un estado de búsqueda. Que lo continuo permita a su vez acceder a un lugar que se parece más a un estado de trance que a una metáfora. Un lugar que permita mirar y vivir en el cuerpo desde otra mirada y otra percepción. Atravesar dimensiones, salirse de sí, o dar una tregua a esta realidad que consideramos de lo concreto

 

Lara Brown se dedica a la investigación y creación artística desde la escena. El desarrollo de su trabajo gira en torno al análisis de la idea de identidad, el cuerpo y la transformación de este como soporte artístico y generador de pensamiento. Entiende el trabajo de creación como un lugar donde se dan encuentro todas las disciplinas en pos de formular una idea a través de un gesto poético. Esta insistencia en huir de una etiqueta que denomine su trabajo como una disciplina concreta le lleva a formular denominaciones híbridas del mismo que se van colando en contextos definidos como danza, conciertos, museos o laboratorios de investigación. Es responsable del colectivo SUGA, junto al artista SEPA, fundado para el programa en el programa “ Artistas en residencia” de La Casa Encendida y CA2M,  con el que  completan la propuesta musical Ojo Último. A su vez ha formado parte como performer de Una Exposición Coreografiada, comisariada por Mathieu Coppeland, en CA2M, y de la exposición Todas las Variaciones son válidas. Incluida esta, de Esther Ferrer, en MNCARS.

Vimeo

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Concierto de Poderío Vital + Sesión DJ post-función por Amarantis

Actividades Paralelas

sábado 16 y 30 de enero, después de la programación (22h)

Quinzena Metropolitana de la dansa a La Caldera.

Este año La Caldera completa la programación con tres propuestas musicales, cada sábado después de la programación, con entrada libre.

sábado 16 marzo, 22h. La primera propuesta va a cargo de Poderío Vital (Itxaso Corral y Òscar Bueno) un proyecto que se mueve entre las artes escénicas, la performance, el texto y la composición musical. C.A.D.E.R.A. El Curso Avanzado De Emisiones Radicalmente Acaloradas es el nuevo DiscoCurso de Poderío Vital y muta y se transforma en sintonía con el entorno. En este caso, C.A.D.E.R.A. en La Caldera, es muy probable que tome la forma de un conciertocurso coreográfico bastante caldeado. Además, nuestra intención es que, aprovechando las condiciones espaciales y gracias a la celebración, la vibración y otros elementos que todavía están por venir, consigamos transformarnos y estar, por un rato, juntas en estado gaseoso. Y vamos a cantar también.

Poderío Vital es un organismo vivo que se mueve entre la música, la performance y las artes muy vivas. Nos gusta llamarnos, por ejemplo, arquitectas vibracionales o escultoras sinfónicas y buscamos crear composiciones musicales muy diversas, con la intención de generar espacios y tiempos compartidos donde reflexionar sobre el estar y el hacer con otros. Nos preguntamos en relación a la sabiduría de los cuerpos, lo afectivo, el placer, lo incierto y las muy diversas y asombrosas maneras de comunicación entre los seres vivos. Hemos tomado la forma de conciertos escénicos, conciertos adivinatorios, conciertos para plantas, coros, coros que se quejan, esculturas vibracionales, danzas cantadas, 1.000 preguntas partiturizadas, paseos ascendentes, librodiscos, fanzines,Textos mapa, silencios, ratos de no hacer nada, canciones de larga duración,videocanciones…

sábado 30 marzo, 22h. Para la cloenda del ciclo de este año, Amarantis(Amaranta Velarde) ofrecerà una sesión de DJ a los asistentes. Una pinchada post Mix-en-scene que propone una deriva por diversos ambientes acústicos, que incitan tanto la escucha como el baile.

Amarantis es coreógrafa, bailarina, dj opaco, dj amix o velarde. Amarantis se mezcla con otras personas que trabajan en el campo de las artes escénicas desde diferentes prismas. Eso le alimenta y mantiene vivo el carácter mutable de su ser, que se refleja en sus sesiones dj eclécticas. Para esta ocasión, se hará una sesión que mantenga vivo el espíritu del baile.

Toda la información en la web de La Caldera.

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‘Blanc Salvatge’ de Anna Fontanet + ‘Mix-en-Scene’ de Amaranta Velarde y Alba G. Corral

Blanc Salvatge de Anna Fontanet + Mix-en-Scene de Amaranta Velarde y Alba G. Corral

16, 22, 23, 29 y 30 de marzo, a las 20h

Quinzena Metropolitana de la dansa a La Caldera.

¿Podemos identificar cualquier tipo de sonido?¿Cuanto perdura el impacto del sonido?¿Como resuena en nuestros cuerpos?¿A que velocidad nos afecta? En los últimos años, Anna Fontanet ha investigado sobre las frecuencias, los cuerpos sonoros y el movimiento, con el objetivo de generar paisajes sonoros que transformen constantemente el gesto. Las frecuencias generadas por el ordenador, los sonidos de electrodomésticos, los frenos de un vehículo, el tic tac de un reloj o los cantos armónicos, son fuentes de recursos para generar composiciones sonoras y análisis para la propuesta de movimiento.

Blanc Salvatge es una búsqueda alrededor del sonido y todo lo que nos evoca, físicamente y emocionalmente. Un solo performativo basado en la percepción del cuerpo como paisaje. Una experiencia artística que interpreta el espacio y transforma con el movimiento.

Bailarina, coreógrafa y artista independiente, Anna Fontanet incorpora la composición sonora, las artes visuales y otras artes digitales en sus proyectos performativos. Como creadora en el ámbito de la danza, se interesa en abrir espacios de comunicación a través de la composición instantánea, y defiende el arte como lenguaje libre de estigmas sociales, físicos o de género..

 

Mix-en-Scene es una experiencia acústica, coreográfica y visual interpretada por una bailarina que es a la vez DJ. Amaranta Velarde pincha en directo mientras baila, acompañada por las piezas visuales generadas en tiempo real por la artista y tecnóloga creativa Alba G. Corral. La propuesta realiza un viaje que experimenta con la superposición de estilos y principios artísticos, de Erik Satie a Pina Bausch y los futuristas, Mary Wigman, William Forsythe, Kraftwerk o Stravinsky, iconos de la música, la danza y las artes visuales mezcladas en la mesa de sonido y en la pista.

Amaranta Velarde se gradúa en CODARTS, Universidad de Danza de Rótterdam(2004). Después de su actividad profesional en Holanda, se traslada en 2011 a Barcelona  donde inicia sus propios proyectos coreográficos: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad y Mix-en-scene, presentando en espacios como Escena Poblenou, Alt Vigo, MUSAC de León, el Mercat de les Flors, Arts Santa Mónica, Festival Grec, Respirations Paris y Brigittines Bruselles. A parte de realizar sus proyectos, trabajo con creadores como Pere Faura, Cris Blanco, El Conde de Torrefiel y Diana Gadish y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013- 2016).

Alba Corral es artista y tecnóloga creativa. Formada en ingeniería informática, crea paisajes digitales hipnóticos con la ayuda del software. Corral ha colaborado con músicos Jon Hopkins, Jacaszek y Arbol, y ha participado en festivales y eventos como el Sonar, Primavera Sound y L.E.V. Festival.

En el siguiente

Toda la información y venta de entradas en la web de La Caldera.

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Lautaro Reyes propone su práctica a puerta abierta

Lautaro Reyes propone su práctica a puerta abierta.

18, 20, 25 y 27 de marzo, de 19h a 21h

Dentro del programa de residencias de La Caldera, Lautaro Reyes planteará como parte de la investigación de su próxima creación con Camaralucida, Ceremonia, una práctica que tuvo sus inicios en el programa de prácticas artísticas Brut Nature 18′.

La propuesta consiste en abrir el estudio a las personas interesadas en participar de este contexto de experimentación, lunes 18 y 25, miércoles 20 y 27 de marzo.

La práctica consiste en una serie de tareas / ejercicios que se proponen de esta manera:

– En un marco, hay un marco, dentro de un marco.

– En el espacio 1 puedes observar el paisaje.

– En el espacio 2 tómate el tiempo y vacía este paisaje. Imagina en el espacio 3 un color, textura, material, sonido.

– En el espacio 3 entra en el imaginario y habítalo.

– Puedes transitar por estos lugares a voluntad.

La dirección de la propuesta es investigar sobre la traducción física que tiene el imaginario dentro de una idea abstracta, y cómo se transforma la percepción del tiempo en este espacio de experimentación.

Lugar Sala 6

Horario 19h a 21h

Para confirmar la participación y cualquier consulta podéis escribir al correo info@camaralucida.org

 

Toda la inforación sobre el proyecto en residència de Lautaro Reyes en la web de La Caldera.

 

Ceremonia és una celebració de l’abstracció. Un paisatge que succeeix en l’imaginari. Aquest treball investiga les possibilitades que aprofundeixen en l’acte performatiu com a lloc d’introspecció i experiment, com un marc d’absorció. Els elements escènics; llum, cos i so construeixen un únic túnel dramatúrgic vers la subjectivitat i la narració abstracta de la persona que observa.

Lautaro Reyes (1986) Director de la companyia Camaralucida, posa el focus en la investigació per trobar i desenvolupar mecanismes per establir canals de comunicació dins del camp sensorial, apostant per l’apertura de la proposta escènica a les narratives subjectives que succeeixen en la persona que observa. Camaralucida ha presentat treballs en els teatres Antic Teatre, Conde Duque, Sat teatre, Sala Hiroshima i Mercat de les Flors, participant dels festivals Sismògraf, Per amor al hart, Dansat!, DNA Romaeuropa i Salmon, i en els marcs d’intercanvi Danceweb 14′, Brut Nature 18′ i FF90 19′. Web

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Chrysa Parkinson presenta ‘Disorienting Front’

Disorienting Front_Chrysa Parkinson

sábado 9 de marzo, a las 20.30h

Frente de desorientación. Una práctica performativa que consiste en una compilación oral de afirmaciones sobre y alrededor la experiencia de lo frontal. La creación y representación de este texto es una práctica en proceso donde confrontamos y damos voz a distintos frentes. Algunos son actuales y otros antiguos, algunos son míos y otros ajenos. Esta compilación se alimenta de poesía, ciencia ficción, teoría, fantasía, conversaciones, chistes, anécdotas y viejos diccionarios.

Performers Chrysa Parkinson y Quim Pujol

Chrysa Parkinson

Chrysa Parkinson es bailarina y reside en Estocolmo. Actúa y da clases a nivel internacional desde 1985. Su investigación artística se basa en la autoría de la experiencia del performer. Los escritos, películas y entrevistas de Chrysa se han publicado y distribuido de manera internacional. Es profesora de danza y directora del Máster en Nuevas Prácticas Performativas de DOCH/Uniarts en Estocolmo.

Quim Pujol 

Quim Pujol (1978) trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Sus trabajos más recientes son “ASMR del futuro” (2015), “Fregoli” (2017) y “Verde croma” (2018). Ha participado en exposiciones como “Intervalo. Acciones sonoras” (2014) en la Fundació Antoni Tàpies o “Visceral Blue” (2016) en La Capella. Es editor junto a Ixiar Rozas del volumen “Ejercicios de ocupación. Afectos, vida y trabajo” (Cuerpo de Letra, 2015).

La práctica tiene lugar tanto en inglés como en castellano con una duración aproximada de 45 minutos.

Entrada libre con aforo limitado. Reserva plaza aquí.

Toda la información en la web de La Caldera.

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