CCC#90 Juan Carlos Lérida

Jueves 14 de noviembre, a las 20h

Muestra del trabajo en proceso de creación Cher. Un proyecto performativo, sonoro y estético en forma de solo de danza que, acompañado de espacios sonoros, pretende explorar las nociones de afinación y distorsión. Busca examinar los vínculos entre el cuerpo y su transformación, la imagen y sus límites éticos y estéticos, poniendo en fricción paradigmas de la imagen corporal y los cuerpos desafinados (por la edad, la disidencia o su propia transcorporeidad).

¿Será en este movimiento tembloroso, desviado, maltrecho, desplazado e infinitamente distorsionado donde existe la vida?

Cher, un solo de Juan Carlos Lérida, es la búsqueda de un autotune para el cuerpo desafinado. Un espectáculo de variedades que extrae petróleo del suelo para incendiar el teatro y poder ver el futuro.

Dirección e interpretación: Juan Carlos Lérida / Dramaturgia: Gonzalo Gómez / Música: François Ceccaldi / Iluminación: Marc Lleixa / Diseño artístico y vestuario: Eugenia Gusmerini, collages #latijerayelpapel / Producción: Danilo Pioli – Asociación Flamenco Empírico

Coproducción: Mercat dels Flors, Fira Mediterrània, Asociación Flamenco Empírico / Con la colaboración de: La Caldera (Barcelona); Beca Barcelona Crea 2024 del Ayuntamiento de Barcelona, El Canal, Centro de creación de artes escénicas de Salt (Girona); EiMa (Mallorca); Espai La Granja (Valencia); OSIC Generalitat de Catalunya / Agradecimientos: Sofía Asencio, Jorge Dutor, Samuel Letellier.

Entrada gratuita con reserva

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CCC#89_Masu Fajardo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jueves 24 de octubre, a las 20h

Muestra del trabajo en proceso Desmorir. Investigación sobre el dolor ante la muerte (la pérdida) apuntando hacia el absurdo del desconcierto. Desmorir propone navegar entre momentos borrosos y situación inciertas. Un espacio en el que no hay ni mucha luz ni mucha oscuridad. Solo es posible desmorir encontrando alegría dentro de la propia desgracia y a partir de ahí abrir nuevos paradigmas.

Diario:

Primer día de trabajo (Desmorir) en La Caldera, Barcelona, Mayo del 2024

Crear es siempre un acto político.

Desde mi nueva condición, desde mi nuevo cuerpo, me pregunto qué política me propongo y que política propongo.

Por un lado, me di cuenta de que si no aceptaba mi nuevo cuerpo-casa con su nueva forma y limitaciones, de alguna manera era porque en cierto modo estaba siendo atravesada por un discurso invisible donde un cuerpo así como este no debía estar en escena. La pregunta es: ¿Porqué? ¿Acaso un creador debe retirarse por el hecho de que su cuerpo se haya deteriorado, modificado, enfermado? ¿Es que acaso es solo el cuerpo lo que movemos cuando nos movemos?

Me pregunto qué tiene que decir este cuerpo mío ahora que guarda en sí toda la información de trabajo con él, acumulada por años, pero escondida en las mitocondrias. Un cuerpo, que, sin embargo, ya no es el principal motivo en la escena en tanto que es el estereotipo de “la bailarina” que por muchos años he sido. Ahora el cuerpo se mueve desde lugares extraños, atravesado, mediumizado, despojado de estética, pero lleno de una potencia que se abre camino entre músculos y huesos para hablar de la muerte.

¿Puede un creador colocarse desde la pérdida, para hallar desde ahí nuevas lógicas de estar en el mundo y en la escena?

Y más allá de mi propio cuerpo, cuántos cuerpos otros se retiran por edad, dolencias, etc. y ¿no sería esta una profesión demasiado cruel si ante el “fallo de nuestro cuerpo” lo damos todo por perdido? ¿Acaso esos fallos de la maquinaria no los debemos ver-mostrar? ¿Darle ese espacio a lo que siempre ha sido nuestra herramienta de trabajo? ¿Nuestra vida?

¿No será que, si no miramos esto, podemos caer en alimentar un terreno de autoexplotación y crear inconcientemente un sistema que deshecha cuerpos?

Ahora me coloco en un espacio de escucha, me acerco a lo sensible y me doy cuenta de que es este un terreno que quiero habitar.

Me pregunto también, que hacer con la emoción, esa que es densa y aparatosa, cuando ha aprendido a llegar tarde y se ha quedada sedimentada en las membranas del cuerpo que ahora duelen.

¿Cómo grita un cuerpo sin la voz?

‘Desmorir’ trata de atravesar duelos, pero no para poder dejar de sentir el dolor sino para que ese duelo sea una transformación, algo así como reencontrarte contigo misma estando de viaje y al doblar una esquina.

Algo así como volver a la magia que solo se puede ver desde la escucha, apostando por el encuentro de en un ritmo propio, sin urgencias.

Entonces me aparto de la velocidad que no escucha y a ver que pasa… Quizá sea eso, la velocidad, lo que nos produce sordera y nos hace pasar por encima del dolor y los duelos.

‘Desmorir’ por el momento es una práctica de volver a un nuevo mí, y a lo nuevo, una se acerca de puntillas (como los niños). A partir de ahí encontrar el Nosotras e incluso celebrarlo.

Entrada gratuïta con reserva prèvia

 

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Neti Neti #7 con Amalia Fernández y Mònica Muntaner

Esta semana retomamos Neti Neti de Amalia Fernández con Mónica Muntaner como artista invitada a reflexionar en torno a la pregunta: ‘¿que es para ti la danza?’

Después de trabajar unos días juntas, el viernes propondrán una apertura a público para compartir parte del trabajo en una muestra gratuita, y el sábado abrirán un laboratorio a profesionales que quieran investigar colectivamente.

Apertura #7 con Mónica Muntaner y Amalia Fernández
Viernes 18 de octubre, a las 20h
Entrada gratuita con reserva

No Laboratorio NETI NETI #7 con Mónica Muntaner y Amalia Fernández
Sábado 19 de octubre, a las 10h
Precio: 20€ la sesión
Inscripciones en aula@lacaldera.info

En noviembre, vendrá Ana Buitrago que será la última artista invitada del programa.

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‘El lugar de los pasos perdidos’ de Mónica Valenciano

Sábado 19 de octubre, a las 20h

Hay un lugar de la memoria donde los pasos anteriores resuenan en presente, un espacio potencial donde la presencia sucede como lugar de a-parición, algo acude en esa trama palpitante… entre los pasos que el tiempo suspende, el cuerpo se mueve llevado por aquello que trae, una polifonía de voces en la voz. Allí donde una llamada se juega en nosotros escuchamos la lengua que arde, la pregunta en ruinas baila su extravío… emergencias de un tiempo que a la vez ignoramos.

la ocasión cantaba: entre todo la sed ladra en la saliva.. a

patadas la melodía dejaba caer tres notas y un ciego en la voz

duele lejos aquí, la otra cara del gesto ofrecido.

Entre todo la sed tiembla en agujero,

moviendo acentos a plena luz escucha

donde… margulla el esqueleto,

a que sabe ahora tu silencio?

Con la boca abierta… la curiosidad del cuerpo salvaje y

su abrevadero de ausencias tras la lengua,

no llega la pregunta a convertirse en nido

lo que sopla cruza la intemperie,

dejando ver la transparencia más antigua

pastaban los ojos de aquella noche,

en apenas un instante escupió el bosque.

Aún la imagen cuenta semillas… pasos de una multitud

en el fondo del rasguño.

De qué hablan los muertos…

lo que no sabes alcanza primeros pasos,

en el suelo de otra voz

danza…

Es tiempo de qué?

Entradas a 8€, 10€ i 12€ aquí

+info en la web

Esta propuesta se presenta dentro de Referentes, a línea de programación de La Caldera que se propone como un espacio de encuentro entre las artistas residentes y artistas de referencia, de larga trayectoria y con un trabajo consolidado, que de algún modo están vinculados o pueden ser referenciales para los trabajos seleccionados en residencia.

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2a Jornada de Salud Mental y Danza

El Grupo CHM Salut Mental y La Caldera os invitamos a la 2a Jornada de Salud Mental y Danza.

Un encuentro vivencial y cercano entre personas vinculadas con el ámbito de la salud mental, la danza y otras manifestaciones artísticas alrededor del cuerpo.

Un tiempo y un espacio de cuidado donde disponer nuestros cuerpos y experiencias de forma sensible, en torno a los asuntos que se encuentran y conviven creativa y saludablemente entre estos campos o disciplinas.

Bajo una estructura más poética que académica, empezaremos con una pequeña dinámica inicial para prepararnos para la conversación desde el cuerpo y un estado sensible. Seguiremos con una conversación entre todos los asistentes para compartir inquietudes, intereses, experiencias, preguntas, sueños. Y acabaremos con un vermut para conocernos de forma informal.

La segunda Jornada se articulará en torno a la palabra ‘Soledad’.

Guión de la Jornada
Presentación de la Jornada
Dinámica calentamiento de cuerpo
Dinámica calentamiento de ideas
Conversación abierta
Vermut

Activamos esta primera jornada tomando como punto de partida la colaboración durante los últimos años entre La Caldera y el Grup CHM Salut Mental. Una alianza a través de la cual se diseñan y desarrollan prácticas artísticas, laboratorios de danza y otras actividades de exhibición pública en torno al Día Internacional de la Danza.

Entrada libre

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NETI NETI de Amalia Fernández con Elena Córdoba


NETI NETI es un proyecto-contexto de investigación, práctica y transmisión de conocimiento de Amalia Fernández que atraviesa toda la actividad anual de La Caldera. Un campo de estudio que invita a 8 artistas referenciales de la danza (Carme Torrent, Mónica Muntaner, Janet Novás, Idoia Zabaleta, Elena Córdoba, Ana Buitrago, Teresa Lorenzo y Juan Carlos Lérida) a una serie de encuentros íntimos, que parten de la pregunta ¿Qué es para ti la danza?

Estos encuentros de estudio desembocan en momentos de apertura pública y un programa anual de No Laboratorios para la transmisión y colectivización de la investigación, con cada una de las artistas invitadas, dirigida a profesionales del sector.

Apertura NETI NETI de Elena Córdoba y Amalia Fernández
Viernes 27 de septiembre, a las 20h
Entrada libre con reserva
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No Laboratorio NETI NETI #6 con Elena Córdona y Amalia Fernández
Sábado 28 de septiembre, a las 10h
Dirigido a profesionales del sector
Precio: 20€ la sesión*
Inscripciones en aula@lacaldera.info
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*Repensando la naturaleza del No Laboratorio, que se ha convertido en un espacio donde generar conocimiento de forma compartida poniendo el cuerpo al servicio de una pregunta, hemos decidido este precio simbólico de 20€ para todos los encuentros a partir de septiembre.

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Entrevista a Lenio Alina Folini, Bibi Dória y Emily da Silva

Aeromancia es una pieza de Lenio Alina Folini en colaboración con Bibi Dória y Emily da Silva que se presenta en La Caldera el 20 de septiembre. Ésta es una conversación entre les artistas y Carolina Campos, quien acompaña la dramaturgia de la obra.

Carolina Campos- Aeromancia es una obra que nace en un contexto muy específico, una residencia en Fundão, una pequeña ciudad en el norte de Portugal, dentro del programa Terra Batida, organizado por la asociación Parasita. ¿Puedes contar un poco sobre ese programa y cómo influyó el contexto en la investigación que se desarrolló para la creación de la obra?

Lenio Alina- Terra Batida es una plataforma creada por Ritó Natalio que, cada año, invita a distintos artistas a hacer una inmersión en un territorio con sus problemas específicos en Portugal y a decidir qué tipo de relación con ese contexto y con esas historias se puede construir. Fundão es un pueblo de 26.000 habitantes ubicado en una zona montañosa donde hay condiciones particulares de monocultivo de eucalipto y cerezas. Es un territorio altamente contaminado por la minería desde hace 100 años: antes por el tungsteno y ahora por el litio. Fue una de las zonas más explotadas durante la Segunda Guerra Mundial, ya que el tungsteno se usaba para fortalecer las balas disparadas en la guerra. La invitación inicial fue para mí y para Teresa Castro, una investigadora portuguesa dedicada al cine y escritura, con el objetivo de tener una inmersión en ese contexto territorial, social, cultural, histórico y corporal, y conectar algunas de nuestras prácticas y preguntas con estas problemáticas.

Las ideas que yo tenía antes de llegar a la residencia provenían de trabajos anteriores que había hecho con la voz, la háptica, las anatomías alucinadas y el cuerpo sonoro, pero me encontré con una realidad que no me pertenece del todo y que me dejó con sensaciones físicas muy concretas de falta de aire, dureza, toxicidad y silenciamiento. Eso tiene que ver con las historias de los mineros, de las mujeres mineras que están totalmente apagadas, con la heterosexualidad obligatoria del lugar… Volví con esas sensaciones de las que comencé a tirar para pensar en el inicio de un trabajo. Empecé a preguntarme por ese aire que compartimos, y me pareció que no tenía sentido hacer un proceso en solitario. El gesto más provocador para mí fue pensar en la co-respiración, en la respiración como un elemento invisible que está lleno de información, problemas, afectos, proyecciones, distancias… Entonces decidí invitar a trabajar a Emily y a Bibi. Nos enfocamos en el gesto de la respiración, no tanto como una cuestión fisiológica u orgánica, sino como un mecanismo potencial de transformación, de contagio, de alucinación, de sensación, de erotismo. Ese paso por la plataforma Terra Batida fue fundamental para desplazar las formas más habituales de hacer que, para mí, generalmente comienzan con una práctica física en el estudio o con la lectura de ciertos materiales. Ese movimiento fue importante, no solo por estar en un territorio rural que no es el mío, sino por estar realmente fuera del teatro y sus condicionantes.

CC- ¿Cómo fue la transición de esas primeras sensaciones e inquietudes a la práctica en el estudio?

LA- Ahí surge un primer corte cuando comenzamos a trabajar entre nosotres tres. Las preguntas, no solo sobre el territorio, sino también sobre el contexto de investigación, se desdoblaron. Por un lado, empezó a haber una materialidad en la pieza a través del lenguaje corporal, y por otro lado, surgió una investigación transversal que alimentó lo que hicimos. Aeromancia no trata sobre las minas de Fundão, aunque las preguntas que surgieron ahí siguen presentes en la investigación, en forma de escritura y en un proceso que continuará. Un proceso que conecta un cuerpo sensorial, sensible y humano con su hipersensibilidad, con los daños ecológicos y planetarios. La forma que tomó Aeromancia es singular, y también responde al encuentro con el equipo de trabajo y sus historias particulares. Sin embargo, esa curiosidad que tengo por hacer conexiones entre el cuerpo somático y las prácticas performativas y de danza también se vincula con la toxicidad del aire y con los daños en otros niveles.

Bibi Dória- Cuando llegamos al estudio, Alina había convertido esas primeras inquietudes en propuestas de prácticas. Nos encontramos con ejercicios que evocaban ese mundo que no habíamos visitado. Esto fue interesante porque permitió abrirnos a otros imaginarios sin perder la relación con las preguntas iniciales del proyecto. En la primera apertura que hicimos, había más información explícita en palabras y texto, nombramos cosas y lugares. A medida que la investigación avanzaba, ya no tenía tanto sentido nombrarlos, ya que de alguna manera estaban pasando a través de nuestros cuerpos.

Emily da Silva- También nos adentramos en el universo sonoro provocado por el tránsito del aire en el cuerpo. Nos preguntamos qué sería ese invisible que estábamos trasladando, cargando y moldeando. Teníamos las referencias del Fundão, pero junto a eso ya contábamos con otros imaginarios, como los libros Las Guerrilleras de Monique Wittig y Dyke Geology de Sabrina Imbler, así como otras reflexiones del universo lesbiano. Aunque otras referencias fueron orbitando y componiendo el proceso de creación, lo que verán en La Caldera aún guarda preguntas e inquietudes que surgieron en Fundão. No en cuanto a un discurso directo, pero están presentes en la obra de alguna manera.

CC- La experiencia de respirar es algo muy individual, pero al mismo tiempo estamos respirando el mismo aire ahora mismo, lo que convierte esa experiencia en algo colectivo. Es desde ese doble el lugar que sucede la conexión entre vosotres y entre vosotres y el público, y también se constituye vuestra presencia en la pieza. ¿Cómo es trabajar ese tipo de atención interna y solitaria para generar una colectividad?

BD- Lo que estamos haciendo es simplemente respirar e hiperventilar, pero hay algo muy simbólico que sucede en ese gesto. Les tres estamos dando relieve a una acción que también está ocurriendo en los cuerpos de quienes nos asisten, y eso es como si fuera una bomba que me retroalimenta y literalmente me hace sentir parte de una comunidad, me devuelve el aire. Siento que si estuviera sola no aguantaría. Pasa algo muy concreto y al mismo tiempo metafórico: juntes ganamos fuerza y aliento para hacerlo. Estamos en tres, y son seis pulmones más todos los pulmones de la gente que está en la sala, y es eso lo que hace que la experiencia sea posible.

EdS- Hablamos mucho sobre cómo cada une tiene su singularidad; cada une fue construyendo su propia narrativa dentro del recorrido de la pieza, pero al mismo tiempo, esa travesía no puede hacerse en solitario. Ponemos atención en las trayectorias del aire: hacia dónde lo estamos direccionando, de dónde estamos succionando, y cómo vamos componiendo con el espacio y con el sonido. La escucha debe estar siempre muy alerta. Es casi como si fuera un concierto que emerge del respirar, una cadencia sensorial colectiva. Es algo que debe estar pulsando entre les tres, porque no se puede sostener eso sola. Son las singularidades las que van sosteniendo al colectivo.

LA- El trabajo crea una especie de intimidad temporal, una intimidad que se construye haciendo y se establece a través de la conexión entre el espacio que está dentro de los pulmones y el espacio que está fuera. Hay un aspecto importante en cómo se construye esa conexión invisible, consistente, palpable, concreta y afectiva, de manera temporal. En esa presentación en La Caldera todavía es un momento para observarlos practicando. 

CC- Hay otra capa operando en la pieza: las imágenes ficcionales que esa travesía va produciendo. Estas imágenes emergen de la tarea en la que están implicades. La pieza no se centra en construir esa ficción, sino en insistir en el gesto de respirar juntes, lo cual crea las condiciones para que esas ficciones posibles aparezcan.

LA- A veces decimos que hacemos un concierto de respiraciones porque hay un componente sonoro y la textura material del aire que es muy importante para construir ese lenguaje ficcional o para mantener la persistencia de la que hablas. Eso es algo importante que viene de otros trabajos míos. Trabajar con elementos muy concretos de la materia permite una especie de alucinación, de hiper-sensación, de transformación y de desconocimiento, que es lo que pasa a ser real. Allí hay un trabajo con las ficciones que vamos intentando elaborar poco a poco. No como una narrativa, sino reconociendo en la singularidad de esa jornada la posibilidad de ver otras cosas o hacer visible algo invisible.

CC- ¿Sería esa la invitación al público entonces? 

BD- Hay mucho espacio para las lecturas de quienes nos observan, para cómo se relacionan con esas imágenes y sensaciones, y por dónde viaja la atención dentro de esa jornada con esas tres figuras. Siento que la invitación es habitar ese invisible y pasar ese tiempo juntes, con la atención puesta en ese lugar sensible y real.

EdS- Insistimos tanto en esa respiración, y es sobre eso: la insistencia hasta el fin, hasta el desgaste. Creo que las personas terminan siendo afectadas por eso. Puede producir relajamiento o ansiedad, dependiendo de cómo cada persona maneja su relación con el acto de respirar.

LA- Vamos a estar trabajando por primera vez en una residencia técnica en La Caldera con Lui L’Abbate, quien se encarga del diseño de iluminación de la pieza. Durante esos días de residencia que preceden la presentación, podremos materializar también esa invitación en el espacio, no solo con nuestra práctica de atención y escucha, sino también pensando en el lugar. Por lo tanto, hay muchas respuestas que aún no tenemos y que estamos trabajando. Pero creo que sí, coincido en que hay una especie de invitación muy simple a sentir algo que estamos haciendo todes en ese mismo momento, no solo a verlo.

CC- ¿Cómo sucedió la invitación para compartir esa obra en Barcelona y cuál es vuestra relación con el contexto local? 

LA- Hay un programa en La Caldera que se llama Referentes donde les artistas se encuentran y participan en el pensamiento de la programación, mencionan personas que están en su constelación de alguna manera. Entonces las residentes Maria Tamarit y Sara Willa mencionan mi trabajo. Las artistas están en sus procesos pero también pensando un conjunto de invitaciones que pueden conversar con sus trabajos o alimentar sus prácticas. O sea, Referentes, por lo que entiendo, es un poco ese agente de conversación con les residentes no de manera literal pero convocando algunas obras o personas a tener diálogo con sus residentes de manera expandida. En La Caldera también he trabajado en mi solo anterior, Ruido Rosa, que realicé en colaboración con Josefa Pereira y Victor Colmenero. La primera vez que vine a La Caldera fue con el proyecto Táctil, en colaboración con Leticia Scrycky y Luciana Chieregati, y estuvimos en residencia creando juntes. También he estado en Graner varias veces, compartiendo con personas importantes en mi trayectoria. Me he encontrado muchas veces con colegas latinoamericanos que están de paso o viven en Barcelona. De algún modo, aquí han tenido lugar colaboraciones que han sido fundamentales y determinantes en mi trabajo, aunque no sea mi casa ni un lugar donde haya vivido.

BD- Soy artista residente en La Caldera con el proyecto Cão de Sete Patas y acabo de terminar una semana de trabajo. Hay una conexión muy explícita entre Portugal y España, y principalmente entre Barcelona y Lisboa. Esta es mi tercera vez aquí; estuve antes con la pieza Burla, que es mía y de Bruno Brandolino. Como mencionó Alina vamos creando muchos vínculos con gente que no necesariamente es de Barcelona, pero que vive aquí y forma parte del contexto. Esto nos ha permitido ir creando ese vínculo con el lugar.

EdS- Yo escuché mucho hablar del contexto de las artes performativas en Barcelona por las chicas pero es mi primera vez, entonces está todo por construir…

CC- Vosotres tres viven en Portugal y ese trabajo fue realizado entre Portugal, Holanda y España. Nos vamos cruzando en estos y otros proyectos en configuraciones distintas y con personas que viven en diferentes países. Me gustaría hablar un poco sobre esa relación más estructural de nuestro trabajo, de cómo saltamos intermitentemente entre residencias y países, encontrándonos a veces como coreógrafas, otras como performers, o acompañándonos en los proyectos unas a otras. Esto se convierte en un gran entrelazamiento de personas que muchas veces se repiten, se separan y se vuelven a juntar. ¿Cómo influyen estas condiciones de trabajo en el gesto artístico?

LA- Dependiendo de la perspectiva desde la que lo mire, si lo pienso desde Latinoamérica, yo, junto con muchas otras personas, lo llamaría artistas etc. Catalina Lescano, Jimena García Blaya, Iván Haidar, Vera Garat, Eloísa Jaramillo, María José Cifuentes… Hay infinita gente que podría mencionar de la red sudamericana. Durante mucho tiempo, nos hemos encontrado en distintos contextos para pensar en lo que hemos llamado (quizás medio ingenuamente, o no, también profundamente) artistas etc., que es una posición artística y política que abarca hacer performance, dramaturgia, escenografía, producción, festivales, metodologías de transmisión, hacer la comida para los 15 que van a venir, etc. Entonces, artistas etc. es un concepto que para mí resuena con esa multiplicidad y supervivencia que mencionas. También refleja algo imposible de especializar, como decir: «Yo soy coreógrafa y no sé hacer Excel porque eso lo hace la de producción.» No existe esa separación. Ahora, ya hace algunos años que estoy en Europa con mi posición política todavía situada en el Sur, y aquí hay un funcionamiento distinto. Hablo de las residencias intensivas, que en casi cualquier lugar tienen un formato un poco estandarizado. Da igual si hace frío, calor, si te hablan en otro idioma, si el suelo es negro, blanco, caliente o lo que sea; es un modelo genérico de producción que funciona mejor o peor, pero para mí siempre resulta duro y difícil, y todavía estoy entendiendo cómo lidiar con eso en muchos niveles, porque es tóxico, competitivo, extractivo y atemporal. A veces, miro esto desde una experiencia más múltiple y generativa, aunque también abandonada. No voy a decir que los modos de hacer en Sudamérica estén bien, porque esa distribución desigual no está bien.

Creo que mi relación con el modelo europeo es conflictiva y a veces confusa. En otras ocasiones, utilizo esas herramientas de multiplicidad y las convierto en una posición política, en lugar de ser solo una máquina de repetición. En Portugal, por ejemplo, el modelo de producción de obras que luego no giran ni se presentan es muy fuerte. Estoy hablando de trabajos increíbles, cuyo valor no depende de su profundidad o del conocimiento que generan, pero que resultan insostenibles y que también impiden otras formas de investigar y practicar. Un poco donde encontramos subsistencia es creando piezas para un público que somos nosotres mismes, y un poco más. No tengo estable esa relación, tengo diferentes lecturas y, además, el tiempo que pasé en el contexto de Europa del Norte en DAS Choreography, el máster que acabo de hacer en Ámsterdam, me dio aún otra perspectiva sobre cómo funcionan las cosas. Mi sensación es que todo está mal; los 2000 ya pasaron, el mundo se está cayendo, pero seguimos insistiendo en modos obsoletos.

BD- Estoy de acuerdo, hay mucha cosa ahí que no hace ningún sentido, principalmente la precariedad que esas lógicas producen, pero, por otro lado, me interesa poder cohabitar diferentes mundos y cómo eso informa mi proceso artístico. Colaborar es también lo que me devuelve mucho sobre mi forma de crear. Voy entendiendo distintas maneras de trabajar, cada posición tiene su inteligencia específica y ellas se retroalimentan. 

EdS- En el caso de Aeromancia, por ejemplo, el hecho de que la pieza pueda circular en cuanto pieza en distintos lugares pero sin perder el carácter de investigación, es positivo porque hace que nuestro trabajo y nuestros vínculos puedan seguir existiendo. 

BS- Tengo siempre el deseo de mantener esos caminos abiertos porque hay algo lindo en la tecnología del danzar, algo que se aprende solo en el hacer y en colaboración. 

LA- Hay distintos modos de hacer las piezas, y todos son importantes: lo coreográfico, la manufactura de los gestos, las prácticas que compartimos, incluso la idea de espectáculo. Pero para mí, preservar la relación con las preguntas que nos mueven es lo que hace que lo que hacemos tenga sentido, aunque las lógicas de trabajo no siempre lo tengan.

 

Entrevista de Carolina Campos. 

Imágenes de Thomas Lenden. 

 

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‘La Cora’ con Mar García y Javi Soler

Los martes, de 20h a 22h

Iniciamos el curso con nuevo proyecto: ‘La Cora’ guiado por Mar García y Javi Soler es una propuesta de crear una coral, una comunidad cantante, dirigida tanto a profesionales del sector como a toda persona interesada en trabajar la voz como una parte insdispensable del cuerpo.

Desde el formato de agrupación coral dentro del marco del centro de creación de danza La Caldera, La Cora representa un espacio para el trabajo, formación y desarrollo de la voz como parte indisociable de la acción corporal. Desde un contexto de escucha propia y en comunidad que proporciona la interpretación coral, el principal objetivo de este proyecto es juntarnos para cantar repertorio típico del formato, independientemente de la formación vocal, musical o de movimiento, y ponerlo la relación con el cuerpo y con la escena. Se propone principalmente como un espacio semanal de acogida a cualquier persona interesada en la voz como herramienta artística, herramienta para la desconexión o para la canalización, así como un espacio de confluencia entre personas provenientes de contextos múltiples y diversos, del barrio de Les Corts y del más allá. Un proyecto gozoso para hacer comunidad a través del canto.

Audición-taller y presentación de La Cora:

Si estás interesada en formar parte de La Cora -y tras rellenar el formulario de inscripción- te convocaremos el miércoles 25 de septiembre a las 20.00h a un primer encuentro en el que activaremos, a través de una serie de juegos y prácticas vocales, los recursos de cada una y del grupo. Una primera toma de contacto que nos ayudará a componer la diversidad y la riqueza de La Cora, a entender sus dinámicas de arranque y sus potencias cantarinas.

Los martes, de 20 a 22h siguiendo el calendario escolar
A partir de 16 años
Precio trimestral 30€
Inscripción antes del 20 de septiembre rellenando el siguiente formulario

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‘Aeromancia’ de Lenio Alina Folini en Referentes

Viernes 20 de septiembre, a las 20h

AEROMANCIA crea ficciones de una comunidad conectada a través de los ritmos colectivos de la respiración, que se propone «leer» el aire como si interpretara un oráculo y dejarse mover por el aire vivo que performa con nosotres. La pieza es una invitación inmersiva para imaginar una co-respiración no sólo fisiológica y mecánica, sino también afectiva, transformadora, delirante, sensual y basada en metabolismos extraños.

El gesto de respirar conecta el adentro con el afuera, diluyendo sus límites y cuestionando las narrativas de separabilidad entre los cuerpos humanos y no sólo humanos. Respirar es posible gracias a las vidas vegetales que producen oxígeno, a partir de la fotosíntesis de las plantas.

Somos parte de esa conexión gaseosa continua, cálida e invisible, que puede producir calor, vapor, olor, canciones, emociones, distancia, así como intimidad. La respiración puede ser pasada en la boca de alguien, puede calentar las manos en el frío, puede provocar derretimiento, dar sueño, alivio o placer. ¿La piel respira? ¿ Los ojos respiran?

Repirar da vida y también cansa, contagia, contamina, transporta, divide, puede intoxicar. ¿Intoxicar es transformar? ¿Intoxicar es perder la fffffnorma? El movimiento químico de la respiración genera metamorfosis.

¿Qué acontece si nos centramos en los pulmones y en lo que “ven”, sienten e imaginan? ¿Qué co-inspiraciones aparecen?

Somos co-respiradorxs y entendemos el respirar juntes como un hecho político, ambiental, social, afectivo, erótico.

Mi nombre es LENIO ALINA FOLINI (they / he) soy artista, performer y coreógrafe. Me dedico a distintas prácticas que se nutren entre sí: coreografía, danza, investigación, escritura y curaduría. Soy una persona trans no binaria nacida en Argentina, que circula, fomenta y cuida de redes de artes performativas latinoamericanas desde 2011. Actualmente tengo base entre Lisboa y Amsterdam, en tránsito migrante, conectando mundos.

Mis trabajos cuestionan el sistema visual -que fue apropiado por modelos perceptivos coloniales y de captura binaria- explorando a través de la tactilidad, la escucha, la intimidad y la tecnología de la voz, como campos relacionales y transindividuales. Convoco experiencias corporales, sensoriales y ficcionales para hacer contacto con lo invisible, a través de investigaciones, creaciones y colaboraciones artísticas.

Entradas a partir de 8€
+ info a en la web

Referentes és la línea de programación de La Caldera que se propone como un espacio de encuentro entre las artistas residentes y artistas de referencia, de larga trayectoria y con un trabajo consolidado, que de algún modo están vinculados o pueden ser referenciales para los trabajos seleccionados en residencia.

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CCC#88_Bibi Dória

Jueves 12 de septiembre a las 20h. 

Muestra del trabajo en proceso cão de sete patas (un perro de siete patas) de Bibi Dória. 

Entrada gratuita con reserva previa. 

El proyecto surge del sueño de un personaje icónico en el cine marginal brasileño. Sônia Silk, interpretada por Helena Ignez, en la película Copacabana Mon Amour (1971) de Rogério Sganzerla, sueña con perros de siete patas, hombres-animales y otros monstruos. «un perro de siete patas» es un proyecto interdisciplinar que investiga la relación entre la ficción y el documental, entre el sueño y el relato, entre una actriz y su personaje.

Bibi Dória (Campo Grande, 1995) graduada en Danza por la UNICAMP (BR). Trabaja en la intersección entre la danza, la performance y el cine. Reside en Lisboa (PT) desde 2018, donde desarrolla sus proyectos autorales y colabora como intérprete, asistente y dramaturga con varios artistas. Entre ellos, Bruno Brandolino (UY), con quien comparte la performance y la creación de la obra LA BURLA (2022).

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