CCC#79_Teresa Lorenzo

Viernes 9 de febrero, a las 20h

Muestra del trabajo en residencia La Magias.

Las Magias es un solo de danza que evoca y se nutre de la mística, de la naturaleza, de las poéticas de lo microscópico y lo galáctico, de las potencias expresivas de un cuerpo nacido, entrenado y entendido para aprehender el mundo desde la dimensión más profunda de la danza.

En el primer abordaje del trabajo he abierto enamoramientos sobre figuras relativas a elementos naturales, celestes y místicos; y sobre las que he aplicado una superposición de capas básicas que ordenan y clarifican la acción del cuerpo y se complejizan en su interrelación. Poco a poco trato de dar sentido a todo con el soporte estético de la cosmovisión que se va revelando en este camino, y que me guía en la creación de una partitura base que cuide más y más todo el conjunto de la gestualidad del cuerpo. A lo largo de la residencia profundizaré en el estudio, desarrollo y manejo de esta partitura inicial, con el propósito de producir un lenguaje preciso y genuino, que permita la creación de una composición coreográfica estable. Refinar esta danza desconocida. Y siempre abierta a que todo cambie.

TERESA LORENZO.Artista escénica independiente especializada en lo salvajemente dancístico. En los últimos años profundiza desde un punto de vista poético y filosófico en varios modo de relación con la naturaleza en sus diversas manifestaciones, con un acentuado rigor experimental. Su lenguaje corporal es paradisíaco y ajeno a las tendencias contemporáneas convencionales.

+ info y entradas en la web

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CCC#77_Mònica Muntaner y Rosa Muñoz

Miércoles 20 de diciembre, a las 20h

Recuperamos la muestra del trabajo en proceso Coplas y Haikus de mares i amors que se canceló el pasado novimembre.

De mares y amores va la cosa, de cuerpos, números, métricas, tiempos, ritmos, canciones, haikus, coplas, gramática. Podriamos ser La Ribot y Mathilde Monier o un duo con Michelle Moura o Los Torreznos … pero no lo somos del todo. Nos encantaría cambiar el título del proyecto por 300 cagarros y posiblemente hacernos llamar Las Lobeznas, pero ya se verá. La madre linterna, la madre mosca, la madre lobo, la madre tomillo, La madre que tenemos que volver a reconocer dentro de su traje, mirándole los cabellos con una lupa.

De haiku a melodía, de ritmo a canción, de una letra a una copla, de una palabra a una música, de una copla a una poesía , de madre a muerte, de muerte a reír, de risa a madre, de madre a amor.

Entrada gratuita con reserva previa en la web

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Resolución de la convocatoria de residencias para el 2024

La comisión formada por Quim Bigas, Amalia Fernández, Pablo Lilienfeld, Sabela Mendoza, Carles Mallol y Javier Cuevas han seleccionado las siguientes propuestas para el programa de residencias del 2024:

 

Residencias de creación:

Juan Carlos LéridaCher

Itxaso Corral y Anabella Pareja Sortilegios del Maternar

Maximiliano SanfordMomentum

Iver ZapataÊttupendô Deliriô

Bibi DóriaUn perro de siete patas

Renan Martins – GUERRILLA

Francisco Thiago Cavalcanti da Silva 52Blue

María Jesús FajardoDesmorir

Adriana ReyesEl título todavía no se ha dado paso

Teresa LorenzoLas magias

Maria Tamarit y Sara WillaHISSING ORGANS

Paz RojoSin título

 

Residencias técnicas:

La Cerda El Baile de la Zurda

Lara BrownLo Imposible es Desaparecer

Elena Carvajal y Fran MartínezRealmente ahora no ya no

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Taller familiar ‘Fer un collage com qui fa una abraçada’ con Iera Delp y Teresa Rubio

Sábado 16 de diciembre, a las 17h

¿Se puede dibujar un abrazo con el cuerpo? ¿Dejan huella los abrazos? ¿Cuántos abrazos recuerda tu cuerpo? ¿Podemos abrazar un espacio? ¿Los espacios abrazan? ¿Y si el collage fuera también una manera de tocarnos y entrelazarnos? Y un collage, ¿se puede bailar?

Os proponemos explorar la relación entre el cuerpo y el papel, imprimiendo abrazos con el cuerpo en papeles antiguos que ya no se utilizan, carteles de espectáculos que ya han pasado o en papeles que envuelven las resmas de papel. Nos moveremos con los papeles, les contaremos secretos, nos esconderemos y escucharemos sus historias y las de los abrazos que llevamos en nuestra piel. Jugaremos a hacer collages de afectos vivos que bailaremos y expandiremos por el espacio.

Una invitación a borrar los límites entre el el collage y la danza, el suelo y la mesa, las paredes y la carne.

+ info y entradas en la web

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Apertura de la sala-taller de ‘De lluny’ de Verónica Navas

Del martes 12 al domingo 17 de diciembre

Verónica Navas abre su estudio a visitas durante su proceso de trabajo en residència en La Caldera esta semana. Para concretar los horarios, puedes ponerte en contacto con Verónica por IG – Instagram: @dichodepaso 

Sobre el trabajo ‘De lluny’ (De lejos):

Parto de

Voy con un sustrato de palabras clave: cine expandido y prácticas paracinemáticas; relación entre cuerpo, espacio y material; el caminar como metodología, como práctica estética y de pensamiento; la acometida del paso como movimiento madre; found-footage y site-specific; reedición, perspectiva, imagen, tiempo.

Como artista me he expresado sobre todo en dos ámbitos, las artes en vivo y el guion cinematográfico, convencida de que todo lo que interviene en los procesos (sea o no humano, sea o no tangible) está vivo, es decir, está cargado de tiempo (no siempre medible ni trazable, pero siempre ahí).

Es por ello que mi práctica de largo recorrido consiste en el estudio del tiempo y sus expresiones. Concretamente, en cómo el tiempo se percibe en los cuerpos y los procesos. Mi aproximación a la creación es fenomenológica. Así, cuando llega el momento de la obra, ésta se aborda siempre desde la relación, entendida como una sincronización efímera entre los tiempos de la pieza y los de las personas, materiales o ambientes que la albergan, cruzan, etc., incluida la artista, que es su primera interlocutora. En estos transcursos me acompañan siempre las preguntas «a qué distancia» y «en qué medida». Con «De lejos» también me pregunto qué formulación es la mejor para colectivizar una investigación hasta la fecha bastante íntima.

Anteriormente, mis trabajos escénicos habían desarrollado diferentes grados de relación entre lo analógico y lo digital, entre el hecho vivo y el registro, entre la realidad, la percepción y la memoria. Así es en «La Ciudad» (2019-2022) o «Hasta Agotar Existencias» (2016-2020).

«De lejos» nace de un deseo vital de continuidad y permanencia, de aleatoriedad e intervención. De la tensión entre estos pares, en 2022 arranca una investigación estética conceptual en torno a la línea, la transmutación y el tiempo de la imagen, que desarrollo por la vía práctica durante 33 días de 2023 en La Caldera.

Paso por

A partir de estas inquietudes, y teniendo en cuenta que dispondré de la Sala 4 (S4), planteo lo siguiente para la residencia, con una duración de algo más de cuatro semanas repartidas entre mayo y diciembre.

En el primer tramo, en primavera, me centro en «tirar líneas» para problematizar la noción de perspectiva y en estudiar la transformación de la imagen. Lo hago, por un lado, interviniendo la relación entre el cuerpo y el espacio, en principio diáfano, con hilo de coser, con el que formo una trama que propone travesía. Me interesa despertar consciencia sobre el tramo de cuerpo que va de la coronilla al cóccix. Por otra parte, me centro en construir y asistir al «trayecto de la imagen», para lo que propongo diversas prácticas que van desde la observación directa de una arquitectura o paisaje exterior («a ojo desnudo»), al licuado de su registro a través de diferentes medios y soportes (fotografía digital, impresión en papel, observación de lo impreso con diferentes lentes, proyección en pared, registro de la proyección, dibujo de línea continua, etc.). Estos registros superan en algunos casos su condición subsidiaria y adquieren autonomía. Ahí es cuando «nace» o «emerge imagen».

Durante el segundo tramo de residencia, en verano, genero continuos y trabajo de manera sostenida(esto es, interrumpiendo la tarea cuando proceda, pero no su energía de base). Me pregunto cómo se comportan los materiales, entendidos en un marco de relación triangular entre el espacio de sala, mi cuerpo y el papel. Este papel procede de revistas y de antiguas enciclopedias, cuyas páginas desencuaderno, corto y reedito como bobinas.

Llego a

Durante esas semanas de verano, desde el punto de vista formal, «De lejos» se revela como lo que actualmente es (en proyecto): una película que se pasea.

Una película que es una instalación performativa y que también, según como, es un libro desencuadernado cuyas páginas se han recortado y reeditado y que, por analogía, se ha convertido en una película.

Las antiguas páginas de una enciclopedia, de una compilación de saberes caducos. Un trasto viejo, compacto, pesado, con una materialidad y un contenido informativo que es casi la antítesis de lo que mucha gente decidiría colocar hoy día en una estantería su casa y que alguien colocó junto al contenedor de reciclaje, con cuidado, y que yo detecté y recogí cuando aun se lo reconocía como enciclopedia. Pero ahora se convierte en un rollo de película, cuando existen muy pocos rollos de película y menos aun de película de papel.

Esto que me lleva a preguntarme qué hacemos de los objetos caducos, de las narrativas y discursos obsoletos: ¿qué hacemos de estos cuerpos?

Yo, que los veo vivos, en transformación, quizá fermentando, propongo hacer películas que no se mueven, sino que invitan a moverse. Que salen del proyector y se despliegan por el espacio físico; que ocupan toda la arquitectura e invitan al paseo, a verlas mientras se pasea a su lado. Películas que se instalan en un espacio no convencional o en una caja blanca o un exterior, en vez de proyectarse en una pantalla bidimensional en una sala oscura; que van de la encuadernación del lomo y una estantería de la casa de alguien a la sala expositiva, a la mirada colectiva. Películas de papel que, como material fotosensible, se sigue velando por la luz durante el tiempo de instalación. Un papel en el que, quien sabe, quizá se revelen nuevas narrativas.

Sigo con

Centrada en «De lejos» como proyecto de «película que se hace» desde el paseo, la mirada y el tacto, durante el último tramo de residencia en La Caldera (casi en invierno), deseo hacer una práctica de permanencia en los gestos de corte y montaje de película. Esa semana, con esa actividad, pienso la S4 como un lugar-taller poroso, sin momentos de concreción espectacular, pero abierto de manera permanente a la visita. Una invitación con un mínimo, pero básico, manual de instrucciones. Mi curiosidad para quienes se acerquen se centrará en conversar en torno a lo que cada una percibe y entiende de la «convención cine», así que me apetece recibir preguntas y hacer dos: «¿qué hace de una película “película”?» y «¿que hace de un paseo “paseo”?».

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CCC#78_Blanca Tolsá

Jueves 14 de diciembre, a las 20h

Muestra del trabajo en proceso Parafonies

Cuando dos ondas sonoras de igual frecuencia se emiten al mismo tiempo las percibimos como una sola. En cambio, cuando dos ondas sonoras con una ligera diferencia entre sus frecuenciasse encuentran en un punto o una región del espacio, baten entre sí produciendo en el oído humano una tercera onda.

Parafonías explora las fricciones que se producen entre la esfera del movimiento y la esfera de la voz y cómo al jugar con las distancias entre ambas, aparece un tercer ente no premeditado.

El punto de partida fue observar las sintonías que se producen entre cuerpo y voz durante un acto comunicativo: las maneras en las que, al hablar, el gesto y la intención apoyan a la palabra, el lenguaje, para enfatizar su misión comunicativa. La investigación nace del deseo de deshacerel unísono y desmontar las asociaciones dominantes para conectar con significados y modos de hacer desconocidos, permitiendo relaciones menos intuitivas y que así emerjan imaginarios inesperados.

Durante la residencia en la Caldera la investigación se realizará con los intérpretes Pepe González y Berta Pascual. En la creación musical estará Rodrigo Rammsy.

Entrada gratuïta, reserva prèvia en la web

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Taller familiar ‘¡SPLASH! Bailar el agua’ con Anabella Pareja Robinson

Sábado 25 de novembre, a les 17h

A veces tu cuerpo te parece limitado, pero por suerte, recuerdas que somos cuerpos de agua, que un gran porcentaje de nuestro cuerpo es agua y que como las líneas de agua marcadas en la montaña, las líneas están definidas y dibujadas por el agua en nuestro cuerpo. Fantaseas con moverte como una gota, con desplazarte con la fuerza de un río; con convertirte en un oceáno para circular y conectar cuerpos por doquier o con simplemente evaporarte.

Estos fascinantes imaginarios inspiran las pequeñas prácticas de danza y ecosomáticas que realizaremos para aumentar nuestras sensibilidades corporales, ayudándonos a producir una relación más curiosa y fluida con nuestro entorno. Entrenaremos para poder habitar las percepciones, sensaciones y activaciones de otros cuerpos, objetos, espacios, dentro de nuestro propio cuerpo; invocando y honrando al agua, descubriremos nuestras múltiples capacidades de estar en movimiento.

Para familias con niñes entre 4 y 8 años
Entradas 5€ por persona

Toda la info en la web

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Concierto ‘Bestia Sagrada’ de Isabel Do Diego + Festa La Caldera Club

Sábado 2 de diciembre, a las 20h

En BESTIA SAGRADA, Isabel Do Diego permeabiliza el quejío flamenco con la fisicalidad vocal de diferentes liturgias como el canto sacro del medievo europeo, la llamada a la oración en Mesopotamia o la recitación del Bunraku japonés. Una voz encarnada por diferentes alimañas a modo de bestiario folclórico. Todo este cuerpo vocal y orgánico, es sustentado nuevamente por bases electrónicas compuestas, esta vez, como “trampantojos sonoros”. NIGAWARAI, MANTÍCORA e IFRIT son las tres bestias instrumentales, creadas por Isabel Do Diego, para trasladar dichos “trampantojos sonoros” al directo. Todo ello forma un simbolismo musical habitado por una electrónica arrastrada, rasgada, golpeada y rota.

Espacialmente, Isabel Do Diego habita un escenario propio donde ritualizar todo este viaje musical. Un hábitat para el cante monstruoso de electrónica sacralizada. Un espacio para la danza bastarda de movimientos sobrenaturales. El cuerpo médium que todo lo habita. Una triada de voz, cuerpo e instrumentación que conduce a la celebración de lo monstruoso como entidad divinizada. En definitiva, una escena transmutada en altar donde prender la taumaturgia folclórica en forma de ceremonia musical.

+ FIESTA FINAL DE CORPOGRAFIES #8 LA CALDERA CLUB

Más información y entradas en la web

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Algo que hay que hacer ahora para existir – Entrevista con Josefa Pereira

Durante las próximas semanas, la coreógrafa y bailarina brasileña Josefa Pereira estará en La Caldera presentando dos piezas, Mandíbula y Campo Fuerza Llama, su trabajo más reciente. Hace unos días conversamos con la artista sobre sus obras y el modo personal en que concibe sus proyectos, entre otros asuntos.

João Lima: Josefa, ¿cómo será esta aventura aquí en Barcelona?

Josefa Pereira: En junio, cuando estaba en residencia en La Caldera para la creación de Campo Fuerza Llama, Oscar me preguntó: “Como aquí nadie te conoce, ¿te gustaría mostrar otra pieza?” Y sugirió Mandíbula, que es un trabajo creado con Patricia Bergantin, en São Paulo en el 2018. La pieza se vio interrumpida por la pandemia, pero le tenemos mucho cariño. Entonces, pensé: “¿Por qué no remontarla con las chicas que vienen a hacer Campo Fuerza Llama conmigo?” Será un período intenso: dos piezas en dos semanas. Es mucho. Por otro lado, nos vendrá bien, tanto para ellas participar en un trabajo anterior mío como para mí retomarlo desde fuera, después de haber tomado distancia. Luego, montaremos y presentaremos Campo Fuerza Llama, que es esta pieza grupal que acabamos de estrenar y que todavía estoy entendiendo lo que es y lo que puede ser. 

Campo Fuerza Llama. Imagen: Patricia Black.

JL: ¿Qué tienen en común las dos piezas y en qué se diferencian?

JP: Será un ejercicio de crear conexiones… porque en una dejé de trabajar en 2019 y en la otra recién comencé. Y para mí siempre toma tiempo entender lo que está pasando. Porque hay una distancia entre el proyecto y en lo que la cosa realmente se convierte. Siempre que estreno una pieza miro a esta criatura extraña que acaba de nacer y me da un susto. Ahora estoy justo en ese momento. Mis proyectos son poco lineales mientras los concibo. Son ideas que recojo, luego pienso y trabajo estas materias. Me gusta lanzarme y ver qué camino toman esas cosas, arrojarme a lo desconocido. Mientras voy por un proceso de investigación y de práctica, el trabajo necesita tiempo para consolidarse.

Campo Fuerza Llama quiere acercarse a la experiencia y a las sensaciones del intérprete, y confiar en las elecciones que se hacen allí. Por otro lado, Mandíbula es un trabajo en el que entro en la materialidad, en la plasticidad, creando una composición estética de visualidad muy fuerte. Mientras que Campo Fuerza Llama pasa más por la pulsación, por sentir el ritmo, por el manejo de la energía. Porque pulsamos durante varios minutos de intenso trabajo físico, con la vibración del sonido. Sin embargo, las dos piezas abordan el tema de la pulsación, el ritmo y la activación de una determinada idea de movimiento continuo. Además de la idea de insistir en algo hasta que esta cosa se doble y genere el siguiente paso. Un tema que también es recurrente en mi carrera. En ese sentido, Campo Fuerza Llama va más allá y comparte las herramientas de toma de decisiones entre nosotras, en el momento en que estamos ahí creándola. Es un trabajo que radicaliza sobre ese campo de relaciones todo el tiempo.

Mandíbula. Imagen: Micaela Wernicke.

JL: Mandíbula es un dúo y en Campo Fuerza Llama aparece el cuerpo colectivo. ¿Cómo percibes este tránsito?

JP: Durante la creación del Campo Fuerza Llama, en las condiciones que tenía para trabajar, me di cuenta de que no siempre podría tenerlas a todas allí. Cuando trabajas en grupo es así: agendas y agendas. Por eso, durante todo el proceso, anticipé la necesidad de que este cuerpo colectivo fuera flexible. Por ejemplo, predijimos que la pieza podría ser hecha entre cuatro o tres personas, ya fuese que yo estuviera dentro o fuera. Sobre la negociación entre dos, creo que es algo que conocemos más, ¿no? El dúo, la pareja; estamos más para relaciones monógamas, en cierto sentido, donde el dúo tiene una fuerza y ​​creo que es una ecuación un poco más par a par. Ahora, cuando se trata de un grupo todo se multiplica. El campo de las negociaciones es infinito, no es que entre dos no lo sea, pero ahora la ecuación se expande mucho, especialmente en esta forma de trabajar. Todo el tiempo quise permanecer en el ámbito de las negociaciones, lo que fue maravilloso, pero también agotador. Ahora veo que en este objeto que creamos podríamos ser veinte personas haciéndolo. Porque tiene esa dimensión de práctica, sólo necesitas abrirte a la experiencia. 

JL: ¿Y los títulos? ¿A que responden Campo Fuerza Llama y Mandíbula?

JP: Me gusta encontrar la concisión de una sola palabra, pero que también deje mucho espacio abierto. Campo Fuerza Llama es la primera obra en la que utilizo más de una palabra. Ya Mandíbula viene de un trabajo anterior, también con Patrícia, llamado Égua, en el que trabajamos mucho con esa idea de una boca muy abierta y salivando. De ahí hicimos un superzoom para pensar en cómo sería ese dispositivo que abre y cierra, que produce esta saliva, esta lubricación. Seguimos pensando en cómo sería si todo el cuerpo funcionara como este mecanismo. Así surgió la idea de abrir y cerrar, de masticar, comer o tragar, y de cómo esto también puede estar desplazado en la boca, en el ano, la vagina, codos y por todo el cuerpo, así como en el encuentro de ambos cuerpos.

En Campo Fuerza Llama fue todo lo contrario. Muchas veces empiezo y el nombre viene después, pero aquí el título surgió antes. He estado trabajando mucho con palabras, usando tarjetas en las que creo mapas de ideas y voy recreando las conexiones durante el proceso. La pieza surgió del desbordamiento del proceso artístico, de hacer un solo en un contexto de pandemia, de haber migrado y de sentirme muy sola. También de estar aquí en Portugal, en un clima diferente, donde los estudios no tienen calefacción y hace mucho frío. Tuve que conectarme con esta idea de campo, fuerza y ​​llama, para producir mi propio calor y crear las condiciones para que esta fuerza siguiera moviéndose. Fue mi sentimiento. De repente había una sensación de que todo desaparecía, que yo iba a desaparecer, que ya no tenía el entorno que me hacía mover con normalidad diaria, ni los contextos de celebración, ni de mi trabajo artístico. Y tuve que buscar otras referencias, otro cuerpo. Me resulta interesante que el título de la obra se multiplique: el nombre viene en tres palabras que no forman una frase, pero contiene tres ideas que crean un campo de relación.

Mandíbula. Imagen: Micaela Wernicke.

JL: En las dos creaciones hay una apuesta por un estado de hipersensibilidad y, a través de la materialidad, emergen emociones y cuerpos vibrantes. A partir de aquí, es como si apareciera toda una dimensión intangible.

JP: Pienso en este intangible como algo que va más allá o quizás, como esta inmersión súper comprometida con la sensación, con la materialidad del cuerpo. Creo que tiene que ver con el modo que desarrollamos la conceptualización como una materia propia. Y todas esas dimensiones generan la constelación de fuerzas que componen la obra. Se relaciona con el lugar en el que estoy involucrada, con cada materialidad: la luz, la sensación y la piel como entidades. Y la manera de lanzarse a todas estas cosas con sus propias fuerzas actuantes, sus propios deseos. Entonces todo empieza a culminar y a formar lo que será recibido por el público. Siento que de ahí viene lo intangible: todas estas fuerzas se manifiestan y lo que se escapa es una tercera cosa generada a partir de ese encuentro. Para mí esto es la coreografía: el encuentro total de estas entidades. De repente, esto produce algo que antes no teníamos contacto.

Yo siempre digo: “10 para la materia, 0 para mí”. Una broma que juega con la idea de cuán fuerte e imponente es cada tema que convocamos en un contexto creativo, cuánto cada tema abre sus propios rumbos. Empiezas a trabajar un tipo de material y la cosa te lleva. Mi camino siempre es el de confiar en lo que estas cosas generan sensorial, táctil, afectivamente. Confiando en que esta sensación es la guía principal y no la guía del que mira. Porque creo que nuestra mirada ya está muy formateada, muy acostumbrada a ver lo que agrada. Si bien la obra tiene un componente visual muy fuerte, nunca fue una búsqueda de la visualidad, sino de lo que de ahí emana. 

JL: Deleuze decía que Francis Bacon no se dedicaba a pintar formas, sino a captar fuerzas.

JP: Genial, Lógica de la Sensación hizo parte de mi trayectoria. Esta lógica de sensación y fuerza que produce forma, y ​​no la forma como lo único que se busca. También miramos mucho la idea de idiorritmo de Barthes, que es un concepto creado para abarcar esta idea de ritmo como una composición de pulsiones, y de estas surge la individuación, no la individualidad. No se trata de un ritmo militar ni una idea de ritmo con esta regularidad supersincrónica, métrica y calculada. Sino en cómo esas diversas pulsiones crean singularidades, campos de relaciones.

Esto tiene mucho que ver con mi movimiento, mi proceso de inmigración. De estar en un contexto que es totalmente diferente. Y la necesidad de entender qué nuevo ritmo necesito crear para mi cuerpo. Quizás otro ejemplo sería si pensáramos en la sociedad del trabajo industrial u otros ritmos que de alguna manera nos limitan. En este sentido, para mí, no centrarme en la composición espacial de la coreografía y ser súper fiel a esa idea de impulso y pulso, fue el modo de experimentar esta práctica, este lugar de existencia dentro de la obra. Es una puesta a punto constante, una actualización, una especificidad, una pregunta siempre, algo que hay que hacer ahora para existir.

Campo Fuerza Llama. Imagen: Patricia Black.

JL: En un texto comentas la necesidad de desaprender lo que se estableció como “máquina de la humanidad”. ¿Adónde te ha llevado ese compromiso con las pulsiones de los cuerpos? 

JP: Cuando estaba pensando sobre esa máquina de la humanidad, ese arriba y abajo, esas proporciones, el cuerpo anatómico, el Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci… Una amiga me dijo: “Quieres convertirte en un huevo.” Esto me hizo recordar un cuento de Clarice Lispector sobre una gallina y un huevo, una historia muy loca y muy extraña. En una entrevista, ella dice: “Ni siquiera sé qué es ese texto, lo escribí y es misterioso incluso para mí”. Y en seguida habla de su relación con la creación, con la escritura, en una dimensión que también forma parte de la vida. En la danza, aunque también sea muy cercana a la vida, vamos al estudio, paramos un rato, un tiempo que hoy en día es totalmente extraordinario. Pasamos seis horas allí, haciendo, sintiendo. Algo totalmente fuera. Y, en esta entrevista, ella habla del dolor y del deleite de la creación. De todo lo que la creación comienza a abrir como un horizonte, como posibilidades para sumergirte. Y las preguntas que esto plantea… Es tan difícil sobrevivir haciendo esto. Recordé esta entrevista porque, cuando le preguntan: “¿Qué haces después de haber escrito un libro?” Ella contesta: “Ah, cuando acabo de escribir un libro estoy muerta”. Hay ese momento de morir un poco. Ahora mismo, estoy realmente enfrentando el dolor y el deleite de esta creación, y me pregunto: “¿Por qué hacer esto, por qué entrar en ese lugar de agotamiento?” La sensación de que no sirve de nada. Pero es por eso mismo que lo volveré a hacer la próxima vez. Porque es la práctica la que genera posibilidades, y no al revés. Por eso todavía no me he rendido. Por eso continúo haciéndolo. En el sentido de que nada tiene sentido. Entonces, necesitamos crear… Inventar significados nuevos para las cosas. Y cuando esta fuerza se pierde… No queda mucho. 

Campo Fuerza Llama. Imagen: Patricia Black.

JL: En Campo Fuerza Llama la necesidad de continuar, de ir más allá pese a todo, parece que está en juego. En la pieza, los cuerpos vibran como si realmente liberaran un vocabulario gestual. Y lo hacéis sin dramatismo, incluso con un cierto aire festivo. 

JP: Tiene sentido. Con esta combinación de personas, la obra adquirió un aspecto de celebración. Agatha es DJ y vamos a las fiestas en que toca. Hemos seguido un camino fuerte activando los contextos de fiestas de inmigrantes, de ritmos brasileños. Nuestro grupo obtiene gran parte de su vitalidad de asistir a las fiestas, y del carnaval.

Natália Mendonça también trajo una referencia que forma parte de nuestro bagaje, que es la historia de cómo los Ibejis enfrentaron la muerte. Es así: la muerte llegó a su comunidad y se empezó a llevar vidas. Y demasiada gente murió. Entonces, los orixás se organizaron para ahuyentar la muerte. Pero sólo los gemelos Ibejis lograron vencerla, porque son la única entidad formada por dos y pudieron turnarse. Su estrategia fue tocar para hacer bailar a la muerte. Entonces tocaron y, como eran dos, se alternaban: cuando uno se cansaba venía el otro y la música nunca paraba. Mientras la muerte bailaba no se llevó a nadie más. Hasta que la muerte no aguantó más y dijo: “Dejad de tocar la música, necesito parar, no puedo bailar más”. Entonces, los Ibejis propusieron un acuerdo: “Dejaremos de tocar si te vas de aquí”. Y la muerte se fue. Esta historia habitó nuestra creación.

Y también la idea de fiesta y de fresta (grieta en castellano) y la lucha contra el eurocentrismo y el cuerpo colonizado. Vivir y morir, bailar… Esas divisiones: bailar es alegre, no bailar es triste. Ideas que, para mí, forman parte del pensamiento eurocéntrico en el que estamos inscritos de lleno. Hay que seguir haciendo este esfuerzo constante. En cierta medida, el drama de Campo Fuerza Llama es sobrevivir a ese fuerte cansancio… Vaya, es nuestro último sprint, porque ya tenemos una historia en la danza, ya no somos jóvenes intérpretes. Entonces, también nos preguntamos: cuál es nuestra trayectoria como intérpretes, cuánto están en juego nuestros propios deseos en el momento de la creación, cómo se dio nuestra historia de relaciones con los coreógrafos… En qué medida nuestra experiencia como intérpretes es parte de la creación, cuál es nuestro conocimiento como cuerpos que performan. Y cuánto todavía somos capaces de habitar ese tipo de lugar limítrofe. En fin, hay un poco de cómo el trabajo realmente se implica a sí mismo.

JL: Por último, ¿cómo ves el panorama de la danza en la actualidad?

JP: Veo muchas cosas. Por un lado, hay algo supercomplicado que es el marketing. Mi posición de conflicto constante tiene que ver con esto, que es el lado de las relaciones, de cómo funciona el mercado y los gatekeepers. De cómo a veces se forjan tendencias en las que tienes que encajar para que tu trabajo conquiste espacios. En este tema, hay cosas que, como artista y mujer brasileña, también afronto. Como lo que significa insertarme en un contexto europeo de producción, de ciertas expectativas, de exotismos y de otras cosas que se imponen. Y también del porcentaje de las cuotas. Si soy una artista brasileña represento esta categoría, esta identidad.  Así que, si ya hay una, no habrá dos. Lucho mucho con esto. Además, en este sentido, también hay la cuestión del tiempo preprogramado de la creación. Todos los artistas y creaciones deben encajar en un formato inflexible. Hay que ser muy estratégica para sobrevivir en ese esquema.

También veo, sobre todo en Portugal, que todo está muy orientado a la producción. Entonces, cuando la gente va a ver una obra verá un objeto cerrado. Hay poco espacio para lo que permea ese contexto con otro tipo de prácticas y pensamientos. En São Paulo vengo de un entorno en el que, después de mucha lucha política, alcanzamos la condición para reivindicar los procesos creativos, cosas más híbridas, formatos más abiertos, más procesales e investigativos. Como allí no tenemos un mercado tan fuerte como en Europa, surgen otras maneras de ponernos en contacto con las creaciones. Hay contextos muy diversos en este sentido, aquí el formato está bastante cerrado. También en lo que respecta a la autoría. Se trata de un nombre, lo que es muy poco. En la ficha técnica ya provoca un problema, porque pongo que dirijo y creo el concepto, pero que la creación es colectiva. Y esto genera problemas de derechos de autor y no sé qué más. Es una pregunta para mí.

Y la otra es sobre lo que intento hacer, que es involucrarme de verdad. ¿Qué es esto que quiero inventar? Para mí, la danza tiene que estar en ese lugar. Cuando no, no me interesa. Es muy común que nos involucremos en discusiones superinteresantes sobre el concepto, pero luego las relaciones están todas mediadas por varios vicios… y no queremos ver las formas en las que creamos las relaciones laborales. Entonces me preocupo y trato de intentar que las cosas que estoy discutiendo sean lo que estoy probando en mi vida, en mi existencia, y no una cuestión de moda. Para mí, es lo que importa. Y es muy difícil, pero en mi danza he intentado mucho desdibujar ese lugar, lo que trae problemas, pero también genera vínculos de trabajo y de amistad, porque son relaciones de mucha convivencia, de compartir la intimidad. Entonces, debido al trabajo, he estado siempre en movimiento, deambulando por aquí y por allá. Y ha sido importante estar rodeada de personas que viven la misma onda estética, ética, política, emocional, etcétera. Estoy intentando que sea así. 

João Lima


Mandíbula
25 de noviembre. 

Una performance de Josefa Pereira y Patrícia Bergantin remontada con Natália Mendonça y Nina Botkay. Luz: Josefa y Patrícia con Aline Santini. Vestuario: Josefa Pereira. Asistencia al vestuario: Lucas Koester y Marilda Pereira.

Campo Fuerza Llama, 30 de noviembre y 1 de diciembre.  

Concepto y dirección: Josefa Pereira. Creación y performance: Josefa Pereira, Natália Mendonça, Nina Botkay y Vânia Doutel Vaz. Colaboración y preparación corporal: Danielli Mendes. Compañía: Meiga. Banda sonora: Agatha Cigarra. Luz y dirección técnica: Ana Carocinho. Vestuários: Nina Botkay. Fotos y vídeo: Patrícia Black. Producción: Carolina Goulart, SinaSuzin y Amandi Kaibô. Apoyo y gestión financiera: Parasita Associação. Ese proyecto es parte de Projeto Casa, uma co-producción de O Espaço do Tempo (PT), Cineteatro Louletano (PT), Centro Cultural Vila Flor (PT). Residencia artística: La Caldera (ES)

Las presentaciones de Mandíbula y Campo Fuerza Llama integran el ciclo Corpografías #8 organizado por La Caldera (Les Corts).

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‘Campo Fuerza Llama’ de Josefa Pereira

Jueves 30 de noviembre y viernes 1 de diciembre, a las 20h

Está este campo nuestro, un terreno. Un lugar que contiene y también emana, calienta y llama. A veces, esto es como una confrontación con un oso. Dicen que de ahí nacerá un híbrido humano-oso y oso-humano. Somos estos bailes-mordeduras-de-oso. Quién llega también puede ser atraído, ser mordido, tal vez convertirse también en un híbrido. Nos movemos ininterrumpidamente, y estamos aquí porque siempre debe ser en simultáneo, algo que solo se puede generar cuando se va al mismo tiempo. Cuando nos acompañamos, pulsamos. Hace tiempo que nos olvidamos de cómo, por eso recordar debe ser aquí, un gesto de toda invención.

JOSEFA PEREIRA (BR/PT) es coreógrafa e intérprete. Vive en Lisboa, y vive entre colaboraciones en la escena local y colaboraciones en São Paulo, la ciudad en la que vivió y creció. Completó el master DAS Coreografía – AHK (NL) con una beca de la Fundación Gulbenkian. Su método de trabajo se basa en la práctica como fuerza y recurso de transformación material, algo que es capaz de generar lo que muchos llamamos ser movido. Este momento en el que hacer algo nos desborda y entonces empezamos a estar hechos por lo que hacíamos anteriormente. Aquí es donde reside su encanto. Cuando los conceptos, cuerpos, situaciones y gestos encuentran un punto de fuerza y desbordamiento en el que unos van haciendo los otros, y así ganan contexto para autogenerarse. Su práctica artística más reciente se define por un campo orbitante en torno a intereses como la monstruosidad y la fabulación.

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