‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima

Este año dentro del Dansa Metropolitana proponemos dos programas dobles muy potentes que nos encanta cómo dialogan entre sí:

‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima, del 17 al 19 de marzo, a les 20h 

‘Bailar o lo salvaje’ de Lara Brown + ‘Panorama’ de Raquel Gualtero, del 24 al 26 de marzo, a las 20h

Presentamos de seguido, las dos primeras propuestas, que se presentan del 17 al 19 de marzo, en La Caldera: ‘Lo faunal’ (extracto) de Pol Jiménez + ‘Cavalo do Cão’ de João Lima.

Lo Faunal de Pol Jiménez

En este extracto del solo Lo faunal, el bailarín Pol Jiménez encarna a la figura mitológica del fauno, que durante la siesta fantasea con las ninfas. Para hacerlo, se inspira en la representación del fauno de la danza clásica de Nijinsky, y tanto el intérprete como el director de la pieza, Bruno Ramri, se centran en la idea de que no es solo un personaje mitológico, sino más bien una condición. Una condición que comparte con la danza española, la de la hibridación constante para poder ensanchar sus fronteras.

Cavalo do Cão de João Lima

En portugués brasileño, cavalo do cão («caballo del perro», en traducción literal) es una expresión que significa a la vez un insecto cuya picadura provoca un dolor desgarrador, una persona indomable y el caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. El bailarín João Lima encarna a este animal a través de un espectáculo de danza contemporánea que nos evoca a un personaje cuya forma de vida es híbrida. Una composición basada en la materialidad y en la ritmicidad del cuerpo y el espacio, a través de la (des)conjunción entre el gesto y la voz, la imagen y el sonido, y que nos sitúa, quizás, entre el encanto y el espanto.

Tota la info y entradas en la web de la caldera

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¿Una danza decolonial? – ‘Cavalo do cão’ por Gérard Mayen

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

En un solo multidisciplinar y revuelto, el bailarín y coreógrafo João Lima configura el presente de un espacio emancipado de las alienaciones coloniales. La libertad se devuelve a la mirada del espectador.

Cavalo do cão? En portugués brasileño, esta expresión tiene muchos significados.  Literalmente, podría significar «caballo del perro», como si un cánido pudiera hacerse dueño de un equino. Cavalo do cão es también un insecto cuyas picaduras son terribles. Trataríamos también de Cavalo do cão a una persona joven particularmente indomable. Finalmente, en el registro de la mitología popular, Cavalo do cão es el «Caballo del diablo».

Ya des del título de esta obra, se nos sitúa en dos vías de percepción. Por un lado, la de la polisemia, con la apertura de múltiples significados. Por otro lado, captamos un imaginario cromático, rústico y, por qué no, exótico. Esto resuena con el hecho de que João Lima, que interpreta y firma el solo Cavalo do cão, sea de origen brasileño. Desde hace algunos años, no faltan figuras de este gran país latinoamericano que se alzan con furia, con dureza, con acentos muy marcados, a veces teñidos de arcaísmo.

En este registro, que no es el de João Lima, se capta claramente la intención de convocar las potencias de los referentes culturales que la colonización ha marginado. Pero estas figuras son a veces tan llamativas, extremadas, que suscitan una duda: ¿no despiertan, sin querer, un exotismo espectacular finalmente esperado, subrayado? Lo que acaba encerrando los territorios del imaginario, aunque se haga con las mejores intenciones políticas del mundo.

Como se ha sugerido anteriormente, João Lima traza su camino en un territorio completamente diferente, que deja indefinidamente fluctuante y polisémico. Pasan largos minutos antes de que distingamos visualmente su presencia en el escenario al comienzo de Cavalo do cão. Reina la penumbra. Fuertes gritos, potentes pero variados, la habitan. No hay duda: se nos está invitando a explorar todo un universo. La resonancia es potente: en el espacio, el grito se difunde y se inscribe en un aliento vital, orgánico, como el abrazo de un cuerpo humano presente en el vasto elemento que lo rodea. La llamada al imaginario es considerable.

A lo largo del resto del solo, esta fisicalidad sonora será indefinidamente relanzada por el intérprete. Esto, se trabaja con la aportación de un arquitecto de sonido, Miquel Casaponsa. Mientras tanto, se crea la luz, que modulará en todo momento sus poderes de revelación, sugeridos por Ivan Cascon. Todo se desarrolla en concierto, el espacio escénico se convierte en el actor de las metamorfosis. A partir de este momento, João Lima no dejará de sondear este territorio, de manifestarse en gestos que lo conforman: el artista hurga, tantea, empuja, designa, perfora, sopesa, indica, evalúa, cadencia. Todas estas acciones, intercaladas, se suceden y generan un ritmo de descubrimiento; mientras los gritos, las respiraciones, se llevan las imágenes de la mente.

Todo el escenario es recorrido de esta manera, en todas sus dimensiones, poco jerarquizadas. La situación es abierta, las fronteras son abolidas. Con una mirada penetrada, João Lima es un artista coreográfico ferozmente consciente de su presencia, pero sin ninguno de los alardes visuales de los cánones del cuerpo. Nada autoritario emana de su recorrido, no ignora la neutralidad de las pausas. Pero es, permitiendo esta libertad de espacio y también de sonidos, que se convierte en el director de orquestra de una polifonía de las miradas y las escuchas posibles. El viaje se devuelve a cada espectador/a, íntimo en la situación colectiva.

Con la complicidad de la artista Clara Sáez, el escenario está poblado de objetos dispersos que apelan a transacciones enigmáticas. Algunos sugieren un imaginario del país lejano: aquí un mechón de pelos, allí una posible lanza, más allá una especie de coral, una red para cazar mariposas, así como unos míseros sacos de yute. Es suficiente para despertar la curiosidad por mundos desconocidos, la perplejidad de acciones que quedan sin explicar, en un viaje del lado de las leyendas. Pero los materiales son sintéticos, banalmente contemporáneos, de plástico blando y colores llamativos. Este mundo es actual, pero se nos escapa, incluso cuando el artista decide disponerlo como un tótem.

Poco a poco, no cabe duda de que João Lima está revelando un universo, de otro modo invisibilizado. Poco a poco, captamos que esto dibuja un objetivo decolonial. Pero nada está aseverado en términos de conquista o reconquista. Un tiempo arremolinado nos devuelve a cada uno/a la responsabilidad de nuestra propia mirada. Manteniéndose en el presente, este se desplaza en proyecciones que abrazan el pasado mientras acarician el futuro. Puesto que se trata, igualmente, de desmantelar los agenciamientos de dominación, Cavalo do caõ lo hace de una manera segura, que consiste en configurar un territorio emancipado, móvil y liberado de la omnipotencia de las representaciones espectaculares.

Gérard MAYEN, Crítico de danza. Montpellier, febrero de 2022

 

LA CALDERA / Càpsules de creació en Cru #43 – João Lima ©Tristán Pérez-Martín + La Caldera

 

Gérard MAYEN vino a ver una Cápsula de Creación en Crudo,  el 5 de noviembre de 2021, de Cavalo do Cão, trabajo en proceso de João Lima, en residencia en La Caldera. A raíz del encuentro escribió este texto. Una aproximación al trabajo y una mirada más amplia que queremos compartir con vosotras. Este texto forma parte de una publicación que estamos preparando.

João Lima ha sido residente en La Caldera con este proyecto, en 2020 con una residencia de creación y en 2021 con una residencia técnica. Presenta la pieza acabada en la programación de La Caldera por Danza Metropolitana.

17-19 marzo

Cavalo do Cão de João Lima + Lo Faunal (extracte) de Pol Jiménez

24-26 marzo

Bailar o lo salvaje de Lara Brown + Panorama de Raquel Gualtero

Toda la info en la web

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CCC#51_Fran Martínez

Cápsulas de Creación en Crudo son omentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Jueves 10 de marzo, a las 20h Fran Martínez nos comparte una muestra de su trabajo en residència técnica Transfixión

TRANSFIXIÓN: 1. f. Acción de herir pasando de parte a parte. U. frec. en religión, hablando de los dolores de la Virgen ante la agonía de su Hijo.

Una pieza sobre el hacer. En exceso. Un ejercicio de misticismo de baja intensidad. Un ir y venir: el adentro, todo oscuridad, y el afuera que, de tan visible, indescifrable. «Entremos más adentro en la espesura».

FRAN MARTÍNEZ se forma en interpretación y danza en diferentes escuelas de España, Portugal y Bélgica. Recibe la beca DanceWeb – ImpulsTanz Festival Vienna 2019. Ha trabajado con Teatro Ensalle, Tino Sehgal, Dora García, Amélia Bentes, Meytal Blanaru, Jesús Rubio y Voadora – Marta Pazos. Actualmente trabaja como intérprete para Pisando Ovos – Rut Balbís, Natalia Fernandes, Alba González y Back Productions. Co-fundador de la compañía de artes del cuerpo Pálido Domingo. “la temperatura el temperamento”, su primera creación, fue estrenada en 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo y recibe el premio del jurado en el festival GraciasXFavor – Santander 2017. Actualmente se encuentra en proceso de creación de “humedales”, proyecto apoyado por Centro Cultural Conde Duque + Coreógrafos en Comunidad, Centro Danza Canal y Teatro Ensalle.

Entrada gratuita con reserva previa

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CCC#48_Victor Colmenero

viernes 14 de enero, a las 20h

A través de los jardines nace la alineación, el orden, la cadencia, la distancia entre los planos y la perspectiva. Giles Clément plantea en su libro “Una breve historia del jardín” el jardín como una reducción de la historia de las formas. Pero los jardines también son una relación de ritmo y movimiento. Un pulso entre cuerpo y espacio para contener o proyectar entornos. Lxs jardinerxs trabajan para el futuro. 

Mi intención es explorar el cuerpo como generador de paisajes pero también como paisaje en sí mismo. Me interesa observar ese momento de transición que llamo dentro del proyecto fenomenologías y que se inspiran en la realidad pero también en la ciencia ficción: craquelado, efervescencia, disolución…

Cápsulas de Creación en Crudo (CCC) son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Entrada libre con reserva previa

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CCC#47_Amaranta Velarde

jueves 13 de enero, a las 20h

El proyecto investiga los conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Indaga en la necesidad de búsqueda de estado alterados de conciencia y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y la condición de vacío humano.

Como punto referencial de inspiración el proyecto Desbordes mira hacia la estética camp y el movimiento efímero de los años 80 llamado New Romantics. La mezcla de elementos que lo comportan, su estética kitsch, su optimismo exuberancia, las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Dirección e interpretación: Amaranta Velarde

Interpretación: Guillem Jiménez

Música en directo: Juan Cristóbal Saavedra

Ojo externo: Cris Blanco

Asistencia de movimiento: Oihana Altube

Fotos: Jorge Mirón

Con el apoyo de La Caldera, Centro Coreográfico Canal y Premis Barcelona

Cápsulas de Creación en Crudo (CCC) son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

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‘Ecoica’ de Blanca Tolsà + ‘Debris’ de Georgia Bettens y Javier de la Rosa

Programa doble:

Ecoica de Blanca Tolsà 

35 min.

Ecoica explora los orígenes del deseo que mueve el cuerpo para entender por qué sus formas acaban respondiendo a un imaginario común. Cuestionando mi propia inercia, desgranando cada detalle, me evado de lo terrenal y saco nuevos patrones de mi misma. Dejo algo en el aire e intuyo qué podría ser lo próximo desde una escucha más afinada. A través de la discontinuidad, la mutación y la fantasía abro cápsulas suspendidas en el tiempo: un desdoblamiento de la realidad donde lo real y lo irreal se alinean y se distancian.

+

Debris de Georgia Bettens y Javier de La Rosa

40 min

Debris es una sintonización de la imaginación, el espacio y el tiempo. Nuestro trabajo proviene de una manera especial de percibir y gestionar la sensación, el espacio y el tiempo que se relaciona con nuestra autopercepción y con la experiencia que tenemos del entorno. La sensibilidad se eleva al máximo para conectarnos con nuestro propio cuerpo, el del otro y nuestro alrededor. Nos involucramos en una constante transformación de la textura, el tiempo y la densidad del espacio.

Encajamos puzzles con nuestros cuerpos.

Resolvemos problemas con nuestros cuerpos

BLANCA TOLSÀ (València 1991), bailarina. Graduada en 2013 en ITdansa Jove Companyia Institut del Teatre, bajo la dirección artística de Catherine Allard donde realiza giras internacionales con repertorio de Ohad Naharin, Jiri Kylian, Montse Sánchez/ Ramón Baeza, entre otros. En el 2016 trabaja con Ariadna Montfort (Bathseva, LaVeronal) para “Moaré” (por la cual recibe una nominación a los Premios MAX por mejor intérprete femenina en danza). En 2017 realiza una producción en Zappalà Compagnia (Sicilia). Después integra en “Wu Wei”, de Raquel Klein. Forma parte del Cèl·lua 1, “Flamingos” de Albert Quesada. Actualmente trabaja con diferentes coreógrafas en Barcelona como Irene García La Quebrà, Lipi Hernández y Raquel Klein. También canta en el Cor Universitat de Farmàcia como soprano.

GEORGIA BETTENS se graduó en el Victorian College of the Arts de la Universidad de Melbourne en 2014 con una licenciatura en bellas artes (Danza). Ha trabajado con coreógrafos como Xavier Le Roy, Deboray Hay, Benoît Lachambre y Becky Hilton. Georgia ha girado internacionalmente con «If It is All In My Veins» de Martin Hansen. Recibió la subvención Ian Potter Cultural Trust, del Fondo Individuales de Artes Queensland, de la beca global de la Universidad de Melbourne y del premio Norma De Gruchy.

JAVIER DE LA ROSA se licenció en Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid en 2018 y en Danza Contemporánea en la Escuela de Danza Privada Carmen Senra de Madrid en 2017. Ha trabajado con compañías de performance y danza como El Conde de Torrefiel dirigida por Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, como Zukdance Performing Arts dirigida por Itsaso A. Cano, o como Dani Paulo Co. Dance and Theatre en colaboración con Zukdance Performing Arts.

jueves 21 de octubre, a las 20h y viernes 22, a las 21h

Entrada en la web de La Caldera

Esta propuesta forma parte Corpografies, la línea de programación de La Caldera centrada en las escrituras corporales y narrativas de la presencia, la capacidad del cuerpo para articular un discurso sensible, donde el cuerpo es texto y el pensamiento es acción.

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‘Ruido Rosa’ de Alina Folini

Esta voz es un cuerpo que vibra dentro de otro cuerpo.

Estos ojos, no sé cómo decirlo, necesitan estar donde están.

Esta lengua resuena deslizándose por la saliva caliente.

Esta boca desposeída habla para adentro.

Bocas, orificios, lenguas y manos, son aliados en el placer cuir.

Son muchas: la que ve, la que suena, la que dice.

Una palabra y el rugido que la deforma. Un sonido y la saliva que lo envuelve.

La garra se fija en la rodilla y todo hace como que iiiOOooo y todo hace como que BLUUUuuuuu como que gRRRRRRRRRRR.

La voz se lanza hacia ese otro espacio atrás, en el cerebro viejo, allá en los occipitales.

Y luego todo se vuelve HUUUUUUUMMMM.

RUIDO ROSA surge del deseo de desjerarquizar la relación entre ver-decir-escuchar, para abrir narrativas y mitologías a partir de la imaginación oral. Propone una experiencia coreográfica que se basa en la escucha como forma de conocimiento, donde los sentidos no son binarios y las fuerzas circulan entre cavidades, orificios, recipientes, tubos, aguas, diluyendo los límites entre dentro y fuera, transitando diversas formas de disociación y resonancia entre lenguaje, voz y gesto.

La pieza se posiciona sobre el asunto de la escucha profunda, no sólo de las propiedades sensoriales de la voz, la respiración y las palabras,  sino también de las sensibilidades lésbicas y cuir, como una inquietud sobre formas de investigación y creación que cuestionan las metodologías normativas de la creación.

RUIDO ROSA es la continuación de una serie de piezas, prácticas y colaboraciones iniciadas en “Proyecto Táctil”, que investiga las relaciones perceptivas dominantes basadas en lo visual, para dislocar su protagonismo hacia la tactilidad e intimidad, proceso co-creado con Leticia Skrycky entre el año 2017 y 2019.

ALINA RUIZ FOLINI (Argentina). Artista, bailarín, coreógrafo e investigador no binario. Su trabajo se mueve entre la coreografía, la danza, la escritura y las prácticas curatoriales. Le interesa la colaboración en contextos de investigación artística y ve a la coreografía como un marco a partir del cual se pueden activar nuevas posibilidades, desnaturalizar hábitos y provocar transformaciones. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la UCLM / Museo Nacional de Arte Reina Sofía 2017-2018, Madrid. Estudió Licenciatura en Filosofía (UBA) y Licenciatura en Composición Coreográfica (UNA) en Buenos Aires. En 2020 forma parte de PACAP 4 – Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas en Forum Dança (Lisboa), con curaduría de João dos Santos Martins. Ese mismo año recibe el apoyo de O Rumo do Fumo – Residencias de Creación a artistas emergentes 2020, por su última pieza, RUIDO ROSA / PINK NOISE. Directora de ARQUEOLOGÍAS DEL FUTURO _ Festival Internacional de Danza Contemporánea, Performance y Conocimiento, en Buenos Aires – Argentina. Crea Proyecto TÁCTIL (2018) con Leticia Skrycky, proyecto residente en Tenerife.Lav (Tenerife), La Caldera (Barcelona), Graner (Barcelona), NAVE (Santiago de Chile) y Centro de Danza Canal (Madrid). Es mentora del Laboratorio de Acción 2019 – Teatro General San Martín, coordinado y curado por Luis Garay.  Es Agente 2016-2017 seleccionada por el Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) en Buenos Aires. Ha presentado sus últimos trabajos: U&O (2018), LA RISA (2017), TOGETHERNESS (2016) y SUPERVIVENCIA (2015), en distintos espacios y festivales como Center for Performance Research y Judson Church (New York – US), JUNTA Festival Internacional do Dança (Brasil), CCK (Argentina), La Casa Encendida (Madrid), Festival MASA – Teatro Pradillo (Madrid), Festival NIDO (Uruguay), FIDCU / Festival Internacional de Danza Contemporánea Uruguay, Ciclo Solos al Mediodía / Teatro Solís (Uruguay) entre otros. Es artista residente 2019 del Centro Cultural Conde Duque (Madrid) con RUIDO ROSA / PINK NOISE, el cual forma parte de CUATRO – solos acompañadas – co-coproducción Iberescena 2019. Integra Salón Madrid – encuentro dirigido por Meg Stuart en Teatros del Canal y Naves Matadero, como preparación del TanzKongress (2019) a realizarse en Dresden – Alemania. Junto con Leticia Skrycky, Carolina Campos, Luciana Chieregati, Ibon Salvador, Santiago Turenne y Vera Garat es parte de la investigación en prácticas artísticas METODOLOGÍAS COMPARTIDAS que se realiza en Graner (Barcelona) en 2018. Forma parte de PICA 2018-2019 programa intensivo de acompañamiento a artistas e investigadoras, coordinado por Idoia Zabaleta, Ixiar Rozas, Luciana Chieregati e Isabel de Naverán en Azala – (País Vasco). Desde 2016 es bailarina en Trilogía Antropofágica y Serie Canibal dirigida por Tamara Cubas (Uruguay) presentándose en Portugal, España, Suiza, Austria, Holanda, Brasil, Argentina, Chile y Uruguay). En la actualidad, baila en SIRI, nueva pieza del coreógrafo Marco Ferreira y del realizador Jorge Jacome a estrenarse en el Festival DDD en 2021. Es performer en COBERTOS PELO CÉU proyecto dirigido por Gustavo Ciríaco. Trabaja en colaboración con Ana Rita Teodoro en el proceso de LEITURA DE SERES VEGETAIS dentro del Festival Alkantara 2020. También colabora con el último trabajo de Rita Natálio SPILLOVERS, a estrenarse en 2022. Reside entre Lisboa y Madrid.

Jueves 14 y viernes 15 de octubre, a las 20h

Entradas en la web de La Caldera

Esta propuesta forma parte Corpografies, la línea de programación de La Caldera centrada en las escrituras corporales y narrativas de la presencia, la capacidad del cuerpo para articular un discurso sensible, donde el cuerpo es texto y el pensamiento es acción.

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‘See that my grave is kept clean’ de Adaline Anobile

Un grabado renacentista de Albrecht Dürer representa una escena inusual: una mujer desnuda acostada en una mesa detrás de una rejilla; por otro lado, un hombre intenta reproducir lo que mira, utilizando la cuadrícula como marco de referencia para medir, señalar, ver. Aunque la figura de la mujer es captada por este dispositivo, llamado máquina de perspectiva, nunca será contemplada por completo. Convocado en el escenario, el sistema de perspectiva geométrico y abstracto se enfrenta a las realidades y temporalidades de los cuerpos. Entre la piel, los ojos y la rejilla que mide y sostiene, se abren espacios de sensación. Se ven fricciones. Las figuras se tocan y se afectan unas a otras. Las perspectivas cambian.

ADALINE ANOBILE es coreógrafa e intérprete. Completó un Máster en Diseño Textil antes de continuar su investigación en danza. En 2015, completó su Máster en coreografía al ex.e.r.ce en el Centro Coreográfico de Montpellier (FR). Sus interpretaciones se desplazan entre las experiencias sensoriales y la abstracción, desarrollando un lenguaje que a menudo implica pensar y moverse con objetos, estructuras de duración y voz.

Jueves 7 i viernes 8 de octubre, a las 20h

Entradas en la web de La Caldera

Esta propuesta forma parte Corpografies, la línea de programación de La Caldera centrada en las escrituras corporales y narrativas de la presencia, la capacidad del cuerpo para articular un discurso sensible, donde el cuerpo es texto y el pensamiento es acción.

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CCC#42_Bruno Brandolino y Bibi Dória

Bruno Brandolina y Bibi Dória comparten una muestra su trabajo proceso La Burla, este añi en residencia técnica en La Caldera.

La Burla propone una ficción donde la festividad, el ridículo y la risa emergen como antídoto a un presente oscuro y carente de futuro. A través de una práctica de incorporación de iconografía grotesca, cuerpos y sujetos son convocados a compartir su sabiduría popular y disidente, para revelarnos una respuesta que nos permita atravesar los tiempos que corren.

viernes 1 de octubre, a las 20h

Entrada libre con reserva previa en la web de La Caldera

Cápsulas de Creación en Crudo (CCC) son momentos de encuentro con los creadores residentes en el centro, pensados para compartir de manera confortable y distendida su práctica artística, el estado actual de sus proyectos, las materias y cuestiones que aparecen y nutren su trabajo.

Compartimos un vídeo de cuando estuvieron en residencia de creación en 2020 con este mismo proyecto y en el cual explican algunos puntos relativos al trabajo.

BRUNO BRANDOLINO (UY) Performer y creador en artes performativas. Desde 2013 ha colaborado como performer para diversas artistas entre quienes se destacan Tamara Cubas (UY), Andrea Arobba (UY) y Sofia Dias y Vitor Roriz (PT). En 2018 se muda a Lisboa, Portugal, para realizar el Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas (PACAP 2) de Fórum Dança. Cautivado por la idea de crear ficciones y centrándose en el trabajo vocal e iconográfico para producir cuerpos y presencias singulares, crea en 2019 su primera pieza solista El universo no se asemeja a nada, proponiendo un diálogo con el legado del arte abyecto. Actualmente se encuentra desarrollando su nueva creación, La Burla, en colaboración con la artista brasileña Bibi Dória.

BIBI DÓRIA ((BR) Graduada en Danza por la Universidad Estadual de Campinas (BR) residente en Lisboa (PT). Trabaja en la intersección entre la danza, la performance y el lenguaje audiovisual. Realizó su primer trabajo solista É Puro Glacê (2019) en el ámbito del PACAP en Forum Dança (Lisboa, Portugal). Recientemente fue premiada con la Residência Dança del MIS 2020 para creación en danza en el Museo de Imagen y Sonido (São Paulo). Actualmente está creando en colaboración con el artista uruguayo Bruno Brandolino la pieza coreográfica La Burla.

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Corpografies #7

Volvemos a compartir el trabajo de creadoras que hemos acompañado y con quien estamos en diálogo de manera continuada: Adaline Anobile, Alina Ruiz Folin, Blanca Tolsà, Georgia Bettens y Javier de la Rosa.

Corpografías es un contexto creado para visibilizar y compartir trabajos que hemos acogido en residencia, entendiendo el momento de presentación como parte del acompañamiento, que de manera natural desemboca en esta programación.

Corpografías # 7 es una oportunidad de conocer trabajos, la mayoría difíciles de ver en Barcelona, ​​que investigan espacios intermedios para poner en cuestión la mirada hegemónica de lo que consideramos real.

Una programación en la que se desplegarán diferentes maneras de aproximarse a la creación escénica y coreográfica, de la mano de artistas con una gran inteligencia corporal y un altísimo compromiso con la práctica artística que ponen en juego.

7 y 8 OCT – See that my grave is kept clean’ de Adaline Anobile

14 y 15 OCT – ‘Ruido Rosa’ de Alina Folini

21 y 22 OCT – ‘Ecoica’ de Blanca Tolsà + ‘Debris’ de Georgia Bettens y Javier de la Rosa

Toda la información y entradas en la web

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