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Performance

Óscar Bueno Rodríguez

21 de junio en La Casa Encendida

Soundtrack es una banda sonora y es la banda sonora de sí misma también.

A la vez son muchas bandas sonoras, tantas como escuchantes haya, tantas como interpretes haya.
Porque la escuchanta y la intérprete son la misma persona.
El performer es la partitura: una partitura que manipula muchas partituras.
Por lo tanto Soundtrack es la banda sonora de varias bandas sonoras escuchadas y realizadas por múltiples escuchantes-intérpretes.

En Soundtrack se trabaja la idea se sonidación, una palabra inventada a través de una pequeña deriva etimológica:

  • Imagen: del latín imago (retrato, copia, imitación).
  • Imaginación: del latín imaginatio. Significa “acción y efecto de formar una figura mental” (una imagen). Sus componentes léxicos son: imago (retrato), más el sufijo -ción (acción y efecto).
  • Sonido: del latín sonitus y significa “sensación de escuchar”. Sus componentes léxicos son: sonare (producir un ruido), más el sufijo -ido (cualidad perceptible por los sentidos).
  • Sonidación: acción y efecto de formar un sonido mental. Sus componentes léxicos son: sonare(producir un ruido), más el sufijo -ción (acción y efecto).

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6 de junio a las 19.30h en Azkuna Zentroa

Corps noir es una intensa inmersión en bruto en lo íntimo. Una puesta en escena del cuerpo en un delirio de accesorios y objetos de texturas diversas, de materias sonoras, de imágenes y de voz, como tantas otras metáforas identitarias transmitidas mediante tecnología punta que permite superponer, intercalar, fusionar. Este bazar del subconsciente y la memoria presenta las piezas, congregadas, disgregadas o desencajadas, de una ficción de uno mismo, entre sólidos y líquidos, pantallas cubiertas de escarcha, hielo y agua, calor y frío, opacidad y transparencia.

El cuerpo es atacado: mojado, manchado, absorbido… y toma partido: combate, penetra, oprime también. Irradia. En física, un cuerpo negro se define como un objeto que absorbe totalmente la luz en todas las longitudes de onda.

Stéphane Gladyszewski se convierte en la propia materia y crea un autorretrato fragmentado basado en la complejidad de una identidad estrellada y las construcciones de la psique.

STÉPHANE GLADYSZEWSKI (Montreal) estudió y trabajó en el ámbito de la fotografía antes de obtener su Licenciatura en Bellas Artes. Atraído por el movimiento, se abrió paso en la danza a través de la técnica ‘contact improvisation’. En 2008 crea un sistema de proyección de ‘vídeo termal’ que utilizó por primera vez en el proyecto Corps noir. Aplicando los mismos principios tecnológicos, dirige la coreografía del dúo Chaleur humaine, presentada como parte del proyecto Danse à 10. Con Tête à tête, Gladyszewski continúa investigando la identidad y la exploración de la intimidad a través de un espectáculo en vivo.

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29 DE MAYO visita guiada a las 19h (Sala Amadís)
30 DE MAYO momento íntimo compartido con Javier Vaquero (cita previa en josebegega@gmail.com) aforo limitado.

Más allá del espectador. Día 2/10. “Un SLAM y 3 bailes para Alberto” (Jose Begega)

Confesar este tipo de cosas es prácticamente un suicidio social. Durante unos segundos no sucede nada, es un tiempo que se hace eterno hasta que llega al corazón, se reparte por cada terminación nerviosa, explota y cada articulación de tu cuerpo se mueve ligeramente como con los bajos de un buen equipo de sonido. Lo que sucede después es puro espectáculo, la performance, que haces para ti mismo, para unos tíos que has conocido por internet con los que vas a follar toda la noche, para la galería, para un antiguo cliente que esta vez no te va a pagar, para una webcam, para un centro social o uno de arte. Un tiempo después se te baja y regresas a una habitación blanca prestada, compartida, gestionada por algún artista que puede compartir un poco de su espacio, te ríes, se te pasa el arroz, sales de fiesta y escribes un texto como este. Más allá del espectador es una reflexión autobiográfica sobre espacios prestados, afectos y crisis personales que suceden más allá de la exposición, es también una reflexión sobre si es necesario el “espectador” para la obra de arte.

Una exposición como un ecosistema es un proyecto curatorial de Ignacio Tejedor en el que se piensa la exposición como un organismo que crece con la participación de los artistas y otros actantes.

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Del 24 de mayo al 8 de junio en Conde Duque.
Martes, miércoles, jueves, viernes y sábados a las 19:00 horas.

Una performance que resignifica el valor del archivo íntimo como depositario de un relato sensible de nuestras vidas y como parte de nuestra memoria colectiva.

Una exploración sobre la idea de archivo como almacén de documentos, de fragmentos que nos muestran una milésima parte de la información de un suceso. Vallaure bucea en su propio archivo personal, en su fragilidad y en el carácter volátil del presente que se derrite entre los dedos, para cuestionar nuestra fiebre de registro y observar esa tendencia inscrita en nuestros cuerpos de generar vínculos con las cosas.

A veces en mayo nieva. No es lo común, puede pasar. Posiblemente se pondrá en marcha un diálogo fecundo entre los que estemos muy cerca, casi tocándonos. Registro, archivo, tiempo, espacio y cuerpo se anudarán unos segundos. Justo en ese instante soñaremos un futuro más blanco.

Jaime Vallaure:

Creador escénico, performer y artista plástico. Trabaja en el entorno del arte de acción, la performance, la edición, las artes visuales y la experimentación conceptual, actividades que combina con el acompañamiento de proyectos y la enseñanza de performance.

En los años 90 presenta sus primeros trabajos videográficos al tiempo que comienza su trabajo de experimentación performativa a través de proyectos como Distribución por azar caprichoso de 50.000 pesetas o Se venden o cambian fotos de carnet.

Fue miembro fundador del colectivo artístico Circo Interior Bruto y con Rafael Lamata forman Los Torreznos, un dúo de exploración conceptual en el terreno social, político y de las costumbres más arraigadas.

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/archivar-nieve

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Miércoles 22 de mayo, a las 19 h, en La Capella, dentro de las actividades de la exposición Les escenes, 25 anys després.

La instalación de Anna Dot, que forma parte de la Escena 4 y de la Escena 5, plantea este día una activación performativa a modo de conferencia en la propia sala de exposiciones. A medio camino entre la erudición y la charlatanería, la oratoria de Anna Dot ofrecerá un relato detallado de los desplazamientos y las traducciones de escritura a piedra que forman parte de su pieza.

Más información: http://lacapella.barcelona/es/de-lerror-la-pedra-o-de-la-literatura-lobjecte-performance

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Sábado 11 de mayo, a las 19 h / Domingo 12 de mayo, a las 12 h en La Capella.

Presentación de un trabajo inédito, surgido de un rastreo obsesivo de gentilicios que van desde “puntualidad británica” a “fila india” pasando por “naranjas de la China”. La propuesta de Quim Pujol es una especie de scramble -de remezcla y concatenación- de gentilicios que forman asociaciones imprevistas y dibujan un mapa de manera progresiva. Dicho mapa arranca como una configuración geográfica para ir dando lugar a una cartografía visual que revela el carácter arbitrario y grotesco de expresiones lingüísticas asociadas a lugares así como los prejuicios, historias e ideologías que apuntalan su mantenimiento y uso en el lenguaje. Aparecen así los anclajes geográficos de la imaginación y cuán saturado está el lenguaje de dejes e inercias ligados al territorio. Su performance pone de manifiesto lo volátil de distinciones entre lo de aquí y lo de allí. Un cuestionamiento indispensable en una exposición “de contexto”.

Sábado 11 a las 19 h y domingo 12 de mayo a las 12 h.

*Se ruega puntualidad. Una vez empezada la performance, no se permitirá la entrada

**Plazas limitadas. Hay que reservar plaza en lacapella@bcn.cat, indicando día

Acompañamiento artístico: Cuqui Jerez

Asistente: Leo Montes

Agradecimientos: Anna Manubens, Marc Vives, Fernando Gandasegui, Alex Gracia, María Jerez, Juan Domínguez, Mireia Sallarès, Eva Serra, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.

Quim Pujol (1978) trabaja en los límites entre la escritura, el arte en vivo y las artes visuales. Sus trabajos más recientes son ASMR del futuro (2015), Fregoli (2016) y Verde croma (2017). Ha co-editado, junto a Ixiar Rozas, el volumen Ejercicios de ocupación. Afectos, vida y trabajo (Cuerpo de Letra, 2015). Comisarió la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre el 2011 y el 2015 y ha sido profesor en numerosos programas de formación artística tanto en la península como en el extranjero.

Más información: http://lacapella.barcelona/es/de-la-ceca-la-meca

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Cristina Núñez Colectivo / Colectivo Vänta

2 de marzo en La Mutant

¿Cuánto tiempo somos capaces de permanecer en el mismo lugar en el que aparentemente no pasa nada?

¿Qué significa aprovechar el tiempo? ¿Llenarlo de acontecimientos?
¿De qué se llena uno cuando no tiene contenido al que anclarse?

Esta pieza es el resultado de una investigación en torno a la cuestión del tiempo y su relación con el cuerpo. Pretende crear una especie de hiato, un mientras tanto, una digresión entre nuestro tiempo y el que vendrá a través de la observación de lo que normalmente pasa desapercibido.

Fantasmata es un acto de resistencia tangencial a la aceleración, fragmentación y dispersión de nuestro momento. Es una respuesta al exceso de información y de opinión que da lugar a un horror vacui temporal a veces insostenible.

(…)”Cada cultura es ante todo una determinada experiencia del tiempo y no es posible una nueva cultura sin una  modificación de esa experiencia” Giorgio Agamben

Concepto y Dirección Cristina Núñez

Creación Colectivo Vänta

Coreografía Belen Pérez, Natalyd Altamirano, Cristina Núñez

Música en directo Don Rogelio J.

Diseño iluminación Ximo Rojo

Producción en la creación Esther Mayo

Diseño gráfico Don Rogelio J.

Fotografía Maria Tornero

Gracias por su tiempo y espacio a Sergi Fäustino, El Conde de Torrefiel, Sala Saltamontes, Taller Placer, Ximo Flores, Rocío Pérez, Anna Albaladejo, Pont Flotant y Dimitri Dorcaratto.

Con el soporte de Institut de Cultura Valencià, Ayuntamiento de Valencia y Espai Inestable

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Olga de Soto | 9 y 10 de marzo en Teatros del Canal

La mesa verde, de Kurt Jooss (maestro de Pina Bausch), es una de las piezas de danza teatro más emblemáticas del siglo XX. Y a Olga de Soto le sirve de pretexto para la creación de un documental escénico en el que ahonda en las posibilidades del archivo como materia de creación.

De Soto investiga la vida de los bailarines que estrenaron La mesa verde, obra pacifista, el 3 de julio de 1932, una de las épocas más oscuras de la historia de la humanidad, en el Teatro de los Campos Elíseos de París. A partir de esta investigación, aborda los temas que más le inquietan, la memoria y la huella; e indaga en el impacto del arte escénico, en su utilidad y perennidad.

Olga de Soto, artista valenciana, ha recibido en Bélgica el Premio Nacional de la SACD por el conjunto de su trayectoria y, en particular, por su trabajo de investigación y de creación de la pieza que aquí se presenta.

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> Y además, 10 y 11 de marzo, ‘El archivo como material de creación’, taller con Olga de Soto.

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Christiane Jatahy | 17 y 18 de febrero en Teatros del Canal 

Uno: esto es teatro, pero también cine. En una sala un grupo de espectadores está viendo representada Las tres hermanas. Esta sala funciona a la vez como set de rodaje, la representación está siendo grabada y simultáneamente se está proyectando en otra estancia, donde otro grupo de espectadores ve la película. La obra está concebida de tal manera que los dos grupos verán ambas versiones de la obra de Chéjov, la teatral y la cinematográfica.

Dos: las tres hermanas se preguntan qué es la utopía: ese «lugar» que nos imaginamos, pero donde nunca estamos. ¿Y si ese lugar fuera Moscú?

Tres: en una instalación de vídeo se proyecta un documental sobre la utopía compuesto a partir de entrevistas realizadas en São Paulo, Frankfurt y París a personas de culturas y clases sociales diversas.

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Twins Experiment
Al final de los brazos están las manos, al final de los dedos nosotras estamos

6 de octubre a las 19:00, Conde Duque, Madrid

Más info: http://condeduquemadrid.es/evento/injuve/

Coreografía: Twins Experiment
Por y con: Laura Ramírez y Ainhoa Hernández
Agradecimientos: La Poderosa
Duración: 45 minutos + debate
Género: danza contemporánea
Colaboran: INJUVE 2016, PICE. AC / E 2017

Es un proyecto coreográfico de Twins Experiment. ¿Qué pasaría si en vez de preguntarnos quién quiero ser, nos preguntásemos qué clase de vida es la que quiero vivir con los otros? Juego, conversación y encuentro son los principales conceptos de nuestra investigación. Coreografía estrenada en el Museo del Chopo (México D.F. 2017).

Twins Experiment
Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.
vimeo.com/user39528496

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