— MuroTRON

Welcome de Belén Yáñez | 20 de abril a las 12h y 13h en los Teatros del Canal de Madrid

Welcome es una performance que invita a conectar con el mundo que nos rodea, experimentando el concepto de llegada no solo como un destino, sino como un nuevo comienzo…

Este trabajo constituye la tercera performance de la serie Inhabited Compositions, la cual se inspira en experiencias humanas y ofrece al público la oportunidad de habitar escenarios sonoros. A través de esta serie, se invita a la audiencia a percibir su realidad cotidiana desde una perspectiva externa. Estas performances no solo sirven como plataforma para explorar y confrontar convenciones sociales y políticas, sino que también ofrecen un viaje inesperado de autodescubrimiento en cada experiencia única.

AVISO:
Esta performance es interactiva, y lxs performers interactuarán de manera segura con lxs participantes.
Durante la performance, no se permite el uso de dispositivos electrónicos.

Belén Yáñez (Ourense, 1983) es una performer y artista visual cuyo trabajo explora las interacciones humanas a través de prácticas participativas, fusionando performance, arte visual, sonido e instalación. Sus creaciones generan experiencias que desafían la relación entre arte y audiencia, creando espacios donde se difuminan los límites de la interacción personal y la audiencia participa activamente. Belén reside en Londres, donde combina su trabajo artístico con investigación y docencia en el campo performance participativa.

Ficha artística:
Creación y dirección: Belén Yáñez
Performers: José Gonçalo Pais y Belén Yáñez
Música original y diseño de sonido: Mike de Lis, Piti Varela y Chris Murphy
Máscaras: Carmen Triguero
Vestuario: Rocío H Valentín

Sobre Canal Performance – La Juan Gallery
Esta iniciativa de Teatros del Canal, desarrollada por La Juan Gallery de Madrid, surgió hace tres años como una vía para dar entrada a las artes plásticas en la programación de los Teatros.

La performance, como género artístico de las Bellas Artes, surgió a principios del siglo XX con las primeras vanguardias. Era un tipo de expresión de estética y discurso vinculado a movimientos artísticos, que no escénicos, pero que utilizaba el cuerpo, la voz y las acciones desde puntos de vista ajenos a las artes escénicas de entonces: experimentación, ausencia total o parcial de narrativas, contenidos de carácter muy discursivo o puramente visuales o puramente conceptuales… hoy conocemos este tipo de propuestas híbridas entre lo escénico y lo plástico como Artes Vivas. Teatros del Canal colabora la primera galería española dedicada por completo a esta práctica, y una de las únicas en el mundo.

Más información y entradas: Teatros del Canal

Te llevaré flores de Marta Echaves | Jueves 2 de noviembre en La Capella de Barcelona

Tres veces dije fuego es un proyecto de investigación que toma el fuego como reacción química pero también como metáfora para preguntarse por la violencia, la muerte lenta, y la organización y el control de los cuerpos a lo largo de la historia. A modo de tríptico, el cuerpo que se autoinmola, el fuego como imaginario de la enfermedad y el territorio que es incendiado, son invocados a través de relatos y anecdotarios, explorando las posibilidades del lenguaje para performar los archivos e interrogándose acerca de las potencias restitutivas de la escritura y la performance.

El 2 de noviembre Marta Echaves presentará una de las partes de este proyecto, que ha titulado Te llevaré flores, en el que a modo de acción memorial viva compartirá alguno de los materiales en que ha estado trabajando durante el periodo de desarrollo de la beca Barcelona Producció. En palabras de Saidiya Hartman: ¿es posible construir una historia desde “el lugar del habla imposible” o resucitar vidas de las ruinas?, ¿puede la belleza proporcionar el antídoto al deshonor, y el amor una manera de “exhumar llantos enterrados” y reanimar a los muertos?

Más información: La Capella

O qué hacer de aquí para atrás IN SITU de Carolina Campos | Jueves 19 de octubre a las 19h en La Capella de Barcelona

O qué hacer de aquí para atrás IN SITU es un ejercicio performativo donde transformamos las cosas que nos afectan en imágenes y acciones. Les performers salen a correr por la calle y vuelven al espacio expositivo, generando situaciones que se camuflan con el lugar y con el público presente. Este dispositivo escénico pone la atención en las periferias del acontecimiento y en la presencia de las ausencias dejadas por los cuerpos. Es un ejercicio de desplazamiento de las convenciones que nos hacen suponer a qué debemos mirar.

Esta práctica surge de la pieza O que fazer daqui para trás de João Fiadeiro con co-dirección de Carolina Campos y que fue propuesta en el taller realizado en colaboración con La Capella y Escuela Massana para la Escola d’Estiu de julio de 2023.

Propuesta: Carolina Campos

Acompañamiento: Daniel Pizamiglio

Performers: Júlia Torres, Pablo Apellániz, Iñaqui Sanjuán, salvia, Martina Brotons, Ona Boixader, Lorna Jordà, Yanettrox, Graquandra, Ana

Más información: La Capella

vulnerasti cor meum / Madrid de Carmen Aldama | Del 2 al 28 de octubre en Surge Madrid

Del 2 al 28 de octubre, cada día a las 11:00 h
El 29 de octubre, cierre con todos los espectadores a las 18:00 h
Con la colaboración de Campaneros de Madrid.

Duración: 1 hora
Con inscripción previa en carmenaldamagoded@gmail.com

Más información: Surge Madrid

En lo oscuro está lo infinito, un proyecto de Taller Placer | Jueves 29 en La Mutant de València

Lo que queremos contaros precisa de noche, de detenimiento, de escucha. Buscamos un grupo de cómplices. Buscamos otras formas de relación entre el cuerpo y el tiempo; esa sensación que todos tenemos cuando poco a poco se extingue el día o cuando se apaga la luz en una sala y parece que nos difuminamos en el espacio infinito de la oscuridad: entre lo real y la ficción, entre la vigilia y el sueño, entre lo presente y lo ausente, entre el agotamiento y la resistencia.

Lo que queremos contaros precisa de noche. Os proponemos experimentar la profundidad de una cueva, volver a mirar las estrellas y el pasado, entrar en el presente del tiempo y el trabajo incesante, encontrar de nuevo el amanecer en un paseo y celebrarlo a golpe de campana, en una amnesia colectiva que nos distinga y nos reúna.

Lo que queremos contaros precisa de noche. Os proponemos una aventura. Un programa cuyo sentido se irá armando mientras lo atravesamos y donde cualquier parecido o relación entre las cosas es pura magia.

En lo oscuro está lo infinito es nuestro leit motiv para crear algo más que un programa. Una constelación que se despliega y se expande a través de otras piezas, artistas, excursiones, encuentros y casualidades repartidas a lo largo de una noche entre dos teatros: El TEM y La Mutant. Empezaremos con el crepúsculo y terminaremos al alba. Un grupo de insomnes recorriendo la ciudad, observando, caminando, compartiendo e imaginando.

PROGRAMA COMPLETO
FECHA: jueves 29 de junio y viernes 30 de junio
HORA: 20:00 a 08:30 horas
ENTRADA:
Precio del programa completo 25€ (Incluye tanto la entrada a los dos espectáculos de sala como a todas las actividades nocturnas) Plazas limitadas.
DURACIÓN:
Espectáculos de sala 60 minutos.
Programa completo toda la noche
IDIOMA: Castellano y Valenciano
UN PROYECTO DE TALLER PLACER
Con la participación de: Edurne Rubio, Enric Marco, José Martín Robles, Miguel de la Rubia, Paco Varón, Ángeles Hernández, empleados de la Autoridad Portuaria de Valencia y MercaValencia.
Colaboran: Ayuntamiento de Valencia, Teatro El Musical y La Mutant:Espai d’Arts Vives,
Autoridad Portuaria de Valencia, Mercavalencia
Agradecimientos: Programa Cultura Resident 22 del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Asociación HablarenArte.

PROGRAMA DETALLADO
Jueves 29 junio 
LIGHT YEARS AWAY de Edurne Rubio.
Lugar: sala del TEM
Hora: 20h
Duración: 60 minutos
Idioma: castellano

Jueves 29 junio a Viernes 30 junio
Recorrido nocturno en grupo por diferentes lugares de la ciudad.
Hora: 21.30h – 07:30h
Lugar: VARIOS
Duración: toda la noche
Idioma: castellano y valenciano
Necesidades: cada persona que se apunte a este recorrido deberá traer algo de cena para compartir, calzado cómodo, algo de abrigo y una linterna o similar.

Viernes 30 junio
CLAREJARES de Llorenç Barber y Montserrat Palacios.
Hora 07.30h-08.30h
Lugar: sala de LA MUTANT
Duración: 60 minutos
Idioma: sin texto

Más información: La Mutant

No hay acto creativo de Norberto Llopis Segarra | 24 de mayo en los Dimecres de so i cos del Santa Mònica de Barcelona

No hay acto creativo es una conferencia-perfomance. En ella, al hilo de diversos materiales de archivo de sus trabajos anteriores, y a través de acciones, frases, del uso de objetos y discursos, Norberto Llopis Segarra intenta caracterizar la práctica artística desde la noción de Operación, no ya desde la noción de Acción, operación llevada a cabo por uno o múltilples operadores, sino por uno o diversos actores. Operación como procedimiento o improcedencia reiterativa a través de la cual intervenimos un territorio, operación desencadenante que siempre pone un pequeño soberano en desequilibrio y precipita la deconstrucción de un medio.

Con la participación de Norberto Llopis

Norberto Llopis Segarra, coreógrafo y performer, trabaja en el límite entre la danza y el pensamiento. Titulado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre; Máster en Artes performativas por DasArts, AHK Amsterdam; Grado en Filosofía por la UNED; Máster en Estudios avanzados en filosofía por la Universidad Complutense y actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre la estética en el pensamiento de Derrida y Deleuze en la Universidad de Barcelona. Ha desarrolado su trabajo entre Barcelona, Bruselas y los Paises Bajos. Su práctica artística va desde el trabajo con y sobre el cuerpo hasta el uso de objetos y materiales para la construcción y reflexión sobre el espacio. En su acercamiento a la filosofía, intenta desarrollar una práctica de pensamiento y escritura sobre el cuerpo, el movimiento y la performatividad. Así, su práctica oscila entre el ensayo, la coreografía, la conferencia performativa, la instalación o las acciones duracionales.

Más información: Arts Santa Mònica

19762 – solos y conectados, de Candela Capitán | 5 y 6 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Artista de acción y coreógrafa. El trabajo personal de Candela Capitán explora la activación y desactivación de los lazos sociales poniendo el cuerpo en relación con otros cuerpos, objetos e imágenes colectivas.

Principalmente utiliza el lenguaje de la performance para estudiar los límites de la danza gracias a un conocimiento exhaustivo del cuerpo en movimiento y de su presencia en escena.

Sus obras se desarrollan en diferentes medios (acciones en vivo, instalaciones o en el campo audiovisual) y vehículos (a través de plataformas virtuales o en directo), con el objetivo de encontrar canales diferentes de interconexión con el público o cuestionar las disciplinas artísticas y sus posibilidades.

Sus proyectos personales comienzan a partir de 2018, entre los que destacan: las performances The Death at the club (1.0 en 45 minutos) y The Death at the club (1.1 en 4 horas) (2018-2022), presentada en Soho House Barcelona (2018), en la plataforma de vídeo de Boiler Room TV y en el marco del Festival Streaming From Isolation (2020).

Colabora habitualmente con artistas de arte contemporáneo como Joan Morey, en el proyecto Tout de Force (2017); la artista y fotógrafa Tanit Plana en el proyecto Part (2021), presentado en el teatro L’Auditori de Barcelona en el marco del programa “Mujeres y creación”; y participa con los colectivos Gelitin e YBDG en una exposición presentada en Tiroler Landesmuseum (Innsbruck, 2021).

Su pieza, declara la directora y coreógrafa, 19762 – Solos y conectados, es un giro eterno entre la belleza y la violencia que va y viene entre los cuerpos. En cada vuelta una fisura en el universo y un paseo desconocido hacia el desierto.

SYC es una pieza coreográfica para seis cuerpos conectados a un dispositivo parateatral que define un patrón repetitivo de movimiento del que los intérpretes no podrán salir. Se trata de una obra generacional que cuestiona el hecho de sentirse atrapado en la rutina de la vida actual y en la que los cuerpos se abrazan, rechazan u obedecen a sus ataduras físicas sociales y comunitarias.

Más información: Teatro Central de Sevilla

Un periódico, una escuela, un partido político, una tribuna pública o una campaña por los derechos civiles son algunos de los proyectos artísticos que ha desarrollado en los últimos años la artista cubana Tania Bruguera. Siempre situada radicalmente en la intersección del arte y la política, para ella el arte es una herramienta de transformación social. Sus obras, que le han valido tanto el reconocimiento internacional como la prisión y el exilio de Cuba, exploran y denuncian los abusos del poder y se esfuerzan al mismo tiempo por abrir espacios para la discusión política y la defensa de las libertades colectivas. Para ella, el objetivo es convertir a los espectadores en ciudadanos, crear situaciones que permitan explorar soluciones alternativas, propuestas artísticas que puedan ser espacios de futuro, teatros de posibilidades, máquinas para pensar y mostrar que quizás las cosas pueden ser de otra manera.