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No hay acto creativo de Norberto Llopis Segarra | 24 de mayo en los Dimecres de so i cos del Santa Mònica de Barcelona

No hay acto creativo es una conferencia-perfomance. En ella, al hilo de diversos materiales de archivo de sus trabajos anteriores, y a través de acciones, frases, del uso de objetos y discursos, Norberto Llopis Segarra intenta caracterizar la práctica artística desde la noción de Operación, no ya desde la noción de Acción, operación llevada a cabo por uno o múltilples operadores, sino por uno o diversos actores. Operación como procedimiento o improcedencia reiterativa a través de la cual intervenimos un territorio, operación desencadenante que siempre pone un pequeño soberano en desequilibrio y precipita la deconstrucción de un medio.

Con la participación de Norberto Llopis

Norberto Llopis Segarra, coreógrafo y performer, trabaja en el límite entre la danza y el pensamiento. Titulado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre; Máster en Artes performativas por DasArts, AHK Amsterdam; Grado en Filosofía por la UNED; Máster en Estudios avanzados en filosofía por la Universidad Complutense y actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre la estética en el pensamiento de Derrida y Deleuze en la Universidad de Barcelona. Ha desarrolado su trabajo entre Barcelona, Bruselas y los Paises Bajos. Su práctica artística va desde el trabajo con y sobre el cuerpo hasta el uso de objetos y materiales para la construcción y reflexión sobre el espacio. En su acercamiento a la filosofía, intenta desarrollar una práctica de pensamiento y escritura sobre el cuerpo, el movimiento y la performatividad. Así, su práctica oscila entre el ensayo, la coreografía, la conferencia performativa, la instalación o las acciones duracionales.

Más información: Arts Santa Mònica

19762 – solos y conectados, de Candela Capitán | 5 y 6 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Artista de acción y coreógrafa. El trabajo personal de Candela Capitán explora la activación y desactivación de los lazos sociales poniendo el cuerpo en relación con otros cuerpos, objetos e imágenes colectivas.

Principalmente utiliza el lenguaje de la performance para estudiar los límites de la danza gracias a un conocimiento exhaustivo del cuerpo en movimiento y de su presencia en escena.

Sus obras se desarrollan en diferentes medios (acciones en vivo, instalaciones o en el campo audiovisual) y vehículos (a través de plataformas virtuales o en directo), con el objetivo de encontrar canales diferentes de interconexión con el público o cuestionar las disciplinas artísticas y sus posibilidades.

Sus proyectos personales comienzan a partir de 2018, entre los que destacan: las performances The Death at the club (1.0 en 45 minutos) y The Death at the club (1.1 en 4 horas) (2018-2022), presentada en Soho House Barcelona (2018), en la plataforma de vídeo de Boiler Room TV y en el marco del Festival Streaming From Isolation (2020).

Colabora habitualmente con artistas de arte contemporáneo como Joan Morey, en el proyecto Tout de Force (2017); la artista y fotógrafa Tanit Plana en el proyecto Part (2021), presentado en el teatro L’Auditori de Barcelona en el marco del programa “Mujeres y creación”; y participa con los colectivos Gelitin e YBDG en una exposición presentada en Tiroler Landesmuseum (Innsbruck, 2021).

Su pieza, declara la directora y coreógrafa, 19762 – Solos y conectados, es un giro eterno entre la belleza y la violencia que va y viene entre los cuerpos. En cada vuelta una fisura en el universo y un paseo desconocido hacia el desierto.

SYC es una pieza coreográfica para seis cuerpos conectados a un dispositivo parateatral que define un patrón repetitivo de movimiento del que los intérpretes no podrán salir. Se trata de una obra generacional que cuestiona el hecho de sentirse atrapado en la rutina de la vida actual y en la que los cuerpos se abrazan, rechazan u obedecen a sus ataduras físicas sociales y comunitarias.

Más información: Teatro Central de Sevilla

Un periódico, una escuela, un partido político, una tribuna pública o una campaña por los derechos civiles son algunos de los proyectos artísticos que ha desarrollado en los últimos años la artista cubana Tania Bruguera. Siempre situada radicalmente en la intersección del arte y la política, para ella el arte es una herramienta de transformación social. Sus obras, que le han valido tanto el reconocimiento internacional como la prisión y el exilio de Cuba, exploran y denuncian los abusos del poder y se esfuerzan al mismo tiempo por abrir espacios para la discusión política y la defensa de las libertades colectivas. Para ella, el objetivo es convertir a los espectadores en ciudadanos, crear situaciones que permitan explorar soluciones alternativas, propuestas artísticas que puedan ser espacios de futuro, teatros de posibilidades, máquinas para pensar y mostrar que quizás las cosas pueden ser de otra manera.

Es solo un día de Carolina Campos y Márcia Lança | 1 de abril en La Mutant de València

Una manera d’evocar la transgressió del relat des de la ficció especulativa posada en escena. Un dispositiu d’escriptura en viu amb 8 hores de duració que revela la construcció d’un flux de narratives que s’assenten en una superfície inestable, en el contagi entre paraula i gest. Les artistes proposen imaginar mons on el real i la ficció es toquen i es confonen. Prenen les ruïnes del discurs com a lloc de potència i ficcionalizan el present a partir de l’escolta del lloc on es troben. El públic s’emporta una publicació realitzada en directe que conté un text diferent cada vegada. // Print Mutant, jornada d’estampació
participativa, el públic assistent es podrà imprimir, mitjançant la tècnica de serigrafia, 100 totebags que aportarà La Mutant, amb l’ajuda d’un tècnic especialista de Lanevera Edicions.

Dirección, Performance y texto
Carolina Campos & Márcia Lança
Concepto de Luz
Letícia Skrycky
Design e impressión de Publicación in Vivo
Andrei Bessa
Producción
VAGAR

Más información: La Mutant

Si el meu cos esta nit parlara de El Conde de Torrefiel | 4 de marzo en el IVAM Alcoi

En el marco de “Un contínuum común indefinidamente liso. Proyecciones sobre la contemporaneidad en la colección del IVAM”.

Si el meu cos esta nit parlara es una pieza bailada, una aproximación desde la práctica escénica a la exposición Un continuum común indefinidamente liso, de Diana Guijarro, en el IVAM de Alcoi. Esta pieza site specific de la compañía recoge la invitación de la comisaria a observar con ojo caleidoscópico los conceptos de tiempo y contemporaneidad encriptados en los objetos que habitan esta muestra.

Todos y cada uno de los millones de objetos que aparecen sobre la superficie de la tierra guardan una historia propia, poseen un relato único, tienen algo que contar. Tanto los objetos originales como los replicados y mercantilizados, esconden secretos de su contemporaneidad, han escuchado las lenguas de su tiempo, poseen una certeza arraigada al espacio y contexto donde aparecieron, desde el exclusivo y único Guerrer de Moixent creado en el siglo V a.C. hasta un multiproducido Tamagotchi creado industrialmente en el año 1996.

Cuando añadimos a este objeto la cualidad de obra artística, su historia se hace todavía más compleja dentro de su fantasmagoría.

Si cosificaramos a una persona, si le impidiéramos hablar y moverse espontáneamente, si tratáramos un cuerpo como si fuera un objeto más colocado para articular una exposición, ese cuerpo se revelaría única e inevitablemente en su propia imagen; un cuerpo sin voz propia, que emana un imaginario, unas sinergias y asonancias. Ese cuerpo enmudecido, como si de se tratara un enigma, encierra experiencias, preguntas, memoria y, en definitiva, una historia. Y la imagen de ese cuerpo entraría en diálogo con sus espectadores que solo pueden escucharlo con la mirada.

No es habitual ver en un museo un cuerpo vivo como objeto a contemplar. El espacio destinado para observar cuerpos vivos y cosificados es el teatro. El Conde de Torrefiel propone la observación de un cuerpo en movimiento, que narra sin hablar y que, al atravesar la escenografía accidental que le proporciona la exposición comisariada por Diana Guijarro, construye automáticamente otra imagen, otra historia posible.

Utopia i esclavatge de Eduard Escoffet | 25 de febrero en la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya

Utopia i esclavatge (Utopía y esclavitud) es una acción de Eduard Escoffet en torno a la voz pero en la que no hay voz en directo, sino que todo el desarrollo se basa en la reproducción de la voz grabada a través de diferentes reproductores de cassette. La acción aborda la idea de que la economía digital y las nuevas formas de la economía llamada colaborativa nos han convertido primero en clientes y acto seguido en usuarios desposeídos de derechos colectivos e individuales más allá de las dinámicas de consumo. Rápidamente hemos olvidado la utopía que representaba Internet en un principio para pasar a ser siervos digitales. Producida por La Capella en el marco de BCN Producció 2022, se presenta de nuevo, esta vez en un lugar especial: el anfiteatro anatómico de la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya. 

Pases a las 20:30 h, 21:30 h y a las 22:30 h

Eduard Escoffet

Poeta y artista sonoro. Siempre se ha caracterizado por atravesar fronteras entre disciplinas artísticas con la poesía y la palabra como elemento de partida. En su trabajo aborda temas como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y la reflexión sobre la ciudad y los límites del crecimiento.

Más información: https://chiquitaroom.com/event/utopia-i-esclavatge/

Otra tentativa de Moverse sobre nada de Carme Torrent | 22 de febrero a las 19h en los Miércoles de sonido y cuerpo del Santa Mònica

A través de la danza, Carme Torrent propone poner en juego, reencantar los materiales de transición entre los cuerpos, entre los movimientos, entre las imágenes. Un modo de atender a aquello que no puede ser capitalizado.

Inscripciones superpuestas. Una interpelación a poner en juego, a reencantar los materiales de transición entre los cuerpos, entre los movimientos, entre las imágenes. Un lugar de paso en el mundo haciéndose y deshaciéndose. Como en cierta experiencia de desidentificación y de extrañeza, entre preformance y performance, la escena, por inestable, interruptora, vibrátil, paradojal, denota la incompletitud de toda aparición como su condición constituyente, se inserta en las fisuras, pone en crisis una cierta economía y atiende al cuidado de lo que no puede ser capitalizado. ¿Cómo podemos imaginar o, incluso, soñar con una danza que nos gustaría ver sin la obligación de saber cómo hacerlo ahora?

Moverse sobre nada hace referencia a un acontecimiento compuesto de tres piezas escénicas: ‘¿Cuerpos monárquicos?’, ‘100 fuegos horizontales’, ‘Construcción amorosa’. También, Moverse sobre nada se compone de encuentros y prácticas de movimiento con personas que provienen de ámbitos muy diversos. Lo expuesto es, pues, resultado de esta experiencia colectiva.

Con la participación de Carme Torrent

Implicada en procesos de aprendizaje, investigación y creación en el arte. Estudia arquitectura en la Universitat Politècnica de Catalunya mientras trabaja en varios estudios, entre ellos el del arquitecto Enric Miralles. Paralelamente, desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza. Atraída por el trabajo de Body Weather (laboratorio de climatología corporal), viaja a Japón y colabora a lo largo de diez años con el centro Dance Resources on Earth, dirigido por Min Tanaka. También colabora regularmente con el coreógrafo Xavier Le Roy, en propuestas para espacios expositivos. Es graduada en Filosofía por la Universitat de Barcelona. Imparte talleres dentro del programa de máster E.X.E.R.C.E. de Montpellier.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00044

Foto: Guillem Pacheco

12.01.2022 / 19h, Arts Santa Mònica, Sala Bar

Público general. Actividad abierta a todo el mundo y gratuita con aforo limitado.

Una composición sobre la identidad, la voz y el cuerpo

Con Aurora Bauzà & Pere Jou

A cargo de MIXTUR, Festival de nova creació sonora de Barcelona

I AM (T)HERE es una pieza que investiga la relación entre el cuerpo y la voz, explorando nuevas formas de interacción entre ambos que se alejan de la tradición musical clásica que impone servidumbre en el cuerpo hacia la voz. La pieza encarna un cuerpo atrapado entre dos dinámicas, la voz y el movimiento, que evolucionan en direcciones opuestas, creando un cuerpo en tensión, un sujeto en conflicto con su identidad.

Más información:
https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos | https://www.aurorabauzaperejou.com/iamthere

Sergi Fäustino, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández, Artús Rey, Terrorismo de autor.

Réplika Teatro
24/09/2021 – 20:00h.
25/09/2021 – 20:00h.
26/09/2021 – 19:00h.

precio: 15,00 € / 13,00€ / 10,00€

Cuarto capítulo de El Dispositivo, serie de encuentros entre los creadores Sergi Fäustino, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández, Artús Rey y Terrorismo de autor.

Semanas intensas de residencia para reflexionar, debatir, compartir materiales, estados, procesos… de manera que comienza a tomar forma una propuesta presentada a público el último fin de semana “en el estado en que se encuentre”.
El Dispositivo es un proceso en continuidad, no episodios aislados más o menos relacionados entre sí, sino el desarrollo de acciones e ideas que evolucionan, se repiten, conducen a nuevas acciones e ideas, a un cambio en el punto de vista, en el estado, en la calidad, en el cuerpo.
Cualquier tema, preocupación, interés, juego, broma, recuerdo, anhelo, miedo, deseo, cada náusea, también… se pone sobre la mesa (o sobre el escenario) y ya sea de manera individual o colectiva se suceden acciones y palabras sin autoría.
Algo que crece y se mueve, sin ánimo de avanzar, ni siquiera de mantenerse a flote.
Otro factor que hace crecer o deforma cada dispositivo es el lugar de residencia, su espacio, el personal, la ciudad o el clima distorsionan con su influencia cada encuentro.

→ Dispositivo 1: Teatro Ensalle (17-31/01/21), Vigo (proceso no mostrado a público debido a restricciones causadas por la epidemia del COVID-19)
→ Dispositivo 2: La Caldera (21-27/06/21) (residencia) y Antic Teatre (28-04/06-07/21) (residencia y muestra del proceso), Barcelona.
→ Dispositivo 3: Tatro Ensalle (01-08/08/21), Vigo
→ Dispositivo 4: Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación (18-26/09/21), Madrid

Un tipo* dijo una vez algo así como “las revoluciones son la locomotora de la historia”. Años más tarde, otro tipo**, dijo “quizás sea todo lo contrario, quizás las revoluciones son un intento de los pasajeros de este tren de activar el freno de emergencia”.
*Karl Marx
**Walter Benjamin

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/el-dispositivo-cap-4-septiembre-2021/