— MuroTRON

Manuel Roque – 27 de abril en La Caldera 

bang bang es una prueba. Construido sobre una repetición implacable de saltos y motivos atléticos contados en 11, exige una concentración excepcional y un fuerte compromiso físico por parte de sus intérpretes. Progresivamente, esta exigencia revela su combatividad, su resistencia, pero también las fisuras del intérprete humano. Esta versión para dos personas añade la idea de atravesar la prueba conjuntamente, combinando las fortalezas y debilidades de cada intérprete.

La precisión se encuentra con el agotamiento. A lo largo de 50 minutos, las identidades de los intérpretes se disuelven. Continuar saltando se vuelve a la vez absurdo, poético y político.

Creado en 2017, el solo bang bang se retoma en forma de dúo.

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Manuel Roque. Manu es un coreógrafo e intérprete de danza contemporánea con base en Montreal (Tiohtià:ke – Mooniyang). Sus creaciones exploran la interacción entre espacios sensibles, somáticos, atléticos, poéticos y políticos. bang bang (un solo creado en 2017 y transformado en dúo en 2024) ganó tanto el Premio a la Interpretación como el Premio a la Obra Coreográfica en los Prix de la Danse de Montréal en 2017. Su interés por el cuerpo en movimiento se fundamenta en los conceptos de integridad, curiosidad y atención meditativa. En sus obras, el rigor coexiste con la suavidad; la musicalidad se expresa a través de un agudo sentido del matiz; y la generosidad del compromiso físico se basa en la amabilidad hacia uno mismo y hacia los demás.

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Laura Ramirez Ashbaugh – 13 y 14 de mayo en Conde Duque 

Sinopsis
Oasis of Serenity es una colisión de visiones místicas y cinematográficas donde el cuerpo, atravesado por corrientes químicas y anatómicas, existe en un estado de crisis constante. Abrumado por la imaginería del mundo exterior, este cuerpo no es fijo: parpadea, se disuelve y se reconfigura, pulsando al ritmo de las emociones y de las sustancias que lo recorren. No hay una historia que contar, solo sensaciones; un cine caótico se despliega en la pupila, mientras el mundo atraviesa el cuerpo en tiempo real, desbordando toda comprensión. Este umbral —místico y físico— es a la vez práctica, éxtasis y transformación Oasis of Serenity no busca un cierre, sino una apertura hacia lo desconocido, siempre al borde de la llegada.

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El mundo contemporáneo estremece al cuerpo. Como si cruzara un desierto para encontrar un remanso y divisar la aparición del agua, el paisaje se abre y forma una grieta que será transitada por un ser solitario que encuentra en este camino oblicuo y desviado una posibilidad. Las hormonas, como la adrenalina y el cortisol, despliegan sus potencias. La química del organismo palpita y reacciona ante el dolor que la realidad provoca; la crisis ante lo observado se manifiesta mediante la supervivencia, cuya anatomía resiste al horror. ¿El cuerpo en movimiento puede transformar las imágenes grotescas e incesantes? El constante flujo emocional se aleja del entendimiento. Laura Ramírez Ashbaugh muestra la variabilidad de un cuerpo no fijo, desajustado para revelar sus atributos místicos. La disolución y reconfiguración señalan la entrada hacia lo desconocido, puede sentirse el flujo constante de un ritmo que modifica la visión del mundo. Ante la ruina es necesario el pensamiento colectivo. Los desplazamientos se experimentan apartados de la narrativa y el umbral químico señala los bordes; el éxtasis se gesta y alumbra la llegada de un nuevo modo de atravesar la conmoción frente a las imágenes. A través de esta práctica ocurre una metamorfosis en tiempo real donde el cuerpo desarticula reconfigura la importancia de la memoria. Las visiones son enfrentadas por la química del organismo y por la veracidad de fortaleza. El corazón aumenta la velocidad de sus latidos, se aleja del entendimiento y las emociones son revaloradas: el espectador es testigo de la resonancia de un cuerpo en su entorno.

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2 y 3 de mayo en Réplika Teatro

Estreno en España de la bailarina y coreógrafa polaca afincada en Berlín Ewa Dziarnowska, uno de los nuevos nombres de la danza contemporánea europea que llega por primera vez a Réplika Teatro para presentar su última obra This resting, patience, una pieza duracional que ha podido verse en centros y festivales como el Tanztage Festival de Sophiensaele de Berlín, el Rakete Festival de la Tanzquartier de Viena, el Mind Eater Fest de Oslo, la Berlin Art Week, el Backslash Festival del Gessnerallee de Zurich, el What You See Festival de Utrecht, el International Dance Festival del Múnich o el Santarcangelo Festival italiano. Una pieza que explora la sensualidad, la desnudez y la danza como prácticas relacionales y accesibles que cuestionan la pasividad de la instalación y la noción tradicional de la performance para proponer un presente continuo, tierno y atento.

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María Salgado y Eddi Circa – 24 de abril en el Círculo de Bellas Artes 

María Salgado, artista y poeta, desarrolla una práctica que entrelaza escritura y escena en busca de un sonido capaz de reconectar con el mundo y con el deseo —con el deseo de mundo—. Su trabajo se despliega tanto en el espacio íntimo de la lectura como en intervenciones que llevan la palabra al espacio público.

En el marco de la XXX Lectura Continuada del Quijote —una edición en la que celebramos los 30 años de esta cita y el centenario del edificio— y en diálogo con la propuesta expositiva de La lechuza de Minerva, presenta una lectura nocturna de poemas y ensayos de su último libro, Lírica, en la Sala de Billares, un espacio habitualmente reservado a los socios del Círculo. La sesión contará con el acompañamiento de la compositora y cantante Eddi Circa, abriendo la palabra a una dimensión sonora y performativa.

Además, su trabajo se extiende a la fachada del edificio mediante una intervención en las banderolas, donde el texto se desplaza a la escala urbana. Allí, la poesía se expone al ruido, la velocidad y la mirada fugaz de la ciudad, funcionando como interrupción y escucha: una interferencia que se mide con el tránsito y que abre, en plena circulación, la posibilidad de otro tiempo.

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Sofía Asencio – 26 de abril en La Mutant 

El Futuro como trabajo escénico es un proyecto de investigación para pensar sobre la no linealidad del tiempo. 

El tiempo, tal y como lo conocemos, con una idea de principio y una direccionalidad, es una arquitectura tan bien diseñada, que parece que nos sostiene, nos da soporte y coherencia.

Pero hay grietas.

Voy a apuntar en el centro de la base de esta estructura, cómo un buen tirador.

¿Qué se puede hacer desde un sitio tan pequeño, como es mi pequeña cabeza y mi cuerpo enclenque, como lo es también esta sala construida como espacio de representación?. ¿Sería algo imprevisible?. ¿Tendría, eso accidental, la virtud de fundar tiempo?. ¿Un tiempo irregular, multiforme y granulado?

No se si me lo he puesto demasiado difícil.

Me voy a disfrazar de pregunta, para diseccionar anatómicamente esta estructura espaciotemporal a la que llamamos teatro.

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FICHA

Dirección: Sofía Asencio

Interpretación: Sofía Asencio, Julia Barbany

Acompañamiento dramatúrgico: Tomàs Aragay

Esta investigación ha recibido la BECA BARCELONA CREA de la Fundació Joan Brossa

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Taller Placer – 15 y 16 de abril en Inestabale dentro de Dansa València 

Una idea inacabada es un estudio coreográfico de antropología contemporánea para tres intérpretes que trabajan en el contexto de una maqueta de un antiguo teatro-cine a escala 1:20. A través de una selección de objetos cotidianos se explora la manera en la que producimos, el papel del cuerpo y de las manos en estos procesos y cómo estas coreografías modelan nuestras identidades y deseos.

Taller Placer es un colectivo de artes vivas formado que Investiga el papel del arte en las transformaciones sociales a través de proyectos escénicos, de mediación y programación. Su producción combina creación escénica, investigación, talleres, excursiones y performances que funcionan como herramientas críticas para imaginar otras formas de vida y relación.

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Lúa Coderch – 16 de abril en el MACBA

En el marco de Murmullos, programa que revisita la historia del museo desde el rumor y la especulación, Lúa Coderch presenta Rama. La acción se inscribe en esta voluntad de activar relatos laterales y temporalidades superpuestas para desplazar la memoria institucional hacia zonas más frágiles, imaginadas o no resueltas.

Nos movemos, deambulamos colectivamente por los distintos espacios con cierta libertad, pero cada vez sentimos un deseo mayor de mantenernos cerca. Esa es nuestra intuición. Mientras caminamos, a través de la escucha hacemos un ejercicio de evocación –trayendo desde el recuerdo– y de invocación –atrayendo lo todavía no elaborado–. Mediante la voz y el sonido van tomando forma escenas situadas en distintos puntos de una línea temporal imaginaria, desdibujando los límites entre la historia real del museo y la ficción, entre lo que se declara públicamente y lo que se rumorea, entre el mito y la anécdota, entre lo que se desea y lo que se teme.

En el origen de nuestro movimiento, haciéndolo posible, está la fantasía, la declinación simultánea de presentes, pasados y futuros del museo, como la vibración de la rama que, inquieta, contiene en su materia y en su crecimiento todas las tendencias motrices, todas las torsiones, recorridos y desvíos posibles.

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SALA DE ARMAS DE LA CIUDADELA. 18 de abril, a las 12:00, 17:30 y 19:00AT AT AT: PROGRAMA DE ARTES VIVAS EN CIUDADELA.

En esta segunda edición, el programa constará de tres propuestas artísticas que se llevarán a cabo en la Sala de Armas de la Ciudadela, bajo la dirección artística de la artista y curadora Maia Villot de Diego.

AT AT AT es un ciclo de performance, un encuentro en el cual os invitamos a pasar una jornada en la Ciudadela, donde podremos ver tres piezas, Fasting Girls de Marta Azparren; saturbo- barra-bás de dpvillanueva en colaboración con Oihana Vesga y Apuntes para una investigación Julay: cancioneros, travestis, vedetes y otras ancestras de Anto Rodríguez.

Tres trabajos que hablan de cuerpos: cuerpos que desaparecen, cuerpos que bailan, cuerpos que hablan, cuerpos que cantan; cuerpos que aparecen, se hacen presentes, se nombran, se recuerdan y se invocan.

12h. Fasting Girls de Marta Azparren. 

17.30h. saturbo-barra-bás de dpvillanueva. 

19h. Apuntes para una investigación Julay: cancioneros, travestis, vedetes y otras ancestras de Anto Rodríguez. 

Más información (entrada libre).

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11 de abril en la Fundació Joan Miró de Barcelona

El primer encuentro del programa de mediación performativa será la ocasión para inaugurar la grada y plataforma creadas por La Cuarta Piel y de descubrir varias piezas sonoras: una pieza que quedará disponible en el espacio y dos obras presentadas únicamente ese día.

En conjunto esta primera sesión está pensada como un calentamiento. Las obras hablan de cómo arrancar y de cómo permanecer en los albores de la búsqueda, insistiendo, repitiendo e inventando sistemas para ponerse en disposición de crear.

La pieza sonora que permanecerá en las salas de exposición es de Silvia Zayas, una artista que trabaja meticulosamente el sonido para que sea somático y se adentre en el cuerpo. Una infiltración colectiva de cine son unas piezas de audio creadas para producir imágenes mentales individual y colectivamente. Es una especie de calentamiento del cuerpo con resultados en la imaginación. Los audios combinan con humor el formato de la meditación guiada, el entrenamiento físico, la voz y la sucesión rápida de flashes narrativos para que se abran paso imágenes que se infiltran de repente como fantasmas o visiones.

Instalada por un día en el espacio estará Til I get it right (2005) de Ceal Floyer. La obra consiste en un bucle sonoro construido a partir de la canción del mismo título interpretada por Tammy Wynette. Floyer extrae únicamente dos fragmentos y suprime de la canción original la alusión al amor. Esta operación crea una banda sonora repetitiva, donde el sentido romántico desaparece y se transforma en una pieza meditativa sobre la perseverancia y el deseo. El resultado es una sensación agridulce de encantamiento.

Por último, se podrán escuchar los primeros minutos de Calentamiento, la última producción de la coreógrafa Rocío Molina. En ellos explica que antes de empezar con el calentamiento hará un calentamiento previo al calentamiento, para empezar a calentarse antes de empezar. Se trata de lo que en flamenco se conoce como una “tabla de pies” durante la cual afirma “yo no voy a dejar de empezar nunca”; una estrategia para no terminar jamás.

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Consulta el ciclo Un ensayo permanente.

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Laura Llaneli – 18 de abril en el Museu Tàpies 

Con Murmullo mudo, Laura Llaneli sitúa el sonido en un espacio de posibilidad inesperada. A través de una acción mínima pero sostenida, la artista desplaza la escucha hacia el terreno de la imaginación y nos invita a considerar hasta qué punto un sonido puede existir sin llegar a sonar. En un contexto cultural fuertemente dominado por la visualidad, esta propuesta de escucha imaginada se plantea como una práctica capaz de alterar, aunque sea provisionalmente, el frenesí perceptivo que atraviesa la vida contemporánea.

Fruto de una investigación continuada en torno a la percepción y la transmisión sonora, la performance adopta la forma de una partitura sin sonidos, abierta a la resonancia singular y a la vez colectiva de cada espectadorx. Entre la evocación de los sonidos que configuran la cotidianidad institucional del museo, los del tejido urbano y los de los entornos naturales, emergen fricciones y expectativas que a menudo quedan en un segundo plano, pero que modelan de forma decisiva nuestra experiencia sensible.

De este modo, la terraza del museo se vuelve especialmente permeable a estas tensiones. Situada al mismo tiempo dentro y fuera de la institución, en un lugar aparentemente resguardado pero expuesto a los ruidos cambiantes de la ciudad que se filtran en él, se configura como un escenario privilegiado para una escucha atenta de los murmullos (mudos) que a menudo pasan inadvertidos y que, sin estridencias, modelan sutilmente nuestra percepción colectiva.

Actividad realizada en el marco de la edición 2026 del ciclo “Seguint el sol” del Museu Tàpies, que porta per títol “Destapar la mirada” i està comissariat per Carolina Ciuti.

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La obra de Laura Llaneli (Granada, 1986) explora la relación entre la producción sonora y la experiencia, el lenguaje y las prácticas de las artes visuales contemporáneas. Sus trabajos hacen hincapié en el impacto de las variaciones sobre patrones y estructuras estables en determinados productos culturales; al mismo tiempo, ponen a prueba la resistencia del lenguaje como código y del sonido como icono social.

Llaneli está representada por ADN Galeria y, entre sus premios, destacan Art for Change 2019, el Premio Miquel Casablancas 2018 y el Premio Embarrat 2017. Ha realizado exposiciones individuales en espacios nacionales e internacionales, como el Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa (Barcelona), La Capella (Barcelona), Casal Solleric (Palma), ADN Galeria (Barcelona), Fundació Joan Miró (Barcelona), Casaplan (Valparaíso, Chile), Swinton&Grant (Madrid) y Art3 (Valence, Francia). También ha participado en exposiciones colectivas en Lo Pati (Amposta), The Clemente’s (Nueva York), el Palacio Condes de Gabia (Granada), el Centro Rafael Botí (Córdoba), Tecla Sala (L’Hospitalet de Llobregat) y la Casa de Velázquez (Madrid), entre otros. Ha presentado sus performances en festivales como Asistir 2022 (México), Signal Reload (Cerdeña), Intermediale (Polonia), Mixtur (Barcelona), POESIA i + (Caldes d’Estrac), CAAMsonora (Gran Canaria), LEM (Barcelona), Tsonami IX (Chile) y Eufònic (Terres de l’Ebre).

Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursó estudios musicales y se diplomó en Diseño Gráfico. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y tiene un máster en Arte Sonoro y un máster en formación del profesorado por la misma universidad.

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