— MuroTRON

16 de mayo en Pamplona 

La Ciudadela de Pamplona acoge el ciclo “Plazas y Performances” bajo el título Oficina de Turismo Las Nenas: free tour. Se trata de una propuesta escénica que transforma el formato de las rutas turísticas en una experiencia performativa e inmersiva para reflexionar sobre la memoria, el espacio y las formas de habitar lo colectivo.

Guiada por Las Nenas (Ane Sagües y Cristina Tomás), la pieza divide al público en dos itinerarios simultáneos: uno marcado por la norma, la censura y el control; y otro atravesado por la celebración, la liberación y el disfrute. A través del cuerpo, la música y la acción escénica, ambos recorridos construyen un relato no lineal que culmina en un encuentro final donde compartir lo vivido.

La performance cuenta con la participación de artistas de distintas generaciones y disciplinas como Maia Ros, Paula Puchalt, Maddi Muñoz, Amarga Teatro, Aurora Moneo Asun Abad. El cierre corre a cargo de plazeratu.klub, colectivo de DJs que explora la fiesta desde una perspectiva queer.

Creada por Las Nenas Theatre y producida por El Punto Gunea, la propuesta plantea una exploración sobre la transmisión intergeneracional, la necesidad de nombrar la memoria y la capacidad de lo performativo para imaginar nuevos futuros colectivos.

Ficha técnica: 
Dirección, creación e investigación: Las Nenas Theatre (Ane Sagüés y Cristina Tomás)
Producción: El Punto Gunea
Diseño y dirección artística: Adrián Romero
Teaser: Garazi San Martín
Comunicación: Garazi San Martín, Nerea Merino y Cristina Tomás
Mediación: Lara Molina
Participan: Aurora Moneo y Asun Abad, Maia Ros, Paula Puchalt y Maddi Muñoz, Amarga Teatro, el IES Alaitz BHI y plazeratu.klub

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Ikram Bouloum – 7 de mayo en el Museu Tàpies 

Con Poem/me xx1, la artista se reapropia del espacio de narración para presentar una sesión de escucha/lectura híbrida en forma de narración plurilingüe en la que se recogen diferentes memorias, poemas, canciones e imágenes. Este corpus le permitirá introducir, por un lado, la noción de grieta que atraviesa su álbum: la herida heredada. Y, por otro, el contexto que acompaña a este eje narrativo, yendo de lo íntimo a lo colectivo para trazar una línea hacia la diáspora.

Ikram Bouloum es una artista, selectora y comisaria catalanoamazigh. Tras unos años centrada principalmente en el comisariado musical y la dirección artística, actualmente retoma y sitúa en el centro su práctica artística y de investigación, reconectando con la voz, el storytelling y la música desde la multidisciplinariedad y la antidisciplinariedad.

En su música, mayoritariamente interpretada en su lengua materna, el amazigh del Rif, explora temas que a la diáspora norteafricana suele resultarle difícil afrontar, reimaginando sus legados a través de una mirada poética, política y experimental.

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Xcèntric | 28 de mayo en el CCCB de Barcelona

Cancionero reúne dieciocho películas de jóvenes artistas y cineastas que parten del esbozo como forma creativa privilegiada. La sesión propone abrir un espacio para mostrar películas que quedan fuera del circuito de proyecciones públicas y festivales: piezas pequeñas y frágiles, imperfectas o muy sencillas que, sin embargo, contienen una creatividad y una emoción muy vivas. Este programa las agrupa como un álbum de canciones.

Todas estas piezas atienden a lo menor para exaltar la vida desde una dimensión diarística e íntima, y exploran nuevos medios expresivos para filmar y montar imágenes con ligereza y sin pretensiones retóricas.

En canción, Alfonso Serrano compone, montando en cámara, un juego de ritmos y sonidos a partir de imágenes de los rincones de un parque. A closer winter tunel es una película colectiva filmada por Lucía Benavente, Carlos Iglesias, Nicolás Hernando y Alejandro Lozano, que forma parte de la serie FILM cuadros, de Master LAV, en la que se evoca, fotograma a fotograma, las texturas y los colores de un cuadro de David Hockney. En Batucada, Ariadna Essomba propone un remontaje enérgico y celebrativo de las películas en Súper 8 del cineasta José Val del Omar, trasladando el sonido de unos golpes de tambor a los propios cortes de montaje. Autodefinidos, de Lucía del Valle Ramírez, juega con la asociación entre imágenes cotidianas y palabras que aparecen en un cuaderno estival de autodefinidos. En Gay regular, una voz en off recita un texto de Gertrude Stein mientras vemos un diario de imágenes de la vida del autor Carlos Saldaña. Las películas de Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azulAndroide cansadoCigarettes 1 Cigarettes 2, de forma similar a un cover, hacen suya la música pop y evocan, con recursos rudimentarios de filmación, una nostalgia inexplicable. En poemas #4, de Ari Cardozo, un hipnótico zoom a los cables y aparatos de un concierto en vivo consigue expresar la intensidad de la música. tonight / forever juega con variaciones de velocidad para crear una coreografía de movimientos e inventar un videoclip a partir del remontaje de una batalla campal sobre patines de una película de serie B. No tengo Super 8, de Lucas Lagrange, muestra cómo el sensor roto de la cámara de un teléfono móvil agoniza y muere en el intento de hacer una película. En el punto de la noche donde empieza el día, Jara Roset utiliza el ralentí y la distorsión del sonido como gestos de edición para explorar temporalidades dilatadas. En las piezas de Daniel Galera Gonzalez una piedra, un niño, y en el aire conmovido, una coreografía de gestos recita un poema y un conjunto de diapositivas se suceden como recuerdos desde un ordenador. En Nightwish, Maite González Martínez filma por la noche desde el alféizar de su dormitorio, la floración de un Epiphyllum. Por último, Minila Café, de Amalia S-P de Nieves, reúne una serie de muñecos y figurines para crear un karaoke casero.

Programa:

Alfonso Serrano, canción (7’09”); Máster LAV, Film-cuadro: A closer winter tunnel (2’52”); Ariadna Essomba Garsaball, Batucada  (2’05”); Lucía del Valle Ramírez, Autodefinidos (3’17”); Carlos Saldaña, Gay regular (6’) Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azul (2’); Ari Cardozo, poemas #4  (9’14”); Lucas Lagrange, No tengo Super 8 (2′); Jara Roset, el punto de la noche donde empieza el día (23’41”); Ari Cardozo, tonight / forever (6’47”); Imanol Expósito Delgado, Androide cansado (2’58”), Cigarrettes 1 (2′), Cigarrettes 2 (4′), Daniel Galera Gonzalez, una piedra, un niño (5’11”), en el aire conmovido (2’59”), Maite González Martínez, Nightwish (4’); Amalia S-P de Nieves, Minila café (4’43”).

Un programa de Marina Miyar y Carmela Sesé.

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Edwin van der Heide – 21 de mayo en el MACBA

Durante casi dos años, el proyecto ha registrado de forma continua el paisaje sonoro de la Plaça dels Àngels, frente al Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Micrófonos instalados capturan la densidad cotidiana de la plaza: conversaciones dispersas, movimientos, fricciones, ritmos urbanos y acontecimientos imprevistos que configuran su identidad en constante transformación.

Durante la performance, van der Heide navega este archivo en tiempo real. Mediante la selección, superposición y recombinación de grabaciones de distintos momentos, compone una nueva narrativa sonora de la plaza. Sonidos que originalmente ocurrieron con horas, días o meses de diferencia comienzan a coexistir, revelando patrones ocultos y conexiones inesperadas. A través de este proceso, la plaza se despliega como una composición viva en la que el tiempo se pliega y se superpone, permitiendo a los oyentes encontrarse con la identidad en evolución del lugar a través del sonido.

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Edurne Rubio – Del 30 de abril al 31 de mayo en el Centro Dramático Nacional 

Tinieblas es una colección de historias sobre personas que se pierden.

Una narración polifónica que recrea sucesos reales o bien situaciones que quizás solo hayan existido en la imaginación colectiva: leyendas, cuentos, rumores…

Vivimos en un continente completamente cartografiado. Los senderos del bosque están señalizados y las rutas detalladas en guías. Conectados a miles de satélites que orbitan el planeta, buscamos nuestro camino sin mirar el mundo que nos rodea.

¿Dónde y cómo podemos perdernos hoy? ¿En el teatro?

Tinieblas es un espectáculo donde el público se pierde, se encuentra y se vuelve a perder. El teatro es el centro de un territorio, un lugar con sus propias coordenadas geográficas y, al mismo tiempo, espectadoras y espectadores, unidos, forman un solo cuerpo que se pone en movimiento, como una bandada de estorninos.

Se trata de una experiencia sensorial que mantiene siempre la tensión entre el interior y el exterior, entre el lento caminar de un ser humano y la posibilidad de teletransportarse con la imaginación a tal velocidad que provoca vértigo.

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ÉSKATON x Miguel Deblas – Del 8 al 10 de mayo en Réplika Teatro 

Estreno absoluto de force song, obra dirigida por Miguel Deblas como último proyecto de la agrupación artística ÉSKATON. Una obra que combina coreografía, escritura, performatividad y una instalación site-specific que explora la conexión entre las relaciones laborales, afectivas y comunitarias.

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Un cuerpo humano que entra en una habitación con el único objetivo de sentirse fuerte – busca una fuerza que sea completamente inútil – sin objetivo – sin orientación – sin destino – una que desconfía de la esperanza – y de la nostalgia – que no obedece al futuro – que no respeta el pasado – ni produce – ni reproduce – lucha contra el tiempo – saca la energía de donde sea – no atiende criterios morales – médicos – ni climáticos – es una fuerza gris – a veces brillante – a veces apagada – la mayor enemiga de esta fuerza – la palabra.

Partiendo de las connotaciones contemporáneas y occidentales de la fuerza relacionadas con la masculinidad, el trabajo, la explotación, la destrucción y la forma física, force song aborda la idea de fuerza no únicamente como cualidad natural sino como construcción política y cultural que aporta valor, utilidad y legitimidad social dentro de una realidad donde distintas estructuras como la política, el arte, lo comunitario y las relaciones afectivas se encuentran subordinadas a unas esperanzas que nunca llegan a materializarse y que impulsan cuerpos, deseos y vínculos a dinámicas de producción constante.

La esperanza pasa de ser una fuente de fuerzas, inspiración y movimientos de liberación a una tecnología que transforma las distintas parcelas de nuestra vida en “algo a trabajar” a cambio de “un futuro mejor” que nunca llega, a la realización de una diversidad de acciones y tareas a cambio de un valor, a la internalización de un sacrificio, a una constante obediencia.

force song explora la posibilidad de imaginar relaciones laborales, afectivas y comunitarias que no estén organizadas frente a la promesa, la obediencia y la productividad sino a formas de presencia, cuidado y coexistencia. Una relectura queer a través de un viaje desde la acumulación y la conquista hacia formas de vulnerabilidad, agotamiento, desobediencia y resistencia no heroica.

ÉSKATON es una agrupación artística fundada en 2021 con base en Madrid co-dirigida por George Marinov y Miguel Deblas, dedicada a la investigación artística a través de la creación escénica, dramatúrgica, coreográfica y performativa. Hasta ahora han estrenado: Cicuta Contagiosa (2021), Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía (2023), La poesía y el discurso (2023) [Festival Surge] y HÄXAN (2025). ÉSKATON ha trabajado, ya sea a través de presentaciones de sus piezas como en residencias, en diferentes teatros e instituciones nacionales como Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación, Teatros del Canal, Festival de Otoño, SURGE Madrid, Teatro Pradillo, DT Espacio Escénico, Nau Ivanow, Festival Tara o Festival Autóctonxs entre otros, y en países como Italia, Alemania o Paraguay.

Miguel Deblas (Úbeda, ES, 1994) es director de escena, dramaturgo, performer y profesor. Graduado en Anatomía Patológica y Citología, Diplomatura en Arte Dramático en Réplika Teatro y en Dirección de Escena y Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Completa los estudios triennales Scuola Cònia – Tecnica della Rappresentazione, dirigida por Claudia Castellucci. Trabaja como intérprete para Óscar Nieto (TRIPAS, 2019), Alejandría Cinque (Cruising, 2020), Mikolaj Bielski (Europa. Los tutelados, 2020; Lo que tiembla y casi danza, 2022), Marie Delgado – La tarara company (La intimidad, 2024) y Alberto Cortés (Los chicos de la playa Adoro, 2025), entre otros. Ha sido seleccionado para participar como representante español en el Internationales Forum organizado por el Theatertreffen del Berliner Festpiele (Berlin, DE) y el Goethe Intstitut Madrid durante 2025. Es profesor de la asignatura Escenas y dramaturgias vivas dentro de la Diplomatura en Arte Dramático de Réplika Teatro. Y ha impartido el laboratorio Estética del peligro: prácticas y teorías en el CCE Juan de Salazar.

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Amaia Bono y Damián Montesdeoca – 23 de mayo en Teatros del Canal 

¿Cuánto pesan las palabras?

¿Cuándo pesan las palabras?

Hay momentos de la vida donde unas palabras nos pesan más que otras.

Hay otros donde simplemente te quedas sin palabras.

Un intento de musical, pseudo-cantado, interpretado y compuesto por Amaia y Damián que sobrevuela, profundiza y se sumerge en su adorada temática del lenguaje desde una perspectiva analítica, crítica y reflexiva, pero no por ello menos ingeniosa, socarrona y juguetona.

Un discurso pesante, un juego gramático y una tesis que da el cante.

Los ejes centrales de este trabajo son el juego con el lenguaje, la complicidad con la audiencia y el placer de compartir el momento presente.

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Needcompany con Gonzalo Cunill – Del 24 al 26 de abril en Teatro Ensalle

Jan Lawers: “Este texto versa sobre la amistad. Los tres retratos que conforman el relato son partes de mí mismo, basados en obras anteriores y en las amistades que he abrigado a lo largo de mi trabajo. También queda claro que Gonzalo, como musa, estuvo presente en algún rincón de mi atelier, sonriendo por lo bajo mientras yo escribía el texto.
La sublime falta trata de la desesperación de un artista que no logó ser “frío como el hielo” en su creación, sino que siempre quiso volver a ser amado. En UN SUBLIME ERROR uno de los personajes dice que es mucho más difícil estar siempre enfadado que esconderse detrás de una sonrisa. Con este texto he intentado ver esta sonrisa no como un acto de cobardía, sino como un arma para defenderse del ser humano mismo.”

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Laura Morales – 8 y 9 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

DESCARADA, SIEMPRE SORPRENDENTE Y CON UN INSTRUMENTO BIEN AFINADO —SU CUERPO—. LAURA MORALES NOS INVITA A PRESENCIAR SU NUEVA TRANSFORMACIÓN EN SER PASTORA.

UN PROYECTO, NACIDO DE LA INVITACIÓN PARA SER NARRADO EN LA REVISTA DEL CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL, QUE COMENZÓ COMO UNA FUGA, UN EXILIO. UN GRITO SILENCIOSO QUE SE CONVIRTIÓ EN UNA ONOMATOPEYA QUE ATRAVESABA MONTAÑAS.

En 2023 Laura formó parte del proyecto Escuela de Pastores de Madrid Campo Adentro. Se fue a Brieva de Cameros queriendo ser pastora y por unas semanas lo consiguió. Ahí empieza todo.

Se trataba de salir de lo artístico y “ser campo” pero lo que ocurrió fue que la decisión se convirtió poco después en proceso de creación.

Según la bailarina: Ahí me di cuenta de que esto no iba a ser una fuga, iba a completar algo. Andalucía es la primera tierra que se seca, por lo que es la primera que mueve el rebaño en busca de comida y agua. Ser bailarina en Andalucía es estar en constante sequía. Ser pastora en Andalucía inevitablemente te hace moverte hacia el agua y los pastos frescos.

Y en ese buscar los pastos frescos donde alimentar su “fuga” Laura comenzó a desarrollar el espectáculo que nos presenta. Una producción atravesada por múltiples ejes en los que fue consciente de la importancia de vincularse con las comunidades en extinción. En este caso la del pastoreo, un patrimonio intelectual y cultural de valor incalculable en nuestro país.

Creo que no hay mucha diferencia entre una pastora y una coreógrafacreadorademovimientoartesvivasartista. El campo y la danza van de la mano en preciosismo y miseria. Es una especie de abandono romántico. Según declara.

Otro de los ejes de la propuesta es la brecha de género que existe en el mundo agrario ya que para muchas mujeres el trabajo agrícola es considerado como una extensión del que hacen en el hogar.

Ser pastora desde sus inicios es un espectáculo atravesado de preguntas que asaltan a Laura y que quiere trasladarnos como comunidad: ¿Para qué invocar un rebaño si tengo el campo? ¿Por qué en 2023 quise dejarlo todo e irme con un rebaño que no conocía? ¿Cómo hallo este cuerpo sin un rebaño que me siga? ¿Cómo empieza un cuerpo a moverse hacia arriba? ¿Puede haber sequía en un escenario? ¿Y prados verdes? ¿De dónde viene el impulso de moverme?

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Aníbal Conde y Magdalena Leite – Del 21 al 30 de mayo en Teatro Pradillo

En las sesiones llamadas Escuchas en Teatro Pradillo compartiremos dos obras que están construidas en base a prácticas de escucha mutua, una es Leviathan y la otra es Escucha Radical. En los dos casos el motor de construcción es la escucha mutua en tiempo real, pero los resultados son totalmente diferentes.

Leviathan es una práctica en la que dos performers intentan escapar de la representación de un cuerpo humano, en vivo y con luz general. La tarea es desplazarse estando totalmente pegadxs y encastradxs frente a frente, anulando la cara y la vista. Leviathan fue seleccionada para el 60º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.

“O escuchas las voces de todos los demás seres que habitan el planeta junto a ti, o haces la guerra a la vida en la Tierra.” Ailton Krenak

Escucha Radical es una práctica en la que dos performers intentan moverse y hablar al mismo tiempo, sin que ningunx guíe, y construir un discurso de movimiento, acción, texto y sonido a partir de la escucha del otrx y del entorno, en tiempo real con el público. Se activa en un espacio cualquiera con luz natural o general. Escucha Radical recibe el 1er Premio del 61º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.

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