— MuroTRON

Sara Manubens – 26 de març al Teatre Municipal de Girona

La Sara Manubens s’acompanya de la Norma Pérez (més coneguda com Muerte a la norma) per escenificar una revisió en clau queer i trans-travesti del mite de Nosferatu, partint de com el cinema de terror ha construït la figura de la vampira com una mena de cos LGTBIQ+. Xucla-sang d’ungles llargues, transmissora de malalties, amb rostre androgin i un desig insaciable i contranormatiu: pot ser que les vampires amb qui vam créixer veient al cinema o a les pel·lícules de migdia s’assemblin molt més a nosaltres del que pensàvem de petites.

Les connexions no s’acaben aquí, i és que, com diu la Sara rient, “la nostra vida té molt a veure amb una pel·li de terror”. Symphony of Horror vol tornar la pedra a través de la mofa i l’humor, capgirar el sistema de representació i invertir el pes dels referents. Si totes som filles de la nostra cultura, nosaltres també ho som de les pel·lícules de terror més trash i de tots els seus tòpics: el vampir sàdic, la vampira sexy, les verges innocents lligades al llit. I, si gratem sota les capes d’escenografia gòtica, castells, fossats i tempestes, hi trobem un anhel eròtic i empoderat, el desig de transformar el món i transformar-se.

Del referent audiovisual a un cabaret de terror travesti: l’espectacle no defuig la teatralitat ni l’aparatositat, sinó que les reivindica com a espai de representació i subversió, on se sobreposen capes i capes de ficció que es van sedimentant sobre el cos. En un exercici de deconstrucció de la mirada, la Sara proposa un joc escènic en què la Feña i ella es munten i desmunten. Si sota la travesti hi ha una vampira, què hi ha sota la vampira?

(text de Marc Villanueva)

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Postfunció amb Lo Relacional

Escena expandida: Bar queer

 

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Isabelle Huppert / Romeo Castellucci – Del 10 al 12 de abril en Teatros del Canal 

Racine es contemporáneo precisamente por su inoportunidad. La métrica alejandrina de sus versos es la forma congelada de una visión de la humanidad paralizada por un trágico impasse en sus sentimientos y una disfunción del lenguaje. El amor es el teatro de la crueldad.

Aquí, las renuncias pesan más que las acciones, la sangre o las cópulas. La educación y la castidad marcan los límites de una morbilidad erótica que destroza los cuerpos; la violencia es ahora endocrina, y los frenos son más poderosos que el acelerador. Esta energía no explota, contenida como está por un cuerpo que ya no tiene palabras. Dentro de este teatro paralítico, Bérénice es probablemente la “tragedia” más inmóvil, estática y desconcertante jamás concebida. Y, sin embargo, nos hace llorar. Y, sin embargo, Bérénice -podría decirse- soy yo. En escena, como una estrella fija, una sola actriz encarna a Bérénice: Isabelle Huppert, la sinécdoque del arte de la interpretación en el teatro occidental.

Ella es la actriz, pero también la actriz, por definición; es el teatro mismo, que se manifiesta en ella, incluso antes del significado que conlleva.

Casi todos los sonidos de esta obra, tanto los oídos como los no oídos, son generados por su voz, procesada por el artista sonoro Scott Gibbons.

Romeo Castellucci

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Fotini Stamatelopoulou – 11 y 12 de abril en Réplika Teatro

Estreno en España de NEAR MISSES, obra de la coreógrafa y creadora escénica griega Fotini Stamatelopoulou, en lo que será su primera visita a nuestro país. Artista seleccionada para el catálogo de la red europea de artistas emergentes Aerowaves, de la que Réplika Teatro es sede española gracias a su alianza con la plataforma coreográfica Pasoa2, Fotini también ha formado parte de la residencia EFFEA Springboard Residency en 2025, destacando su emergente perfil en la danza europea. Ahora llega a Réplika Teatro para presentar tu última obra, NEAR MISSES, una pieza para una sola performer y, al mismo tiempo, una instalación visual que aborda el cuerpo como un territorio de lucha.

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→ Concepto, coreografía y dirección artística: Fotini Stamatelopoulou
→ Performance: Despina Sanida Crezia
→ Música original y diseño sonoro: Panos Alexiadis
→ Elementos metálicos portables y escultóricos: Dimitris Tampakis
→ Apoyo dramatúrgico: Elena Novakovits
→ Textos: Fotini Stamatelopoulou
→ Diseño de iluminación: Nysos Vasilopoulos
→ Gestión de producción: Alex Papasimakopoulou
→ Producido por Onassis Stegi
→ Coproducido por Latitudes Contemporaines, SPRING Performing Arts Festival, MIRfestival
→ Con el apoyo del European Festivals Fund for Emerging Artists – EFFEA
→ Con el apoyo del programa de giras de Onassis Stegi

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Dora García – 28 de marzo en la Fundación Joan Miró en colaboración con el MACBA

En el marco de Murmullos, programa que trabaja con acciones desplazadas, relatos latentes y temporalidades no lineales, Dora García presenta 50 años, 32 minutos, 10 milenios, una intervención concebida a partir de la coincidencia del 50º aniversario de la Fundació Miró y el Año Treinta del MACBA. Lejos de una lógica conmemorativa, la acción se inscribe en una reflexión crítica sobre el tiempo institucional y sus capas de memoria para activar el espacio urbano como archivo vivo.

La pieza de Dora García adopta la forma de una peregrinación breve y colectiva que conecta ambas instituciones a través del caminar, la palabra y la acumulación de hitos históricos, culturales y políticos. A lo largo del recorrido, se despliega una cronología expandida que entrelaza biografías, acontecimientos locales y globales, episodios de violencia, resistencia y producción cultural, desde finales del siglo XIX hasta proyecciones de un futuro remoto. El desplazamiento se convierte así en una práctica performativa que hace visible cómo la historia se sedimenta en los cuerpos, los lugares y los relatos compartidos, y propone una lectura del pasado no como línea cerrada, sino como campo en permanente reactivación.

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Vivian Friedrich – Del 19 al 29 de març a la Fundació Joan Brossa

human-ity. cruel-ity. fragil-ity. anx- i(e)ty. abil-ity. or just I Trust You.

Com pots confiar en un cos que es pot trencar en qualsevol moment? Com pots confiar en una ment que es pot trencar?
La peça tracta de la dificultat de confiar en algú que es mou constantment. Es tracta de buscar un suport en alguna cosa que no és estable. La peça tracta del punt de ruptura —el breaking point— i del significat de la confiança quan el trencament és tan viable de passar.
Es tracta de saber què fer? Saber caure en cas de trencament? Es tracta d’evitar el punt de ruptura? I què significa si no pots confiar en ningú, ni tan sols en tu mateixa.

Una performance multidisciplinar amb bufat de vidre a la flama en directe.
Una instal·lació com a eco de l’acció. 

VIVIAN FRIEDRICH
Creadora, investigadora i autora de circ performatiu. Es forma en arts circenses i llenguatges de moviment entre Tilburg (ACaPA, NL), Hamburg i Barcelona. Paral·lelament, es gradua en psicologia mitjançant estudis a distància i en 2018 complementa la seva formació amb el Certificat de Dramaturgie Circassienne de CNAC (FR) i ESAC (BE). Com a artista de circ s’ha especialitzat en la Corda U creant un vocabulari propi combinant tècniques de corda fluixa, corda llisa i trapezi. Del 2017 al 2021 Vivian ha estat facilitadora de les “Jornades d’Intercanvi de Dramatúrgia i Escriptura Escènica” en La Central del Circ i com pensadora ha estat convidada a trobades de reflexió de ’Ateneu de Nou Barris, el Festival de Teatre Independent a Barcelona, el 4#Encounter de Circus Dialogues i CircoRed a Madrid. Co-creadora de “LaRed” del col·lectiu Fam. Lizajous, autora del projecte “I Love My Car” i dramaturga i dinamitzadora artística de la creació “Breach” de la Cia.. SOM NOISE, companyia seleccionada pel programa circusnext+. En 2020 dinamitza amb Elena Zanzu i Roberto Fratini el Taller de l’Artista de La Central del Circ FOR RENT i en 2022 estrena la seva peça Kristall Bohème [Excavació d’Una Memòria] en el Mercat de les Flors, redescobrint l’antiga tradició familiar dedicada a l’artesania de vidre.

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10 ABRIL/ NEREA GURRUTXAGA & GOLY EETESSAM (EMEDEENE)

8 MAYO/ NOEMÍ LOPEZ TRUJILLO & GARA HERNANDEZ (EMEDEENE )

9 MAYO/ ANGELA MILANO, MAVI VELOSO & LA IRA NEUMÁTICA (LARRATXO K.E entradas en la web de Donostia Kultura a partir del 20 de abril)

Arrabixa es una experiencia artística y de pensamiento que combina conferencias y performances. El eje de los encuentros es el afecto de la rabia, especialmente la rabia femenina, que atraviesa todas las piezas presentadas.

Históricamente, la rabia femenina ha sido fetichizada o entendida como una desviación de género, y de ese modo nos ha sido negada. Aunque la rabia puede ser paralizante, también es una fuerza activadora. Las performances y conferencias que conforman ARRABIXA comparten esa energía, utilizando la rabia como motor y fuente de transformación en la práctica artística.

La propuesta surge de las investigaciones internas de las integrantes de EMEDEENE. Estas jornadas son una apertura de esos procesos, compartidos con otras artistas y en diálogo directo con el público, fomentando la construcción de conocimiento colectivo.

Los encuentros se llevarán a cabo tanto en el espacio de EMEDEENE como en Larratxo Kultur Etxea, combinando cercanía y apertura, y expandiendo la creación contemporánea a diferentes contextos.

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Con las mismas ganas de primavera que de una nueva edición de IN_prescindibles, que este marzo ya será la 57ª edición.

Durante 14 días, tres artistas de procedencias diversas comparten tiempo, espacio y procesos creativos en La Fabra, dando forma a tres proyectos en pleno estado de mutación: Georgia Vardarou, Inés Sybille y Julia de la Torre.

Los días 27 y 28 de marzo, el proceso se hace visible. El público es invitado a entrar como testigo cercano, acompañando esta práctica escénica IN_acabada, frágil y potente a la vez, tal y como se manifiesta cuando todavía está en construcción.

El encuentro continuará en La Cantina Poderosa, un espacio para compartir, celebrar y permitir que el proceso se despliegue también desde la fiesta y la complicidad colectiva.

El viernes 27 de marzo, la jornada se cerrará con una conversación postfunción en el BAR con Malen Iturri y las artistas.

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Opus Cero de Ben Attia | 26 de marzo en La Madraza de Granada

Opus cero es una entrevista de Carmen Aldama a Ibrahim Bah, Bastian Ponce y Maxi Labrador. Cuatro personas y un ángel. Una entrevista es, por vinculación etimológica, ver apenas. Entrever, como a través de una niebla, sin apenas poder distinguir un objeto o un sujeto. Eso es Opus cero.

“¿Quién, si yo gritara, me oiría desde los órdenes
celestiales? Y aún en el caso de que un ángel me acogiera
de repente y me llevara junto a su corazón: yo perecería por su
existir más potente. Porque lo bello no es nada
más que el comienzo de lo terrible, justo lo que
nosotros todavía podemos soportar, y lo admiramos tanto porque él, indiferente,
desdeña destruirnos”

“Elegías de Duino”. Rainer Maria Rilke (próxima página)

Obra: Opus Cero

Autor: Ben Attia

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección: Ahmed Ben Attia

Idea y puesta en escena: Ben Attia

Intérpretes: Carmen Aldama, Carlos Pulpón, Ibrahim Bah, Bastian Ponce, María Moncada, Maxi Labrador, Ben Attia

Escenografía: Ben Attia, María Moncada

Producción ejecutiva: Elena Rébora

Iluminación: Antoine Forgeron

Duración: 110 minutos

Más información: La Madraza

 

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The Kitchen Network. Episodio 4, de Luiza Prado | 24 de marzo en el Antic Teatre de Barcelona

El próximo 24 de marzo de 2026 a las 20:00 h, el Antic Teatre (Barcelona) acogerá The Ktichen Network. Episodio 4, una performance teatral de la artista Luiza Prado, producida por A*DESK y el Antic Teatre.

El espectáculo combina sátira, ciencia ficción y crítica política para reflexionar sobre los sistemas de producción, distribución y consumo de alimentos en un contexto global marcado por la desigualdad social y la crisis ecológica.

Participan Albert Sánchez como maestro de ceremonias, las chefs Mónica Escudero, Agnes Essonti Luque e Irene Arcas, y un jurado formado por las Iaies del Antic Teatre.

Lugar: Antic Teatre — C/ Verdaguer i Callís, 12, 08003 Barcelona
Precio: 5 €

Más información: https://a-desk.org/spotlight/the-kitchen-network-episodio-4/

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La mirada al frente y las raíces en el suelo

50 años de España en libertad – Ciclo plazas y performances: La mirada al frente y las raíces en el suelo | 28 de marzo en València

A mediados de los ochenta, cuando el Teatro Independiente se profesionalizaba y se desdibujaba su fuerza como altavoz y revulsivo social, las artes escénicas sufrieron otro bendito vendaval: el de la danza. Una generación que cambió no solo el rumbo de la danza, sino del teatro, el circo, la ópera o cualquier manifestación artística sobre la escena. La ensanchó, con la presencia del cuerpo, con un tiempo y una concepción que surgía antes de lo poético que de lo narrativo, y con unos métodos de trabajo que convertían el espacio en un lugar de riesgo, donde lo “bailado” estaba sujeto al happening, a la relación con el espacio, el tiempo y el público.

Si hay un momento significativo de aquel recorrido, iniciático, puede ser cuando María Muñoz y Mónica Valenciano se encontraron en una sesión de improvisación y, en ella, nació la danza contemporánea tal y como hoy la entendemos. España en libertad, las ha invitado a encontrarse de nuevo en una pieza creada específicamente para el claustro del Centre Cultural de la Nau, titulado Che si può fare, che si può dire. 

Alrededor de ese acontecimiento se organiza un encuentro sobre la danza. Valencia, a través de su Festival Dansa Valencia, ha sido y sigue siendo epicentro de esta arte escénica en España. Además, esta región ha sido un vivero continuo de experiencias y artistas fundamentales para la danza. De ahí que la elección de la plaza se impusiera.

Programa: 

Centre Cultural La Nau, Universitat de València

12:00 h. Encuentro sobre la danza
14:30 h. Comida
16:30 h. Encuentro sobre la danza
19:15 h. Presentación de Che si può fare, che si può dire

El Consulado

21:15 h. Muestra de videos y fiesta.

Esta propuesta nace con la voluntad poder mirar el pasado y el presente de la danza contemporánea en España, desde sus inicios en los años ochenta hasta la actualidad. En el transcurso de estas cuatro décadas, un lenguaje que en sus orígenes se percibía como experimental y minoritario ha evolucionado hacia una forma de expresión consolidada, capaz de articular preguntas y tensiones propias de su tiempo: desde lo político y lo social, hasta lo íntimo y lo comunitario

Ficha técnica: Che si può fare, che si può dire

Creación y danza: Mónica Valenciano, María Muñoz
Coro FARAIG
Director del coro: Christian Roca
Asistente musical: Quiteria Muñoz
Acompañamiento artístico: Pep Ramis
Técnico de iluminación y sonido: Andreu Bramon

María Muñoz (Valencia, 1963) y Mónica Valenciano (Las Palmas, 1961) son dos de las creadoras de danza más disruptivas, geniales y fundamentales de los últimos cuarenta años en España. Por primera vez se han juntado para sacar adelante una pieza. Lo hacen junto al coro Faraig, con ecos de la compositora italiana del siglo XVII Barbara Strozzi y con el recuerdo de esas dos jóvenes que en los ochenta se vestían de hombre en unas calles en las que todavía no se hablaba de género y patriarcado, pero donde había que luchar por cada centímetro. Pura lucha diaria ante la cosificación, tanto social como artística, de la mujer.

Más información: 50 años de España en libertad

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