— MuroTRON

Betty Bésala – 24 de febrero en Bulegoa z/b

Presentación de Betty Bésala al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta Servirte a mi modo, me permite el tiempo fue seleccionada junto a Resonare fibris de Raquel G. Ibañez en la convocatoria de residencias de 2025. El jurado estuvo compuesto por Oier Etxeberria (artista, músico y comisario), Dora García (artista) y las integrantes de Bulegoa z/b.

BETTY BÉSALA: SERVIRTE A MI MODO, ME PERMITE EL TIEMPO

Estimades,

Como accedéis a asomaros por aquí, aparecemos no con palabras elevadas ni verdades duraderas, sino desde la servidumbre del intento.

Perdonadnos si lo escénico no se deja atrapar. Todo ocurre en un lugar de ensayo: taller, ficción, refugio donde el tiempo se distrae. No aspiramos a saber del sol ni de los grandes mundos, basta con tantear ese pequeño mundo que sigue siendo extraño, incluso cuando creemos conocerlo.

Desde una mezcla indisciplinada —literatura, lo plástico y aquello que nos mueve— buscamos el roce entre ficción y realidad, aun a riesgo de caer en el exceso, el recital o cierta cursilería. Así se forma un teatro-matiz: irregular y cambiante. Si queréis llamarlo un lugar de tránsito, o un espacio de cruising con unes diablilles, aceptamos la imagen sin demasiadas explicaciones.

Aunque ahora nos movamos entre la confusión, confiamos en que algo se aclare en el proceso. El jardinero sabe: cuando el arbolito echa renuevos, no es aún fruto, pero ya promete ramas.

*Texto inspirado en “Prólogo en el Cielo» del Fausto de Goethe.

Betty Bésala, colectivo formado por Màrius Peidroz y Carlota Lázaro, nació como un encuentro de amigues ante la necesidad de abandonar el trabajo en solitario en pro del colectivo.

Se cuajó en el aula de sonido de la EHU y ha ido pasando por festivales (como el MEM-Festival de Música Experimental) y demás espacios culturales.

Se centra en una experimentación que se centra en lo absurdo, y parte, sobre todo, de referentes teatrales y literarios.

Es un unirse para pasarlo bien y hacer algo con lo que nos interesa.

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17 de febrero en La Mutant 

En esta tercera y última edición de Constelaciones & Asterismos proponemos un ejercicio de videncia entendido como la capacidad de percibir lo que no se muestra. Seguiremos reflexionando sobre la dualidad luz/oscuridad y la relación entre la visión y la construcción mental de la imagen. Para ello emprendemos un camino que no necesariamente tendrá lugar ante nuestros ojos, sino en la penumbra, detrás de los párpados.

A lo largo de estos dos años, una pregunta central ha guiado nuestra investigación: ¿qué es la luz? En esta nueva edición retomamos esa cuestión para explorar otras formas de visualidad, no necesariamente ligadas a la mirada ocular. Para ello hemos diseñado un itinerario abierto y colectivo, que tendrá lugar entre enero y junio de 2026, y que incluirá un taller de dibujo orientado a explorar la luz a través del gesto manual, una conferencia performativa, dos excursiones y una Jornada Cósmica final. Nuestro objetivo es darle cuerpo a lo inmaterial, indagando cómo percibimos, interpretamos y estimulamos la experiencia de la luz.

DESCARGA EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ

Dentro de la presente edición de Constelaciones & Asterismos y partiendo del proceso de trabajo de nuestra próxima pieza —centrada en cuestiones como la luz, la oscuridad, la visión y la materia—, invitamos a la artista visual Marta Azparren, quien aporta una mirada diferente sobre la imagen y las formas de ver.

La conferencia perfomativa Cine Ciego se propone como una manera de activar los materiales del ensayo del mismo nombre (Libros de la resistencia, 2023) de Marta Azparren, que investiga la interrupción visual, una cierta ceguera frente a la sobreexposición a las imágenes. A partir de proyecciones comentadas y acciones, se viaja a través de los colores/capítulos del libro (en esta ocasión blanco y negro, luz y sombra) como excusa para generar una reflexión sobre la mirada exhausta contemporánea, la ceguera física y simbólica y la necesidad de una pausa que abra nuevas posibilidades de percepción.

BIO ARTISTA

Marta Azparren es becaria residente en la Academia de España en Roma 2022 (cine experimental). Su trabajo propone una metareflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre creadora, espectadora, obra y maquinaria interna de la mediación, producción y exhibición. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Sus propuestas audiovisuales tienden hacia el cine expandido, la edición en vivo, el spoken cinema o la videoinstalación. Ha exhibido su obra en instituciones como Cineteca Matadero, Museo CA2M, CCCB, Círculo de Bellas Artes, Triennale di Milano y en festivales internacionales de cine y nuevos medios. Desde octubre 2023 es artista investigadora en residencia en el Multisensory Research Group de la Universitat Pompeu Fabra, con el proyecto «Epojé. Grado cero de la imagen».

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27 de febrero en La Caldera 

Si de la conjunción de un rayo y un cadáver es una investigación en torno a la muerte y las necropolíticas situadas a través de la práctica del flamenco_danza española, la cultura hip hop y el Drag King. Mediante una pregunta abierta sobre las masculinidades y orbitando esta noción de Achile Mbembé, el proyecto trabaja tejiendo nuevas gramáticas del duelo a través de un archivo de referencias y referentes propies.

Bailando entre las espirales del tiempo, de cementerio en cementerio, nace José Remedios Bienamargo. Si de la conjunción de un rayo y un cadáver reflexiona, pues, sobre la pérdida, la resignificación de la vida, la muerte y la hermandad en primera persona, donde los diálogos entre los procesos de investigación y de puesta en escena se convierten en una cartografía del duelo y de la celebración que se atraviesan simultáneamente.

Buscando ensayar dispositivos participativos desde las artes en vivo, se recogen inquietudes didácticas y dramatúrgicas sobre la figura del DJ (Disc Jockey) y del MC (Master of Ceremonies), herencia de las danzas urbanas. Esta investigación performativa gira en torno a memorias, experiencias y sus contextos situados, desde una subjetividad xarnega, materializando e imaginando gestos de reparación desde los lenguajes escénicos, con el fin de, como dice la Associació Abilis, “politizar nuestro malestar”. Una tentativa de acoger preguntas sobre el archivo —encarnado y encuerpado— y su transmisión desde los estudios queer, desde una voz y posicionamiento de enunciación de la disidencia sexo-género y sus afectividades, las formas de generar afectos que de ellas se derivan.

Esther Solé Alarcón(1998) es artista, performer e investigadore de Barcelona. Se gradúa en Artes y Diseño en la Escola Massana (2016-2021) y continúa su formación en Pedagogía de la danza (Institut del Teatre, 2020-en curso).

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Marina Otero – Del 20 de febrero al 1 de marzo en Réplika Teatro

El amor me enseña a no amar.

Aiub. Ioug. Ayub. Ainou. Aiou. Tuve la misma dificultad para pronunciar su nombre árabe, que para entender que nuestro amor no era posible en un mundo imposible.

Este nombre vino a destruir, de algún modo, mi occidente. Inicialmente, este proyecto tenía el propósito de salvar a un hombre que se encontrara en una situación vulnerable, y que ese hombre me salvara a mí de la soledad. Hice un viaje a Tánger (Marruecos) para buscarlo, casarme con él, darle mis papeles de sudaca europeizada y hacer una nueva obra a partir de eso. Pero apareció Ayoub y el proyecto se desplomó. Su nombre (“el retornado” o “el arrepentido”) es muy popular en los países islámicos: 115 niños así llamados fueron asesinados por el estado sionista de Israel en la franja de Gaza.
Por esos muertos le pongo tu nombre a esta obra que habla de ti, de colonialismo, de Palestina. Y de todo lo que quiero matar dentro de mí.

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Marina Otero nació en Buenos Aires en 1984. Actualmente reside en Madrid.
Es directora, intérprete, autora y docente. Crea el proyecto Recordar para vivir, basado en construir una obra inacabable sobre su propia vida. AndreaRecordar 30 años para vivir 65 minutos, Fuck me, Love me y Kill me forman parte de este proyecto eterno que acabará el día de su muerte. Sus espectáculos han recorrido el mundo, presentándose en Alemania, España, Italia, Francia, Suiza, Portugal, Singapur, Dinamarca, Bélgica, Austria, Grecia, Polonia, Países Bajos, Israel, Sarajevo, Perú, Chile, Colombia, México, Brasil,Uruguay, Australia y Argentina entre otros países. Con la obra Fuck me obtiene el Premio del público ZKB -Theater Spektakel 2021 – Zürich. Con Recordar 30 años para vivir 65 minutos gana el premio a la Mejor Dirección en Danza en la Bienal de Arte Joven 2016 (Buenos Aires). Con 200 golpes de Jamón serrano obtiene el premio Estrella de Mar (Mar delPlata).Con la obra Kill me ganó el primer premio a mejor obra coreográfica de la temporada francesa 2024-2025 (Prix de la Critique), entregado por el Sindicato de profesional de la Crítica de teatro, música y danza. Como docente, coordina talleres y seminarios de creación. Sus propuestas pedagógicas han sido recibidas en Argentina, Francia, Polonia, Países Bajos, Perú y España.

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Sofía Montenegro – 28 de febrero en el MNAC

El plano arranca desde arriba mientras observas las hojas moverse a lo lejos. Un corte. Caída en picado. Las texturas de los árboles. Las superficies de las cosas. Los brillos que se reflejan en el rostro. Los ves acariciar la ventana, atravesar los cristales, superponerse a todas las imágenes. Las frondas se trenzan al elevar la mirada. El suelo crepita bajo tus pies. Sientes el zumbido de los mosquitos en el tobillo. Frunces el ceño para afinar el detalle. Se arrugan los párpados y el tronco áspero emerge entre las sombras.

En cine, el ángulo de visión se refiere a la inclinación con la que la cámara observa y construye una escena. No determina qué se ve, sino cómo se ve. Es la relación entre la cámara y lo filmado: su altura, su orientación, su distancia. Según el ángulo elegido, la percepción sobre los personajes y las situaciones se transforma. La forma de mirar condiciona la realidad que habitamos.

Ángulo de visión es un recorrido que se despliega como un ejercicio de atención y de observación, invitando a atravesar el museo de forma transversal: en diagonal, de dentro a fuera, de arriba hacia abajo. Por espacios que nunca antes se abrieron al público. Se invita a detener los ojos para mirar de otro modo.

Tanto la luz como la sombra, entendida como una substancia que lo atraviesa todo, que lo es todo, permite revelar detalles, hacer visible lo invisible, afinar la atención sobre lo que nos rodea. Basta con alterar el ángulo desde el que se observan las cosas para desvelar muchas otras que permanecen ocultas.

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Sofía Montenegro desarrolla su trabajo entre la instalación, el sonido, la imagen y lo escénico. Estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un MA en Art Praxis en el Dutch Art Institute. Su práctica artística incorpora diversas metodologías que vinculan lo visible con lo sonoro y la acción en un espacio, buscando otras formas de producir imágenes en el presente.

Recientemente, ha mostrado su trabajo en exposiciones y performances en el Museo Lope de Vega, la galería The Ryder Projects (Madrid), La Capella (Barcelona), en la Biennal d’Art de Tarragona, en LLUM BCN 2024, Blueproject Foundation, el Centre d’Arts Santa Monica, Can Felipa Arts Visuals (Barcelona), Bulegoa (Bilbao), MNCARS, LCE, El Chico (Madrid), Kunstraum Bethanien (Berlín), entre otras.

Ha sido residente en Hangar en Barcelona, Futurama Alentejo, BilbaoArte, CRA Matadero Madrid, y Artistas En Residencia, programa del MACBA, el CA2M y LCE, en Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca) y en Lugar a Dudas (Cali). También ha colaborado en proyectos en el Caixa Forum de Barcelona, Tbilisi Triennial y el Kunstverein Munich.

Ha sido premiada en Barcelona Producció 2023-24, Generación 2022 y ha recibido ayudas de creación de la Comunidad de Madrid, Generalitat de Catalunya, INJUVE entre otras. También ganó el Jan Zumbrink Prijs y el Piet Bakker Prijs en los Países Bajos.


Con la colaboración de Álvaro García, profesor de física en la Universidad Rey Juan Carlos, en la que se doctoró en ciencias en el año 2016. Su labor de investigación gira en torno a la física no lineal y la teoría del caos, la electrodinámica clásica y los fundamentos de la mecánica cuántica. 

Esta intervención forma parte de la segunda edición del programa Guèisers, comisariado por Marc Caellas y que lleva por título En medio.

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Selam Ortega y Javier Pedreira – 18 de febrero en Santa Mònica 

Partiendo de la idea de la imposibilidad del silencio (John Cage), la pieza propone una escucha radical y colectiva en la que cuerpos, sala y sonido se funden en una misma materia.

Esta intervención forma parte de una investigación que Selam Ortega está desarrollando para su nueva obra escénica, para la que está entrevistando a personas adoptadas originarias de Etiopía en distintos países y generaciones. Voces y memorias que, aunque profundamente personales, comparten una raíz común atravesada por el desarraigo, la transformación y la búsqueda de identidad.

La obra entiende la memoria como materia escénica y emocional, y pone el foco en la distancia entre lo vivido y su reconstrucción posterior. En ese intervalo, la escena se convierte en un espacio de escucha activa y presencia compartida, donde cada cuerpo y cada resonancia participan de un mismo pulso.

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Mercedes Pimiento – Hasta el 12 de abril en La Capella 

Una búsqueda que es un tanteo es un proyecto formado por una serie de esculturas que dialogan con el espacio de La Capella en el que se exploran los comportamientos físicos de materiales como la cera de abeja, la parafina y la colofonia. Se amplían aquí investigaciones de proyectos anteriores y se llevan a una nueva escala. La instalación-propuesta, concebida como un conjunto de presencias en movimiento lento, entrelaza materia, luz y temperatura en una coreografía sutil en la que el ritmo de los materiales marca una temporalidad propia, sensible y cambiante.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990) es artista, investigadora y docente. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y la Winchester School of Art (Reino Unido), posee un máster en Producción e Investigación Artística y es doctoranda por la Universidad de Barcelona.

Ha expuesto en centros de arte como La Casa Encendida, el CAAC, el C3A, la Fabra i Coats o la Fundació Arranz-Bravo, y ha obtenido premios y becas como el Premi Miquel Casablancas, el Premio Estampa (Comunidad de Madrid – CA2M), el Premi Sorigué – Art Nou, el Generaciones, el Art for Change (”la Caixa”) o el premio Injuve.

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Young Boy Dancing Group – 6 y 7 de marzo en Teatros del Canal 

A lo largo de los últimos años, YBDG ha explorado el vídeo, la fotografía, la moda, la escultura y la instalación, aunque se les conoce principalmente por sus presentaciones íntimas, en las que la materialidad de los cuerpos se fusiona con la etereidad de la luz.

A medida que esta frágil brigada se expande y contrae, incorporando nuevos artistas en cada lugar, mantiene inalterables sus valores fundamentales, que actúan como un firme contrapunto a la cultura dominante.

El colectivo renuncia a titular cada performance de forma individual y prefiere designar sus trabajos por el año en que se presentan.

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Natalia Fernandes – Del 13 al 15 de febrero en el Mercat de les Flors
2 x 1 en entradas con el código TEATRON

La nueva propuesta escénica de Natalia Fernandes continúa definiendo su poética y proyectando nuevas formas de situar un cuerpo en escena: el cuerpo que observa, la mirada que define, son los protagonistas de la investigación. La puesta en escena será delimitada por los ojos observadores que intentan, sin descanso, definir el cuerpo, el tiempo y el espacio que tienen delante. Iván Mozetich (dramaturgo y actor) y Pablo Peña (músico y performer de Pony Bravo/Fiera) forman parte fundamental en el desarrollo de la escena y ofrecen un concierto con influencias del punk-rock, mientras que Fernandes encarna un baile fragmentario con raíces en el territorio brasileño. La música deslocaliza el cuerpo, modifica su sitio y multiplica las emociones.

Natalia Fernandes es una creadora y bailarina brasileña que vive en España desde 2017. Su investigación escénica y metodológica tiene el cuerpo como punto de partida para una creación híbrida que busca la mezcla de discursos. El engranaje entre cuerpo e imaginación es la base de su trabajo, que gira en torno a una posición crítica i postcolonial, en relación a los discursos coreográficos y a la idea de la bailarina. Esta pieza es la primera creación de Natalia Fernandes a partir de la metodología Anatomía Inventada.

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