— MuroTRON

Aníbal Conde y Magdalena Leite – Del 21 al 30 de mayo en Teatro Pradillo

En las sesiones llamadas Escuchas en Teatro Pradillo compartiremos dos obras que están construidas en base a prácticas de escucha mutua, una es Leviathan y la otra es Escucha Radical. En los dos casos el motor de construcción es la escucha mutua en tiempo real, pero los resultados son totalmente diferentes.

Leviathan es una práctica en la que dos performers intentan escapar de la representación de un cuerpo humano, en vivo y con luz general. La tarea es desplazarse estando totalmente pegadxs y encastradxs frente a frente, anulando la cara y la vista. Leviathan fue seleccionada para el 60º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.

“O escuchas las voces de todos los demás seres que habitan el planeta junto a ti, o haces la guerra a la vida en la Tierra.” Ailton Krenak

Escucha Radical es una práctica en la que dos performers intentan moverse y hablar al mismo tiempo, sin que ningunx guíe, y construir un discurso de movimiento, acción, texto y sonido a partir de la escucha del otrx y del entorno, en tiempo real con el público. Se activa en un espacio cualquiera con luz natural o general. Escucha Radical recibe el 1er Premio del 61º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.

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Idio Chichava – Del 1 al 3 de mayo en el Mercat de les Flors 

El coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava muestra la migración a través del prisma del cuerpo y se inspira en el ritual de danza del pueblo Makonde, que vive en Mozambique y en los países vecinos, y en el concepto de fusionar la danza y el canto del cuerpo humano en un cuerpo global. Según Chichava, sólo el cuerpo que baila y canta simultáneamente puede expresarse completamente. El coreógrafo ofrece una pieza con una gran carga de energía, con 13 bailarines que no dejan de bailar y cantar canciones antiguas y actuales de Mozambique.

Idio Chichava es bailarín, coreógrafo y director artístico de Converge+ Dance Company de Mozambique. Después de una carrera exitosa en Francia, volvió a su país para promover la danza en las comunidades locales. Ha colaborado con artistas como Panaibra Gabriel Canda, Horacio Macuacua, Cristina Moura, Thomas Hauert, David Zambrano, Frank Micheletti, Boyzie Cekwana, Qudus Onikeku i Marcel Gbefa, entre otros. Galardonado con el Diploma de Estado de Francia, Chichava vive entre Mozambique y el país galo, donde colabora con la compañía francesa Kubilai Khan Investigaciones desde 2005. Idio ha guanyat el premi S.E.D.A., una iniciativa de la Fundação Calouste Gulbenkian.

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Patricia Caballero – Del 9 al 11 de abril en el Mercat de les Flors 

Esta obra se despliega a partir de una larga investigación llamada Epifanías, dedicada a la activación de la inteligencia colectiva. En esta ocasión, 17 intérpretes comparten canto y danza. Así generan estados expandidos de conciencia y encuentran otras formas de estar juntos; de convivir, celebrar y sublimar, desmantelando incansablemente pudores y poderes. Ra! propone un contexto para ejercitar la intimidad compartida y la ecología relacional, más allá de las capas sociales, corporales, culturales y escénicas. Un acto de autogobierno sensible donde lo individual y lo colectivo se acompañan y se reconcilian. Es rito, humor, purga, fiesta y contemplación.

Hay cantantes, bailarines y actores en escena, entre luces bonitas y algunos efectos especiales. Ahí juegan a vivir mientras hacen cosas, aparentando ser personajes. Como todos, como tú. ¿En qué escena se encuentra la escena donde se llevan a cabo estas escenas? ¿Quién la dirige?
Querido público: por tu pantalla mental pasarán imágenes. Carruseles de caballitos, criaturas imposibles, geometrías y artilugios de sospechosos colores y brillos. Todo será ficción y sueño, como eso tan raro y normalizado a lo que llamas realidad.
Así que todo para nada. Nada para todo. Para jugar, resistir y descansar juntos. Para atravesar y celebrar este absurdo y sagrado delirio compartido que llamamos mundo.

Con casi dos décadas de trayectoria, Patricia Caballero indaga a través de su obra en múltiples modos de percibir, de crear realidad, de vivir y convivir. Ha cocreado con artistas como Mónica Valenciano y ha sido directora escénica de la Cía. Israel Galván. Asesora proyectos y procesos de creación y acompaña a artistas de alto impacto. Se inicia en el cine con On the Go, película ganadora de numerosos premios internacionales. Es licenciada en Coreografía por el Institut del Teatre de Barcelona. En su laboratorio de artes vivas expandidas guía formaciones continuas y desarrolla el seminario en gira Cuerpo al Rito.

Más información y entradas | Entrevista a Patricia Caballero por Cecilia Molano

Sara Manubens – 26 de març al Teatre Municipal de Girona

La Sara Manubens s’acompanya de la Norma Pérez (més coneguda com Muerte a la norma) per escenificar una revisió en clau queer i trans-travesti del mite de Nosferatu, partint de com el cinema de terror ha construït la figura de la vampira com una mena de cos LGTBIQ+. Xucla-sang d’ungles llargues, transmissora de malalties, amb rostre androgin i un desig insaciable i contranormatiu: pot ser que les vampires amb qui vam créixer veient al cinema o a les pel·lícules de migdia s’assemblin molt més a nosaltres del que pensàvem de petites.

Les connexions no s’acaben aquí, i és que, com diu la Sara rient, “la nostra vida té molt a veure amb una pel·li de terror”. Symphony of Horror vol tornar la pedra a través de la mofa i l’humor, capgirar el sistema de representació i invertir el pes dels referents. Si totes som filles de la nostra cultura, nosaltres també ho som de les pel·lícules de terror més trash i de tots els seus tòpics: el vampir sàdic, la vampira sexy, les verges innocents lligades al llit. I, si gratem sota les capes d’escenografia gòtica, castells, fossats i tempestes, hi trobem un anhel eròtic i empoderat, el desig de transformar el món i transformar-se.

Del referent audiovisual a un cabaret de terror travesti: l’espectacle no defuig la teatralitat ni l’aparatositat, sinó que les reivindica com a espai de representació i subversió, on se sobreposen capes i capes de ficció que es van sedimentant sobre el cos. En un exercici de deconstrucció de la mirada, la Sara proposa un joc escènic en què la Feña i ella es munten i desmunten. Si sota la travesti hi ha una vampira, què hi ha sota la vampira?

(text de Marc Villanueva)

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Postfunció amb Lo Relacional

Escena expandida: Bar queer

Isabelle Huppert / Romeo Castellucci – Del 10 al 12 de abril en Teatros del Canal 

Racine es contemporáneo precisamente por su inoportunidad. La métrica alejandrina de sus versos es la forma congelada de una visión de la humanidad paralizada por un trágico impasse en sus sentimientos y una disfunción del lenguaje. El amor es el teatro de la crueldad.

Aquí, las renuncias pesan más que las acciones, la sangre o las cópulas. La educación y la castidad marcan los límites de una morbilidad erótica que destroza los cuerpos; la violencia es ahora endocrina, y los frenos son más poderosos que el acelerador. Esta energía no explota, contenida como está por un cuerpo que ya no tiene palabras. Dentro de este teatro paralítico, Bérénice es probablemente la “tragedia” más inmóvil, estática y desconcertante jamás concebida. Y, sin embargo, nos hace llorar. Y, sin embargo, Bérénice -podría decirse- soy yo. En escena, como una estrella fija, una sola actriz encarna a Bérénice: Isabelle Huppert, la sinécdoque del arte de la interpretación en el teatro occidental.

Ella es la actriz, pero también la actriz, por definición; es el teatro mismo, que se manifiesta en ella, incluso antes del significado que conlleva.

Casi todos los sonidos de esta obra, tanto los oídos como los no oídos, son generados por su voz, procesada por el artista sonoro Scott Gibbons.

Romeo Castellucci

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De ciertas formas de comportamiento en las relaciones de pareja derivan las principales características de dos oficios: escort y escolta. En ambos casos la acción de acompañar que los caracteriza contiene algunos principios de la diferenciación hegemónica de los géneros masculino y femenino; acompañar para asegurar una protección física, o acompañar para enriquecer la sociabilidad de otro. Lejos de analizar la eficacia de estas virtudes el trabajo que se presenta compone una coreografía ornamental a partir de gestos y comportamientos sociales. La relación de pareja guarda cierto efecto de espontaneidad que oculta su condición altamente codificada, articulada a través de la dimensión ritual. Estas y otras conjeturas de la interacción motivan el trabajo coreográfico Safari.

“Yo soy fuerte y terrible, pero no contra ti, sino contra este otro, contra este otro, contra este otro.” K. Lorenz

Dirección y coreografía: Virginia Martín
Asistencia a la dirección: Mariona Moranta
Intérpretes: Karen Àngels, Raquel Castelló, Alba López, Nuria Lozano, Victoria Martín, Mariona Moranta, María Fernanda Pruna, Judith Solé y Aurora Vallejo
Composición musical: Judith Solé
Diseño de iluminación: Virginia Martín
Asistencia de iluminación: Clàudia Aguiló Vidal
Asistencia técnica: Cristina Conde
Tutoras: Andrea Rodrigo y Bàrbara Raubert

Acompañamiento artístico: Lorea AlfaroAgradecimientos: a mis amistades dedicadas y brillantes: Violeta Martín, Victoria Valentina Martín, Candela Capitán, Sasha Binia Benarie, Clàudia Aguiló Vidal, Judith Solé, Irene Ontiveros, Lluís Sellarès y, muy especialmente, a Mariona Moranta.

*Entrada gratuita.

Del 25 al 29 de marzo, el TNC se convierte de nuevo en un punto de encuentro de los espectáculos de escena híbrida, investigación y nuevos lenguajes escénicos.

La tercera edición del Festival ZIP pone el foco en el sentido del humor. Un recorrido a través de cinco propuestas que investigarán las múltiples caras y sutilezas de un fenómeno tan universal y a la vez tan personal como es el humor.

Las compañías protagonistas de esta nueva edición son ATRESBANDES, Los Detectives, Aurora Bauzà & Pere Jou y Glòria Ribera —que han realizado una residencia artística en la Fábrica de Creación Fabra i Coats—, y Laila Tafur como compañía invitada.

Programa completo y entradas. 

Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca – 27 de febrero en el C3A

DUET es una búsqueda de relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un mantón y un violín con sus acompañantes. Ambos se encuentran desde la escucha, el tacto, lo impredecible y el gesto amoroso de hacer y rehacer.

El mantón y el violín, entendidos como cuerpos emancipados, revelan sus propias formas de existir en el mundo. En ese diálogo, las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas, liberando significados y desplazando imágenes. El peso, el volumen, la caricia, la acústica y la vibración se entrelazan como materia viva que transforma y es transformada.

El mantón, con su movilidad y lenguaje propios, deja de ser objeto para volverse piel, extensión del cuerpo que cubre y sostiene, que baila y se deja bailar. El violín, en conversación, resignifica el tocar como tacto: frotar, rozar, hacer emerger la madera, las crines, el metal, el aire y la cuerda.

DUET nos invita a una experiencia háptica y sensorial, donde el movimiento, la voz y la materia confunden sus límites. En este espacio compartido entre lo humano y lo textil, entre la danza y el sonido, el deseo de tocar y ser tocado, de bailar y ser bailado, da origen a una transformación mutua.

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Mucha Muchacha – Del 26 al 28 de febrero en Condeduque Madrid

Nadie muere nunca del todo. Nadie vive nunca del todo.

Los grandes relatos han encerrado siempre una pregunta existencial: ¿quiénes somos y cómo lo contamos? Desde los poemas épicos de los sumerios hasta el Cantar de Mio Cid, la épica se ha creado para inspirarnos en la vida utilizando la propia vida. De las promesas de amor al descanso del guerrero pasando por los largos viajes a través de las montañas. Nos contamos y cantamos para perdurar así  a lo largo de los siglos, gracias a la poesía y la belleza, pero también por el misterio de si lo que se narra fue real o imaginado.

Los personajes de aquellas epopeyas se internaron en bosques, navegaron mares tempestuosos o se enfrentaron a criaturas aterradoras. Hoy todavía reconocemos sus búsquedas y sus hazañas. ¿Cuáles serán las nuestras? ¿Se canta hoy a los sueños imposibles, a nuestros enamoramientos, a nuestros fallos humanos?

Siempre hay nuevas luchas, y en el fondo siempre son las mismas. Nos decimos que si salimos de esta, será por imaginación. Y encontramos en el acto creador una posible respuesta a un futuro – ya presente – donde hay demasiadas cosas y muy pocos cuentos. Pero, ¿cómo de grande debe ser hoy nuestra aventura para estar a la altura de esta preciosa y preciada vida? ¿Serán suficientes nuestros minutos de gloria sobre el escenario? El cuerpo en movimiento siempre invoca al misterio, y hace un llamado que cruza el tiempo y el espacio.

¿Será nuestro cantar un pequeño gesto, un guiño cotidiano? Cantar de gesta es una conversación con esta época que vivimos y con todas las que caben en un cuerpo. Un viaje a través de las montañas para poder cantar la gesta de nuestros tiempos. Un intento por volver a las arengas, a los cuentos, a los juramentos, a los sueños alrededor del fuego. Un intento por encontrar una forma de relatarnos a nosotras mismas, por proteger la identidad como algo que se construye en el acto de decirse y ser oído por otro. Dice Emily Dickinson en su Poema 288, I’m Nobody! Who are you?

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