— MuroTRON

La Fabra Centre d’Art Contemporani

A lo largo de tres noches, albergamos un programa de actividades que se sitúa en el momento de transición entre el día y la noche. Las actividades se desplegan en ese tiempo liminal que da nombre al programa, un instante de paso que invita a detenerse, escuchar y experimentar otras formas de percepción. El ciclo incluye un recital de poesía nocturno con Pol Guasch, los conciertos de pop experimental electrónico de damoridemort y de Xenia, y una visita guiada a oscuras con el artista LUCE a la exposición Por el rabillo del ojo.

29.10.2026, a las 19 h
Recital nocturno con el escritor y poeta Pol Guasch

05.11.2026, a las 19 h
Conciertos de damoridemort y Xenia

26.11.2026, a las 19 h
Visita con las implicadas, a cargo de LUCE

Pol Guasch (Tarragona, 1997) es autor de Napalm en el corazón («Electrizante… Una voz singular, dulce y eruptiva a la vez, fresca y ya madura: una deflagración feliz», Ariane Singer, Le Monde), Premio Libros Anagrama de Novela 2021 y elegido como uno de los mejores libros de 2024 por The New Yorker; de En las manos, el paraíso quema («Una historia hermosa en un decorado funesto, entre Sarah Kane y Vivian Gornick. Un libro maravilloso que lleva la esperanza de la amistad al fin del mundo», Alana S. Portero); y de Reliquia («Un libro bellísimo, duro pero maleable a la vez; en su narración y sus reflexiones hay una autenticidad que hiere», Sara Mesa). Ha escrito las recopilaciones de poemas Tanta gana (Premio Francesc Garriga 2018) y La parte del fuego (Premio López-Picó 2021). Su obra ha sido traducida a trece lenguas.

Cruzando el mar suenan canciones de amor y de muerte. Damoridemort es el dúo enigmático de avant-pop formado por Blanc Nua y Rikamichie. Su música agénero cristaliza sus ideas, vivencias y sueños a través del sonido como un viaje-rito. Abrazan y llevan al escenario belleza y ruptura, aberración y delicadeza, y una síntesis de imágenes, voces entrelazadas, sintetizadores y una flauta. Epifanía sonora y visual que invita a perderse en un imaginario evocador y único.

Xenia es una compositora, productora e intérprete de Valencia. En 2021 dio vida a su distópico primer EP, Esfera, que la llevó a formar parte de la extasiante escena de grupos dark en español. En 2022, Xenia lanzó su primer disco, Ruido-0, un LP de pop oscuro, mucho más maduro y acelerado, que no deja de lado sus raíces underground y los sonidos envolventes que caracterizan su música. En 2023 sacó, junto a Margarita Quebrada, Aleación, un EP de tres canciones que combinan la electrónica más agitante y las melodías y ritmos más sensibles. En 2024, Xenia publicó su nuevo álbum, Cuando las sombras se alargan. En este disco encontramos electrónica, reggaeton, urban, pop y drum’n’bass. Su concepto nos lleva a lo más onírico, hablando de los sueños y momentos surrealistas, combinado con las sensaciones y sentimientos que vivimos en nuestra vida consciente. En 2026 sale Dollhouse, el nuevo EP de la cantante, un proyecto íntimo que explora la vulnerabilidad, la identidad y una feminidad cómoda y honesta. Este trabajo marca una etapa de transición y experimentación para Xenia.

*Un interludio (interludi en catalán) es una pausa entre dos momentos, un tiempo suspendido en el que algo se detiene para que otra cosa pueda empezar. Es también ese instante en el que el día se transforma en noche, cuando la luz se apaga lentamente y la oscuridad aún no se ha establecido del todo… Un umbral en el que todo se halla en tránsito. Interludi toma esta idea no solo como una pausa, sino también como un programa que se sitúa entre etiquetas: entre exposición y programa público, entre presentación y proceso. Un espacio desde el cual desaprender y desprogramar los ritmos habituales de la institución explorando nuevas formas de hacer, pensar y habitarla.

Este segundo Interludi pone a la palabra en el centro y la aborda desde disciplinas como las prácticas performativas, la escritura y el sonido. A través de estas propuestas, la palabra se convierte en un campo de experimentación compartido que genera un entramado de relaciones, voces y temporalidades. Un espacio situado entre el día y la noche, entre lo que se ve y lo que permanece oculto.

Más información.

La intrahistoria del acento andaluz.

Bloque Coral es una investigación escénica sobre la voz, el acento y la memoria compartida.

Ocho intérpretes, unx por cada provincia andaluza, recorren barrios, escuchan relatos y trasladan historias de un territorio a otro.

Ceceo, seseo, aspiraciones, pérdidas consonánticas y formas de hablar se convierten en una cartografía emocional de Andalucía.

Memoria. Acento. Comunidad.

Una partitura documental que funcionará simultáneamente como herramienta de creación, archivo de trabajo y soporte de transmisión.

Bloque Coral forma parte de BÁRRI BARN EXTERIOR SALVAJE es una exposición escénica de Alessandra García.

Ficha artística 

Coro y textos

Almería Frasco Contreras

Cádiz Marie Delgado

Córdoba Nieves Rosales

Granada Miguel Pimentel

Huelva Blás López

Jaén Ramón Gazquez

Málaga Alessandra García

Sevilla Laura Morales

Creación y dirección: Alessandra García

Producción: Violeta Niebla

Una producción de Teatro del Barrio y Dos Bengalas

Más información (entrada libre). 

Con Blanca Tolsá y Albert Tarrats, Elena Córdoba, Itsaso Iribarren y Germán de la Riva, Marc Vives, Martín Flores Cárdenas, Rosa Romero y Silvia Antolín.

Plataforma Santander es un festival especial por su naturaleza híbrida en el que confluyen artistas de distintas disciplinas que, al hilo de la performatividad, presentarán sus trabajos entre el 28 y el 31 de octubre en distintos espacios culturales y en las calles y plazas de la ciudad.

Las actuaciones que acoge Plataforma Santander quieren acercar la performance a todos los colectivos sociales mostrando acciones que habitualmente no tienen espacio en las programaciones estables de las instituciones culturales. La performance es un espacio de creación abierto, en el que domina la interacción y la comunicación con el público. Su característica principal es la necesidad de estar presente para experimentarla, su carácter efímero e irrepetible.

Lo que sucede en el espacio-tiempo de la performance es una experiencia artística que nunca más tendrá lugar de la misma manera. De este espíritu irrepetible y provocador se nutren también el resto de propuestas de artes vivas de este festival. Plataforma Santander será, durante unos días, punto de encuentro de artistas, performers, músicos, compañías de teatro, poetas y público participante, en una experiencia compartida y de vanguardia llena de posibilidades estimulantes.

La tercera edición de Plataforma Santander es un proyecto del Ayuntamiento de Santander, a través de la Concejalía de Cultura, con el apoyo de la Autoridad Portuaria de Santander, el MAS – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria, y la colaboración de La Fábrica de Creación y Escena Miriñaque.

Programa completo y más información. 

Javi Cruz – 24 de octubre en Magalia (Ávila)

¿Qué tienen en común un escenario y un barco? ¿Qué supersticiones, rituales y saberes del mar continúan habitando todavía hoy los espacios escénicos?

No se silba es una investigación de Javi Cruz que parte de las supersticiones compartidas históricamente entre el mar y la escena y de los vínculos que se generaron entre ambos mundos a través de quienes trabajaron en ellos.

El proyecto se fija especialmente en la figura de los tramoyistas que anteriormente habían sido marineros y que, al abandonar el trabajo en el mar, encontraron un lugar en las primeras cajas negras. Su conocimiento de nudos, poleas y grandes telas trabajadas en altura encontró continuidad en el escenario, pero junto a esos saberes técnicos viajaron también creencias, rituales y formas de hacer que todavía hoy sobreviven, de diferentes maneras, dentro del hecho escénico.

Durante una primera residencia en La Caldera, Javi Cruz trabajó acompañado por Silvia Zayas, Gilles Gentner, Jorge Anguita Mirón, Fernando Gandasegui, Cuqui Jerez, Óscar Bueno y Cécile Brousse en la creación de situaciones capaces de generar futuras pinturas, así como en excursiones e incursiones en otros espacios escénicos y marinos.

De esta investigación surgen materiales de texto, imágenes y gestos destinados a convivir en distintos formatos: una publicación impresa, una exposición y una posible situación escénica.

Durante su residencia en el Castillo Palacio de Magalia, el proyecto da continuidad a esta investigación en sus dimensiones textual y escénica. Junto a Óscar Bueno y Cuqui Jerez, Javi Cruz explora un dispositivo capaz de generar simultáneamente narraciones, imágenes y atmósferas, construyendo un espacio escénico todavía habitado, quizá, por los fantasmas de aquellas historias, supersticiones y presencias que viajaron del mar al teatro.

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Ana Pi con DJ Firmeza y Veza Fernández – 20 de octubre en la Fundació Joan Miró 

El programa de mediación performativa Un ensayo permanente, a cargo de Fondo, propone una nueva jornada que incluye la performance Raw On de Ana Pi y la inauguración de la instalación Estructura pesada de Veza Fernández en relación con la grada diseñada por la Cuarta Piel. Ambas obras parten de la insistencia en prácticas concretas, como el caminar de la capoeira angoleña o el tejer un tapiz textil o vocal, para establecer un diálogo sonoro y corporal con el entorno inmediato y con los públicos de la performance y la sala expositiva.

Raw On-Tecnologías ancestrales de resistencia es una colaboración de Ana Pi con el productor luso angoleño DJ Firmeza, surgida de la investigación de la artista sobre la vitalidad generada por el acto de caminar en la capoeira angoleña. El caminar o paso de la Ginga, que toma su nombre de la reina guerrera anticolonial angoleña, encuentra su intensidad en el singular fluir y el carácter percusivo de la música post-kuduro. Guiada por los hilos sonoros de DJ Firmeza, la coreografía de Ana Pi constituye una nueva interpretación de las danzas tradicionales, tanto sagradas como populares, donde siempre existe un diálogo entre los pasos básicos y la percusión.

Estructura pesada es un canto polifónico desmembrado y una inmersión sonora desde la que mirar o dejarse tocar por el Tapiz de la Fundació de Joan Miró, una obra colaborativa y majestuosa que surge del diálogo artístico entre Joan Miró y Josep Royo, pero también del laborioso trabajo de unas tejedoras cuyos nombres se desconocen. Son esas presencias susurrantes las que nos invitan a cuestionar la autoría de la obra y la capacidad de su inmensidad de quebrar la jerarquía entre artistas y artesanas. Con ellas, Veza Fernández traduce la estructura histórica y material del tapiz en una práctica de escucha polifónica a través de un “tapiz sonoro” de voces que se entretejen desde cerca y desde lejos, experimentando con la idea de tapiz como lugar vivo de diálogo, textura y encuentro. A través de tres focos de escucha, se hilan, se anudan, se tensan y destensan voces, canciones y palabras que sostienen un poema en ensayo continuo. Voces juguetonas que invitan a tumbarse, a escuchar o a sintonizarse con el espacio sonoro de la sala de exposiciones. Voces como las de Noela Covelo Velasco y Veza Fernández imaginando en resonancia las melodías de aquellas costureras que trabajaron en el tapiz en una harinera en Tarragona en 1979.

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ÉSKATON – Del 23 al 25 de octubre en Réplika

¿Es posible realizar un acto verdadera y extremadamente mágico dentro del viejo y manoseado edificio del teatro? En esta propuesta de la agrupación artística ÉSKATON, coreografía, música, canto, maquinaria, iluminación, proyecciones, diálogos, liturgia y performatividad se ponen al servicio de esta pregunta.

Para ello las mitologías, filosofías y rumores acerca de la brujería se ponen en diálogo con las de la creación escénica contemporánea a través de la acción de una figura de cuerpo extraño, aspecto marginal y comportamientos tan desesperados y masoquistas como tiernos y delicados. Una acción que evoca conocimientos y prácticas demonizados, y que exalta la potencia estética de la monstruosidad y el peligro de los cuerpos disidentes. Una acción que podría ser una liturgia menor de orígenes ancestrales que abre las puertas del infierno, o una simple y divertida varieté llena de trucos donde la música te envuelve y te olvidas de todo.

HÄXAN es el título de la película danesa de 1922 del director Benjamin Christensen que aborda el fenómeno de la brujería en la época inquisitorial y que influye en la aparición del falso documental. El film sirve de inspiración y base para la creación de esta obra por tres de sus características: la confusión formal entre lo documental, lo ficcional y lo histórico; por la turbación social de sus imágenes clasificadas como perturbadoras, violentas y crueles; y por el uso en aquel entonces de pioneros efectos especiales para reflejar lo sobrenatural y lo mágico.
Si en su época Christensen establece un paralelismo entre la caza de brujas y el impacto de la psicología moderna del siglo XX sobre el cuerpo de las histéricas, esta obra se pregunta por el rol del teatro dentro de una sociedad de consumo y producción cultural digitalizada.

Más información y entradas. 

ÉSKATON es una agrupación artística fundada en 2021 con base en Madrid co-dirigida por George Marinov y Miguel Deblas, dedicada a la investigación artística a través de la creación escénica, dramatúrgica, coreográfica y performativa. Hasta ahora han estrenado: Cicuta Contagiosa (2021), Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía (2023), La poesía y el discurso (2023) [Festival Surge], HÄXAN (2025) y force song (2026). ÉSKATON ha trabajado, ya sea a través de presentaciones de sus piezas como en residencias, en diferentes teatros e instituciones nacionales como Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación, Teatros del Canal, Festival de Otoño, SURGE Madrid, Teatro Pradillo, DT Espacio Escénico, Nau Ivanow, Festival Tara o Festival Autóctonxs entre otros, y en países como Italia, Alemania o Paraguay.

George Marinov. (Teteven, Bulgaria, 1995). Director de escena, diseñador de iluminación y performer. Graduado en Dirección de Escena y en Interpretación en el Teatro de Texto por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Formado en la trienal Scuola Cònia dirigida por Claudia Castellucci, y distinguido por su trabajo Il senso della carne, que recibe la residencia escolástica Catalysi.
Realiza el diseño de iluminación de las obras; Si fuera una película y Cosa. Intervenir un cuerpo de la compañía Macarena Recuerda Shepherd; Petróleo: Pasolini del Grupo Enigma; Oasis of Serenity y Serenity Rave de Laura Ramírez; Padecer la Carne y Self Plesaure de Celia Reyes, Morituri te salutant de Checho Tamayo, entre otras.
Coordina el programa intergeneracional Duplo – Teatro de la Fundación Gregal desarrollado en diversos centros y residencias de mayores de la Comunidad de Madrid, en el que realiza un trabajo de mediación a través del arte y el teatro contemporáneo con el fin de suplir la brecha generacional entre jóvenes y mayores.

Miguel Deblas (Úbeda, ES, 1994) es director de escena, dramaturgo, performer y profesor. Graduado en Anatomía Patológica y Citología, Diplomatura en Arte Dramático en Réplika Teatro y en Dirección de Escena y Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Completa los estudios triennales Scuola Cònia – Tecnica della Rappresentazione, dirigida por Claudia Castellucci. Trabaja como intérprete para Óscar Nieto (TRIPAS, 2019), Alejandría Cinque (Cruising, 2020), Mikolaj Bielski (Europa. Los tutelados, 2020; Lo que tiembla y casi danza, 2022), Marie Delgado – La tarara company (La intimidad, 2024) y Alberto Cortés (Los chicos de la playa Adoro, 2025), entre otros. Ha sido seleccionado para participar como representante español en el Internationales Forum organizado por el Theatertreffen del Berliner Festpiele (Berlin, DE) y el Goethe Intstitut Madrid durante 2025. Es profesor de la asignatura Escenas y dramaturgias vivas dentro de la Diplomatura en Arte Dramático de Réplika Teatro. Y ha impartido el laboratorio Estética del peligro: prácticas y teorías en el CCE Juan de Salazar.

Julia Irango – 10 de octubre en Proyecto Inestable 

Obra de dansa per a quatre cossos que proposa la contemplació d’un paisatge tou.
És estiu. Em sent enfront del riu d’una ciutat europea. Note com les meues cames es deformen en asseure’s, com la meua massa s’estén i s’aplana. El palmell de la meua mà, ben oberta, no acaba de poder abastar la superfície de les meues cuixes quan estic asseguda. Fa molta calor, la meua carn sembla més flàccida que de costum, com si l’ambient m’estiguera cuinant, com si fos jo l’element principal d’un estofat. En el gest d’eixugar-me la suor del front em trobe amb el meu escot: traspue. Anit vaig encendre un ciri ací mateix i va acabar escampat per la pedra. Podria a mi passar-me el mateix? Em concentre en això. Sent un lleuger mareig i em concentre en la meua carn ablanida, en l’acte d’ablanir-me. Salive.

Mes informació i entrades.

Rosa Romero – 17 de octubre en Infinito Delicias 

«Debut» es una performance en la que la intérprete atraviesa un acto de iniciación frente al público, con el deseo de ser aceptada y amada. Cruzar la puerta, franquear el umbral, cambiar de cuerpo, de espacio y de estado para transformarse en otra cosa. Teatro, danza, performance, ritual y juego se entremezclan en esta pieza, una de las más aclamadas de la artista gaditana.

Esta obra, que es esencialmente un acto de iniciación en forma de pieza escénica, encarna un profundo anhelo de pertenencia a la comunidad. Y, como en todo rito iniciático, la protagonista debe demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su ser. Por eso se planta frente al público y les dice: “Miradme”. En «Debut» cualquier cosa puede suceder: la pieza muta en cada función, atravesada por la energía del público y por la lógica imprevisible del ritual.

Con humor, frescura y una gran potencia performativa, «Debut» celebra los comienzos. Con ella, inauguramos este ciclo de artes escénicas en el que nos proponemos convertir el Auditorio Daniel y Nina de Infinito Delicias en un lugar para el encuentro y el hechizo.

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