— MuroTRON

Laura Morales – 8 y 9 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

DESCARADA, SIEMPRE SORPRENDENTE Y CON UN INSTRUMENTO BIEN AFINADO —SU CUERPO—. LAURA MORALES NOS INVITA A PRESENCIAR SU NUEVA TRANSFORMACIÓN EN SER PASTORA.

UN PROYECTO, NACIDO DE LA INVITACIÓN PARA SER NARRADO EN LA REVISTA DEL CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL, QUE COMENZÓ COMO UNA FUGA, UN EXILIO. UN GRITO SILENCIOSO QUE SE CONVIRTIÓ EN UNA ONOMATOPEYA QUE ATRAVESABA MONTAÑAS.

En 2023 Laura formó parte del proyecto Escuela de Pastores de Madrid Campo Adentro. Se fue a Brieva de Cameros queriendo ser pastora y por unas semanas lo consiguió. Ahí empieza todo.

Se trataba de salir de lo artístico y “ser campo” pero lo que ocurrió fue que la decisión se convirtió poco después en proceso de creación.

Según la bailarina: Ahí me di cuenta de que esto no iba a ser una fuga, iba a completar algo. Andalucía es la primera tierra que se seca, por lo que es la primera que mueve el rebaño en busca de comida y agua. Ser bailarina en Andalucía es estar en constante sequía. Ser pastora en Andalucía inevitablemente te hace moverte hacia el agua y los pastos frescos.

Y en ese buscar los pastos frescos donde alimentar su “fuga” Laura comenzó a desarrollar el espectáculo que nos presenta. Una producción atravesada por múltiples ejes en los que fue consciente de la importancia de vincularse con las comunidades en extinción. En este caso la del pastoreo, un patrimonio intelectual y cultural de valor incalculable en nuestro país.

Creo que no hay mucha diferencia entre una pastora y una coreógrafacreadorademovimientoartesvivasartista. El campo y la danza van de la mano en preciosismo y miseria. Es una especie de abandono romántico. Según declara.

Otro de los ejes de la propuesta es la brecha de género que existe en el mundo agrario ya que para muchas mujeres el trabajo agrícola es considerado como una extensión del que hacen en el hogar.

Ser pastora desde sus inicios es un espectáculo atravesado de preguntas que asaltan a Laura y que quiere trasladarnos como comunidad: ¿Para qué invocar un rebaño si tengo el campo? ¿Por qué en 2023 quise dejarlo todo e irme con un rebaño que no conocía? ¿Cómo hallo este cuerpo sin un rebaño que me siga? ¿Cómo empieza un cuerpo a moverse hacia arriba? ¿Puede haber sequía en un escenario? ¿Y prados verdes? ¿De dónde viene el impulso de moverme?

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Lúa Coderch – 16 de abril en el MACBA

En el marco de Murmullos, programa que revisita la historia del museo desde el rumor y la especulación, Lúa Coderch presenta Rama. La acción se inscribe en esta voluntad de activar relatos laterales y temporalidades superpuestas para desplazar la memoria institucional hacia zonas más frágiles, imaginadas o no resueltas.

Nos movemos, deambulamos colectivamente por los distintos espacios con cierta libertad, pero cada vez sentimos un deseo mayor de mantenernos cerca. Esa es nuestra intuición. Mientras caminamos, a través de la escucha hacemos un ejercicio de evocación –trayendo desde el recuerdo– y de invocación –atrayendo lo todavía no elaborado–. Mediante la voz y el sonido van tomando forma escenas situadas en distintos puntos de una línea temporal imaginaria, desdibujando los límites entre la historia real del museo y la ficción, entre lo que se declara públicamente y lo que se rumorea, entre el mito y la anécdota, entre lo que se desea y lo que se teme.

En el origen de nuestro movimiento, haciéndolo posible, está la fantasía, la declinación simultánea de presentes, pasados y futuros del museo, como la vibración de la rama que, inquieta, contiene en su materia y en su crecimiento todas las tendencias motrices, todas las torsiones, recorridos y desvíos posibles.

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Carles Congost – 9 de abril en el Museu Tàpies 

Carles Congost nos presenta El gris se declina, una intervención performática que prioriza el papel del texto y del sonido. La notable influencia de los escritos de Antoni Tàpies se evoca a través de varias pistas musicales y sonoras elaboradas previamente por el artista.

Congost adopta el rol de DJ y convierte una sesión de clubbing en una performance de naturaleza híbrida y reflexiva. Hibridación que no solo se debe a les diversas formas de intervención sobre las pistas, sino que también se expresa en la variedad de procesos creativos que Congost emplea.

En ocasiones, Congost improvisa sobre bases instrumentales preexistentes, incorporando nuevos efectos y voces generadas por inteligencia artificial, con el objetivo de organizar los mensajes dentro de la economía particular del formato canción. Otras veces, recrea pasajes ambientales en los que el texto aparece de forma abstracta y sugerente.

Pese a las evidentes diferencias formales entre el trabajo de Congost y el de Tàpies, esta performance quiere subrayar las ideas esenciales compartidas que tienen que ver con el hecho creativo, y que merecen ser celebradas y puestas en común. Los textos de Tàpies que sirven como material de base para esta exploración resaltan la libre asociación de ideas como forma de operar válida. Congost reelabora y retuerce los textos originales, que nunca aparecen de forma literal, con el objetivo de evidenciar la transversalidad, la vigencia y la universalidad de las ideas del pintor Antoni Tàpies.

Actividad realizada en el marco de la tercera edición del ciclo “Las sillas de Tàpies“, comisariado por Judith Barnés.

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Carles Congost utiliza diferentes procedimientos visuales y sonoros, como el vídeo, la fotografía, el dibujo o la instalación, para construir relatos que reflexionan, de forma irónica y sensual, sobre la forja de la identidad, los hábitos de consumo y la propia creación artística.  En sus obras analiza los códigos de la cultura popular como vehículos de construcciones diferenciales y como formas hegemónicas de la subjetividad.

Ha participado en numerosas exposiciones, tanto nacionales como internacionales, como Music as a Foreign Language (Museu Es Baluard, Palma, 2023), ¿Para qué sirven las canciones? (La Casa Encendida, Madrid, 2020), A Sense of Wonder (Centre d’Art Contemporani Fabra i Coats, Barcelona, 2018), X Bienal de Nicaragua (2016), Manifesta 11 (Zúrich, 2016), The Real Royal Trip (PS1/MOMA, Nueva York, 2003), Popcorn Love (Espacio Uno – Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001) y Country Girls (Espai 13 – Fundació Miró, Barcelona, 2000), entre otros.

Cris Balboa – 20 de setembro no Teatro Rosalía de Castro 

Imaxinade que estou en escena soa co meu sinte e estou acojonada. En realidade, fago dunha tía  moi nerviosa que se vai enfrontar a algo moi heavy. Non hai nada heavy na miña selección musical, pero intento ser un pouco punkarra porque iso sempre é aplaudido nas performances. Penso no punki e só vexo ao tipo con cresta que sempre se me quedaba mirando no Maycar. Estou en escena soa sen cresta e querendo que a xente diga: esta tía é moi punki. Os punkis que coñecín non reciclaban, tiraban os pitillos ao chan e levaban pantalóns apertados con cadeas.

A min gústanme os pantalóns folgados tipo slouchy e reciclo ata a miña regra, así que renuncio definitivamente a ser punki. Imaxinade que empezo escusándome como cando vas falar en inglés e dis sorry for my English, porque isto que me propoño é moi difícil. Entón, imaxinade que eu o sei e que vós tamén o sabedes, pero todas somos moi educadas e asumimos que pode darse o acontecemento, e desexamos que suceda algo e que non nos entre o sono.

Obxectivo principal: que a miña audiencia non se durma. Entón podo optar por facer algo entretido, para que o meu público non se durma ou podo xerar un ritmo frenético ata incluso crearlles certa ansiedade. Isto último non é un desexo moi nobre para unha artista que se considera hedonista e que só quere facer que a xente o pase ben. O obxectivo podería ser que o público saíse de verme con ganas de bailar e iso xa me gusta máis. Que digan: saín de ver a movida esa de Roland mon amour con ganas de partir a pana e superconcienciada.

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El jueves 4 de septiembre La Capella acoge la clausura de la 14ª edición de Art Nou, festival de Arte emergente de Barcelona y L’Hospitalet, organizado por la asociación de galerías Art Barcelona.

El acto tendrá lugar en La Capella a partir de las 19 h, donde contaremos con la acción Parafonías de Blanca Tolsá Rovira, con Pepe Lolo, Berta Pascu y Rodrigo Rammey. Se trata de una propuesta que supone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre movimiento y sonido se distorisionan.

Después, se hará la entrega del Premio Art Nou 2025 con Quico Peinado (presidente de Art Barcelona), David Armengol (director artístico de La Capella) y Pilar Cruz (directora del festival Art Nou).

Para esta edición, el jurado está formado por: Berta Caldentey (coleccionista), Marta Sesé (miembro del equipo curatorial de La Capella) y Joana Roda (de Bombon projects).

Parafonías

Cuando dos ondas sonoras con la misma frecuencia entran en un ligero desfase entre sí, el oído humano percibe su fricción como una tercera nota. Parafonías propone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre el movimiento y el sonido se distorsionan y abren un lugar a la vez ajeno y familiar que mueve nuestra curiosidad y empatía. ¿Qué pasaría si, en un acto comunicativo, voz y gesto no fueran exactamente de la mano? Las intenciones del cuerpo o de la voz se desvían, creando un territorio donde el significado es cuestionado y el imaginario se transforma.

Blanca Tolsá, graduada por el Conservatorio Profesional de Danza del Instituto del Teatro, comenzó su trayectoria como bailarina con IT Dansa. En el 2021, crea su primera pieza, Ecoica, presentada en los festivales Dansa València y Dansa Metropolitana. En el 2024, es artista emergente de El Graner, donde desarrolla esta segunda pieza propia, Parafonías. Desde el 2016, ha trabajado como intérprete con Lipi Hernández, Ariadna Montfort, Raquel Klein, Robert Zappalà, Albert Quesada, Magdalena Garzón, Jacob Gómez, Anna Macau, Constança Brcnic, Núria Guiu, Paloma Muñoz Siberia y Georgia Vardarou.

Del 10 al 20 de septiembre en La Casa Encendida 

Campos magnéticos. ¿Qué sucede cuando los artistas se encuentran con mundos que no conocen, que les inquietan y extrañan y deciden crear con otras fuerzas e incorporar a su obrar cuerpos y políticas de producción de subjetividad ajenas a las suyas y a las de la comunidad artística a la que pertenecen?

La creación artística, en todas sus manifestaciones, actúa como un campo magnético donde las fuerzas vitales se ponen a vibrar con una intensidad particular que les da forma y las dota de su propia geometría.

Un imagen, un gesto; un recuerdo o un secreto; un arrullo, un quejido; un goce o una herida, que permanece y continúa vibrando en la memoria del cuerpo, puede convertirse en la fuerza de ese campo magnético que constituye la producción sensible.

Sin embargo ocurre, en ciertas ocasiones, que esas fuerzas choquen con otras, venidas de otros campos, de otras germinaciones, de otros posibles y otras limitaciones, que nos afectan y vulneran con igual intensidad:

¿Qué sucede cuando los artistas se encuentran con mundos que no conocen, que les inquietan y extrañan y deciden crear con otras fuerzas e incorporar a su obrar cuerpos y políticas de producción de subjetividad ajenas a las suyas y a las de la comunidad artística a la que pertenecen?

¿Qué formas de apropiación se producen? ¿Qué aperturas y qué riesgos surgen de estos encuentros improbables? ¿Qué formas de trabajo se crean y qué relaciones se establecen en estas nuevas comunidades?

¿Qué efectos tiene la presencia de otras fuerzas que aparecen en un campo magnético sobre la creación misma y sobre sus modos de producción y de recepción?

Alrededor de esta noción de campo magnético y de las preguntas que detona la creación en ámbitos extra-artísticos con seres vivientes pertenecientes a “otras comunidades”, humanas o no-humanas, construiremos esta nueva edición de IDEM.

Director artístico: Rolf Abderhalden Cortés.

Artista transdisciplinar, docente e investigador. Rolf Abderhalden (Manizales, Colombia, 1965) funda en 1984, con su hermana Heidi Abderhalden Mapa Teatro, laboratorio de artistas con sede en Bogotá dedicado a la creación artística interdisciplinar que ha construido un universo dentro del ámbito de las Artes Vivas, un lugar propicio para la trasgresión de fronteras disciplinares, para la fusión de lenguajes y lecturas y la articulación de problemáticas locales y globales. En España, el Museo Reina Sofía dedicó a Mapa Teatro la exposición De los dementes o faltos de juicio en 2018, además de incluir la instalación Los Incontados, 2014/2021 en su colección.

Docente e investigador de las artes, es profesor de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, fundador de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de esta Universidad y Doctor en Estéticas, Ciencias y Tecnologías de las Artes de la Universidad de Paris 8. Ha presentado y expuesto su trabajo artístico en numerosos teatros, festivales de arte, museos y encuentros académicos en todo el mundo. Es Premio Nacional de las Artes en Colombia, Medalla al Mérito Universitario y Medalla Goethe.

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 If it were a movie de Macarena Recuerda Shepherd | 23 y 24 de mayo en La Mutant 

Si fuera una película es una pieza que explora las posibilidades del sonido en el cine para pensar la escena teatral. Un sonido que dramatiza, ficciona o resignifica las imágenes que toca, que produce extrañeza, humor o se convierte en metáfora viajando de lo verosímil a lo irreal. Esta superposición de elementos narrativos, el sonido ligado a lo cinematográfico y la escena, nos muestran las potencialidades de ambos. El sonido como generador de posibles ilimitados y la escena con su infinito código de representación.

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Texto de Artús Rei sobre la obra. 

Concepto: Macarena Recuerda.

Intérpretes: George Marinov y Macarena Recuerda.

con la colaboración de Idurre Arriola e Irantzu Azpeitia.

Producción de sonido: Alberto de la Hoz.

Iluminación: George Marinov.

Asesoramiento coreográfico y vestuario: Jorge Dutor.

Música: La Bravo & Gydeon.

con la colaboración de Segundo Olaeta Musika Eskola (Gernika-Lumo): Artur Sustatxa (Arreglos), Unax Atristain (Trompa), ⁠Beñat Zobaran (Trompa), ⁠Gartzen Cosme (Trompa), Iñigo Jaio (Trompa), ⁠Gartzen Cosme (Trompa), Ekaitz Gutiérrez (Tuba) y Martxel Asteinza (Percusión).

Una producción de Macarena Recuerda Shepherd, Antic Teatre y Gobierno Vasco.

Residencias en el Gernikako Udala, El Graner (BCN), Aulestiko Udala, Zornotzako Udala, Bilboko Udala, Teatro Ensalle (Vigo) y La Mutant (Valencia).

Maguette Dieng – 21 de mayo en Arts Santa Mònica 

Africa Moment presenta DEGLULEN ÀDDUNA BI, una cartografia audiovisual on so i imatge s’entrellacen per traçar l’experiència de Maguette Dieng i el seu vincle amb Senegal, bressol familiar. A través de gravacions de camp i arxius sonors del lloc, emergeixen ecos de memòries, veus i geografies afectives que teixeixen un diàleg entre allò individual i allò col·lectiu. En un format d’escolta profunda, l’experiència invita a submergir-se en relats sonors que oscil·len entre identitat i somnis futurs, mentre allò sonor i allò visual donen forma a un territori en constant transformació, un que resisteix les urpes del globalisme i preserva, encara, la seva essència irreductible.

Más información.

Maguette Dieng és una artista sonora, DJ i programadora musical de Barcelona que es dedica a la difusió musical i sonora des de diversos fronts. Per un costat, exerceix de dj i selectora sota el nom de Mbodj, punxant en diferents sales i festivals, tant de la seva ciutat com internacionals. Per un altre costat, és cofundadora del col·lectiu Jokkoo, un col·lectiu musical afrodiaspòric que treballa amb la música i el so de forma àmplia, ja sigui amb produccions musicals pròpies, a organització d’esdeveniments, tallers, peces sonores, programes de ràdio, etc.

La força motivadora del treball de Maguette té molt a veure amb la transformació de la mirada occidental sobre la música electrònica i avançada, com Àfrica ha jugat sempre un rol important dins d’ella, i com podem crear comunitat i possibilitat a través del so