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Audiovisuales

Leandro Souza – 16 y 17 de julio en La Caldera 

Palabra, voz, cuerpo y movimiento son igualmente protagonistas en esta creación coreográfica que propone la danza como manera de escapar del sistema y de las fuerzas que nos hacen desfallecer.

“La escapada es una musa que insiste en susurrarnos al oído cuando ya nos habían convencido de desear nuestra propia captura”, cuenta el coreógrafo Leandro Souza. De ahí el título de un espectáculo hecho con sencillez minimalista y sentido del ritual que reivindica a esa musa insistente que hace que inventemos o reinventemos formas de vivir, de hacer, de ver y de pensar, y que nos invita a escapar y a evadirnos del sistema mediante la danza. El artista entrelaza cuerpo y palabra en una dinámica coreográfica en la que su cuerpo solitario se mueve por el espacio diciendo fragmentos de letras de canciones, recitando textos filosóficos y haciendo referencia a figuras destacadas de la cultura occidental. Acompaña palabras con gestos y movimientos de las danzas más diversas, en una ruptura del lenguaje hablado y corporal que abre puertas a la reinvención.

Leandro Souza es un coreógrafo brasileño que vive en los Países Bajos y trabaja en torno a conceptos como la escapada, la evasión, la opacidad y el entrelazamiento, usando la palabra, la voz, el cuerpo, el movimiento y los objetos. Tiene un máster por la Universidad Estatal de Campinas (Brasil) y estudió en el programa de Coreografía Das de la AHK (Países Bajos). Entre sus creaciones están Eles fazem dança contemporânea y A gente é sutil, vocês são explícitos.

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Macarena Bielski y Manu Pita-Romero – 19 de junio en el C3A

Morfia es una performance audiovisual, que plantea las diferentes formas de representar un cuerpo. Macarena Bielski y Manuel Pita-Romero contruyen un espacio sonoro y visual en directo donde el ¿nuevo cuerpo¿ se materializa.

La representación matérica de un cuerpo está desafiada por la pieza, poniendo en valor, y a la vez en duda, la realidad sobre la que se construyen las percepciones corpóreas: Morfia es una exposición sensorial donde se construyen en un contenedor de luz y sombra, y el ruido, su nueva piel, expresa la fragilidad y la fuerza de una imagen imposible de sostener en su pureza. Un eco entre lo tangible y lo virtual. Donde la forma humana se pierde y se reinventa.

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MACARENA BIELSKI (Madrid, 1999)

Es bailarina, música y creadora multidisciplinar. Su práctica híbrida entrelaza danza, performance y música en vivo, expandiendo la coreografía hacia territorios sensoriales donde el cuerpo se convierte en un espacio de resonancia emocional y política.

Graduada en 2022 en Danza Contemporánea por P.A.R.T.S. (Bruselas), escuela fundada por Anne Teresa De Keersmaeker, desarrolla una práctica que combina movimiento y composición sonora. Ha presentado trabajos como Spooky (con María Jurado) en el Antic Teatre, La Mutant, Réplika Teatro, Festival TNT y MIT Ribadavia, y la performance audiovisual Morfia (con Manu Pita-Romero) en el Festival IN-SONORA13 y Réplika Teatro.

Como diseñadora de sonido, colabora en proyectos de María Jurado, Héctor Fuertes y Zoe Lakhnati, y actualmente desarrolla A Sacred Reverie in a Dead Nostalgia, una investigación escénica sobre la nostalgia generacional a través del movimiento, el sonido y la memoria.

MANU PITA-ROMERO

Es director, artista visual y diseñador de iluminación con base en Madrid. Su trabajo explora la creación visual, lumínica y espacial en contextos escénicos, musicales y audiovisuales.

Ha desarrollado la creación visual de Spooky (María Jurado, 2024) y co-dirigido la performance audiovisual Morfia junto a Macarena Bielski (Festival IN-SONORA13). Es coordinador técnico y diseñador visual en Bambi (Candela May) y en varios proyectos de la compañía Paroxa, además de autor del cartel del 38º Certamen Coreográfico de Madrid.

En el ámbito musical, ha realizado la dirección visual y de iluminación para artistas como Cruz Cafuné, Nina Emocional, Kora y Hadren, presentando su trabajo en espacios como La Casa Encendida, Palau Sant Jordi, Festival Sónar o La Riviera.

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Gemma Polo Bosch – 20 de mayo en Santa Mònica 

Una conferencia performativa que habita el colapso entre lo digital y lo físico. Desde el gesto mínimo hasta la exposición total, la pieza interroga cómo es la realidad que construimos en tiempos de scroll infinito.

A medio camino entre el manifiesto y el delirio, la pieza se activa como un directo de TikTok, un ritual de exposición mediática que juega con la ironía, la vulnerabilidad y el hastío. En escena, una única performer comparte un espacio híbrido en el que cuerpo, voz y avatar se confunden.

Esta investigación nace como un ejercicio de traducción entre lenguajes: el cuerpo, el texto, la pantalla y las redes sociales. Inspirada en metodologías de apropiación y repetición, la performance explora el transformismo digital como práctica artística y política:

cómo lo virtual produce ficciones corporales,

cómo lo ficticio emana de las cotidianidades,

cómo imaginar un cuerpo online que sigue siendo sensible, crítico y poético.

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Ikram Bouloum – 7 de mayo en el Museu Tàpies 

Con Poem/me xx1, la artista se reapropia del espacio de narración para presentar una sesión de escucha/lectura híbrida en forma de narración plurilingüe en la que se recogen diferentes memorias, poemas, canciones e imágenes. Este corpus le permitirá introducir, por un lado, la noción de grieta que atraviesa su álbum: la herida heredada. Y, por otro, el contexto que acompaña a este eje narrativo, yendo de lo íntimo a lo colectivo para trazar una línea hacia la diáspora.

Ikram Bouloum es una artista, selectora y comisaria catalanoamazigh. Tras unos años centrada principalmente en el comisariado musical y la dirección artística, actualmente retoma y sitúa en el centro su práctica artística y de investigación, reconectando con la voz, el storytelling y la música desde la multidisciplinariedad y la antidisciplinariedad.

En su música, mayoritariamente interpretada en su lengua materna, el amazigh del Rif, explora temas que a la diáspora norteafricana suele resultarle difícil afrontar, reimaginando sus legados a través de una mirada poética, política y experimental.

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Laura Morales – 8 y 9 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

DESCARADA, SIEMPRE SORPRENDENTE Y CON UN INSTRUMENTO BIEN AFINADO —SU CUERPO—. LAURA MORALES NOS INVITA A PRESENCIAR SU NUEVA TRANSFORMACIÓN EN SER PASTORA.

UN PROYECTO, NACIDO DE LA INVITACIÓN PARA SER NARRADO EN LA REVISTA DEL CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL, QUE COMENZÓ COMO UNA FUGA, UN EXILIO. UN GRITO SILENCIOSO QUE SE CONVIRTIÓ EN UNA ONOMATOPEYA QUE ATRAVESABA MONTAÑAS.

En 2023 Laura formó parte del proyecto Escuela de Pastores de Madrid Campo Adentro. Se fue a Brieva de Cameros queriendo ser pastora y por unas semanas lo consiguió. Ahí empieza todo.

Se trataba de salir de lo artístico y “ser campo” pero lo que ocurrió fue que la decisión se convirtió poco después en proceso de creación.

Según la bailarina: Ahí me di cuenta de que esto no iba a ser una fuga, iba a completar algo. Andalucía es la primera tierra que se seca, por lo que es la primera que mueve el rebaño en busca de comida y agua. Ser bailarina en Andalucía es estar en constante sequía. Ser pastora en Andalucía inevitablemente te hace moverte hacia el agua y los pastos frescos.

Y en ese buscar los pastos frescos donde alimentar su “fuga” Laura comenzó a desarrollar el espectáculo que nos presenta. Una producción atravesada por múltiples ejes en los que fue consciente de la importancia de vincularse con las comunidades en extinción. En este caso la del pastoreo, un patrimonio intelectual y cultural de valor incalculable en nuestro país.

Creo que no hay mucha diferencia entre una pastora y una coreógrafacreadorademovimientoartesvivasartista. El campo y la danza van de la mano en preciosismo y miseria. Es una especie de abandono romántico. Según declara.

Otro de los ejes de la propuesta es la brecha de género que existe en el mundo agrario ya que para muchas mujeres el trabajo agrícola es considerado como una extensión del que hacen en el hogar.

Ser pastora desde sus inicios es un espectáculo atravesado de preguntas que asaltan a Laura y que quiere trasladarnos como comunidad: ¿Para qué invocar un rebaño si tengo el campo? ¿Por qué en 2023 quise dejarlo todo e irme con un rebaño que no conocía? ¿Cómo hallo este cuerpo sin un rebaño que me siga? ¿Cómo empieza un cuerpo a moverse hacia arriba? ¿Puede haber sequía en un escenario? ¿Y prados verdes? ¿De dónde viene el impulso de moverme?

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Lúa Coderch – 16 de abril en el MACBA

En el marco de Murmullos, programa que revisita la historia del museo desde el rumor y la especulación, Lúa Coderch presenta Rama. La acción se inscribe en esta voluntad de activar relatos laterales y temporalidades superpuestas para desplazar la memoria institucional hacia zonas más frágiles, imaginadas o no resueltas.

Nos movemos, deambulamos colectivamente por los distintos espacios con cierta libertad, pero cada vez sentimos un deseo mayor de mantenernos cerca. Esa es nuestra intuición. Mientras caminamos, a través de la escucha hacemos un ejercicio de evocación –trayendo desde el recuerdo– y de invocación –atrayendo lo todavía no elaborado–. Mediante la voz y el sonido van tomando forma escenas situadas en distintos puntos de una línea temporal imaginaria, desdibujando los límites entre la historia real del museo y la ficción, entre lo que se declara públicamente y lo que se rumorea, entre el mito y la anécdota, entre lo que se desea y lo que se teme.

En el origen de nuestro movimiento, haciéndolo posible, está la fantasía, la declinación simultánea de presentes, pasados y futuros del museo, como la vibración de la rama que, inquieta, contiene en su materia y en su crecimiento todas las tendencias motrices, todas las torsiones, recorridos y desvíos posibles.

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Carles Congost – 9 de abril en el Museu Tàpies 

Carles Congost nos presenta El gris se declina, una intervención performática que prioriza el papel del texto y del sonido. La notable influencia de los escritos de Antoni Tàpies se evoca a través de varias pistas musicales y sonoras elaboradas previamente por el artista.

Congost adopta el rol de DJ y convierte una sesión de clubbing en una performance de naturaleza híbrida y reflexiva. Hibridación que no solo se debe a les diversas formas de intervención sobre las pistas, sino que también se expresa en la variedad de procesos creativos que Congost emplea.

En ocasiones, Congost improvisa sobre bases instrumentales preexistentes, incorporando nuevos efectos y voces generadas por inteligencia artificial, con el objetivo de organizar los mensajes dentro de la economía particular del formato canción. Otras veces, recrea pasajes ambientales en los que el texto aparece de forma abstracta y sugerente.

Pese a las evidentes diferencias formales entre el trabajo de Congost y el de Tàpies, esta performance quiere subrayar las ideas esenciales compartidas que tienen que ver con el hecho creativo, y que merecen ser celebradas y puestas en común. Los textos de Tàpies que sirven como material de base para esta exploración resaltan la libre asociación de ideas como forma de operar válida. Congost reelabora y retuerce los textos originales, que nunca aparecen de forma literal, con el objetivo de evidenciar la transversalidad, la vigencia y la universalidad de las ideas del pintor Antoni Tàpies.

Actividad realizada en el marco de la tercera edición del ciclo “Las sillas de Tàpies“, comisariado por Judith Barnés.

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Carles Congost utiliza diferentes procedimientos visuales y sonoros, como el vídeo, la fotografía, el dibujo o la instalación, para construir relatos que reflexionan, de forma irónica y sensual, sobre la forja de la identidad, los hábitos de consumo y la propia creación artística.  En sus obras analiza los códigos de la cultura popular como vehículos de construcciones diferenciales y como formas hegemónicas de la subjetividad.

Ha participado en numerosas exposiciones, tanto nacionales como internacionales, como Music as a Foreign Language (Museu Es Baluard, Palma, 2023), ¿Para qué sirven las canciones? (La Casa Encendida, Madrid, 2020), A Sense of Wonder (Centre d’Art Contemporani Fabra i Coats, Barcelona, 2018), X Bienal de Nicaragua (2016), Manifesta 11 (Zúrich, 2016), The Real Royal Trip (PS1/MOMA, Nueva York, 2003), Popcorn Love (Espacio Uno – Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001) y Country Girls (Espai 13 – Fundació Miró, Barcelona, 2000), entre otros.

 

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Del 6 de marzo al 17 de mayo en el CCCB

«Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo» es un recorrido por los lugares, las vivencias y las inquietudes de jóvenes de diecisiete años que se han retratado y que han fotografiado su entorno más inmediato. En la exposición pueden verse fotografías, filmaciones y textos en primera persona, miradas genuinas que huyen de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia.

La muestra se inspira en los retratos que el cineasta Johan van der Keuken realizó a su grupo de amigos cuando tenía diecisiete años, en 1955. Las fotografías de Van der Keuken se exponen por primera vez en Barcelona a raíz de la exposición y dialogan con las creaciones que han hecho los jóvenes.

Durante dos años, grupos de estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras formas de retratarse y mostrarse. Este proyecto europeo, impulsado por la Asociación A Bao A Qu, ha invitado a los jóvenes a tomar fotografías y a realizar filmaciones y escritos, con el acompañamiento de los fotógrafos, artistas visuales, cineastas y dramaturgos Ingrid Ferrer, Tanit Plana, Mònica Roselló y Berta Vicente Salas, Xavi Bobés, Albert Coma, Jaume Claret Muxart, Raquel Cors Munt, Pep Garrido, Mikel Gurrea, Martí Madaula, Sergi Portabella, Jaime Puertas Castillo y Núria Inés (Tinta Fina). Los institutos catalanes participantes en el proyecto son Bellvitge (L’Hospitalet de Llobregat), Doctor Puigvert (Barcelona), Les Aimerigues (Terrassa), Angeleta Ferrer (Barcelona), Infanta Isabel d’Aragó (Barcelona), Maria Espinalt (Barcelona), Miquel Tarradell (Barcelona) y ITAEB (Barcelona).

La idea y el desarrollo han ido a cargo de Núria Aidelman, Laia Colell, Anna Fabra y Agnès Sebastià (A Bao A Qu).

En paralelo a la muestra, la Filmoteca de Catalunya ha programado, del 4 de marzo al 30 de abril, un ciclo retrospectivo dedicado al cineasta Johan van der Keuken, con proyecciones a lo largo de casi dos meses que exploran su obra cinematográfica y documental.

Artículo de Rubén Ramos Nogueira sobre la exposición

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Cris Balboa – 20 de setembro no Teatro Rosalía de Castro 

Imaxinade que estou en escena soa co meu sinte e estou acojonada. En realidade, fago dunha tía  moi nerviosa que se vai enfrontar a algo moi heavy. Non hai nada heavy na miña selección musical, pero intento ser un pouco punkarra porque iso sempre é aplaudido nas performances. Penso no punki e só vexo ao tipo con cresta que sempre se me quedaba mirando no Maycar. Estou en escena soa sen cresta e querendo que a xente diga: esta tía é moi punki. Os punkis que coñecín non reciclaban, tiraban os pitillos ao chan e levaban pantalóns apertados con cadeas.

A min gústanme os pantalóns folgados tipo slouchy e reciclo ata a miña regra, así que renuncio definitivamente a ser punki. Imaxinade que empezo escusándome como cando vas falar en inglés e dis sorry for my English, porque isto que me propoño é moi difícil. Entón, imaxinade que eu o sei e que vós tamén o sabedes, pero todas somos moi educadas e asumimos que pode darse o acontecemento, e desexamos que suceda algo e que non nos entre o sono.

Obxectivo principal: que a miña audiencia non se durma. Entón podo optar por facer algo entretido, para que o meu público non se durma ou podo xerar un ritmo frenético ata incluso crearlles certa ansiedade. Isto último non é un desexo moi nobre para unha artista que se considera hedonista e que só quere facer que a xente o pase ben. O obxectivo podería ser que o público saíse de verme con ganas de bailar e iso xa me gusta máis. Que digan: saín de ver a movida esa de Roland mon amour con ganas de partir a pana e superconcienciada.

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El jueves 4 de septiembre La Capella acoge la clausura de la 14ª edición de Art Nou, festival de Arte emergente de Barcelona y L’Hospitalet, organizado por la asociación de galerías Art Barcelona.

El acto tendrá lugar en La Capella a partir de las 19 h, donde contaremos con la acción Parafonías de Blanca Tolsá Rovira, con Pepe Lolo, Berta Pascu y Rodrigo Rammey. Se trata de una propuesta que supone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre movimiento y sonido se distorisionan.

Después, se hará la entrega del Premio Art Nou 2025 con Quico Peinado (presidente de Art Barcelona), David Armengol (director artístico de La Capella) y Pilar Cruz (directora del festival Art Nou).

Para esta edición, el jurado está formado por: Berta Caldentey (coleccionista), Marta Sesé (miembro del equipo curatorial de La Capella) y Joana Roda (de Bombon projects).

Parafonías

Cuando dos ondas sonoras con la misma frecuencia entran en un ligero desfase entre sí, el oído humano percibe su fricción como una tercera nota. Parafonías propone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre el movimiento y el sonido se distorsionan y abren un lugar a la vez ajeno y familiar que mueve nuestra curiosidad y empatía. ¿Qué pasaría si, en un acto comunicativo, voz y gesto no fueran exactamente de la mano? Las intenciones del cuerpo o de la voz se desvían, creando un territorio donde el significado es cuestionado y el imaginario se transforma.

Blanca Tolsá, graduada por el Conservatorio Profesional de Danza del Instituto del Teatro, comenzó su trayectoria como bailarina con IT Dansa. En el 2021, crea su primera pieza, Ecoica, presentada en los festivales Dansa València y Dansa Metropolitana. En el 2024, es artista emergente de El Graner, donde desarrolla esta segunda pieza propia, Parafonías. Desde el 2016, ha trabajado como intérprete con Lipi Hernández, Ariadna Montfort, Raquel Klein, Robert Zappalà, Albert Quesada, Magdalena Garzón, Jacob Gómez, Anna Macau, Constança Brcnic, Núria Guiu, Paloma Muñoz Siberia y Georgia Vardarou.

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