Rubén Ramos

La Ribot. Recuerdo que tu primera idea para Gustavia fue la de trabajar la figura del payaso. Era más cerrada y más concreta, pero se fue abriendo hacia el espíritu de lo burlesco. Y a partir de allí, quisimos ver qué pasaba si se hacía con dos mujeres. Y no pasaba nada, la verdad.

Mathilde Monnier. Pero que fuera entre dos mujeres era algo, de entrada, bastante peculiar; además, poca gente en la danza aborda el tema del humor y, a veces cuando ocurre, es un humor estúpido, mal hecho.

L. R. Ahora que lo dices, creo que es la primera vez que hago del asunto del humor un tema. En mis trabajos hay humor, pero nunca había sido el tema en sí mismo. Lo que sí es nuevo para las dos es la palabra y todo el discurso que conlleva. Ha sido interesante, una nueva forma de trabajar. Hacías algo para mí y entonces yo lo continuaba, lo destruía, lo satirizaba, lo reconstruía… y siempre hablando ¿verdad? Pero siendo tú francesa y yo española, tenemos un humor distinto. Nos lo dice la gente

M. M. No sólo el humor, creo que todo es diferente, culturalmente hablando. El humor, por ejemplo, en ti es más sexual.

Lee el resto de la conversación entre Mathilde Monnier y La Ribot en EL PAIS.

La Compañía Nacional de Danza también se apunta a los videoblogs.

Videoblog Cobalto (última coreografía de Nacho Duato): http://www.youtube.com/user/videoblogCOBALTO

No me digáis que no me he fijado en los contenidos, como me decía alejandro con motivo del post sobre el videoblog de Días mejores. Me dan igual los contenidos, me interesa el medio. No me interesa Nacho Duato. Me gustaría ver vuestros videoblogs.

Visto en La Escuela Moderna. ¡Qué bueno!

Me hubiese gustado escribir algo antes sobre la performance de Quim Pujol (Los cuerpos extraños) que viví el otro día en su casa pero, a veces, es difícil encontrar el tiempo para escribir. Además, es difícil escribir sobre los amigos. Pero como veo que no lo hace nadie voy a escribirlo yo. No puede ser que dedique algún tiempo a hablar de Angélica Liddell, Joe Crepúsculo y Centella y no lo encuentre para hablar de lo que hace Quim, que además me gusta mucho. El mismo Quim, en un paseo por la playa de la Barceloneta que aún recuerdo, comentaba que cuando se quiere hacer desaparecer algo lo más efectivo es no hablar de ello. Es mejor que hablen mal de ti que ni te mencionen, porque entonces para mucha gente no existes. Eso, los que pretenden controlar la información lo tienen muy claro. Y me parece que contra eso deberíamos luchar con las herramientas a nuestro alcance.

La performance es la traslación a escena en el comedor de su casa de un relato que el mismo Quim publicó hace tiempo en su blog. Lo leí en su día y me gustó pero lo tenía prácticamente olvidado y no lo releí antes de la performance.

Los cuatro del público (el máximo aforo para esta performance) nos esperamos en la calle hasta la hora convenida. Edu, el maestro de ceremonias nos recogió en la calle y nos guió hasta la casa. En la primera estación, con la expectación y el descoloque de no saber muy bien qué hacer en los momentos previos, Edu, como buen anfitrión, nos invitó a tomar algo y a un cigarrillo mientras se iba rompiendo el hielo. En el suelo, unas velitas indicaban el camino a seguir. Pasados cinco minutos, Edu nos condujo hacia el interior de la casa siguiendo las velitas hasta llegar al pequeño salón de paredes descubiertas, a media luz, donde nos esperaba un sofá de 4 plazas y Quim, de pie contra la pared, a nuestra izquierda, dándonos la espalda. A su lado una mesita con ciertos aparejos cuyo funcionamiento no desvelaré y una silla enfrente de nuestro sofá. En seguida se hizo el silencio y descubrimos que en esa sala el silencio era prácticamente absoluto, casi que daba reparo moverse algo en el sofá porque se escuchaba hasta el rozar de la ropa. Así que nos quedamos calladitos, nuestras respiraciones se relajaron y Quim, poco a poco, fue llegándose hasta la silla, nos dio la cara, pudimos ver sus gafas de sol y su mínima caracterización y comenzó a explicarnos una historia con una voz nada natural, más bien sobrenatural, muy flojita, ronca e hipnótica. Mi primera reacción fue de media sonrisa. Casi me daban ganas de saludarlo y decirle: Ey, Quim, ¿qué tal? ¿Cómo va eso? ¡Qué cosas se te ocurren, eh!. Pero poco a poco me fui relajando y dejándome seducir por su voz, que nos explicaba una historia inquietante, poco a poco, con pausas y con mínimos movimientos corporales pero muy efectivos. Al cabo de unos minutos dejé de ver a Quim. ¡Qué placer que te cuenten una historia así! ¡Qué viaje! Cuando ya estaba metido de lleno en el viaje, un par de efectos especiales que el propio Quim se encargó de preparar con los aparejos de la mesita me hicieron saltar del sofá. A mí y a los otros 3. Reconocí alguna frase como la que encabeza esta entrada: Que fluya el deseo, que corra la sangre. Y recuerdo que pensé que le preguntaría después de donde había sacado esa frase.

Después de la representación y los aplausos de rigor, salimos de la sala y esperamos a Quim en la entrada, donde nos esperaba una mesa a punto para degustar unos fideos a la cazuela con Edu y Quim, que apareció en seguida ya relajado y en su nuevo papel de anfitrión. Entonces, entre copas de vino, charlamos sobre el espectáculo mientras nos comíamos los fideos y Quim nos explicó algunas anécdotas sobre la relación con el público y el hecho de hacerlo en casa. Él dice que así le sirve para rodarlo, de esa manera puede hacer una docena de actuaciones cuando si lo presentase en cualquier otro lugar no podría pasar de una o dos. Nos explicó que la frase que yo recordaba formaba parte de frases que le gustan y que va apuntando como mantras. Luego la conversación derivó hacia el mercado de Santa Caterina y sus gentes y, hacia la medianoche, la reunión se disolvió.

Me acordé de las veladas de Schubert con los suyos (las schubertiadas), de Experiencias con un desconocido y de cuando, hace ya años, con un grupo de amigos nos encontrábamos en casa de uno diferente cada vez y veíamos una película precedida de una pequeña o gran performance que el anfitrión estaba obligado a realizar para sus huéspedes, a parte de dar algo de comer y de beber. En mi casa de entonces, bastante más grande que la de ahora, proyectamos (con proyector) El hombre y la cámara de Dziga Vertov con música de piano en directo a la luz de las velas. Para mí fue como un estreno. Quizá el futuro vaya por ahí, de vuelta a los orígenes. De momento, Quim Pujol, en su faceta de crítico con peluca acaba de decir sobre el trabajo de Angela Lamprianidou, otra performer casera, que se trata de una de las experiencias escénicas más especiales que he vivido en los últimos años. ¡Viva el performer en zapatillas!

El rayo globular, también conocido como centella, rayo en bola (Ball Lightning, en inglés) o esfera luminosa, es un fenómeno natural relacionado con las tormentas eléctricas. Toma la forma de un brillante objeto flotante que, a diferencia de la breve descarga del rayo común, es persistente. Puede moverse lenta o rápidamente, o permanecer casi estacionario. Puede hacer sonidos sibilantes, crepitantes o no hacer ruido en absoluto. Uno de los primeros intentos de explicar el rayo globular fue registrado por Nikola Tesla en 1904.

Centella.

Está en su casa, tranquilo y habla de lo suyo, sin parafernalia, en una entrevista casera. Joe Crepúsculo. El concierto del viernes pasado en Apolo 2 fue estupendo, venció mis últimas resistencias, hubo fiesta. Después de ver el vídeo me doy cuenta de que no fue por casualidad, estaba todo preparado. Toca el sábado en el CCCB.

Y me gustaron mucho los teloneros Centella. Voz, guitarra, percusión (a veces un bajo) y canciones de 1 minuto. Idea sin desarrollo. Como Schubert.

Videoclip de Suena brillante

Esta es la otra cara.

Joe Crepúsculo – El día de las medusas

Bueno, amiguitos, ya estoy aquí otra vez con mi tema favorito (eso dicen algunos malvados): Angélica Liddell.

Hace tiempo escribí algo sobre mis impresiones después de ver a Angélica Liddell en Anfaegtelse en La noche en blanco de Madrid.

Pues hoy os traigo el vídeo, que ha colgado La Fundición de Bilbao en Youtube y que he visto gracias al blog de Angélica que, desde que se fue a México, está que se sale. El vídeo está chulo. Lástima que han puesto una música por encima de la de Bach. Es un vídeo promocional de la próxima actuación de Angélica en Bilbao. La Fundición tiene un canal en Youtube como El Mercat o El Teatro de la Abadía que, por cierto, va colgando allí también todos los vídeos que publica en los videoblogs de sus espectáculos en gestación.

Por cierto que Angélica Liddell actúa en las Noches salvajes del LP’09 en el CCCB el 6 de marzo, junto con Juan Navarro, entre otros. Yo no me lo perdería.

Por un comentario de Carlota Ferrer, ayudante de dirección de Álex Rigola y responsable de la realización del videoblog de Días Mejores, nos hemos enterado de que ayer vio la luz un nuevo videoblog impulsado por el Teatro de la Abadía para su nueva producción: Medida por medida, de Shakespeare, dirigida por Carlos Aladro.

En su primera entrada, han pedido a algunos de los actores que elijan un objeto que simbolice de manera personal su personaje.

Videoblog de Medida por medida: http://medidapormedida.wordpress.com/

Leyendo a Alberto Tognazzi me he enterado de que los creadores del corto Microfísica ponen a disposición de quien quiera en su página las pistas originales de la película para descargar, remontar y reutilizar, siempre y cuando se acepten las condiciones de la licencia Creative Commons que los creadores han elegido. Microfísica se muestra estos días en, según Tognazzi, el “más prestigioso festival de cortos del mundo: el de Clermont Ferrand”.

Los creadores de Microfísica resaltan lo siguiente:

Es importante aclarar que el cortometraje “Microfísica” no posee ninguna licencia de Creative Commons, sino que son los más de veinte clips en bruto que ofrecemos aquí los que la tienen.

Estas son algunas de las motivaciones que les han empujado a dar este paso:

Bajo esta propuesta de remezcla de “Microfísica” late una interrogación sobre la integridad y naturaleza de las obras audiovisuales en el siglo XXI. ¿A quién pertenecen las imágenes? ¿Dónde empieza y termina la autoría de una película que se nutre de imágenes y sonidos ajenos? Son cuestiones muy presentes en el actual panorama audiovisual, ya exploradas en su momento por autores tan dispares como Andy Warhol o Steven Spielberg, y que recientemente retomaron Radiohead al invitar a sus fans a remezclar las canciones de su último disco.

Luego me he acordado de algunos viejos artículos de Juan Freire sobre el arte y el código abierto:

Sol LeWitt, arte modular y código abierto

Puede que el mundo de la pintura y la escultura sean aun demasiado conservadores para aventurarse por estas formas de creación y expresión

El código del arte también se abre

Se tiende a asociar el open source (código abierto) con el software libre y con una oscura forma de organización y de producción y distribución colaborativa propia de ciertas tribus de programadores y hackers. Menos conocida, pero igualmente importante, es esa misma tradición en las comunidades científicas. Pero, en realidad, el software libre sólo ha redescubierto, gracias a la tecnología digital, modelos organizativos tan antiguos como las sociedades humanas, y la filosofía open source se extiende ahora por todos los ámbitos intelectuales. La propia internet es uno de sus resultados más importantes.

Como contrapunto, mientras asistimos a esta eclosión de nuevas formas de creación, buena parte de la literatura sigue anclada en el viejo y aburrido debate entre la copia legítima y el plagio ilegítimo. Cada nuevo escándalo demuestra lo difuso del límite y lo arbitrario de la toma de postura por muchos intelectuales. Es un debate propio de una cultura analógica y jerarquizada que trata, en realidad, de dirimir quién detenta la autoridad. Pero internet favorece la eclosión de redes distribuidas haciendo innecesaria la jerarquización y la existencia de una autoridad externa. Los debates sobre el plagio se hacen innecesarios si se aplica la transparencia y se reconoce que el conocimiento y el arte siempre han sido una construcción colectiva, donde los autores utilizan ideas y materiales de otros en un proceso de copia y remezcla creativa. La tradicional leyenda de la creación individual, casi en aislamiento absoluto, esconde un proceso creativo mucho más complejo en que se mezcla el genio individual con el soporte colectivo. Lo único que han hecho internet y el paradigma open source es facilitar este proceso al tiempo que lo multiplica al dar acceso a una multitud de usuarios creativos, antes forzados a ser simples espectadores.

Y me he preguntado ¿cómo se está viviendo eso en las artes escénicas? ¿Cómo aplicar el código abierto, los remixes y las obras colaborativas en las artes escénicas? ¿Y por dónde se puede seguir avanzando por esa línea?

No conozco muchos casos pero se me ocurren, por ejemplo: Emi Pastor y su obra Que no quede ni un solo adolescente en pie (que ha sido creada en su blog, con un proceso creativo sometido a los comentarios de los visitantes y cuyo código fuente está publicado, aunque, que yo sepa Emi no ha dicho nada sobre si puede o no ser utilizado por otros), Quim Pujol y sus Rigoladas (plagios de las estructuras de otras obras) grabadas en vídeo y publicadas en Internet, Sergi Fäustino con su Cremaster de los cojones (en la que realiza una copia cutre declarada del Cremaster Cycle de Matthew Barney con el propósito de reflexionar, entre otras cosas, precisamente sobre las copias) o Sònia Gómez y sus Experencias con desconocidos (en la que es contratada por desconocidos y luego de alguna manera utiliza materiales que ellos le proporcionan en la relación que establecen con ella).

¿Conocéis más casos (seguro que los hay)? ¿Cómo llevar el remix a las artes escénicas?