— MuroTRON

Christiane Jatahy | 17 y 18 de febrero en Teatros del Canal 

Uno: esto es teatro, pero también cine. En una sala un grupo de espectadores está viendo representada Las tres hermanas. Esta sala funciona a la vez como set de rodaje, la representación está siendo grabada y simultáneamente se está proyectando en otra estancia, donde otro grupo de espectadores ve la película. La obra está concebida de tal manera que los dos grupos verán ambas versiones de la obra de Chéjov, la teatral y la cinematográfica.

Dos: las tres hermanas se preguntan qué es la utopía: ese «lugar» que nos imaginamos, pero donde nunca estamos. ¿Y si ese lugar fuera Moscú?

Tres: en una instalación de vídeo se proyecta un documental sobre la utopía compuesto a partir de entrevistas realizadas en São Paulo, Frankfurt y París a personas de culturas y clases sociales diversas.

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Twins Experiment
Al final de los brazos están las manos, al final de los dedos nosotras estamos

6 de octubre a las 19:00, Conde Duque, Madrid

Más info: http://condeduquemadrid.es/evento/injuve/

Coreografía: Twins Experiment
Por y con: Laura Ramírez y Ainhoa Hernández
Agradecimientos: La Poderosa
Duración: 45 minutos + debate
Género: danza contemporánea
Colaboran: INJUVE 2016, PICE. AC / E 2017

Es un proyecto coreográfico de Twins Experiment. ¿Qué pasaría si en vez de preguntarnos quién quiero ser, nos preguntásemos qué clase de vida es la que quiero vivir con los otros? Juego, conversación y encuentro son los principales conceptos de nuestra investigación. Coreografía estrenada en el Museo del Chopo (México D.F. 2017).

Twins Experiment
Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.
vimeo.com/user39528496

El Centre d’Art Maristany de Sant Cugat del Vallès acull La Performance d’Anna Dot, una sessió especial que tanca el cicle On és la performance? d’aquest estiu.

La Performance és un individu imaginari, una entitat que té la capacitat de fer-nos fer coses. Si es pogués definir ella mateixa, La Performance diria que és performativa i això voldria dir que pot provocar accions que modifiquen la realitat del seu entorn. Fa com que s’amaga, pretén donar la imatge d’un ésser tímid, que no es vol deixar veure, però en el fons, hom sap bé que és profundament manipuladora. No es veurà el seu cos però serà la directora d’orquestra que es trobarà al darrere de cadascun dels moviments dels assistents.

La Performance té lloc al Centre Maristany (carrer Àngel Guimerà, 2) de Sant Cugat el 19 de juliol a les 10 de la nit. L’entrada és lliure

19 y 20 de junio a las 21.30h en la Nave 16 de Matadero

Entrada libre hasta completar aforo | Veranos de la Villa 2017

La artista madrileña María Jerez, cuyo trabajo se sitúa entre el arte en vivo, el cine, la coreografía y las artes visuales, presenta esta performance visual de formas en movimiento, en constante transformación. “Cosas” que son imágenes, conceptos, ideas, emociones que se producen precisamente en el momento de ser observadas, produciendo a su vez otras “cosas”. Este estado de constante transformación invita a una mirada atenta y activa, una mirada que percibe y a su vez vuelve a transformar lo informe, desde la incapacidad de nombrar lo que se mira.

La performance será acompañada en directo por Lanoche, proyecto musical de Ángela de la Serna, mezcla de electrónica experimental, ambient, deep house y techno atmosférico y ralentizado.

Con Javier Cruz, Ainhoa Hernández, Laura Ramírez, Óscar Bueno y Alejandra Pombo.

Caldera GREC’17 | 15 DIES DEMPEUS

15 DIES DEMPEUS. Impromptu escènic per a grup de passejants

La Caldera ha convidat a la coreògrafa i ballarina madrilenya Elena Córdoba a realitzar un taller de creació, inspirat en la idea del Impromptu (del llatí, in prompto: de sobte, immediat, sense pla preconcebut), gènere musical nascut al Romanticisme que es podria definir com un desfogament, un obra que pretén alliberar l’esperit creador de l’artista. De cop. Sobtadament.

Al llarg de dues setmanes, dins el marc de l’Stage Internacional d’Estiu de La Caldera (del 3 al 15 de juliol) Elena Córdoba compartirà el seu univers i la seva recerca amb un grup de persones, seleccionades per convocatòria pública. Un laboratori escènic que té com a objectiu desencadenar un procés de creació in situ, amb el risc i urgència que això implica, la construcció d’un Impromptu que es presentarà els dies 14 i 15 de juliol a la sala 6 de La Caldera.

15 dies dempeus

<<Recordemos que passus, en latín, es participio pasivo de dos verbos: pando que significa abrir, desplegar, extender, como cuando se abre el compás de las piernas en el mero acto de caminar, o como el espacio entero se ensancha con un simple movimiento de brazos; y patior, que significa sufrir, padecer abandonarse a un pathos. Recordemos que paso es una palabra de espacio que se abre, el paso que permite avanzar, el paso o el pasaje que permiten franquear, cuando no transgredir, el mal paso o el paso en falso que nos llevan por mal camino. Pero es sobre todo una palabra de tiempo que se despliega según diferentes ritmos posibles: “a buen paso” quiere decir sin tardanza, “paso a paso” quiere decir progresivamente, “ a un paso” quiere decir “a punto de”, “pasado” quiere decir antaño, “pasajero” quiere decir efímero. En fin la lengua sabe bien lo que hace, pues pas, en francés, nos da la pauta, el adverbio de negación.>> El bailaor de soledades. George Didi-Huberman

Des de fa anys construeixo la meva feina a través de l’anatomia del cos; és com si busqués en l’estructura interna del cos l’origen dels seus actes, o potser, simplement la raó dels seus moviments. Per treballar d’aquesta manera vaig decidir aïllar el cos en parts, com fan els anatomistes, per poder mirar des de diferents angles la seva constitució i la seva matèria. A través d’aquestes disseccions imaginàries segueixo apropant-me al cos.

En aquest taller de creació amb forma de impromptu us proposo un estudi anatòmic de les cames i els peus, en ells està escrita la nostra posició i amb ella la nostra naturalesa. En mirar així la nostra posició és molt fàcil que aparegui el ball com a emanació lògica o subversiva.

Aquest estudi es recolzaria en un preciós text de Didi-Huberman sobre l’etimologia del mot pas, acostant-nos al PAS i al PAS DE BALL a través de la naturalesa de les cames. Així prendrem la idea de pas com a fil conductor d’aquest viatge; el pas com la nostra forma de mesurar l’espai, el pas com cada un dels moviments d’un ball, el pas com una forma de cadència. D’altra banda, la paraula pas està en l’arrel de passat, com si només poguéssim deixar enrere allò sobre el que hem caminat, sobre el que s’ha PASSAT.

Imagino 15 dies  dempeus com un passeig carnal a través dels músculs, les articulacions, i els actes (propis i impropis) de les cames. Ens aturarem en el que significa, anatòmicament, tenir el cos en peu, subjectar-nos en aquest equilibri inestable que suposa estar alçats, estar a un pas de inclinar-nos en qualsevol moment.

A partir d’aquestes inquietuds i en tan sols 15 dies de treball, posarem en peu un impromptu, és a dir, una peça incidental, oberta en la seva estructura i en la seva forma. Una peça en la qual ens acompanyarà Nilo Gallego a la creació de l’espai sonor, Carlos Marquerie en la creació de la llum i David Benito amb l’espai escènic.

Elena Córdoba

ELENA CÓRDOBA. Ballarina i coreògrafa, treballa a Madrid des de l’any 1990. La seva obra es construeix a partir de l’observació detallada del cos, eix i matèria del seu treball. Ha acompanyat el seu treball artístic d’una constant activitat com a pedagoga enfocada a diferents formes de comprendre i practicar la dansa. L’any 2008 inicia Anatomia poètica, cicle de creació sobre l’interior del cos humà, que comprèn obres i estudis de diferents formats i que encara s’estén en el temps. Ha contribuït a la creació dels col·lectius de recerca i pràctica artística, Bailar ¿es eso lo que queréis? i Déjame entrar. Durant diversos anys va ser artista resident al Teatre Pradillo.

Blog Anatomía poética d’Elena Córdoba

Blog Déjame entrar

Participants: Alejandro Cinque, Àlex Solsona, Alícia Rodríguez Campi, Angel Zotes, Carles Mallol, Cecilia Gala, Estitxu Arroyo Sánchez, Manon Siv Violette Duquesnay, Mar Medina, Marie Tamarit, Pepón Prades, Sol Bibriesca, Soledad Marrero, Jorge Horno.

Direcció: Elena Córdoba

Espai sonor: Nilo Gallego

Disseny d’il·luminació: Carlos Marquerie

Espai escènic: David Benito

Una producció de La Caldera, en coproducció amb el Grec Festival de Barcelona i amb el suport de  la Fundació AISGE 

Més informació: http://www.lacaldera.info/pages/view/caldera-grec-17-15-dies-dempeus-impromptu-escenic-per-a-grup-de-passejants?lang=cat

Motus

Del 2 al 4 de junio en Naves Matadero

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La compañía italiana Motus, fundada en los noventa por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, representa la vanguardia escénica europea. Portadores de un nuevo lenguaje que se nutre de todas las artes vivas, crean tendencias contemporáneas en cada uno de sus montajes. Presentes en festivales de referencia de todo el mundo como Under the Radar en Nueva York, Festival Trans Amériques en Montreal, FIBA en Buenos Aires o el Grec de Barcelona, sus producciones navegan en aguas fronterizas a través de las heridas, conflictos y contradicciones de nuestro tiempo.

MDLSX es una pieza autobiográfica con una sola intérprete, Silvia Calderoni. La actriz da vida a un ser andrógino que cuestiona las barreras entre géneros. Un animal en trance que el New York Time describió con pasión en su crítica: “Silvia Calderoni debe estar hecha de mercurio o algún otro elemento líquido que aún no se ha descubierto. Con seguridad ningún cuerpo de carne mortal puede someterse a las impredecibles transformaciones que consigue esta notable performer en MDLSX, un trabajo de codificación de percepciones de Motus, la troupe del teatro revolucionario”.

MDLSX sobre el escenario es un seductor himno a la libertad del devenir, al gender b(l)ending. Un canto a ir más allá de los límites del cuerpo, del color de la piel, de los órganos sexuales. Es ser más que una nacionalidad impuesta o adquirida. Es mirarnos hacia dentro hasta darnos la vuelta.
Para lograr atravesar nuestra mirada sesgada Calderoni huye de las categorías, incluso de las artísticas, y explora sus límites apoyándose en la danza, el videoarte, la música de The Smiths, Vampire Weekend o Yeah Yeah Yeahs y textos de literatura queer como la columna El Feminismo no es un Humanismo, firmada por Paul B. Preciado en el diario francés Libération. En ella dice: “El cambio necesario es tan profundo que se dice que es imposible. Tan profundo que se dice que es inimaginable. Pero lo imposible está por venir. Y lo inimaginable es merecido”.

27 y 28 de mayo a las 22 h en La Casa Encendida

Domínguez no trabajaba solo desde hacía 14 años. En aquel entonces, la coreografía de su trabajo se proponía con un texto en tarjetas que el público leía. Ahora, va a hablar de sí mismo generando un autorretrato en el que cita, en el mas amplio sentido de la palabra, a algunos de sus amigos y a sí mismo.

Juan Domínguez es un creador y comisario del campo de la coreografía y artes escénicas. Su obra explora la relación entre diferentes códigos y aboga por la disolución completa entre ficción y realidad, utilizando la primera para producir la segunda y viceversa. Ha sido director artístico del Festival In-Presentable de La Casa Encendida (2003-2012), codirector del Living room Festival (2010-2013) y comisario de Picnic Sessions en CA2M-Madrid (2013-2015).

Una producción de Juan Domínguez con el apoyo de Tanznacht Berlin y Tanzfabrik Berlín/ apap-advancing performing arts project – Performing Europe 2020 / EU – Creative Europe Programme.

Carmen Menager

Teatro Pradillo | 5 y 6 de mayo a las 21 h., y 7 de mayo a las 19 h.

Pequeños fragmentos de texto:

Alentar las piedras.
Sembrarlas en una tierra de cenizas.
Regarlas con el agua del mar.
Y esperar a que germinen.

La única revolución posible empieza en el hueco de tus manos.

1. Quería contarte también ese sueño con el que empezó todo.

Llegaba a una playa vacía. La marea había arrastrado hasta la orilla un puñado de cajas de madera, como si fueran cajas de fruta desvencijadas, pequeñas, oscuras. Algunas aún iban y venían sobre las olas. Me acercaba a ellas y lo que me encontraba dentro eran trozos de cuerpos. Una rodilla. Un dedo. Una oreja. Otros no eran reconocibles. Una de las cajas rebotaba una y otra vez contra unas rocas. Dentro había una mano. La mano de un niño con un pequeño anillo dorado en uno de sus dedos.

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27 abril, 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400 del Reina Sofía

Entrada gratuita hasta completar aforo. Apertura de puertas de 18.30 h a 18.55 h; una vez se cierren las puertas no será posible acceder a la actividad. 

Concepto y dirección: Cuqui Jerez

Creado en colaboración con: Óscar Bueno, Javier Cruz, Jorge Salcedo y Silvia Zayas

Selección de textos: Michelle Sommer

En 1959 tuvo lugar el Congreso Internacional de Críticos de Arte en Brasil, un simposio en el que artistas, arquitectos, historiadores del arte y de la arquitectura, como Mário Pedrosa, Meyer Schapiro, Giulio Carlo Argan, Bruno Zevi, Jorge Romero Brest, Tomás Maldonado, Frederick Kiesler o Eero Saarinen, entre otros, fueron convocados para debatir qué podía hacer la modernidad en el mundo naciente tras la posguerra. Bajo el tema de “Ciudad nueva-síntesis de las artes”, el congreso se celebraba por vez primera en América Latina durante nueve días y en tres ciudades diferentes, São Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia. A la vez que se debatía el urbanismo moderno como búsqueda de la integración de las artes y producción de una obra artística colectiva, tenía lugar el nacimiento de Brasilia como un ensayo real de estos mismos debates. Más de cincuenta mil trabajadores en turnos ininterrumpidos construían aquello que Mário Pedrosa definiría con entusiasmo como una aventura y una esperanza: Brasilia, capital del Estado y urbe estrictamente moderna.

El congreso, con más de 22 países participantes, debatirá el modelo social y urbano que supone este proyecto en siete sesiones: la ciudad nueva, el urbanismo, la técnica y la expresión, la arquitectura, las artes plásticas, las artes industriales y, por último, el arte y la educación. Las actas del congreso son un documento histórico y desconocido para entender el lugar central de la modernidad en su vocación de participar y dar forma a los desafíos de este nuevo mundo.

En esta pieza, Cuqui Jerez y su equipo proponen una activación de las actas del congreso, adaptadas por Michelle Sommer, co-comisaria de la exposición Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, como ejercicio performativo de un episodio utópico del pasado, pero con una enorme potencia y reverberación en un presente en el que la historia y la crítica de arte han sido desplazadas de su rol e influencia pública. A través de la exposición de una serie de documentos relacionados con el Congreso, la artista genera un dispositivo que funciona como filtro formal para acercarse al material documental y adoptar una mirada estética específica, pero sin que esta sea subjetiva o suponga un posicionamiento frente al documento histórico. La lectura no pretende comentar o generar una interpretación sobre los fragmentos del pasado, sino componer un plano de proyección, mental y conceptual, que afecte tanto al público como al propio dispositivo escénico y teatral de representación. De esta manera, la obra busca ser tanto una primera puesta en escena del pensamiento de Mário Pedrosa y su tiempo como una confirmación de la imposibilidad de reproducir o ficcionalizar los debates que protagonizaron este momento de radical utopía.

El evento será retransmitido en el marco del programa “Diálogos” de la red de museos L’Internationale, un programa público que marca el 27 de abril como inauguración de distintas exposiciones y actividades concebidas por los museos miembros de esta red

Moderna galerija (MG+MSUM, Ljubljana, Eslovenia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid, España); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, Barcelona, España); Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (M HKA, Amberes, Bélgica); SALT (Estambul y Ankara, Turquía) y Van Abbemuseum (VAM, Eindhoven,Holanda).

Actividad organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale.

CPR  Center for Performance Research will present Spring Movement, a three-night festival of works by 12 emerging and established choreographers in dance and performance, April 13-15, 2017 at 7:30pm. The festival will include new and previously presented work that spans dance, movement-based work, and performance art. CPR is thrilled to announce the participating artists for Spring Movement 2017:

April 13:
Nia & Ness
Jess Goldschmidt
EstadoFlotante|Alvaro Gonzalez Dupuy
TALL GIRLS DANCING

April 14:
Gabrielle Revlock
TWINS EXPERIMENT (pictured)
Abdiel Jacobsen and Kelsey Burns
HAM | Amélie Gaulier-Brody, Dages Juvelier Keates, Rain Saukas and Alexis Steeve

April 15:
Stuart Meyers
Naomi Elena Ramirez
Lucy Kerr
Tristan Powell

Center for Performance Research

361 Manhattan Ave. Brooklyn, NY 11211

718.349.1210 | studio@cprnyc.org

More info: http://www.cprnyc.org/spring-fall-movement/