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Exposición

Exposición en POLS, Carrer Francisco Moreno Usedo 23, Valencia, hasta el 3 de noviembre.

POLS es un nuevo espacio coordinado por Paula García-Masedo, Carles Angel Sauri y Néstor García Díaz.

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Del 20/09 al 08/12 en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró dentro del ciclo Gira todo Gira comisariado por Marc Navarro

*Inauguración el jueves 19 de septiembre del 19 a 21h.  

Laia Estruch entiende la voz como una extensión del cuerpo capaz de sintetizar cuestiones relativas al lenguaje, el género y las estructuras sociales. En Crol esta síntesis se da en la piscina: un escenario inestable que se transforma en laboratorio de experimentación sonora. La oposición entre lo seco y lo húmedo estructura una propuesta que sondea las posibilidades acústicas y expresivas del sonido en el medio acuático y que se interroga al mismo tiempo sobre el impacto de la ciudad en nuestros cuerpos.

La artista imagina una tradición oral vinculada a estos espacios lúdicos y deportivos e interviene el espacio expositivo con un conjunto de estructuras que remite a técnicas adaptativas como la natación, la respiración y la flotabilidad. Fluctuando entre la hidrofilia y la hidrofobia, Crol indaga en el imaginario ambivalente del agua y transita por él como si se tratara de un vasto archivo líquido repleto de narraciones, memoria material y silencios. Crol hace hincapié en aquellos fenómenos que clasificamos dentro del espectro de lo inaudible y nos propone una aproximación al sonido como forma de resistencia.

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29 DE MAYO visita guiada a las 19h (Sala Amadís)
30 DE MAYO momento íntimo compartido con Javier Vaquero (cita previa en josebegega@gmail.com) aforo limitado.

Más allá del espectador. Día 2/10. “Un SLAM y 3 bailes para Alberto” (Jose Begega)

Confesar este tipo de cosas es prácticamente un suicidio social. Durante unos segundos no sucede nada, es un tiempo que se hace eterno hasta que llega al corazón, se reparte por cada terminación nerviosa, explota y cada articulación de tu cuerpo se mueve ligeramente como con los bajos de un buen equipo de sonido. Lo que sucede después es puro espectáculo, la performance, que haces para ti mismo, para unos tíos que has conocido por internet con los que vas a follar toda la noche, para la galería, para un antiguo cliente que esta vez no te va a pagar, para una webcam, para un centro social o uno de arte. Un tiempo después se te baja y regresas a una habitación blanca prestada, compartida, gestionada por algún artista que puede compartir un poco de su espacio, te ríes, se te pasa el arroz, sales de fiesta y escribes un texto como este. Más allá del espectador es una reflexión autobiográfica sobre espacios prestados, afectos y crisis personales que suceden más allá de la exposición, es también una reflexión sobre si es necesario el “espectador” para la obra de arte.

Una exposición como un ecosistema es un proyecto curatorial de Ignacio Tejedor en el que se piensa la exposición como un organismo que crece con la participación de los artistas y otros actantes.

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entre, hacia, hasta, para, por, según, sin se pensó para servir de ocasión para que algunos artistas pudiesen hincarle el diente a algo que los masticaba durante los meses que duraba la exposición. La idea era dar un tiempo de prueba a las artistas o facilitar que retomasen o accionasen lo que de otra manera no deja de posponerse o no encuentra modo de tener lugar. El sábado 18 de mayo se compartirá a lo largo del día lo que ha sucedido para ellas durante este tiempo y de qué manera han tomado forma sus respectivos procesos.

GRATUITO

Más información: http://www.eacc.es/es/misc/finissage-de-lexposicio/

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Sábado 11 de mayo, a las 19 h / Domingo 12 de mayo, a las 12 h en La Capella.

Presentación de un trabajo inédito, surgido de un rastreo obsesivo de gentilicios que van desde “puntualidad británica” a “fila india” pasando por “naranjas de la China”. La propuesta de Quim Pujol es una especie de scramble -de remezcla y concatenación- de gentilicios que forman asociaciones imprevistas y dibujan un mapa de manera progresiva. Dicho mapa arranca como una configuración geográfica para ir dando lugar a una cartografía visual que revela el carácter arbitrario y grotesco de expresiones lingüísticas asociadas a lugares así como los prejuicios, historias e ideologías que apuntalan su mantenimiento y uso en el lenguaje. Aparecen así los anclajes geográficos de la imaginación y cuán saturado está el lenguaje de dejes e inercias ligados al territorio. Su performance pone de manifiesto lo volátil de distinciones entre lo de aquí y lo de allí. Un cuestionamiento indispensable en una exposición “de contexto”.

Sábado 11 a las 19 h y domingo 12 de mayo a las 12 h.

*Se ruega puntualidad. Una vez empezada la performance, no se permitirá la entrada

**Plazas limitadas. Hay que reservar plaza en lacapella@bcn.cat, indicando día

Acompañamiento artístico: Cuqui Jerez

Asistente: Leo Montes

Agradecimientos: Anna Manubens, Marc Vives, Fernando Gandasegui, Alex Gracia, María Jerez, Juan Domínguez, Mireia Sallarès, Eva Serra, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.

Quim Pujol (1978) trabaja en los límites entre la escritura, el arte en vivo y las artes visuales. Sus trabajos más recientes son ASMR del futuro (2015), Fregoli (2016) y Verde croma (2017). Ha co-editado, junto a Ixiar Rozas, el volumen Ejercicios de ocupación. Afectos, vida y trabajo (Cuerpo de Letra, 2015). Comisarió la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre el 2011 y el 2015 y ha sido profesor en numerosos programas de formación artística tanto en la península como en el extranjero.

Más información: http://lacapella.barcelona/es/de-la-ceca-la-meca

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Del 10 de octubre al 27 de enero en el CA2M

Comisarios: Beatriz Alonso y Carlos Fernández-Pello

Nos debatimos, como siempre, entre el deseo y las apariencias, entre el querer y el parecer de una noche española que no nos deja ver del todo. Entre la nostalgia histórica de la que somos herederos y el momento histriónico que nos ha tocado vivir, es en lo barroco, en lo pardusco, en lo grasiento, donde hallamos algunas vías de negociación con una tradición que nos duele y nos esquiva. El relato de una ciudad sin imagen, en cuya oscuridad aparece también la claridad de una idea, la inspiración que le falta al texto o la serenidad y la concentración del silencio.

Querer parecer noche es una exposición que acoge diferentes formas de producción artística en Madrid para imaginar con ellas una oscuridad. En lugar de un análisis objetivo, levantamos un telón de anacronías y desfases; en lugar de un retrato de escena, nos abandonamos a las intuiciones e intrigas de palacio. Un delirio parcial, excéntrico, fruto quizá de la pasión o del secreto de alcoba, nos sirve para especular sobre aquello que hace singular a una ciudad que escapa continuamente a la continuidad. Sin una genealogía o escuela fuerte, todo lo que traza una línea temporal o narrativa es aquí, amor, ilusión o coincidencia.

La incisión que proponemos es una de las muchas posibles de un contexto, con sus distintas sensibilidades y maneras de hacer, donde la idea de lo local se construye a caballo entre quienes lo habitan y quienes están de paso. Un limbo o meseta, suspendida entre el norte y el sur, que se define por abrazar sin complejos el afuera a veces con más entusiasmo que lo que le crece dentro. Ante esta contradicción, también huimos de la ciudad para encontrarla: descendemos por las obras como por una torre de espejos, ecos y réplicas, y vamos tejiendo una trama ambigua, fragmentada, ojalá algo transformada, que incorpora la idea de escena a nuestros fantasmas cotidianos.

Pensamos entonces si se puede entender la producción artística en la ciudad desde el claroscuro: cuando tamizado, en la media tarde del verano más seco, el sol aprieta y los interiores se hunden en el querer parecer noche del visillo o la persiana. En medio de ese terror diurno o cegador, a la sombra de una cortina espesa, aparecen las ruinas de un último reino, el espejismo de un laberinto central o la visión de un monstruo de cerebro blando y corazón caliente, que parece más un sueño que una cosa real.

Hace casi un año que aceptamos el encargo de adentrarnos en las tripas de este Madrid subterráneo inventado por nosotros mismos. Recorriendo sus túneles húmedos, subiendo y bajando por sus pasadizos y recovecos, la hemos querido y dejado de querer unas mil veces. En la confusión de ese hacer marrón, torpe pero brillante, abrimos un corte en la corte para, como en la verbena, juntar lo propio y lo extraño. Intentaremos que, al menos durante un tiempo, se crucen las familias, se irriten las obras, se rocen las enemistades y sea necesario rascarse las formas de la ciudad. Un rumor de duermevela, un escalofrío en la nuca, un encogerse el estómago o el siseo de una serpiente. Donde cualquier parecido con la ficción es, además de muy real, la más valiosa de nuestras pertenencias.

La exposición forma parte de las diferentes celebraciones del 10º aniversario del Centro de Arte Dos de Mayo y pone en relación la obra de 58 artistas, de las cuales 20 son de nueva producción, con un peso mayoritario de la escena local.

PARTICIPAN

Ana Laura Aláez, Elena Alonso, Beatriz Alonso, Lara Almarcegui, Helena Almeida, Tamara Arroyo, Elena Asins, Antonio Ballester Moreno, Nora Barón, David Bestué, Alexander Calder, Jacobo Castellano, Ignacio Castro Rey, Paloma Checa Gismero, Manel Clot, June Crespo, Javier Cruz, Julián Cruz, Ángela Cuadra, Diego Delas, José Díaz, Miren Doiz, Iñaki Domingo, Marta Echaves, Mario Espliego, Patricia Esquivias, Marta Fernández Calvo, Carlos Fernández-Pello, Aurora Fernández Polanco, Javier Fresneda, Nuria Fuster, Fernando Gandasegui, Fernando García, Paula García – Masedo, Marian Garrido, Cristina Garrido, Karlos Gil, Rubén Grilo, Hisae Ikenaga, María Jerez, Fermín Jiménez Landa, Kaoru Katayama, Dai K.S., Juan López, Rubén M. Riera, Maruja Mallo, Isabel Marcos, Chus Martínez, Mariano Mayer, Fran Meana, Antonio Menchen, Joan Miró, Fran MM Cabeza de Vaca, Momu & No Es, Guillermo Mora, Isabel de Naverán, Pablo Palazuelo, Kiko Pérez, Diego del Pozo, Gregorio Prieto, Alex Reynolds, Alfredo Rodríguez, Belén Rodríguez, Manuel Saiz, María Salgado, Fernando Sánchez Castillo, Víctor Santamarina, Manuel Segade, Leonor Serrano Rivas, Teresa Solar, Julia Spínola, Miguel Ángel Tornero, José Val del Omar, Luis Vassallo, Roberto Vidal y Belén Zahera.

PUBLICACIONES

La exposición estará acompañada por un libro en el que participan 20 autores, cuya fecha de publicación está prevista a finales de noviembre de 2018.

ACTIVIDADES PARALELAS

Durante la muestra se sucederán un total de 6 activaciones públicas coincidentes con diferentes obras, 2 de las cuales son adaptaciones de piezas escénicas:

CRISTINA GARRIDO
Un copista realizará en vivo pinturas al óleo representando distintas obras y vistas de instalación de la exposición, que serán expuestas en las salas del centro. La acción tendrá lugar de forma continuada durante el transcurso de la muestra.

NORA BARÓN
Los objetos dispuestos por Nora Barón a lo largo del espacio expositivo podrían haber sido otros. Cruciales e intrascendentes a un tiempo, estos elementos señalan un lugar sobre el cual podrían oscilar acciones, sonrojos, accidentes y acné. No lo sabemos muy bien.

ISABEL MARCOS, COLABORACIÓN DE NATALIA SORZANO
Verde menta claro: performance en formato de recorrido por el museo a partir de una historia ficticia creada por la artista.
25 octubre 20:00
Inscripción por formulario en
Máximo 40 personas

MARTA FERNÁNDEZ CALVO
Rodapié Universo: acción colectiva multitudinaria con la participación del público asistente.
17 enero 20:00

YABBA
MARÍA JEREZ ACOMPAÑADA DE LANOCHE
Jueves 29 noviembre
20:00 — 21:00

JINETE ÚLTIMO REINO FRAG. 3
MARÍA SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA
Jueves 13 diciembre
20:00 — 21:00

En paralelo a la exposición se creará un grupo de trabajo mensual que amplíe diferentes cuestiones relativas a la escena madrileña contemporánea con el fin de establecer un diálogo entre artistas, otros agentes de la ciudad y el propio centro.

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Del 4 al 22 de septiembre en la galería Bombon Projects.

Opening: Martes 04.09 / 17:30h – 21:00h

“Al principio,”

La creación del mundo según la génesis bíblica empieza con un principio en que dios creó la Luz. Las dos primeras palabras de ese inicio (“Al principio,”) han visto como a lo largo del tiempo las predecían diferentes cosas: Luz, verbos, ruido…En el pasaje de John 1:1-14 de la versión de la Biblia de King James, por ejemplo, encontramos la frase “In the beginning was the Word”, mientras que en la pagina 24 de Art as a Social System (2000), Niklas Luhmann nos dice que “In the beginning, there is a difference”. Igualmente, unos años antes, en el 1980, Michael Serres afirmó que “In the beginning was the noise”; un poco más tarde, en el 1996, Julia Kristeva aseveró que “Al comienzo era el amor”; y hace unos pocos años Rosi Braidotti escribió que “Al principio de todo está Él”. Quién sabe que debía haber exactamente al principio?

Deseando descubrir algún método para poder responder a esa pregunta, la exposición “Al principio,” utiliza el espacio de Bombon como laboratorio de una investigación arqueológica experimental. El proyecto parte de la observación de las marcas visibles e invisibles del pasado que hay en el espacio de la galería para tratarlas como pistas de otros tiempos que nos permitan imaginar y reconstruir un posible escenario del principio de este sitio.

Más info: https://bombonprojects.com/exhibition/al-principi/

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Hasta el 14 de octubre en La Virreina Centre de la imatge.

Visitas guiadas gratuitas: martes a las 18 h, sábado y domingo a las 12 h

Desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus últimas producciones, como la pentalogía sobre el punk en España, Kikol Grau (Barcelona, 1971) ha desarrollado un imaginario perturbador e irreverente que compone una cierta radiografía de la historia televisiva, política y musical desde los ochenta hasta hoy, con un énfasis particular en el panorama audiovisual alternativo e independiente de Barcelona.

Dame pank y dime tonto es la primera muestra antológica acerca de la trayectoria del realizador audiovisual Kikol Grau (Barcelona, 1971). Abarca desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus producciones más recientes, y constituye una cierta radiografía de la historia política, televisiva y musical del Estado español, con un énfasis específico en el contexto de Barcelona entre los años ochenta y el presente.

La exposición se articula en tres apartados. El primero reúne una serie de cortometrajes, como Impenetreibol escroto (1992), K-fre! Desde Plutón con Amor! (1994-1995), The final fight IV (1998),Zool. Acto de purgar los caracoles (2000) y Docutrola: Cómo convertirse en un pirata de la televisión (2001-2002); varios montajes audiovisuales que Kikol Grau realizó en los inicios de su andadura, entre los cuales podemos destacar Jason total massacre 1 / 2 (2008-2010), Las hostias de Bourne (2009) y El señor de los gramillos (2010), y, finalmente, un conjunto de videoclips experimentales para los grupos de música Tu Madre, Tarántula, Salvaje Montoya, Flamaradas, La Otra Gloria y Ktulu.

El segundo ámbito compila su producción televisiva a partir de programas absolutamente emblemáticos, como Por la Kara TV (1994-1998), con Jorge Rodríguez, Pol Turrents y Juan Antonio Bayona; Gabinete de crisis, semanario audiovisual de humor satírico junto a Félix Pérez-Hita y Arturo Bastón, por encargo de Andrés Hispano, entre 2001 y 2007; Si te he visto no te aguanto TV, un canal de televisión por Internet que compilaba emisiones independientes y alternativas de interés cultural; los programas sobre música y cine desarrollados para Metrópolis, de TVE (2006-2012); K-POW! (2005), trece episodios cortos sobre el mundo del cómic realizados para el Denominació d’Origen de la Red de Televisiones Locales de Cataluña (2005), así como 3 minutos para el fin del mundo (2017), miniprograma creado para la web de O Estudio Creativo, por encargo de Joan Pons.

El tercer apartado recorre la filmografía de Kikol Grau, desde Objetivo Gadafi (2013) hasta la pentalogía sobre el punk en España, con Las más macabras de las vidas (2014), que explica la Transición a través del grupo musical Eskorbuto, Inadaptados (2015), sobre Cicatriz, y No somos nada (2016), acerca de La Polla Records. También se exhiben Magnicidios españoles y Poe (2017) y Moctezuma-Grau. Descendencia mortal (2017). Además, en La Virreina Centre de la Imatge se estrenarán las películas Histeria de Catalunya, de autoría colectiva, y Los demenciales chicos acelerados. Barcelona y alrededores. Simultáneamente a Dame pank y dime tonto, la plataforma Filmin presentará un amplio recorrido por su trayectoria.

Uno de los aspectos significativos para entender el imaginario perturbador e irreverente de Kikol Grau son sus dibujos, que aparecen en pósters, fanzines, guiones o en cuadernos preparatorios, y que constituyen un episodio autónomo respecto a sus proyectos audiovisuales. Cabe destacar la importancia que tienen en el universo iconográfico del autor «los monos locos que destruyen la Tierra», como él mismo los ha llamado.

La muestra se completa con numerosos materiales extraídos del archivo personal de Kikol Grau: carteles, fotografías, cintas de vídeo, máquinas de videojuegos vintage, portadas de discos de época, cómics que le sirvieron de referencia, etc.

Más información: http://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/es/exposiciones/dame-pank-y-dime-tonto/233

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Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante. Tabacalera Madrid. La Principal 29.06.2018 – 09.09.2018

El proyecto global CARMEN // SHAKESPEARE (2012-2018) es fruto del diálogo entre dos artistas que desean establecer el mestizaje de varios territorios artísticos para componer un objeto multifacético generador de historias: ¿Una ópera contemporánea?.

Confrontando la sonoridad de los Sonetos de Amor de Shakespeare a la pasión contenida en la ópera Carmen de Bizet, el dúo Infante-Mesa nos propone una fuerza «barroca» (en el sentido estricto del término): la fuerza de una perla imperfecta que, girando alrededor de la temática del deseo, provoca, refleja y explicita algunos nudos.

La experiencia expositiva Presagios del deseo agita las energías desarrolladas por estos dos artistas durante los últimos años creando pasarelas entre artes escénicas, plásticas, literarias y audiovisuales. Ella aborda cuestiones en torno al amor y las relaciones humanas cuando son amplificadas, amordazadas, enturbiadas o incluso generadas por la tecnología. La muestra construye un gran relato mítico, poético y cotidiano que sitúa al espectador en el epicentro de un «campo de batalla» en movimiento.

 

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Galería Heinrich Ehrhardt | Del 9 de junio al 25 de julio | Inauguración 9 de junio de 11 a 15h

Y escucho tu pasos venir. Un verso y una visión. Una ilusión sonora que permite imaginar y escuchar aquello que se acerca. En los ecos de esa cartografía líquida se desarrollan, desde la invisibilidad y desde la alucinación, los fenómenos escultóricos de Lucía C. Pino, June Crespo, Anna Dot y Rosa Tharrats. Por primera vez, la Galería Heinrich Ehrhardt muestra el trabajo de estas cuatro artistas a partir de un título que proviene de un poema de Leopoldo María Panero. El éxtasis del poeta poseído como pretexto expositivo.

Tratándose de una propuesta quebrada desde el principio, discontinua pero uida, los trabajos de C.Pino, Crespo, Dot y Tharrats transforman la materia, la atraviesan, la desmontan y la diluyen. Pero se da una singular paradoja entre lo etéreo y lo rme; entre la apariencia y la realidad. Las obras de todas ellas plantean un nuevo imaginario de tensiones, en las que lo cercano está también lejos y lo blando parece duro y robusto. En ese ensamblaje escultórico, de ondas en el caso de Lucía C. Pino, de canalizaciones en el de June Crespo, de fragmentos monosilábicos en Anna Dot y telepáticos en el de Rosa Tharrats, se genera una ruta psicodélica en el que las ideas se escurren líquidas entre los dedos de las manos y los registros formales y discursivos se transforman en percepciones caleidoscópicas.

La reunión de estos trabajos supone en último término la conexión y la intermediación con otros lenguajes y otros mundos. Se concibe la escultura y la instalación como metamorfosis. Como catalizador o como médium. Donde todo sucede. Un trayecto donde se da el hecho escultórico; donde se hace la escultura (hacer haciéndose o como diría Josep María Esquirol, la vida viviéndose) despojada de un signi cado único en lo que se re ere a lo material para construir contenidos dinámicos.

Hay algo en lo fragmentario de los cuerpos y las palabras presentadas por estas artistas que se aproxima a la parataxis de Allen Ginsberg y su Aullido. Y se produce cierta contradicción en el encadenamiento fragmentado y roto. Como si todas las piezas de la muestra fueran al mismo tiempo las dos caras de una misma moneda que siempre cae de canto. Parece que las piezas, aunque desarrolladas con independencia unas de otras, propongan cierta reacción en cadena. La visión como nueva forma de hacer. Desquebrajando la continuidad de ese relato como la mano que entra y sale del chorro de agua o “la mano que sostiene un puñado de lluvia”. Es ahí, justo ahí, donde tiene lugar el trabajo de C. Pino, Crespo, Dot y Tharrats. Lava blanda que cubre los cuerpos y los volúmenes dispuestos en el espacio de la galería; que se arrastra y que repta como aquel desnudo bajando una escalera de Marcel Duchamp, aquel que precisamente en su continuidad rota abandonaba parte de su ser a su paso.

A esa corriente quebrada, discontinuidad del uido, aluden las piezas de todas las artistas: Lucía C. Pino lo explica en proyectos anteriores al referirse a un sistema circulatorio que pone en funcionamiento otra materia; June Crespo lo cuenta al hablar en algunos textos de formas cerradas pero rotas (es decir, abiertas nalmente); Anna Dot lo expone al disolver y fracturar el lenguaje en ruinas; y Rosa Tharrats al desa ar la otabilidad de los tejidos frente al hieratismo de vastas estructuras naturales y grandes piedras.

De ahí que lo psicodélico de la propuesta provenga de los efectos profundos sobre la naturaleza de la experiencia consciente. La alteración de la percepción del tiempo y del sentido que desactiva la lógica establecida de las piezas. El fenómeno, y su materialización, o como diría Karen Barad, “agencias enredadas” que indican ahora una nueva trayectoria.

La viscosidad de los materiales de Lucía C. Pino, sus metacrilatos enredados en las columnas de la sala de exposición, y sus piezas de asfalto como resistencia a un ciclo inmóvil; los cuerpos fragmentados y las estructura y módulos de aluminio en forma de mandíbula de June Crespo en la que las piezas se presentan como dientes y sus respectivos huecos; la articulación de Anna Dot mediante monosílabos, letras tiradas por el suelo convertidas en sonidos inconexos, y ruinas lingüísticas de la legendaria caída de la Torre de Babel; las composiciones lisérgicas de Tharrats y su “telepatía como forma de la nueva escultura” que eluden los códigos conocidos creando afecciones paradójicas entre extraños.

De esta manera, sin complejidades arti ciosas pero sin escabullirse de los interrogantes y cuestiones que la propia escultura, el sonido y la acción artística conlleva, a veces desde lo material, otras desde lo losó co y otras desde lo lúdico, la obra de C. Pino, Crespo, Dot y Tharrats se mani esta como auténticas “identidades nómadas”.

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Lucía C. Pino (Valencia, 1977), vive y trabaja en Barcelona. Su práctica artística estudia la escultura a través de la observación de materiales industriales y su contexto espacial, sus piezas se expanden causando una interacción entre el espacio y la persona que lo experimenta como si se tartase de una especie de conversación sobre la subjetividad y el vitalismo de las cosas. C. Pino ha mostrado su trabajo en distintos lugares como la Fundació Miró, el Macba, la galería Ana Mas Projects o el Coac de Barcelona.

June Crespo (Pamplona, 1982), vive y trabaja en Bilbao. A medio camino entre el object trouvé surrealista y la lógica del bricoleur que describe Lévi-Strauss, su trabajo parte de un gesto afectivo-asociativo sobre materiales recopilados y extraídos del sistema de producción y consumo. La unión o ensamblaje de éstos crea nuevas relaciones que dan lugar a diversas formas de extrañamiento, apropiación y re-contextualización. En su trayectoria cuenta con exposiciones individuales en el MARCO de Vigo o las galerías Carreras Múgica (Bilbao), etHALL (Barcelona) y P420 (Bologna) así como residencias y exposiciones colectivas como De Ateliers (Amsterdam) y Generaciones 2017 (La Casa Encendida, Madrid).

Anna Dot (Vic, 1991) Sus proyectos parten de investigaciones teóricas alrededor del lenguaje y la escritura que plasma en instalaciones conceptuales que han sido expuestas en distintos espacios artísticos como la Sala d’Art Jove, la Fundació Antoni Tàpies, Can Felipa Arts Visuals, la Blueproject Foundation o NauEstruch en Sabadell. También ha presentado su trabajo a escala internacional en la Galería Tiro al Blanco de Guadalajara (México) y en la Kunsthalle Mainz (Alemania).

Rosa Tharrats (Barcelona, 1983) centra su trabajo en prendas y tejidos a través de un enfoque interdisciplinar que abarca desde la moda a las artes visuales como una forma de narrar sensaciones. En el campo de las artes plásticas, ha expuesto de manera individual en la Galería Cadaqués en 2015, donde también ha participado en la exposición colectiva A Joseph Beuys en 2016 con su instalación textil Space for the 22nd Century. Recientemente ha colaborado con artistas como Jordi Colomer, Donna Huanca, Albert Serra o Gabriel Ventura y entre sus últimos trabajos se incluye el diseño del vestuario de las últimas piezas del Volksbühne de Berlín.

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