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Actividades paralelas

Paneroles –  4 al 12 de juny a la Fundació Joan Brossa

Blattodea convida el públic a observar de prop allò que habitualment prefereix mantenir a distància, transformant el rebuig en un terreny de trobada, reflexió i disputa. Des d’una mirada crítica i antifeixista, la peça reivindica els cossos, les identitats i les experiències situades als marges, fent dels marges mateixos el lloc des d’on parlar i crear.

La companyia Paneroles presenta Blattodea, una peça escènica de formats híbrids que transita entre la performance i el text per explorar la nostra relació amb allò que ens genera rebuig. A partir de la figura de la panerola, l’obra explora aquest límit, confrontant-nos amb tot allò que solem apartar, negar o considerar indesitjable.

L’espectacle adopta la forma d’una cerimònia commemorativa i, alhora, d’una vetllada d’arts marcials. En aquest espai ritualitzat, la confrontació esdevé un acte col·lectiu on la tensió entre atracció i repulsió, vulnerabilitat i resistència, pren cos a través de la paraula, l’acció i la presència escènica.

L’espectacle requereix que les persones espectadores portin la bossa d’escombraries de casa seva. Amb la teva participació, contribuiràs a crear l’obra!

Text de la companyia:

El canibalisme és l’instint que ens evoca a la supervivència. Les genives sagnen. Menjar carn humana dins l’abocador, una ganivetada al glutis, la rebel·lió més íntima. Després de tot, queda una muntanya de merda que no desapareix. Els cucs ballen hardcore dins la closca. Les mans, empastifades de vísceres. Les dents continuen buscant entre les mossegades.
Els budells pengen i algú riu, una panerola, perquè encara sap viure entre les runes. Diu: “Sóc jo, la cicatriu.” Hi ha bellesa dins l’abocador. Hi ha una redempció sense redempció. Dins l’ombra del contenidor, del fang i la deixalla, una boca oberta que escup: “Vomita per donar-te a llum.”
Hi ha sang, però ara és tinta per escriure una història dels que mai van tenir veu. El canibalisme es transforma en comunió, no per perdó, sinó per memòria. I en aquest abocador sagrat, la panerola, una criatura sense nom, ni gènere, ni por, s’aixeca entre la merda i diu: “Sóc el que queda. Sóc el que es rebel·la.»

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Laura Llaneli – 18 de abril en el Museu Tàpies 

Con Murmullo mudo, Laura Llaneli sitúa el sonido en un espacio de posibilidad inesperada. A través de una acción mínima pero sostenida, la artista desplaza la escucha hacia el terreno de la imaginación y nos invita a considerar hasta qué punto un sonido puede existir sin llegar a sonar. En un contexto cultural fuertemente dominado por la visualidad, esta propuesta de escucha imaginada se plantea como una práctica capaz de alterar, aunque sea provisionalmente, el frenesí perceptivo que atraviesa la vida contemporánea.

Fruto de una investigación continuada en torno a la percepción y la transmisión sonora, la performance adopta la forma de una partitura sin sonidos, abierta a la resonancia singular y a la vez colectiva de cada espectadorx. Entre la evocación de los sonidos que configuran la cotidianidad institucional del museo, los del tejido urbano y los de los entornos naturales, emergen fricciones y expectativas que a menudo quedan en un segundo plano, pero que modelan de forma decisiva nuestra experiencia sensible.

De este modo, la terraza del museo se vuelve especialmente permeable a estas tensiones. Situada al mismo tiempo dentro y fuera de la institución, en un lugar aparentemente resguardado pero expuesto a los ruidos cambiantes de la ciudad que se filtran en él, se configura como un escenario privilegiado para una escucha atenta de los murmullos (mudos) que a menudo pasan inadvertidos y que, sin estridencias, modelan sutilmente nuestra percepción colectiva.

Actividad realizada en el marco de la edición 2026 del ciclo “Seguint el sol” del Museu Tàpies, que porta per títol “Destapar la mirada” i està comissariat per Carolina Ciuti.

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La obra de Laura Llaneli (Granada, 1986) explora la relación entre la producción sonora y la experiencia, el lenguaje y las prácticas de las artes visuales contemporáneas. Sus trabajos hacen hincapié en el impacto de las variaciones sobre patrones y estructuras estables en determinados productos culturales; al mismo tiempo, ponen a prueba la resistencia del lenguaje como código y del sonido como icono social.

Llaneli está representada por ADN Galeria y, entre sus premios, destacan Art for Change 2019, el Premio Miquel Casablancas 2018 y el Premio Embarrat 2017. Ha realizado exposiciones individuales en espacios nacionales e internacionales, como el Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa (Barcelona), La Capella (Barcelona), Casal Solleric (Palma), ADN Galeria (Barcelona), Fundació Joan Miró (Barcelona), Casaplan (Valparaíso, Chile), Swinton&Grant (Madrid) y Art3 (Valence, Francia). También ha participado en exposiciones colectivas en Lo Pati (Amposta), The Clemente’s (Nueva York), el Palacio Condes de Gabia (Granada), el Centro Rafael Botí (Córdoba), Tecla Sala (L’Hospitalet de Llobregat) y la Casa de Velázquez (Madrid), entre otros. Ha presentado sus performances en festivales como Asistir 2022 (México), Signal Reload (Cerdeña), Intermediale (Polonia), Mixtur (Barcelona), POESIA i + (Caldes d’Estrac), CAAMsonora (Gran Canaria), LEM (Barcelona), Tsonami IX (Chile) y Eufònic (Terres de l’Ebre).

Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursó estudios musicales y se diplomó en Diseño Gráfico. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y tiene un máster en Arte Sonoro y un máster en formación del profesorado por la misma universidad.

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27 de febrero en La Caldera 

Si de la conjunción de un rayo y un cadáver es una investigación en torno a la muerte y las necropolíticas situadas a través de la práctica del flamenco_danza española, la cultura hip hop y el Drag King. Mediante una pregunta abierta sobre las masculinidades y orbitando esta noción de Achile Mbembé, el proyecto trabaja tejiendo nuevas gramáticas del duelo a través de un archivo de referencias y referentes propies.

Bailando entre las espirales del tiempo, de cementerio en cementerio, nace José Remedios Bienamargo. Si de la conjunción de un rayo y un cadáver reflexiona, pues, sobre la pérdida, la resignificación de la vida, la muerte y la hermandad en primera persona, donde los diálogos entre los procesos de investigación y de puesta en escena se convierten en una cartografía del duelo y de la celebración que se atraviesan simultáneamente.

Buscando ensayar dispositivos participativos desde las artes en vivo, se recogen inquietudes didácticas y dramatúrgicas sobre la figura del DJ (Disc Jockey) y del MC (Master of Ceremonies), herencia de las danzas urbanas. Esta investigación performativa gira en torno a memorias, experiencias y sus contextos situados, desde una subjetividad xarnega, materializando e imaginando gestos de reparación desde los lenguajes escénicos, con el fin de, como dice la Associació Abilis, “politizar nuestro malestar”. Una tentativa de acoger preguntas sobre el archivo —encarnado y encuerpado— y su transmisión desde los estudios queer, desde una voz y posicionamiento de enunciación de la disidencia sexo-género y sus afectividades, las formas de generar afectos que de ellas se derivan.

Esther Solé Alarcón(1998) es artista, performer e investigadore de Barcelona. Se gradúa en Artes y Diseño en la Escola Massana (2016-2021) y continúa su formación en Pedagogía de la danza (Institut del Teatre, 2020-en curso).

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Mónica Valenciano – 18 de diciembre en la Museu Tàpies – Más información (entrada libre)

Se trata de una puesta en juego sucediendo,

a partir de una Constelación-laberinto de 16 Imágenes a revelar in-situ.

 

En el movimiento de las imágenes se barajan múltiples cuerpos, tiempos y texturas ,

des-cubriendo relaciones inesperadas que siembran el espacio de una la llamada .

 

Acuden parpadeos de una presencia común y cante…

desde esa mota de polvo, la acogida posible de un soplo

s-acude y danza .

 

A través de este proceso de impregnación – con-movida por el imaginario de Tapies ,

escucho el semillero de su resonancia .

 

Des-plegar la voz del cuerpo escondido en el cuerpo que baila

al encuentro de esa polifonía que más que explicar…

implica , modos de habitar el suceder mismo dentro – tras – bajo – entre – con – lo que hay

muerde la memoria ?

los puntos, son de la cicatriz ?

y el aire, lo ves ?

 

– Dejar ver aquella llamada en la que algo se presenta

– Generar la potencialidad del acontecer como modo de surgimiento .

 

–  … .  . .   ..    .

 

” El acontecimiento se esconde plegado en el tránsito entre uno y otro gesto ,

así todo instante es potencialmente una puerta que se abre ..”(Pascal Quignard).

 

* Dar cuerpo a las imágenes .. Invitan :

 

Restos de una risa en las nubes – atentamente sopla lo que ves – bailar el palpitar de un hueco – lo que arrastra ese golpe , lo ves ? – circuitos de un aroma dentro – convertirte en lo que ves – un desmayo de la luna en tu rostro.

 

TR_ES PASAJES PARA UNA CORPOGRAFÏA POSIBLE :

 

En el lugar de los pasos perdidos

la puerta llama, hiere y se divierte

asomando en el despiste deja ver –

lo invisible en el centro del acecho ,

juega un soplo de cenizas al vuelo

entre los panes y los peces se contonea el espanto ,

el momento nómada canta

borracho tropieza en un niño

donde rompen las letras

me re-une la canción, dice

precipicio que callo.

 

Aquí el temblor de la piedra

lentamente cae desplegando

tiempo reversible

de un mundo desmayado sobre el ala,

aquí soplan huesos escondidos

arrullando el instante llega

a ver un asombro bailar

a cicatrices el viento y

mar adentro la distancia a gritos que tocar.

Aquí era cualquier parte.

 

9 puertas y el palpito

entre los dedos un chasquido

es la banda sonora ,

en el fondo soy el perro

que olfatea entre las hojas caídas

ese hueco aún sin nombre

nombre

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Recreación de la performance Volar: Bombas de papel, de Joan Brossa, Josep Mañà e Isidre Vallès (1978) x Jaume Clotet, con la colaboración de Cabaret Internet.

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Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa 

Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.

Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.

Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.

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Ona Bros – 22 de enero en Arts Santa Mònica 

Entre una conferència performativa i una experiència somàtica, Ona Bros presenta Ge-B-Re, on posa en relació camps diversos com les biociències modernes, les tecnologies del fred o els diaris personals. Ge-B-Re beu de la seva recerca entorn les narratives de la genètica en el marc de les bioeconomies globals cryotecnològiques en un món que s’està fonent.

La proposta que es presenta vol ser un abordatge a les bastides tecno-epistèmiques que sostenen una certa noció d’objectivitat i de predictibilitat en relació a les corporalitats, un exercici de resignificacions tèrmiques d’allò que entenem per vida i mort dels organismes vinculats.

Más información. Entrada libre hasta completar aforo.

Ona Bros: Artista/investigadora. Llicenciada en Història de l’Art (UB), Màster en Producció i Investigació Artística, Facultat de Belles Arts (UB) i graduada en Fotografia pel Centre de la Imatge i la Tecnologia Multimèdia (UPC). La seva praxis es centra en l’atenció política a les imatges com a catalitzadores de complexos semiòtic-tècnic-materials. Els seus projectes són encossats i situats. Treballa en una nodrida xarxa de col·laboracions i ressonàncies col·lectives. Des de 2021 es pregunta sobre les continuïtats i discontinuïtats que les tecnociències modernes patriarco-colonials suposen per a l’àmbit de la genètica i els mercats reproductius, per a detectar potències afirmatives des del projecte BetaBlastoCuir.  Actualment està iniciant la recerca CRYO. Treballa en fotografia, video, text i arts en viu.

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Del 17/10/24 al 12/01/25 en Can Felipa

Exposició Resbalar (Una cosa)

Inauguració 17.10.2024 > 19 h

Del 17.10.2024 al 12.01.2025

A cura de Iñigo Villafranca Apesteguia i Lorenzo Galgó

Amb Nazario Díaz, Valerian Goalec, Leire Lacunza Miranda, Luis Lecea Romera, Augustine Zegers, Daniel Llaría.

Aparador de metacrilat,
dins seu, arraulits, diferents
sobres sobresurten pel seu volum i
queden organitzats de manera irregular.
A sobre, una petita muntanya de flors seques.
Es coneix que a determinada hora del dia,
aquest cantó rep llum directa del sol.

Reduir l’art a les coses és tancar molt les possibilitats d’agitació.

L’exposició s’articula com una situació on el material s’ordena per permetre una forma de trobada que propicia la sorpresa i la insinuació.

Gestos, subtilitat i lleugeresa.

Les exposicions prometen ser una compilació d’objectes, imatges i experiències contrastades, fixes, presumptament accessibles des de la contemplació.

Deixem una cosa clara: Fer objectes és una possibilitat, entre moltes altres, quan un parla de fer art. Des de fora, aquesta exposició està dissenyada com un esquer, una imatge rica i una aroma embriagadora. Un cop dins, l’exposició es desplega i utilitza les imatges com a bastida des de les quals treballar tot un conjunt d’entramats pedagògics al voltant del material “art”, fent-ho en una situació oberta i sensible.

Si hi ha alguna cosa a la sala,

són plecs a l’espai de Can Felipa.

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