— MuroTRON

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao inicia el 28 de septiembre la temporada 2023-2024 con AZzabalik, el Encuentro en torno a la Creación Artística para conocer, compartir y experimentar en torno a la producción contemporánea con artistas del Centro.

Hacer Hincapié, activación de la instalación de Mapa Teatro | Jueves 16 de marzo en el MACBA de Barcelona

Lectura performativa que activa el caminar y la palabra con la práctica de María Teresa Hincapié. Una reflexión en torno al archivo como material intangible, en constante cambio y mutación, al igual que la voz, con sus modulaciones, frecuencias y pausas. Una conversación con los textos y gestos sobrevivientes de una artistaa partir de un movimiento infinito que se hace tangible a través del cuerpo de Heidi y Rolf Abderhalden, de Mapa Teatro.

Mapa Teatro es un laboratorio de artistas dedicado a la creación artística transdisciplinar.

Más información: MACBA

16 de diciembre en El Pumarejo

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Berta Solé Rosell
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El CREA , la fiesta del Distrito Cultural de L’Hospitalet, celebra una nueva edición los días 4 y 5 de noviembre en varios lugares creativos de la ciudad, donde se aglutinará todo el tejido artístico y creativo del Distrito Cultural. El Ayuntamiento de Hospitalet es el organizador de esta festividad que se celebra de forma anual desde hace cinco años. Este año, contará con muchas intervenciones artísticas en artes visuales, artes performativas, música y diseño.

En su sexta edición, el objetivo de esta fiesta es hacer trabajar conjuntamente espacios, colectivos, artistas y curadoras potenciando las acciones artísticas cruzadas, sacando a los artistas de su marco y haciendo que los espacios acojan nuevos talentos y disciplinas . El resultado se materializa en un programa de acciones artísticas que comprenden diversas disciplinas (artes visuales, artes performativas, música, diseño…), que se exhibirán en diferentes espacios de creación y producción de la ciudad, espacios privados que no suelen estar abiertos al público.

El CREA ha buscado la complicidad de siete curadores/as con alto conocimiento de los potenciales del Distrito Cultural, que han ayudado a conducir los procesos de trabajo ya mediar para que el resultado del CREA sea coherente, equilibrado, auténtico y de calidad.

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El viernes 4 de noviembre, de 17 a 23 h, y el sábado 5 de noviembre, de 11 a 24 h, nueve espacios de la ciudad se abrirán para acoger intervenciones artísticas de artistas y colectivos que han elegido L’Hospitalet por desarrollar sus proyectos. Todas las acciones artísticas están curadas por profesionales vinculados a espacios de creación de la ciudad.

PROGRAMA

El olor de tu pelo , performance a cargo de Julia Barbany y Carolina Olivares como curadora. Se podrá ver en Sociedad 0 (rambla de la Marina, 456, 5º). El viernes 4, a las 20 h, y el sábado 5, de 18 ha 20 h.

Al final de la escalera , intervención en artes visuales de Martín Vitaliti del espacio Salamina y Caterina Almirall como curadora. Tendrá lugar en Trama34, en la calle Isaac Peral, 7. El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Tengo el pelo de punta , instalación site-specific de Rodrigue Mouchez, y Danza en desarraigo, sesión de música techno a cargo de María Gatasanta. Ambos artistas, del espacio Trama34, llevarán a cabo su intervención en Fase (avenida del Carrilet, 183, local E). Curadora, Gisela Chillida. La instalación podrá visitarse el viernes 4, de 17 a 21 h, y el sábado 5, de 16 a 19 h. La sesión de techno será el viernes 4, de 21 a 23 h.

Vidas aisladas , instalación site-specific a cargo de Bel Mur de la Tonal’h y con Jordi Garrido como curador. Se podrá ver en el Edificio Freixas (calle de la Glòria, 7). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado, 5 de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Prosperidad , proyecto escultórico de German Consetti, artista residente en el Edificio Freixas. Curador, Jordi Garrido. Se podrá ver en la nave Tonal’h, espacio de La Terca (calle de Juan Ramon Jiménez, 22). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Número , performance y escultura, por Mònica Planas y Àlex Palacín de Drácula. Núria Gómez Gabriel, curadora. Tendrá lugar en la Infinita (avenida del Carrilet, 237, 3º) el viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

BAR1 , el bar como espacio lleno de intención artística, un proyecto   de Sociedad 0 y con Saúl Baeza como curador. Tendrá lugar en el espacio Drácula (calle de Leonardo da Vinci, 21). El 4 y 5 de noviembre de 19 a 22 h.

Jaleos y manduca , por Víctor Jaenada (Fase) y Pere Llobera (Salamina) y Zaida Trallero, curadora. Jaleos es un momento de conciencia colectiva del sitio, de los demás y de nosotros. El sábado 5 de noviembre, de 12.30 a 16 h, en la Bodega Salan (calle de la Ciudad Condal, 8), con la participación de Lara Fluxà (Fase), Marc Herrero (Fase), Marc Vives, Ana Brenes ( cantaora ) y la Rata de Bellvitge.

Para finalizar el fin de semana de actividades del CREA, El Pumarejo (avenida del Carrilet, 187, nave 4) ofrecerá dos sesiones con Dudu Bongo (22.30 h) y DJ siete por Alesh3000 (23.45 h).

Amalia Fernández

Del 4 al 6 de febrero en Azkuna Zentroa

El proyecto “Expografía retrospectiva” de la artista Amalia Fernández reflexiona sobre la transposición de los códigos del museo teatral y sobre lo que ocurre cuando el individuo (en este caso el performer) se convierte en objeto de exposición.

Este proyecto site-especific, está completamente ligado al lugar en el que tiene lugar, «como arquitectura material y física, como lugar de trabajo y de producción de obra», interpreta Isabel de Naverán, Investigadora asociada a Azkuna Zentroa.

Se trata de  una serie de situaciones-objeto, activadas por performers, cuyo contenido es, en versión instalativa, la retrospectiva de las piezas escénicas de la artista. Amalia Fernández lleva tiempo reflexionando a través de sus piezas ya realizadas. La artista «se resiste en cierto sentido a la tendencia proyectiva que va siempre hacia delante en la producción de obra nueva para, en su lugar, revisitar materiales trabajados y ver en ellos lo novedoso», explica Isabel de Naverán. Es «Un ‘ir hacia atrás’ que ya había explorado antes», añade.

Para desarrollar este proyecto, Amalia Fernández realiza un periodo de residencia entre el 22 de enero y el 6 de febrero, experimentando los tres edificios de Azkuna Zentroa, llenos de pasillos, crujías y numerosos rincones escondidos, desconocidos por el público. A partir de esa estancia e investigación de espacios, decide los fragmentos de sus anteriores piezas que se podrán revisitar en esos lugares.

Así, en esta pieza de siete horas de duración no consecutiva, los tres edificios del Centro se convierten en el espacio clave para la dramaturgia de la pieza, donde seis performers utilizarán estos espacios para activar varias obras en formato de instalación museística, por las que el público podrá deambular (entrar y salir) como si de un enorme museo se tratase.

AMALIA FERNÁNDEZ (Granada, 1970) vive en Madrid desde 1998. A pesar de haber aprendido de mucha gente, considera su maestra a Mónica Valenciano con la que trabajó durante 11 años en la Cía. El Bailadero. En 2005 comenzó a trabajar en solitario con piezas como Matrioshka, Kratimosha o En Construccion; El resistente y delicado hilo musical y Expografía, entre otros; y también en colaboración con artistas como Shichimi Togarashi con Juan Dominguez o Perrita China con Nilo Gallego. Amalia Fernández se dedica paralelamente a la docencia impartiendo laboratorios a artistas además de ser profesora de yoga Iyengar.

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Sábado 3 de octubre, 18:00, Foyer del Mercat de les Flors
Gratuito. Aforo limitado

Con LAURENT PICHAUD y CARME TORRENT

(Traductora-intérprete: Emma Soler)

Dentro de la Constelación DEBORAH HAY

«Creo que toda mi experiencia como profesora y como coreógrafa ha sido una búsqueda: casi podría describir todo mi proceso como la búsqueda de un lenguaje que permita comunicar instrucciones de movimiento de la manera más simple, natural y rápida posible.» Esta cita de Deborah Hay resume una de las singularidades de la obra artística de esta coreógrafa: la creación de un lenguaje oral y escrito dentro del mismo proceso coreográfico. Por quien se interesen en esta singularidad, numerosos libros, artículos, cartas, grabaciones de audio y dibujos que forman parte de los archivos de Deborah Hay son una mina para comprender como una bailarina y coreógrafa compone un lenguaje que va más allá de las meras cuestiones coreográficas o literarias. Una coreógrafa-que-escribe, escribirá de manera diferente a una escritora? Una coreógrafa-que-habla, como predispondrá los bailarines en un estado imaginario determinado? Una coreógrafa-que-dibuja, como irá más allá de la simple práctica de la notación en danza? Los elementos que se presentan en la instalación Escribiendo como corèografa dan testigo de esta particular creatividad y permiten a los visitantes experimentar el lenguaje de Deborah Hay en su propio cuerpo.

Además de la instalación, la performance conferencia Traduciendo como bailarín(a), complementa este enfoque y examina la manera en la que los bailarines reciben y juegan con la “coreografía del lenguaje” que los ofrece Deborah Hay.

Laurent Pichaud es coreógrafo e intérprete de danza, director artístico de la compañía x-sur arte / site compañero y artista investigador invitado al Departamento de danza de la Universidad Paris 8.

El proceso de Laurent como creador y como investigador se centra en el uso del gesto coreográfico fuera de los contextos artísticos tradicionales o escénicos. Su obra incluye dos ejes principales. El primero trata prácticas site specific y proyectos comunitarios creados con no bailarines, como sus últimos proyectos: mon nom des habitants 2014·2018 2014·2018 -sobre monumentos conmemorativos de guerra- y … en jumelle -sobre ciudades gemelas-, que se estrenó en junio de 2019. El segundo eje corresponde a su polifacética colaboración con Deborah Hay, para quien ha sido intérprete en O, O (2006), asistente coreográfico (desde el 2008), co-coreógrafo en indivisibilities (2011) y archivero (desde el 2014). Más recientemente, también ha asumido el papel de traductor de la obra de Hay; su traducción ampliada de My Body, the Buddhist al francés fue publicada el 2017 y sirve para estudiar el funcionamiento de la escritura tanto para la documentación como para la transmisión en el proceso coreográfico.

El 2018 inició un doctorado creativo en la Universidad Paris 8 titulado Engaging-specificity site inside the work of another artist: Laurent Pichaud / Deborah Hay donde da un paso más en el desarrollo de la relación entre sus procesos creativos y de investigación, y su colaboración central.

Carme Torrent estudia arquitectura en la Universitat de Barcelona mientras trabaja en varios estudios, como el de Enric Miralles. Paralelamente, desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza, en solitario y con otros artistas como: Min Tanaka, Carmelo Salazar y Xavier Le Roy.

Interesada por el trabajo del Body Weather (laboratorio de climatología corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, viaja a Japón y entre el 2000 y el 2009 colabora regularmente con la compañía Tokason dirigida por Min Tanaka. Del 2012 al 2016, colabora con el coreógrafo Xavier Le Roy en propuestas para espacios expositivos.

Imparte talleres en el MACAP-Máster d´Artes Escénicas, Girona-Liubliana-Dartington (2008-2009) y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E en Montpellier (2014-2020).

Más información: https://mercatflors.cat/es/activitat/conferencia-performativa-traduciendo-como-bailarina/

16 conferencias performativas de Jesús Acevedo, Belén Cueto, Marta de Gonzalo, Rafael Lamata, Publio Pérez Prieto, Rafael Suárez, Jaime Vallaure y François Winberg

19 y 20 de septiembre de 2020 en el MACBA. / Lugar: Sala de exposiciones y emisión en directo por streaming. / Sin inscripción previa. Aforo limitado.

El Circo Interior Bruto nos invita a asistir al congreso interno en el que nos mostrará abiertamente su proceso de creación. Cada artista presentará al resto del colectivo una serie de ponencias performativas entendidas de una forma amplia y abierta, en la que se reflexionará desde el presente sobre aspectos del pasado y del futuro. Nadie conoce el contenido de antemano. Los congresos internos del Circo Interior Bruto han sido una herramienta que los artistas han empleado para repensarse colectivamente en diferentes momentos de su trayectoria. A partir de este congreso, los artistas convertirán la sala expositiva en un laboratorio de creación abierto al que cada semana, de octubre de 2020 a enero de 2021, se irán sumando nuevos contenidos y activaciones, en directo en salas, en streaming o a través de la web, hasta llegar a la función El futuro, el sábado 6 de febrero de 2021.

Circo Interior Bruto (CIB) (1999-2005 y, desde 2017, en activo) es un colectivo de artistas que, desde finales de los noventa, se dedica a la investigación artística en un ámbito difuso entre la performance, el humor, la poesía visual-fonética y el juego. Su práctica surge de la necesidad de generar un trabajo colectivo que trascienda la creación individual y de la apuesta por un modo experimental de enfrentarse a problemáticas sociales y conceptuales. Una vez madurado, este trabajo de investigación se presenta en funciones únicas, en la primera etapa en su espacio autogestionado en Lavapiés, Madrid, y, desde su reencuentro en 2017, adaptándose a espacios escénicos y museos.

En la exposición Acción. Una historia provisional de los 90, Circo Interior Bruto huye de una lectura historicista y documental de su trayectoria y propone mostrar durante toda la exposición su proceso de trabajo. Para ello se establecen tres momentos o intensidades: el Congreso (19-20 de septiembre) el Laboratorio semanal (octubre de 2020 – enero de 2021) y la función final El futuro, el 6 de febrero de 2021.

PROGRAMA

SÁBADO 19 DE SEPTIEMBRE

11:00h

Preparación interna CIB

El pasado

11:10h Ponencia 1: Rafael Lamata Cotanda

11:50h Ponencia 2: Jaime Vallaure

12:30h Ponencia 3: Jesús Acevedo

13:20h Ponencia 4: Rafael Suárez

14:00h Ponencia 5: Fran Winberg Nodal

14:40-16:10h Pausa

16:10h Ponencia 6: Belén Cueto

16:50h Ponencia 7: Marta de Gonzalo Arenillas

17:30h Ponencia 8: Publio Pérez Prieto

El futuro

18:20h Ponencia 9: Publio Pérez Prieto y Marta de Gonzalo Arenillas

19:00h Ponencia 10: Belén Cueto

19:40h Ponencia 11: Fran Winberg Noda

DOMINGO 20 DE SEPTIEMBRE

11:00h Ponencia 12: Rafael Suárez

11:40h Ponencia 13: Jesús Acevedo

12:30h Ponencia 14: Jaime Vallaure

13:10h Ponencia 15: Rafael Lamata Cotanda

13:50-14:30h Conclusiones

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9 y 10 de julio en Azkuna Zentroa

El ensayo de la exposición (1977-2017) es un proyecto de colaboración entre Bulegoa z/b y Azkuna Zentroa. Su objetivo es el estudio de exposiciones concretas que tuvieron lugar entre 1977 y 2017. Para ello se desarrollan diversos encuentros internacionales, centrado cada uno de ellos en una década.

Hasta el momento se han desarrollado dos encuentros: el primero en formato Prólogo y el segundo dedicado a la década comprendida entre 1977 y 1987. En el encuentro de 2019, que tendrá lugar el 9 y 10 de julio, se estudiarán casos de la década 1987-1997.

Durante los encuentros de 2019 se introduce una modalidad de participación mediante comunicaciones, para lo que se abre una convocatoria internacional entre el 1 de abril y el 3 de junio. Las comunicaciones serán elegidas tras una revisión de los resúmenes por parte de un comité de selección compuesto por Azkuna Zentroa, Bulegoa z/b y la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea.

SEGUNDO ENCUENTRO: 1987-1997
Los años que comprende el periodo 1987-1997 coinciden con el inicio de toda una serie de cambios que marcarán las décadas siguientes: el reordenamiento geopolítico tras la caída del muro de Berlín en 1989 y la consiguiente proclamación del fin de las ideologías, la aceleración de los procesos de globalización, la crisis del SIDA…

El ámbito del arte no será ajeno a este proceso de cambios. A finales de los años 80, da comienzo lo que se dará en llamar el “boom” del arte contemporáneo, fenómeno caracterizado por el aumento del valor de mercado de las obras de artistas vivos y la proliferación de museos de arte contemporáneo, bienales y grandes exposiciones por todo el mundo. Otro fenómeno asociado al boom del arte será la centralidad que las instituciones museísticas tendrán en la configuración de un nuevo modelo económico de ciudad como polo de atracción del turismo.

En el contexto local del País Vasco, la década comienza con la apertura de Arteleku en 1987 en Donostia-San Sebastián y se cierra en 1997 con la del Guggenheim-Bilbao, un museo que inaugurará un nuevo modelo global de ciudad como polo de atracción del turismo y el consumo cultural.

Ponentes: Aimar Arriola, Catherine David, Corinne Diserens, Ines Schaber, Joaquín Vázquez, Rachel Weiss.