— MuroTRON

Con las mismas ganas de primavera que de una nueva edición de IN_prescindibles, que este marzo ya será la 57ª edición.

Durante 14 días, tres artistas de procedencias diversas comparten tiempo, espacio y procesos creativos en La Fabra, dando forma a tres proyectos en pleno estado de mutación: Georgia Vardarou, Inés Sybille y Julia de la Torre.

Los días 27 y 28 de marzo, el proceso se hace visible. El público es invitado a entrar como testigo cercano, acompañando esta práctica escénica IN_acabada, frágil y potente a la vez, tal y como se manifiesta cuando todavía está en construcción.

El encuentro continuará en La Cantina Poderosa, un espacio para compartir, celebrar y permitir que el proceso se despliegue también desde la fiesta y la complicidad colectiva.

El viernes 27 de marzo, la jornada se cerrará con una conversación postfunción en el BAR con Malen Iturri y las artistas.

Más información y entradas.

50 años de España en libertad – Ciclo plazas y performances: La mirada al frente y las raíces en el suelo | 28 de marzo en València

A mediados de los ochenta, cuando el Teatro Independiente se profesionalizaba y se desdibujaba su fuerza como altavoz y revulsivo social, las artes escénicas sufrieron otro bendito vendaval: el de la danza. Una generación que cambió no solo el rumbo de la danza, sino del teatro, el circo, la ópera o cualquier manifestación artística sobre la escena. La ensanchó, con la presencia del cuerpo, con un tiempo y una concepción que surgía antes de lo poético que de lo narrativo, y con unos métodos de trabajo que convertían el espacio en un lugar de riesgo, donde lo “bailado” estaba sujeto al happening, a la relación con el espacio, el tiempo y el público.

Si hay un momento significativo de aquel recorrido, iniciático, puede ser cuando María Muñoz y Mónica Valenciano se encontraron en una sesión de improvisación y, en ella, nació la danza contemporánea tal y como hoy la entendemos. España en libertad, las ha invitado a encontrarse de nuevo en una pieza creada específicamente para el claustro del Centre Cultural de la Nau, titulado Che si può fare, che si può dire. 

Alrededor de ese acontecimiento se organiza un encuentro sobre la danza. Valencia, a través de su Festival Dansa Valencia, ha sido y sigue siendo epicentro de esta arte escénica en España. Además, esta región ha sido un vivero continuo de experiencias y artistas fundamentales para la danza. De ahí que la elección de la plaza se impusiera.

Programa: 

Centre Cultural La Nau, Universitat de València

12:00 h. Encuentro sobre la danza
14:30 h. Comida
16:30 h. Encuentro sobre la danza
19:15 h. Presentación de Che si può fare, che si può dire

El Consulado

21:15 h. Muestra de videos y fiesta.

Esta propuesta nace con la voluntad poder mirar el pasado y el presente de la danza contemporánea en España, desde sus inicios en los años ochenta hasta la actualidad. En el transcurso de estas cuatro décadas, un lenguaje que en sus orígenes se percibía como experimental y minoritario ha evolucionado hacia una forma de expresión consolidada, capaz de articular preguntas y tensiones propias de su tiempo: desde lo político y lo social, hasta lo íntimo y lo comunitario

Ficha técnica: Che si può fare, che si può dire

Creación y danza: Mónica Valenciano, María Muñoz
Coro FARAIG
Director del coro: Christian Roca
Asistente musical: Quiteria Muñoz
Acompañamiento artístico: Pep Ramis
Técnico de iluminación y sonido: Andreu Bramon

María Muñoz (Valencia, 1963) y Mónica Valenciano (Las Palmas, 1961) son dos de las creadoras de danza más disruptivas, geniales y fundamentales de los últimos cuarenta años en España. Por primera vez se han juntado para sacar adelante una pieza. Lo hacen junto al coro Faraig, con ecos de la compositora italiana del siglo XVII Barbara Strozzi y con el recuerdo de esas dos jóvenes que en los ochenta se vestían de hombre en unas calles en las que todavía no se hablaba de género y patriarcado, pero donde había que luchar por cada centímetro. Pura lucha diaria ante la cosificación, tanto social como artística, de la mujer.

Más información: 50 años de España en libertad

Del 6 a 14 de marzo en La Casa Encendida

La escuelita del acontecimiento es heredera de la larga trayectoria de La Casa Encendida como lugar irradiador para las artes escénicas a través de una genealogía de festivales y encuentros comisariados por artistas en las últimas dos décadas. Para esta primera edición, María Jerez abre tres diálogos con Juan Domínguez, Paz Rojo y Fernando Gandasegui —responsables de proyectos desarrollados en La Casa como In-Presentable, ¿Y si dejáramos de ser (artistas)?, ¿Qué puede un cuerpo? o Domingo—. A partir de estas tres conversaciones se entretejen las propuestas que conforman la primera edición de esta escuelita sui generis. Cada sesión compaginará conversaciones, charlas, encuentros, escuchas y experiencias estéticas.

Nos acompañan en esta edición:

Juan Domínguez, Paz Rojo y Fernando Gandasegui, Nekane Santamaría, Andrea Soto Calderón, Victoria Pérez Royo, Noela Covelo, Kike García, Las Nenas Theatre, María Jurado, Élan d’Orphium, Alejandra Pombo Su, Arantxa Martínez y Celia Ramos, Los Pintores, Carlos Pulpón, David Herráez y Beatriz Vaca, Laura Ramírez Ashbaugh & Macarena Bielski (aka Under the pulse), Aimar Pérez Galí, Roger Adam y Jaime Conde-Salazar .

La escuelita apuesta, así, por habitar las huellas, entendiendo que el pasado es el material vivo con el que debemos ensayar el futuro. Para ello, el comisariado deja de centrarse en organizar y controlar contenidos y en su lugar se crean situaciones y espacios para estar en comunidad, compartir y entrar en contacto. Así, una relación llamará a otra, creando por roce, curiosidad, inquietud, cercanía o amistad una constelación de personas con las que leer, escuchar, sonar, pensar, escribir, aprender, gritar, cantar, llorar, bailar e inventar rituales.

La escuelita del acontecimiento tendrá lugar sobre un gran manto tejido en un taller previo organizado por Especies en Extinción (con Javi Cruz, Cuqui Jerez y María Jerez), al que invitamos a participar a toda persona que quiera sumarse los días 6, 7 y 8 de marzo en el Torreón de La Casa Encendida. En él, se coserán fragmentos textiles de piezas y procesos de artistas que han querido enviar su aportación y lo siguen haciendo, como: Ben Evans, Sara Manente, Marcos Simoes, Nada Gambier, Federico Vladimir y Pablo Lilienfeld, Gaetan Boulourde, Quim Pujol, Silvia Zayas, Bea Fernández, Mónica Muntaner, Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol & Cris Blanco, Norberto Llopis Segarra, Taller Placer/ Paula Miralles & Vicente Arlandis, Sociedad Doctor Alonso,  Julia Irango, Cuqui Jerez, María Tamarit,  Javier J Hedrosa & Paula Romero, Edurne Rubio, Catalina Insignares, Bárbara Bañuelos, María Jerez,  Juan Domínguez, Laura Bañuelos, Kike García, El Conde de Torrefiel, Paz Rojo, Laura Ramírez Ashbaugh, Aimar Pérez Galí, Arantxa Martínez, Jaime Conde Salazar, Los Torreznos, Amalia Fernández, La Tristura, Marta Azparren, Mette Edvardsen, Eva Meyer-Keller, Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Maral Kekejian, Los Bárbaros, Victoria Pérez Royo, Emilio Tomé … entre otras.

A su vez, contaremos con una mesa de publicaciones a cargo de Imprenta San Delfín, que recoge libros, fanzines, dibujos y cuadernos —autoeditados o no— que expanden el trabajo de artistas y pensadoras.

La escuelita del acontecimiento ocupa el Patio de La Casa Encendida durante los días 13 y 14 de marzo en dos sesiones vespertinas y una matinal.

A través de esta página se puede adquirir una entrada para cada sesión o un abono para las tres.

– Viernes 13 de marzo de 18 h a 22 h

– Sábado 14 de marzo de 11 h a 14 h

– Sábado 14 de marzo de 16 h a 21 h

“El título de La escuelita del acontecimiento surge de una conversación con Leticia Skrycky, iluminadora uruguaya con la que trabajo desde hace años. En aquel encuentro, Leticia hablaba de la promiscuidad de saberes que acarreamos en nuestras prácticas artísticas: un hacer que se enmarca en el arte en vivo, navegando entre lo coreográfico, lo performativo, lo cinematográfico, lo visual, lo plástico, lo sonoro, lo escenográfico y lo lumínico. Siempre al margen de las categorías, estas prácticas habitan lo liminal, un “entre” múltiple que se ve forzado a reivindicar su lugar en un mundo abocado a la definición y lo categórico. Estos saberes promiscuos son los que nos convierten en expertas en el acontecimiento, que es como ser expertas en todo y en nada a la vez. Somos, a la vez, expertas e ignorantes, porque nuestro conocimiento es inestable; está vivo y busca siempre un hueco por el que mutar y poner en jaque las estructuras y las infraestructuras que tienen que participar de esa mutación para poder seguir acompañándolos.

Creemos pertinente iniciar una escuela que funcione como marco para imaginar otros modos de encuentro, de estar juntas, de hacer circular esos saberes, de afectar y dejarnos afectar, un espacio que abra grietas para la posibilidad, nos conecte intergeneracionalmente y nos brinde cobijo cuando fuera hace frío. La idea de escuela nos sirve de excusa para ensayar otras formas de colectividad, desplazando nuestras prácticas hacia lo común. Invocando juntas el acontecimiento”.

María Jerez (Madrid, 1978). Su trabajo se sitúa “entre” la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés en sus primeras piezas por las convenciones teatrales y cinematográficas, y la comprensión implícita del espectador de las mismas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo orgánico y lo artificial, lo animado y lo inanimado. Su trabajo trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el propio conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos.

María Jerez combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales.

Es parte de la oficina colectiva de producción e investigación Dorothy Michaels.   

Ilustración: ©Alejandra Pombo

Más info y entradas. 

David Rodríguez Solás – 4 de marzo en La Madraza 

La presencia de la performance política en las calles, junto a las protestas en defensa de la libertad de expresión, fueron llamadas de atención a una ciudadanía que contribuyó a la conquista de libertades en los años setenta en España. Ocaña participó como artista contracultural, activista gay y anarquista. Esta conferencia estudiará las performances políticas con las que Ocaña negoció sus identidades y se desidentificó con estos ámbitos mientras reclamaba su posición como sujeto político.

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Biografía David Rodríguez Solás es Catedrático de la University of Massachusetts Amherst y François Chevalier Fellow en el Madrid Institute for Advanced Study. Se especializa en teatro español moderno y contemporáneo, memoria cultural y estudios visuales y de performance. Su libro más reciente es Performing the Transition to Democracy: Theater and Performance in 1970s Spain (Routledge, 2025). También publicó Teatros nacionales republicanos: la Segunda República y el teatro clásico español (Iberoamericana, Vervuert, 2014), además de una veintena de artículos en revistas indexadas. Ha sido editor y co-editor de seis volumenes, el más reciente titulado “The Global Far Right in Theatre and Performance” acaba de aparecer en en Theatre Research International, revista de la que es editor asociado. El profesor Rodríguez Solás forma parte de dos proyectos internacionales: dos volúmenes de A Cultural History of the Avant-Garde in the Iberian Peninsula (Brill) y un volumen co-editado sobre la performance política global de la extrema derecha.

Como colofón del Aula Xcèntric 2025, “Cuerpos, gestos y comunidades. El pensamiento queer en el cine experimental”, ofrecemos una visita guiada a través de algunas piezas del catálogo del Archivo Xcèntric que se pueden vincular con los contenidos del curso.

El cine queer es tan libre y radical que hablar de “cine experimental queer” puede parecer casi un pleonasmo. Desde la representación de discursos y sensibilidades disidentes hasta la abstración de las materialidades, el cine experimental hecho desde una perspectiva queer nos interroga sobre eso que los cuerpos nos invitan a hacer y nos acerca a la realidad mediante un cuestionamiento incesante de todo aquello que se considera natural o inalterable. Esta sesión nos invita a abrir las puertas del archivo para surcar propuestas «desviadas» y disidentes que desbordan los límites de cualquier categorización.

Más información y entradas. 

La gran caiguda (La gran caída) – 6 de octubre, 19h

La gran caiguda es una exhibición de performance blanda de gran formato que plantea nuevas formas de ser un cuerpo ante una audiencia a partir de una lógica de los posibles y no de los probables. Preguntándose sobre la presencia, la exigencia y el fracaso de las acciones performativas, la artista pretende llevar a cabo una expiación conspiranoica entre realidad y ficción para liberar a los espectadores del ideal de una existencia digna y brindar el ridículo como medio que nos permitirá bordear el misterio.

Júlia Barbany Arimany (Granollers, 1994) es una performer y creadora que sitúa su trabajo en la ironía, el posthumor, el personaje y los límites de la performatividad que ella misma califica como “blanda”. Graduada en el Institut del Teatre, ha cursado el máster “Live Art and Performance Studies” en la University of the Arts de Helsinki.

Forma parte del Col·lectiu Las Huecas, con el que ha presentado numerosas piezas en toda la Península. En solitario, su trabajo se ha podido ver en diversos espacios de la ciudad y muestra la voluntad de mantenerse en el umbral entre las artes visuales y las escénicas.

Objeto-territorio – 8 de octubre, 19h

Com percebem les fronteres i amb quin criteri creem els mapes que les delimiten? Objeto-territorio qüestionarà les concepcions instaurades respecte a les fronteres fent servir el so com a mitjà per redefinir l’espai. Com que és intangible, el so és capaç de transcendir les nocions establertes respecte a l’espai. Durant una performance de so, el territori dels voltants de La Capella tornarà a ser cartografiat, tenint en compte no tan sols les exclusions i omissions, sinó també les experiències viscudes i els coneixements locals d’aquelles persones que hi resideixen. La performance inclourà objectes per compartir records acústics i sons nostàlgics dels territoris que s’han deixat enrere. Aquests objectes, que seran adquirits als voltants de La Capella, seran articles quotidians, instruments estrangers i diversos ítems sentimentals.

Dania Shihab

Dania Shihab és artista sonora. Nascuda a Bagdad, criada a Tasmània i actualment radicada a Barcelona, divideix el seu temps entre Espanya i els racons remots d’Austràlia, on treballa com a metgessa d’urgències. Ha tocat en espais com Café OTO i La Casa Encendida, i en festivals com Sónar, Sonic Acts i Mira. Va realitzar una residència a Providenza i va ser seleccionada per a la plataforma SHAPE+ en el 2024. És fundadora i directora de la plataforma experimental Paralaxe Editions, i la seva música ha aparegut en segells com Geographic North, Ecstatic, Superpang, OOH-sounds i Longform Editions.

Turboidentitat – 9 de octubre, 19h

Turboidentitat es un dispositivo escénico que juega con el público, haciendo que se convierta en parte activa de la performance.

El dispositivo escénico permite a Alba Rihe encarnar diferentes arquetipos de poder de la sociedad actual. La interacción con el público rompe la cuarta pared, eliminando la división entre espectador y recitador, y creando un dispositivo escénico interactivo.

Cada arquetipo tiene su espacio: el divo en el escenario, el profeta en un espacio espiritual y el político en un mitin. Rihe formaliza estas escenas desde la parresia y el trayecto.

Alba Rihe

Alba Rihe es múltiple, ser escénico y comunicadora. Investiga alrededor de la voz, la expresión corporal y el humor. Su formación se ha forjado desde el escenario y el inconsciente. Aprende desde el juego y le apasiona la idea del collage para desarrollar proyectos como Las Bistecs y Venecia Flúor (escénico-musical). Payasa disléxica para supervivir a una realidad fraccionada, ha creado espectáculos como Gatzara (algazara); Espectáculo, espectacular; Lívid, la vida loca; etc.

También forma parte de proyectos educativos como educadora y mediadora para instituciones.

Más información: La Capella

El tiempo y el espacio no sólo son nociones esenciales para la coreografía y demás disciplinas artísticas, sino que también moldean nuestra realidad de manera implícita. En esta edición el festival Sâlmon plantea revisar modos dominantes de entender espacio y tiempo para destacar la dimensión política de estos aspectos infraestructurales que a menudo pasan desapercibidos porque se han naturalizado.
Por un lado, se propone una temporalidad donde el pasado, el presente y el futuro se entrecruzan de manera constante y parecen convivir de manera simultánea. Algunas piezas abordan temas de actualidad que reclaman nuestra atención con urgencia. Otras presentaciones se proyectan hacia el futuro de manera estratégica a través de la ficción y la especulación. Finalmente, otras propuestas revisan montajes históricos como los de Fabià Puigserver; un artista polifacético que concebía interpretación, vestuario y escenografía a un mismo tiempo creando espacios de indeterminación entre las artes escénicas y las artes visuales.
Por otro lado, en relación al espacio, ciertas obras proponen huir del punto de vista como convención para presenciar el hecho escénico y hacen estallar la perspectiva clásica de manera literal o metafórica. Otro trabajos ofrecen alternativas a la preeminencia de la visión enfatizando la importancia de sentidos como el tacto y el oído que desdibujan los límites entre agentes del mundo mucho más interconectados entre sí de lo que parece a primera vista.
El festival Sâlmon os invita a ensayar otras maneras de habitar el tiempo y el espacio para reconsiderar a, ante, antes, bajo, cabe, con, contra, de, desde, después, durante, en, entre, hacia, hasta, mediante, mientras, para, por, según, sin, so, sobre, tras, versus, vía las cosas tal y como las conocemos.

Programación:

Violeta Mayoral
Estela Santos
Antoni Hervàs
Sergi Faustino
Carme Torrent y Ferran Fages
Noor Abed y Haig Aivazian
Fred Moten y Stefano Harney
Mette Edvardsen y Jeroen Peeters (Varamo Press)
Ariadna Rodríguez y Iñaki Álvarez (nyamnyam – LIO)
Rasheed Jalloul
Idoia Zabaleta
Noela Covelo y Elise Moreau
Maria Jerez

Más información. 

Laia Estruch – 24 de abril en La Fundación Tapies 

Cruda es una improvisación de voz basada en el corte, en el desgarro, para dejar al descubierto el espacio que hay entre el cuerpo de carne y hueso y el cuerpo aéreo y espiritual de la voz. Se trata de una investigación sonora y de movimiento basada en el gesto de nuestro aliento en el espacio, partiendo de la idea de que la voz no nos pertenece, de que es un cuerpo que viaja y vive fuera de nuestros cuerpos durante un tiempo determinado, y que cuesta recordar.

Laia Estruch (Barcelona, 1981) es la segunda invitada a participar en el ciclo Las sillas de Tàpies. Memorias tatuadas. Licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2010), cursó el último año de la licenciatura en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art (Nueva York). Su práctica artística se inscribe en el marco de la performance y la escultura, desde donde investiga el lenguaje del cuerpo y la voz. Ha presentado proyectos, entre otros, en el CCEMx. Centro Cultural de España en México (2020), el MACBA. Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2022), PUBLICS (Helsinki, 2022), Hauser & Wirth Menorca (2023), la Bienal de Arte Paiz (Guatemala, 2023), el MNAC. Museu Nacional d’Art de Catalunya (2023), El Patio by Zona Maco (Baja California, México, 2024), la Trienal de Kortrijk (Bélgica, 2024) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2025).

Más información y entradas.

Ciclo de la Mediterránea en el TNC – Del 9 al 13 de abril

Una ventana a la creación palestina a través de artistas que viven su arte como un acto de resistencia

De Jerusalén a Beirut, de Londres a Barcelona, estos artistas libran una batalla constante, armados únicamente de valor y de determinación, pero, sobre todo, de creatividad, imaginación y humor. Las imágenes que ofrecen los medios de comunicación son las de territorios en llamas y donde se derrama la sangre. A pesar del drama que acontece ante nuestros ojos, los y las artistas palestinos expresan el deseo de vida y belleza de su pueblo, y su rechazo a ser confinados, a pesar de las dificultades y humillaciones que sufren día tras día.

Acogiéndolos, el TNC pone su pequeñísimo grano de arena para construir puentes que permitan que estos y estas artistas palestinos accedan a la escena mundial.

Programa completo y entradas.