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Actividades paralelas

27 de febrero en La Caldera 

Si de la conjunción de un rayo y un cadáver es una investigación en torno a la muerte y las necropolíticas situadas a través de la práctica del flamenco_danza española, la cultura hip hop y el Drag King. Mediante una pregunta abierta sobre las masculinidades y orbitando esta noción de Achile Mbembé, el proyecto trabaja tejiendo nuevas gramáticas del duelo a través de un archivo de referencias y referentes propies.

Bailando entre las espirales del tiempo, de cementerio en cementerio, nace José Remedios Bienamargo. Si de la conjunción de un rayo y un cadáver reflexiona, pues, sobre la pérdida, la resignificación de la vida, la muerte y la hermandad en primera persona, donde los diálogos entre los procesos de investigación y de puesta en escena se convierten en una cartografía del duelo y de la celebración que se atraviesan simultáneamente.

Buscando ensayar dispositivos participativos desde las artes en vivo, se recogen inquietudes didácticas y dramatúrgicas sobre la figura del DJ (Disc Jockey) y del MC (Master of Ceremonies), herencia de las danzas urbanas. Esta investigación performativa gira en torno a memorias, experiencias y sus contextos situados, desde una subjetividad xarnega, materializando e imaginando gestos de reparación desde los lenguajes escénicos, con el fin de, como dice la Associació Abilis, “politizar nuestro malestar”. Una tentativa de acoger preguntas sobre el archivo —encarnado y encuerpado— y su transmisión desde los estudios queer, desde una voz y posicionamiento de enunciación de la disidencia sexo-género y sus afectividades, las formas de generar afectos que de ellas se derivan.

Esther Solé Alarcón(1998) es artista, performer e investigadore de Barcelona. Se gradúa en Artes y Diseño en la Escola Massana (2016-2021) y continúa su formación en Pedagogía de la danza (Institut del Teatre, 2020-en curso).

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Mónica Valenciano – 18 de diciembre en la Museu Tàpies – Más información (entrada libre)

Se trata de una puesta en juego sucediendo,

a partir de una Constelación-laberinto de 16 Imágenes a revelar in-situ.

 

En el movimiento de las imágenes se barajan múltiples cuerpos, tiempos y texturas ,

des-cubriendo relaciones inesperadas que siembran el espacio de una la llamada .

 

Acuden parpadeos de una presencia común y cante…

desde esa mota de polvo, la acogida posible de un soplo

s-acude y danza .

 

A través de este proceso de impregnación – con-movida por el imaginario de Tapies ,

escucho el semillero de su resonancia .

 

Des-plegar la voz del cuerpo escondido en el cuerpo que baila

al encuentro de esa polifonía que más que explicar…

implica , modos de habitar el suceder mismo dentro – tras – bajo – entre – con – lo que hay

muerde la memoria ?

los puntos, son de la cicatriz ?

y el aire, lo ves ?

 

– Dejar ver aquella llamada en la que algo se presenta

– Generar la potencialidad del acontecer como modo de surgimiento .

 

–  … .  . .   ..    .

 

” El acontecimiento se esconde plegado en el tránsito entre uno y otro gesto ,

así todo instante es potencialmente una puerta que se abre ..”(Pascal Quignard).

 

* Dar cuerpo a las imágenes .. Invitan :

 

Restos de una risa en las nubes – atentamente sopla lo que ves – bailar el palpitar de un hueco – lo que arrastra ese golpe , lo ves ? – circuitos de un aroma dentro – convertirte en lo que ves – un desmayo de la luna en tu rostro.

 

TR_ES PASAJES PARA UNA CORPOGRAFÏA POSIBLE :

 

En el lugar de los pasos perdidos

la puerta llama, hiere y se divierte

asomando en el despiste deja ver –

lo invisible en el centro del acecho ,

juega un soplo de cenizas al vuelo

entre los panes y los peces se contonea el espanto ,

el momento nómada canta

borracho tropieza en un niño

donde rompen las letras

me re-une la canción, dice

precipicio que callo.

 

Aquí el temblor de la piedra

lentamente cae desplegando

tiempo reversible

de un mundo desmayado sobre el ala,

aquí soplan huesos escondidos

arrullando el instante llega

a ver un asombro bailar

a cicatrices el viento y

mar adentro la distancia a gritos que tocar.

Aquí era cualquier parte.

 

9 puertas y el palpito

entre los dedos un chasquido

es la banda sonora ,

en el fondo soy el perro

que olfatea entre las hojas caídas

ese hueco aún sin nombre

nombre

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Recreación de la performance Volar: Bombas de papel, de Joan Brossa, Josep Mañà e Isidre Vallès (1978) x Jaume Clotet, con la colaboración de Cabaret Internet.

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Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa 

Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.

Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.

Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.

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Ona Bros – 22 de enero en Arts Santa Mònica 

Entre una conferència performativa i una experiència somàtica, Ona Bros presenta Ge-B-Re, on posa en relació camps diversos com les biociències modernes, les tecnologies del fred o els diaris personals. Ge-B-Re beu de la seva recerca entorn les narratives de la genètica en el marc de les bioeconomies globals cryotecnològiques en un món que s’està fonent.

La proposta que es presenta vol ser un abordatge a les bastides tecno-epistèmiques que sostenen una certa noció d’objectivitat i de predictibilitat en relació a les corporalitats, un exercici de resignificacions tèrmiques d’allò que entenem per vida i mort dels organismes vinculats.

Más información. Entrada libre hasta completar aforo.

Ona Bros: Artista/investigadora. Llicenciada en Història de l’Art (UB), Màster en Producció i Investigació Artística, Facultat de Belles Arts (UB) i graduada en Fotografia pel Centre de la Imatge i la Tecnologia Multimèdia (UPC). La seva praxis es centra en l’atenció política a les imatges com a catalitzadores de complexos semiòtic-tècnic-materials. Els seus projectes són encossats i situats. Treballa en una nodrida xarxa de col·laboracions i ressonàncies col·lectives. Des de 2021 es pregunta sobre les continuïtats i discontinuïtats que les tecnociències modernes patriarco-colonials suposen per a l’àmbit de la genètica i els mercats reproductius, per a detectar potències afirmatives des del projecte BetaBlastoCuir.  Actualment està iniciant la recerca CRYO. Treballa en fotografia, video, text i arts en viu.

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Del 17/10/24 al 12/01/25 en Can Felipa

Exposició Resbalar (Una cosa)

Inauguració 17.10.2024 > 19 h

Del 17.10.2024 al 12.01.2025

A cura de Iñigo Villafranca Apesteguia i Lorenzo Galgó

Amb Nazario Díaz, Valerian Goalec, Leire Lacunza Miranda, Luis Lecea Romera, Augustine Zegers, Daniel Llaría.

Aparador de metacrilat,
dins seu, arraulits, diferents
sobres sobresurten pel seu volum i
queden organitzats de manera irregular.
A sobre, una petita muntanya de flors seques.
Es coneix que a determinada hora del dia,
aquest cantó rep llum directa del sol.

Reduir l’art a les coses és tancar molt les possibilitats d’agitació.

L’exposició s’articula com una situació on el material s’ordena per permetre una forma de trobada que propicia la sorpresa i la insinuació.

Gestos, subtilitat i lleugeresa.

Les exposicions prometen ser una compilació d’objectes, imatges i experiències contrastades, fixes, presumptament accessibles des de la contemplació.

Deixem una cosa clara: Fer objectes és una possibilitat, entre moltes altres, quan un parla de fer art. Des de fora, aquesta exposició està dissenyada com un esquer, una imatge rica i una aroma embriagadora. Un cop dins, l’exposició es desplega i utilitza les imatges com a bastida des de les quals treballar tot un conjunt d’entramats pedagògics al voltant del material “art”, fent-ho en una situació oberta i sensible.

Si hi ha alguna cosa a la sala,

són plecs a l’espai de Can Felipa.

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Performances de Amaia Urra e Ion Munduate en la exposición de June Crespo, Vascular | 25 de mayo en Guggenheim Bilbao

Las acciones de Amaia Urra e Ion Munduate establecerán un personal diálogo con la exposición June Crespo. Vascular, explorando ramificaciones y vasos comunicantes entre escultura y performance. Amaia Urra realizará una adaptación de su pieza Arbusto Ardiente, donde la lectura en voz alta se convierte en herramienta principal de comunicación; por su parte, Ion Mundate, a través de su cuerpo en movimiento, entablará una conversación única con las obras expuestas y la arquitectura que las acoge.

Arbusto ardiente (adaptación), Amaia Urra

Arbusto Ardiente surge durante una residencia llevada a cabo en 2015 en el jardín paisajista del Parque Jean-Jacques-Rousseau de Ermenonville en Oise, París, donde el filósofo vivió sus últimas semanas. La pieza parte de la lectura y re-escritura de distintos manuales de botánica para proponer una nueva catalogación de plantas. Esta aproximación podría compararse con la de una etnóloga que escapa de las categorías objetivas de la ciencia en favor de clasificaciones vinculadas a la cultura popular y otras lógicas semánticas formales y afectivas. Como otras obras de la artista, esta pieza se centra en el lenguaje y la acción de nombrar las cosas, así como en la dificultad que esto entraña. La versión que aquí se presenta incluye tanto plantas de jardín como de interior. Respecto a esto último, es interesante notar que muchas de las plantas de interior que tanto apreciamos a menudo son importadas de aquellos mismos países de los que provienen muchos de los migrantes y refugiados que una sociedad cada vez más atemorizada usa como chivos expiatorios de sus problemas.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Tras residir y trabajar en París, Bruselas, Madrid y Berlín en colaboración con numerosos coreógrafos: Jérôme Bel, Xavier le Roy, Ion Munduate, Juan Dominguez, Cristina Blanco, Cuqui y María Jerez vive en San Sebastián y su trabajo se centra en el lenguaje, la palabra cantada/hablada y la acción de nombrar las cosas. Con presentaciones en diversos contextos como: Art nomade, rencontre internationale d’art performance de Saugenay, Axeneo7 & SAW Gallery, Gatineau-Otawa; Líneas de acción, Casa Maauad, México DF; In-presentable, Casa Encendida, Madrid; Radiodifusión, Emisión 0 y Emisión 1. de Mugatxoan, MST, Donostia; Exposición colectiva First Thougt Best, Artium, Vitoria; Musac, Museo de Arte contemporáneo, Leon; Festival Plastique danse flore, Versailles; Zarata Fest, Festival de música rara y afines, Bilbao-Madrid; Bulegoa z/b, Bilbao; Ecolalias RSS Radio del Reina Sofía, Madrid.

A través, Ion Munduate

Normalmente cuando pensamos los acontecimientos, o cuando proyectamos nuestra dirección, nuestro futuro lo hacemos desde un punto fijo hacia otros fijos. En esta acción trabajo la consciencia de estar en movimiento entre las relaciones con la obra de June Crespo, porque no es lo mismo pensar desde un punto fijo que pensar desde el movimiento, desde la consciencia de estar en movimiento y dirigirse hacia otro movimiento por determinar.

Ion Munduate (Donostia-San Sebastián, 1969). Artista vasco que en su obra utiliza tanto performance, vídeo instalaciones y fotografía. Su formación proviene del movimiento (danza, coreografía y técnicas zen), además ha participado en varios talleres de artes visuales. Localiza su práctica en los discursos del cuerpo cuyo medio es la inmaterialidad, proponiendo obras que aparecen como la transformación de actos y la producción de significado a través de una situación transitoria. Entre sus últimos proyectos y obras se encuentran: Rosa de los vientos (2022-2023), proyecto de investigación como Artista Asociado de Azkuna Zentroa; Goldberg Versions (2020), performance; Reflejos de las plumas (2018), vídeo; Trasponer (2018), publicación; Traduciendo Locus. Cuadernos (2016), vídeo instalación.

Más información: Guggenheim Bilbao

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Artistas trabajando de Ana Ayuso | 3, 10 y 17 de mayo de 12 a 20h en la sala de exposiciones de la planta 2 de la Fabra i Coats: Centre d’art contemporani de Barcelona

Activación de obra vinculada a la exposición ‘¡Si llueve así, que no escampe!’

El espacio expositivo en el que se sitúa Artistas trabajando* deviene lugar de trabajo para la artista Ana Ayuso algunos viernes en el horario de apertura del Centro de Arte, de 12 a 20 h, con una pausa para comer allí mismo, delante del ordenador. La (des)activación es una muestra literal de aquello que la artista hacía durante el programa de residencia: ocupar el espacio de trabajo para trabajar algunos días de la semana y ausentarse muchos otros días para seguir trabajando.

Algunas intenciones de la intervención son: por un lado, el carácter ilimitado del trabajo, es decir, exponer un trabajo sobre el trabajo (que es trabajo) y el hecho de estar (y no estar) para poder trabajar; por otro lado, la imposibilidad de limitar la separación entre vida, arte y trabajo (incluso el trabajo «alimenticio», es decir, trabajar para comer y sobrevivir); y, finalmente, las dicotomías ficticias pero que tienen consecuencias reales, como cuando se dispone de tiempo y no de dinero (ni de tranquilidad mental) para poder dedicarse al arte, en contraposición a cuando se dispone de dinero (y tranquilidad mental) pero solo se puede trabajar para otros.

El título de la activación supone un guiño a diversos referentes:
Artist at Work (2015) es el título del libro de Bojana Kunst sobre el trabajo de lxs artistas.
Artist at Work (1978) es el título de la serie fotográfica de Mladen Stilinović en la que aparece él durmiendo.

* Nota: en el título de esta actividad, Ayuso añade la «s» a artista por considerar que «no somos unx sino muchxs quienes nos encontramos en esta situación».

Más información: Fabra i Coats

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