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Almuerzo free software

Del 23 de octubre de 2025 al 18 de enero de 2026 en La Capella

Caixa sorpresa Grup d’Estudi (Caja sorpresa Grup d’Estudi)

Dice Grup d’Estudi: “[…] ¡O, por otra parte, puedes escoger la caja sorpresa! Puedes asegurar una cantidad limitada de un recurso o abrir en canal la oportunidad que se presenta”. Y también: “Trenes como este no van a pasar nunca más. ¡Te aseguro que lo que hay dentro no es poca cosa!”.

Para este colectivo, hay un patrón recurrente. Es un deseo exponencial de un devenir inconmensurable, del vértigo de las posibilidades, de algo que eclipsará aquellas realidades de las que ya conocemos el principio y adivinamos el final. Grup d’Estudi ensaya diferentes formas de anticomisariado transformando el Espai Rampa en una caja sorpresa, tanto en un sentido tangible como metodológico.
Grup d’Estudi

Grup d’Estudi es un colectivo de artistas y curadoras que se dedica a la investigación y la catalogación de los diversos formatos de presentación pública de las producciones artísticas y que defiende la movilidad radical, en términos de adscripción al grupo, de sus integrantes. Gd’E ha realizado proyectos expositivos, curatoriales, performativos y de mediación en espacios como La Virreina Centre de la Imatge, àngels barcelona, Index Foundation, Fundació Joan Brossa, Santa Mònica, Exibart o la capilla de Guarda-si-venes.

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3 i 4 d’octubre

Per la inauguració de la Temporada 2025-26 de la Fundació Joan Brossa, Liminal i Laia Fabre presenten L’Internacional: Un Sandvitx Arqueològic de Barcelona. Si Antoni Miralda i Montse Guillén van portar Catalunya a Nova York a través de l’Internacional, aquest sandvitx arqueològic porta Nova York a Catalunya a través de Miralda i Guillén. Durant dues nits, la Brossa reviurà l’icònic restaurant de la Tribeca dels anys vuitanta, un espai gastronòmic experimental on convivien i se celebraven tota mena de rituals, festes i excentricitats. Entre un altar de bacallans deshidratats, una sirena de la bona sort i una làmpada de llagosta tenien lloc trobades de bessons pel dia dels enamorats, desfilades musicals i, fins i tot, una olimpíada del porró a cegues.

Valentina Córdoba Balcells i Jana Soler Libran són investigadores, escriptores i artistes vivint i treballant entre Barcelona i Nova York. Juntes han fundat Liminal, un projecte artístic que explora la dimensió cultural, identitària i ritual del menjar. A través d’àpats performatius, instal·lacions, artefactes audiovisuals i textos literaris, utilitzen el menjar com a eina d’investigació i reflexió col·lectiva. Algunes de les seves obres inclouen El Banquet (2023, La Dionisíaca), Ceci est le goût de mes rêves (2023, Fundació Miró), Els hostes (2023, El Corralito), Collective Food Archival Creation (2024, Columbia University), Receptari en Diferit (2024, La Bonne) i Si dins el mercat hi creix una muntanya (2024, Biennal Manifesta).

Laia Fabre, nascuda a Barcelona, és una artista multidisciplinar que viu a Viena. Es va formar a la BAU Universitat de Disseny i Art de Barcelona i amb Dorit Margreiter a l’Acadèmia de Belles Arts de Viena. Fabre treballa amb la performance, el vídeo, la coreografía, el dibuix i la pintura. La seva pràctica artística diversa irradia un esperit desinhibit, espontani i carregat d’energia, i revela els hàbits i estereotips del seu entorn. És irònica, sorollosa i utilitza un discurs humorístic que situa el quotidià com a escenari principal. En la seva obra, el missatge és més important que la tècnica: tot serveix per posar el dit a la nafra dels problemes i contradiccions del món que habitem.

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Las Huecas – Del 10 de octubre el 9 de noviembre en el CDN

Sobre el espectáculo

Risa caníbal / Riure caníbal es una pieza a medio camino entre la tragicomedia, el thriller de terror psicológico y la sátira política. La acción se sitúa en la sala de espera de una convención de líderes de la ultra derecha europea. En ella, los personajes se quedarán encerrados por motivos carentes de toda lógica. Es el humor que, como un dios enfurecido o como un ángel exterminador, ejecutará sus estrategias para producir la degradación paulatina de los personajes, empujándolos al ridículo, al paroxismo y, finalmente, a su propia destrucción.


Nota de las autoras y directoras

Es indudable que estamos ante un auge reaccionario en toda Europa y en el norte global. La normalización de discursos ultraconservadores, racistas, islamófobos, machistas y tecnofeudalistas inundan los medios, las redes sociales y los parlamentos. Ante este panorama, Las Huecas creemos que el teatro debe ser una herramienta de resistencia cultural, así pues, es en el teatro donde denunciamos una usurpación laboral intolerable; la ultraderecha hace uso del espectáculo, del posthumor y de la ficción en sus formas de comunicación y divulgación para ganar terreno y dominar la agenda política. Por eso nosotras, las comediantes, respondemos con un ejercicio de reivindicación del humor como arma antifascista y antidogmática. Para ello, utilizaremos una teatralidad extrañada, donde importa la potencia visual y el juego entre las convenciones de la comedia y los lugares comunes del terror psicológico, haciendo uso de una forma teatral que llamamos metaclown directo, un ejercicio cómico que opera mediante la fragmentación de la máscara, la parodia degradada, el cuerpo grotesco y la caricatura surrealista.

Las Huecas

Las Huecas es un colectivo escénico formado por las creadoras y actrices Júlia Barbany, Núria Corominas y Andrea Pellejero. Tras el éxito de Aquellas que no han de morir, estrenan en Temporada Alta De l’amistat (Premio TimeOut 2025 mejor espectáculo), haciendo temporada en la sala Beckett durante la temporada 23-24, siendo un éxito de crítica y público. Con casi diez años de recorrido girando por festivales independientes y salas de la península, Las Huecas se consolida como una compañía con una estética y lenguaje propios, que apuesta por el juego libre de las teatralidades contemporáneas, siempre bajo el signo del humor, la sátira, la parodia y el absurdo.

Comenzaron su trayectoria en 2016, y desde entonces han creado numerosas piezas, representaciones y otros proyectos. Trabajan juntas como un equipo, con un liderazgo rotativo, lo que significa que todas se turnan para dirigir y crear en escena. Esta forma de trabajar genera una estética difícil de definir, una mezcla de sus estilos, casi como un «Frankenstein» hecho por todas ellas. Les gusta combinar el teatro europeo contemporáneo con la comedia y la sátira catalana.

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Una creación de

Colectivo Las Huecas

Texto y dirección

Júlia Barbany, Núria Corominas y Andrea Pellejero

Reparto

Sofía Asencio, Júlia Barbany, Núria Corominas, Judit Martín y Andrea Pellejero

Escenografía

Marta Lofi

Iluminación

Ana Rovira

Vestuario, utilería y efectos especiales

Oriol Corral

Caracterización

Núria Isem

Espacio sonoro

Adrià Girona

Dirección técnica

Sofía A. Martori

Construcción de diorama

Miquel Grima

Construcción de máscaras

Dani García

Traducción de sobretítulos

Joël Beltrán

Asesoramiento

Proyecto Una

Producción ejecutiva

Rut Girona

Ayudante de producción y dirección

Rita Capella i Margarit

Producción

Centro Dramático Nacional, Teatre Lliure, Monte Isla, el Convent de les Arts d’Alcover y Las Huecas

Colaboración

Con el apoyo de La Infinita de L’Hospitalet, La Cremallera, La Mansió – El Pumarejo, Espai Nyam Nyam, Fàbrica de Creació Fabra i Coats y Nau Ivanow.

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28 de junio de 2025, de 13h a 21h en los Jardines de los Derechos Humanos de La Marina

Todas las actividades son gratuitas (¡excepto la paella!) y tendrán lugar en los Jardines de los Derechos Humanos (excepto la performance de Norma Pérez, que será en El Graner).

  • 13h: Arxiu de l’efímer, la práctica artística del transformismo – Norma Pérez aka Muerte a la Norma – performance
  • 14h: Almuerzo popular – Paella con las amigas de La Cañada – Bar del Mercat
  • 15:30h: Bingo musical con Laura Alcalà
  • 16:30h: Llordes de Gemma Polo y Glòria Ribera – podcast en directo
  • 18h: El patio de Juan Carlos Panduro – circo
  • 18:30h: 360º de Raquel Gualtero – danza
  • 19h – 21h: Bacanal de calle con Los Informalls – baile colectivo

Todas las actividades son gratuitas excepto el almuerzo popular — RESERVA TIQUET PAELLA 8€

Organiza Graner, con el apoyo de Festival Grec de Barcelona y la colaboración de La Cañada – Bar del Mercat.

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Nightshift de Robina Rose, el 10 de abril.

Miradas divergentes, el 13 de abril.

Ficciones sinestésicas. Cuatro cineastas californianas, 24 de abril.

El bosque encantado, 12 y 13, abril, 3 y 4 de mayo.

Más información: Xcèntric.

Artículo de Rubén Ramos sobre el programa del Xcèntric.

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Más información y entradas. 

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Sara Manente – 28 de febrero y 1 de marzo en La Mutant 

MOLD (en inglés) se refiere a dos cosas muy distintas: es un tipo de hongo (moho), pero también es un recipiente hueco para moldear una forma o un patrón específicos. Como hongo, funciona como una red de micelio que crece de formas que parecen incontrolables: conectándose, colonizando, infectando, digiriendo, dando fruto y produciendo esporas. Como molde, patrón, es una matriz, una forma que moldea materias maleables. MOLD quiere escenificar el conflicto entre proliferación espontánea y moldeado, entre dos lógicas diferentes en un mismo cuerpo.

Basándose en diversas prácticas -micología, moda, fermentación, danza y escultura- MOLD aborda la máquina teatral como una multiplicidad de cuerpos. Queremos que MOLD no sea sólo un espectáculo, sino también una granja. Un entorno en el que la danza, los objetos, el público, la luz, la música, los aromas y el vestuario interactúen como culturas vivas. Un jardín dedicado a cultivar, abandonar, inocular, trenzar, duplicar, brotar, calentar y descomponer.

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FICHA ARTÍSTICA:

Concepto, dirección y escenografía: Sara Manente

Performers: Marcos Simoes, Gitte Hendrikx, Sara Manente

Music: Christophe Albertijn

Diseño de luces: Estelle Gautier

Adaptación y técnica luces: François Moretti

Aromas y vestuario: Sofie Durnez

Cultivo de Micelio: Manel Bafaluy,

Esculturas de micelio: Deborah Robbiano

Elementos trenzados para crecimiento micelio : Estelle Jullian, Maria Vidagany

Asesoramiento dramatúrgico: Jaime Llopis

Asesoramiento artístico: Edurne Rubio

Tráiler: Luca Mattei

Producción: Hiros/Martin Zicari

Apoyo producción en Valencia: Santiago Ribelles Zorita

Coproducción: C-TAKT, wpZimmer, Kaaitheater, Kunstencentrum BUDA, WIELS, Far° festival

Con el apoyo de: Vlaamse Overheid

Agradecimientos: XING, Kunst/Werk

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Enrique del Castillo y Laila Tafur – 29 de enero en La Madraza (Granada)

Esta grafía hecha originalmente para danza se somete al Umbráfono, un proyector de cine analógico hackeado para traducir la luz a sonido. Está basado en el sistema de lectura óptica-analógica usado en el cine desde 1919 para interpretar las bandas sonoras que forman parte de las películas. Los cabezales lectores han sido modificados para leer varias voces simultáneas y para funcionar como instrumentos independientes. Gracias a un lector óptico capaz de transformar en sonido los estímulos luminosos que se proyectan sobre una célula fotosensible, y que a partir de un esquema de relación entre frecuencia de onda de las notas y repetición de formas geométricas, se pueden conseguir sonidos armónicos, ruidos, texturas sonoras y atmósferas.

El trabajo somete el código de notación Laban a traducción para un soporte que no fue pensado, iniciando así una cadena de transposiciones entre lenguajes que desvelan la potencia del error. Del papel al sonido y de ahí al encuerpamiento de ambos y a la inversa, hacer sonar a un signo que fue hecho para bailar y componer desde la alteración. En estos ejercicios de traducción los accidentes causados por el paso de uno a otro soporte producen aberraciones cargadas de nuevas interpretaciones del código original que no podían ser proyectadas de otra manera. Pensar la coreografía desde el sonido o componer una canción eligiendo el movimiento de las partes del cuerpo y sus direcciones, producen un diálogo monstruoso y maquínico.

Enrique del Castillo

Comienza sus estudios de música en el Conservatorio Profesional de Música Ramón Garay durante diez años y continúa estudiando Bellas Artes en las Universidades de Granada, Barcelona y HalleSaale. Desde 2OO7 Aúna las dos disciplinas empezando a interesarse por la música experimental, formando proyectos como Las barbas indómitas y Oniropompo.
En 2O16 recibió el primer premio del concurso Música Preventiva y El primer premio internacional de arte sonoro PowSOLO en 2O2O. Ha recibido becas para el desarrollo de proyectos de sonido experimental en Bilbaoarte en 2018 y en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A en 2O19 y 2023. Actualmente es residente de Los Tientos 2023/24 en la UGR En 2018 centra su actividad en las posibilidades de generar sonido mediante la imagen y la luz a partir de película de cine de 35mm. Con máquinas y sistemas creados por él mismo. Proyecto Umbráfono. Ha participado en la exposición “ El Jardín de las delicias , un recorrido a través de las obras de la colección SOLO “ en Matadero Madrid con la escultura cinética sonora – Umbrafono II. Obra adquirida para la colección SOLO Asimismo ha realizado performances sonoras en: Museé Transitorie, Centro Ars Santa Mónica, MACBA, Centro de Creación Contemporanea Octubre , Colección Solo, Teatro Central, Palacio del Almirante, Teatro Reina Cristina, Braille Satellite Fest, Autonoma industriale, Loophole, Ohtanembaum, Filmoteca de Andalucía, Teatro Isabel la Católica , Colapsoloxias, Dantz Fest, Fusion Fest, Koventpuntzero, Fundación Botí, CCCC, Centro del Carme de Cultura Contemporánea, y un largo etc.

Laila Tafur

Nació en Granada, fue estudiante de intercambio del departamento de danza en La Universidad de Arte de Reykjavik y La Politécnica de Lisboa y finalmente se licenció en Coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona. En 2017-18 cursó el Máster MPECV del Reina Sofía y la Universidad de Cuenca, donde comienza su interés por la canción y la aproximación amateur a la producción de conocimiento. Esta investigación continúa en el PEI del MACBA entre 2020/21, donde su implicación con la encarnación del pensamiento crítico creció. Este estudio ha tomado el nombre de “Carne de Canción”, haciendo convivir la aproximación amateur a la producción sonora, con el oficio de bailarina profesional. Sus trabajos en solitario se llaman “Mi arma”, un western flamenco, premiado como bailarina sobresaliente en Masdanza 2012; “Susobras”, sobre la propia danza, y “Monstruo”, sobre lo indecible, nominado a los premios de la crítica de Barcelona como mejor solo y mejor intérprete 2018. Junto a Alba Rihe, ha fabricado “Cobalto”, una pieza a medio camino entre el concierto, la meditación y la discoteca. Con “Drone”, gana el premio a mejor interprete en el Certamen Coreográfico de Madrid 2016. Todos estos trabajos se han desarrollado gracias al apoyo de Masdanza, Certamen Coreográfico Madrid, Graner, Sismograf, La Caldera, Barceloneta, Colectivo rpm, C3A, Teatro Pradillo, Leal Lav, Espaço do Tempo, American Dance Festival o Movement Research, y han sido presentados en numerosos festivales de danza y nacionales. Como intérprete ha trabajado para Xavier Le Roy, Janet Novas, Jerome Bel, Albert Quesada, Carmelo Fernandez, Lipi Hernandez, Vero Cendoya, Charo Martín y Taiat Dansa. Actualmente combina su trabajo como docente de danza contemporánea en el Conservatorio Superior de Danza de Málaga, con la creación artística independiente.

Más información. Entrada libre. 

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Daniel Moreno Roldán – Del 28 de enero al 20 de abril de 2025 en La Capella

(con la colaboración de @atractive_smithers)

En el ámbito digital se utiliza el término shitposting para describir un tipo de contenido que, a primera vista, parece irrelevante, absurdo. Memes, collages, animaciones propias, renderizados burdos, mezclas extremas de dudosa aportación. Caca banal supone un ejercicio de arqueología digital que incide en cómo cierto contenido banal propio de las redes sociales va mucho más allá de lo meramente caótico. La exposición explora también sus usos como herramienta de organización y activismo social, su absorción por parte del mundo corporativo y cómo este aparente flujo inocuo de información ha configurado en gran medida el imaginario ideológico de diversas generaciones.  

Daniel Moreno Roldán (Barcelona, 1990) es artista y músico. Recientemente, ha mostrado su trabajo en espacios como el Museu del Disseny (Barcelona), Art3 (Valence, Francia), Getxophoto (Getxo), Art-O-Rama (Marsella, Francia), Fluc (Viena, Austria) y La Casa Encendida (Madrid), entre otros.

Además, difunde su obra ayudándose de los códigos de lenguaje del humor en Internet, a través de varias plataformas de redes sociales.

Es miembro y cofundador del Club de Videojocs, un grupo de personas interesadas por los videojuegos como algo más que formas de entretenimiento. También trabaja como productor musical y diseñador de sonido, tanto para proyectos musicales y escénicos como para producciones audiovisuales. 

Entrevista de Margot cuevas a Daniel Moreno Roldán

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Del 23 al 26 de enero el la Fundació Joan Brossa

EXORCISMES, PATRIMONI I PERFORMATIVITAT és un projecte transversal del Centre de les Arts Lliures. Amb aquesta aposta treballem des de la indisciplina i sense jerarquies entre diferents arts per posar a disposició de la creació contemporània el patrimoni material i immaterial de Joan Brossa. D’aquesta manera, s’incentiva una manera de fer brossiana: el gest i l’actitud radical vers la creació artística.

Els artistes convidats tenen el repte de fer una lectura pròpia de Brossa, que poden prendre lliurament, a través de l’escenificació, la performance o l’acció. Els artistes, que provenen de l’escena, les arts visuals, l’art sonor o la poesia experimental, es troben en diversos punts de la seva trajectòria i dibuixen un ampli ventall d’imaginaris i repercussió ben diferents per a un públic que vulgui deixar-se portar per allò fascinant i, potser, fins i tot irreverent.

D’aquesta manera volem extreure allò inamovible, allò que conserva i que converteix en museu fix de l’obra de Brossa per donar-li vida de nou. I és en aquesta direcció que, més enllà del llegat del poeta, des del Centre de les Arts Lliures volem fer una reflexió més àmplia sobre el que considerem patrimoni i la manera i com el tractem culturalment. En definitiva: el que proposem és, des de les arts vives, despetrificar el nostre llegat.

Des del 23 fins al 26 de gener, i en especial per la seva intensitat el cap de setmana 25-26, tot el Centre de les Arts Lliures es converteix en un espai inesperat on tot és possible i on la ironia i el gest Brossa transformaran la percepció que tenim del llegat i del propi poeta. També formen part del programa EXORCISMES, PATRIMONI PERFORMATIVITAT les propostes de Marta Pazos (que sota el títol Astral es va poder veure a principis del mes de novembre a la Brossa), i la que oferirà el mes de juny Raül Refree.

PROGRAMACIÓ:

QUI DIU FOC, DIU FLAMA | Juana Dolores
Sobre l’apropiació, la instrumentalització i la desarticulació política que exerceix la burgesia envers la figura de Joan Brossa i la seva obra artística. A partir dels poemes visuals Elegia al Che (1967) i Oda a Marx (1983), el poema La gent no s’adona del poder que té (1970), el llibre de sonets Qui diu foc, diu flama (1978 – 1984), entre d’altres.

HAS VIST L’OMBRA QUE ACABA DE PASSAR PEL FONS DE L’ESCENARI? | Los Detectives
Qui ha vist l’ombra que acaba de passar pel fons de l’escenari? Era una ombra o una altra cosa? No us resultava familiar la seva figura? Performance itinerant que explora el present amb el llegat de l’artista.

AAAARRGGGHH!! | Alba Rihe
Mitjançant un ordinador que activa sons, grava i loopeja l’instant, Alba Rihe presenta un concert performatic coral influenciat per l’imaginari de Brossa.

PIERROT LE FIU
Júlia Barbany i Núria Corominas
A través de la figura clàssica del Pierrot, pallasso naïf i melancòlic, Júlia Barbany i Núria Corominas uneixen imaginaris per tal d’expandir els seus temes preferits; la depressió i el ridícul, per mitjà d’una estètica kitsch i d’una ètica drag.

OINT. GERUNDI DEL VERB OIR | Guillem Llotje
Aquesta proposta parla de “dubtes de coneixement”, “viatges a l’escepticisme”, desorganitzacions de llenguatge i del sistema de disciplines, canvis en les regles de joc que ens permeten portar allò que no es pot expressar al nostre llenguatge.

LA POESIA ÉS PELS VIUS | Oriol Sauleda
Clamen que la poesia és pels vius i esperen que si estan tota la nit en estat de concentració, fent música i llegint obra seva, desactiven el còrtex prefrontal per entrar en un estat hipnagògic i envien ectoplasma perquè Joan Brossa aparegui i se’l pugui percebre.

DOS I LA SOLFA SI RE | Maria Sevilla i Eloi el Bon Noi
Joan Brossa, il·lusionista de la paraula, coneixia prou bé la funció social de l’art, i és des d’aquí que Maria Sevilla Paris i el músic i Eloi el Bon Noi el convocaran: des de la sextina com a artefacte sonor, i des de l’artefacte com a mecanisme de contrapoder.

CANTAUTOT, THE BEAST OF JAUJEJE*****SUITE NUM.01 | Jaume Clotet
Un concert mutant que vibra entre el pop, l’humor i l’imprevist, on es barreja pop, humor, playback buit, covers impossibles i karaokes desconcertants. Tot activat per un centaure inquiet que combina sons, objectes i bromes com un escultor de l’imprevist.

Més informació: Fundació Brossa

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