— MuroTRON

17 de febrero en La Mutant 

En esta tercera y última edición de Constelaciones & Asterismos proponemos un ejercicio de videncia entendido como la capacidad de percibir lo que no se muestra. Seguiremos reflexionando sobre la dualidad luz/oscuridad y la relación entre la visión y la construcción mental de la imagen. Para ello emprendemos un camino que no necesariamente tendrá lugar ante nuestros ojos, sino en la penumbra, detrás de los párpados.

A lo largo de estos dos años, una pregunta central ha guiado nuestra investigación: ¿qué es la luz? En esta nueva edición retomamos esa cuestión para explorar otras formas de visualidad, no necesariamente ligadas a la mirada ocular. Para ello hemos diseñado un itinerario abierto y colectivo, que tendrá lugar entre enero y junio de 2026, y que incluirá un taller de dibujo orientado a explorar la luz a través del gesto manual, una conferencia performativa, dos excursiones y una Jornada Cósmica final. Nuestro objetivo es darle cuerpo a lo inmaterial, indagando cómo percibimos, interpretamos y estimulamos la experiencia de la luz.

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Dentro de la presente edición de Constelaciones & Asterismos y partiendo del proceso de trabajo de nuestra próxima pieza —centrada en cuestiones como la luz, la oscuridad, la visión y la materia—, invitamos a la artista visual Marta Azparren, quien aporta una mirada diferente sobre la imagen y las formas de ver.

La conferencia perfomativa Cine Ciego se propone como una manera de activar los materiales del ensayo del mismo nombre (Libros de la resistencia, 2023) de Marta Azparren, que investiga la interrupción visual, una cierta ceguera frente a la sobreexposición a las imágenes. A partir de proyecciones comentadas y acciones, se viaja a través de los colores/capítulos del libro (en esta ocasión blanco y negro, luz y sombra) como excusa para generar una reflexión sobre la mirada exhausta contemporánea, la ceguera física y simbólica y la necesidad de una pausa que abra nuevas posibilidades de percepción.

BIO ARTISTA

Marta Azparren es becaria residente en la Academia de España en Roma 2022 (cine experimental). Su trabajo propone una metareflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre creadora, espectadora, obra y maquinaria interna de la mediación, producción y exhibición. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Sus propuestas audiovisuales tienden hacia el cine expandido, la edición en vivo, el spoken cinema o la videoinstalación. Ha exhibido su obra en instituciones como Cineteca Matadero, Museo CA2M, CCCB, Círculo de Bellas Artes, Triennale di Milano y en festivales internacionales de cine y nuevos medios. Desde octubre 2023 es artista investigadora en residencia en el Multisensory Research Group de la Universitat Pompeu Fabra, con el proyecto «Epojé. Grado cero de la imagen».

Sofía Montenegro – 28 de febrero en el MNAC

El plano arranca desde arriba mientras observas las hojas moverse a lo lejos. Un corte. Caída en picado. Las texturas de los árboles. Las superficies de las cosas. Los brillos que se reflejan en el rostro. Los ves acariciar la ventana, atravesar los cristales, superponerse a todas las imágenes. Las frondas se trenzan al elevar la mirada. El suelo crepita bajo tus pies. Sientes el zumbido de los mosquitos en el tobillo. Frunces el ceño para afinar el detalle. Se arrugan los párpados y el tronco áspero emerge entre las sombras.

En cine, el ángulo de visión se refiere a la inclinación con la que la cámara observa y construye una escena. No determina qué se ve, sino cómo se ve. Es la relación entre la cámara y lo filmado: su altura, su orientación, su distancia. Según el ángulo elegido, la percepción sobre los personajes y las situaciones se transforma. La forma de mirar condiciona la realidad que habitamos.

Ángulo de visión es un recorrido que se despliega como un ejercicio de atención y de observación, invitando a atravesar el museo de forma transversal: en diagonal, de dentro a fuera, de arriba hacia abajo. Por espacios que nunca antes se abrieron al público. Se invita a detener los ojos para mirar de otro modo.

Tanto la luz como la sombra, entendida como una substancia que lo atraviesa todo, que lo es todo, permite revelar detalles, hacer visible lo invisible, afinar la atención sobre lo que nos rodea. Basta con alterar el ángulo desde el que se observan las cosas para desvelar muchas otras que permanecen ocultas.

Más información y reservas.

Sofía Montenegro desarrolla su trabajo entre la instalación, el sonido, la imagen y lo escénico. Estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un MA en Art Praxis en el Dutch Art Institute. Su práctica artística incorpora diversas metodologías que vinculan lo visible con lo sonoro y la acción en un espacio, buscando otras formas de producir imágenes en el presente.

Recientemente, ha mostrado su trabajo en exposiciones y performances en el Museo Lope de Vega, la galería The Ryder Projects (Madrid), La Capella (Barcelona), en la Biennal d’Art de Tarragona, en LLUM BCN 2024, Blueproject Foundation, el Centre d’Arts Santa Monica, Can Felipa Arts Visuals (Barcelona), Bulegoa (Bilbao), MNCARS, LCE, El Chico (Madrid), Kunstraum Bethanien (Berlín), entre otras.

Ha sido residente en Hangar en Barcelona, Futurama Alentejo, BilbaoArte, CRA Matadero Madrid, y Artistas En Residencia, programa del MACBA, el CA2M y LCE, en Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca) y en Lugar a Dudas (Cali). También ha colaborado en proyectos en el Caixa Forum de Barcelona, Tbilisi Triennial y el Kunstverein Munich.

Ha sido premiada en Barcelona Producció 2023-24, Generación 2022 y ha recibido ayudas de creación de la Comunidad de Madrid, Generalitat de Catalunya, INJUVE entre otras. También ganó el Jan Zumbrink Prijs y el Piet Bakker Prijs en los Países Bajos.

Con la colaboración de Álvaro García, profesor de física en la Universidad Rey Juan Carlos, en la que se doctoró en ciencias en el año 2016. Su labor de investigación gira en torno a la física no lineal y la teoría del caos, la electrodinámica clásica y los fundamentos de la mecánica cuántica. 

Esta intervención forma parte de la segunda edición del programa Guèisers, comisariado por Marc Caellas y que lleva por título En medio.

Noela Covelo y Élise Moreau – 11 de diciembre en La Caldera dentro del Festival Sâlmon

Aplauso, vicio es un proyecto libremente derivado de la ópera La Flauta Mágica, que se centra en el personaje de la Reina de la Noche. Indaga los mecanismos del género ópera y los examina con una perspectiva artística experimental tomando como referencias su reverberación clásica y la versión dirigida por Fabià Puigserver para el Teatre Lliure en 1984. La búsqueda alrededor de este legado permite la creación de otra escena desde la artesanía, la transparencia y la fantasía precaria.

Élise Moreau y Noela Covelo Velasco se encuentran en la práctica performativa, con un particular interés por la relación cuerpo-espacio-sonido y la revisión del imaginario de lo escénico y su tradición. Noela se interesa por la potencialidad de la voz en grupo como espacio para la imaginación política. Élise estima particularmente la acción performativa artesana por su potencial deselitizante.
Aplauso, vicio es nuestro primer proyecto de co-autoría.

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Cuqui Jerez – 4 y 5 de diciembre en Teatros del Canal 

Sugar Island es un lugar. Una isla, un organismo vivo, una danza. Un sistema resquebrajándose, una extraña conexión de familiaridad y misterio encarnados en la misma fuente. Sugar Island está al otro lado. Lejos. En lo más profundo. Sugar Island se está rompiendo. De adentro hacia afuera. Concentrada. Sugar Island es tierra, músculo, ligamento, cortina, luz. Es clásica, artificial, pop, rara. Sugar Island no es Agon. Sugar Island es Brousse. Una sensación confusa de estar demasiado despierta. Sugar Island se encuentra en el lago Erie. Ohio.

Sugar Island toma como punto de partida la investigación que he desarrollado en los últimos años en torno a la suspensión del sentido, que ha dado lugar a una trilogía de piezas performativas: Las Ultracosas, Mágica y Elástica y Supernova, presentadas en diferentes festivales y teatros de Europa y México. El marco conceptual de esta investigación relaciona operaciones coreográficas abstractas y experiencias contemplativas, tensionadas con una ecléctica combinación de referencias que abarcan: lo mundano, el artificio, el clasicismo y lo extraño. Las relaciones que surgen entre esas operaciones y referencias buscan difuminar los límites entre lo presencial y lo representacional, en un intento de disolver esa dicotomía y localizar un espacio «entre», de abrir grietas en la superficie de lo real. Esta combinación produce una experiencia difícil de nombrar, desarticula la razón jerarquizada del consciente, crea una especie de alucinación, vacío y absurdo, y una estética del extrañamiento que es a la vez irreverente y lúdica. Sugar Island traza una nueva línea de trabajo que conecta la investigación que he llevado a cabo hasta ahora, con la técnica del ballet y su codificación.

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5 de noviembre en La Mutant 

Mystery landlady: Del carrer ets l’ama! de María Tamarit es una pieza experimental movida por un deseo de ser ancestra, potencial para ser en un futuro, aprendiz de una sabiduría en peligro de extinción. Una apropiación de la tradición valenciana contada a través de un cuerpo con su propia historia y memoria. Una revisión de lo afectivo y relacional a través de la cultura popular.

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En Escrituras fantasma de Javier Hedrosa se pretende poner en práctica la idea de que todas las danzas anteriores ya están actuando sobre las futuras aunque estas no se hayan producido todavía. Como diría Derrida, trabajaremos sobre lo que todavía no ha ocurrido actualmente, pero que ya es efectivo virtualmente.

¿Será que, cuando entro a un espacio vacío y me dispongo a danzar, no están ya actuando una serie de imágenes, recuerdos, fantasmas, técnicas y cuerpos ausentes, aunque yo no lo desee? ¿En este sentido, existe el lienzo en blanco? ¿No contiene toda coreografía una serie de pasos, de gestos o movimientos que pertenecen a un acervo colectivo y, por lo tanto, estarían fuera de todo dominio privado o autoral? Toda obra artística, coreografía, danza o escritura no emerge de la individualidad y la genialidad de un autor, sino de un entramado de relaciones ocultas que las envuelven y, en última instancia, de un hacer colectivo previo.

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João Lima – Del 24 al 26 de octubre en el Mercat de les Flors

Conspirar significa respirar juntos. Pieza de danza contemporánea interpretada por cinco performers, Conspiración transita entre el arte escénico y el sonoro para reflexionar sobre la noción de comunidad en el mundo actual. A través de la creación de un coro que activa tanto la voz como el movimiento, se exploran el unísono, la disonancia y la polifonía como posibles formas de convivencia.

João Lima es performer, coreógrafo i educador a diverses organizaciones artísticas. Ha colaborado con otros artistas escénicos, como AzkonaToloza, Marcela Levi & Lucía Russo (Improvável Produções) i Cecilia Colacrai. En 2002 recibió el premio al Mejor Actor de la Asociación de Productores de Artes Escénicas de Pernambuco. También ha enseñado en numerosas organizaciones. Ha creado diferentes piezas que se han visto en espacios europeos y de Latinoamérica.

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Dirección artística João Lima / Interpretada y creada en estrecha colaboración con Blanca Tolsà, Diana Gadish, Elisa Keisanen, João Lima y Mamadou Diallo / Asistencia dirección Cecilia Colacrai / Acompañamiento dramatúrgico Carolina Campos / Mirada externa Dasha Lavrenikov / Acompañamiento vocal Jordi Cornudella / Espacio escénico y vestuario Sergi Cerdan / Confección vestuario Roberto María / Espacio sonoro Miquel Casaponsa / Diseño iluminación Ivan Cascón / Alumna en prácticas del Institut del Teatre Inés Sancho / Fotos Anna Fàbrega / Registro en vídeo y teaser Tristán Pérez Martín / Preproducción Aixa González / Asistencia producción Ariadna Grau / Producción Ariadna Miquel / Realización Urra! / Agradecimientos Núria Bernaus, Amaranta Velarde y Rita Stivala / Residencias Fabra i Coats, Roca Umbert y Graner
Coproducción Mercat de les Flors
Esta obra ha recibido la beca de creación artística, investigación e innovación del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya y la beca Barcelona Crea.

Sara Manubens – 22 d’octubre 4×4 (Sala Taro) 

La travesti no és invisible, tampoc no tendeix a desaparèixer. La travesti domina la imatge i la seva temperatura. Igual que Pavlova, ens agrada jugar amb els ditets dels nostres peus per seduir la mirada de l’espectador. I quan tornen a casa seva, el cos travelo s’expandeix entre les ombres dels seus records. Somien amb nosaltres, s’enamoren de nosaltres, pensen en nosaltres. Com si haguéssim mort, la nostra imatge perdura en el seu record. Hipnos, Eros i Tànatos eren trans. Prefereixen recordar-nos que veure’ns.

Em dic Sara i treballo en els camps de la creació escènica i la mediació. Investigo sobre el transformisme i la seva performance des d’un punt de vista coreogràfic, experimental i crític. Els meus treballs tenen diferents formats, com performances, laboratoris, site-specifics o textos.

Mes informació i entrades. 

Antoni Hervàs – 8 y 9 de octubre (pases a las 20 y 21.15h) en el Observatorio del Placer 

Ven a probar el primer mordisco de la manzana más disputada y polémica en una revisión del exitoso montaje de Puigserver de `La bella Helena´ de 1979. Un entremés de un espectáculo popular que, como si de un sueño se tratara, se sitúa en algún lugar entre el despropósito y la maravilla. ¿Puede la banalidad desencadenar una guerra atroz? ¡Hagan sus apuestas!
La sátira, la fiesta, el doble significado o el disfraz son algunos de los recursos que, desde el entretenimiento, han permitido a las personas encubrirse y expresarse impunemente. En el cabaret como en el carnaval, se invierte el orden, el payaso se ríe del rey mientras alguien tira de la manta para ver quién mueve los hilos.
Dos componentes del elenco que integran el proyecto -Elsa de Alfonso y Kika Superputa- se unirán a Antoni Hervàs por primera vez para dar inicio a la reinterpretación de la opereta `La bella Helena´ de Jaques Offenbach. En un escenario de ensueño, he aquí el primer asalto de una mítica batalla de divas en la que todo puede suceder. Es cabaret.

En colaboración con Observatorio del Placer.

Más información y entradas. 

Antoni Hervàs (Barcelona, 1981) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona (2006). Entre sus exposiciones individuales destacan Hércules en la Luna, en Espai Cultural Caja Madrid (Barcelona, 2012); El misterio de Caviria, en La Capella (Barcelona, 2016); Sausages, en Okela (Bilbao, 2020); Copacabana, en The Ryder Projects (Madrid, 2021); The Awakening, en The Green Parrot (Barcelona, 2022) y en Human Resources (Los Angeles, 2023); o Máquinas del tiempo, en Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona, 2024). Ha recibido el apoyo de fundaciones como MonteMadrid, Botín o La Caixa, y fue galardonado con el Premio Ciutat de Barcelona en 2016.