— MuroTRON

Sara Manubens – 26 de març al Teatre Municipal de Girona

La Sara Manubens s’acompanya de la Norma Pérez (més coneguda com Muerte a la norma) per escenificar una revisió en clau queer i trans-travesti del mite de Nosferatu, partint de com el cinema de terror ha construït la figura de la vampira com una mena de cos LGTBIQ+. Xucla-sang d’ungles llargues, transmissora de malalties, amb rostre androgin i un desig insaciable i contranormatiu: pot ser que les vampires amb qui vam créixer veient al cinema o a les pel·lícules de migdia s’assemblin molt més a nosaltres del que pensàvem de petites.

Les connexions no s’acaben aquí, i és que, com diu la Sara rient, “la nostra vida té molt a veure amb una pel·li de terror”. Symphony of Horror vol tornar la pedra a través de la mofa i l’humor, capgirar el sistema de representació i invertir el pes dels referents. Si totes som filles de la nostra cultura, nosaltres també ho som de les pel·lícules de terror més trash i de tots els seus tòpics: el vampir sàdic, la vampira sexy, les verges innocents lligades al llit. I, si gratem sota les capes d’escenografia gòtica, castells, fossats i tempestes, hi trobem un anhel eròtic i empoderat, el desig de transformar el món i transformar-se.

Del referent audiovisual a un cabaret de terror travesti: l’espectacle no defuig la teatralitat ni l’aparatositat, sinó que les reivindica com a espai de representació i subversió, on se sobreposen capes i capes de ficció que es van sedimentant sobre el cos. En un exercici de deconstrucció de la mirada, la Sara proposa un joc escènic en què la Feña i ella es munten i desmunten. Si sota la travesti hi ha una vampira, què hi ha sota la vampira?

(text de Marc Villanueva)

Més informació y entrades. 

Postfunció amb Lo Relacional

Escena expandida: Bar queer

Isabelle Huppert / Romeo Castellucci – Del 10 al 12 de abril en Teatros del Canal 

Racine es contemporáneo precisamente por su inoportunidad. La métrica alejandrina de sus versos es la forma congelada de una visión de la humanidad paralizada por un trágico impasse en sus sentimientos y una disfunción del lenguaje. El amor es el teatro de la crueldad.

Aquí, las renuncias pesan más que las acciones, la sangre o las cópulas. La educación y la castidad marcan los límites de una morbilidad erótica que destroza los cuerpos; la violencia es ahora endocrina, y los frenos son más poderosos que el acelerador. Esta energía no explota, contenida como está por un cuerpo que ya no tiene palabras. Dentro de este teatro paralítico, Bérénice es probablemente la “tragedia” más inmóvil, estática y desconcertante jamás concebida. Y, sin embargo, nos hace llorar. Y, sin embargo, Bérénice -podría decirse- soy yo. En escena, como una estrella fija, una sola actriz encarna a Bérénice: Isabelle Huppert, la sinécdoque del arte de la interpretación en el teatro occidental.

Ella es la actriz, pero también la actriz, por definición; es el teatro mismo, que se manifiesta en ella, incluso antes del significado que conlleva.

Casi todos los sonidos de esta obra, tanto los oídos como los no oídos, son generados por su voz, procesada por el artista sonoro Scott Gibbons.

Romeo Castellucci

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De ciertas formas de comportamiento en las relaciones de pareja derivan las principales características de dos oficios: escort y escolta. En ambos casos la acción de acompañar que los caracteriza contiene algunos principios de la diferenciación hegemónica de los géneros masculino y femenino; acompañar para asegurar una protección física, o acompañar para enriquecer la sociabilidad de otro. Lejos de analizar la eficacia de estas virtudes el trabajo que se presenta compone una coreografía ornamental a partir de gestos y comportamientos sociales. La relación de pareja guarda cierto efecto de espontaneidad que oculta su condición altamente codificada, articulada a través de la dimensión ritual. Estas y otras conjeturas de la interacción motivan el trabajo coreográfico Safari.

“Yo soy fuerte y terrible, pero no contra ti, sino contra este otro, contra este otro, contra este otro.” K. Lorenz

Dirección y coreografía: Virginia Martín
Asistencia a la dirección: Mariona Moranta
Intérpretes: Karen Àngels, Raquel Castelló, Alba López, Nuria Lozano, Victoria Martín, Mariona Moranta, María Fernanda Pruna, Judith Solé y Aurora Vallejo
Composición musical: Judith Solé
Diseño de iluminación: Virginia Martín
Asistencia de iluminación: Clàudia Aguiló Vidal
Asistencia técnica: Cristina Conde
Tutoras: Andrea Rodrigo y Bàrbara Raubert

Acompañamiento artístico: Lorea AlfaroAgradecimientos: a mis amistades dedicadas y brillantes: Violeta Martín, Victoria Valentina Martín, Candela Capitán, Sasha Binia Benarie, Clàudia Aguiló Vidal, Judith Solé, Irene Ontiveros, Lluís Sellarès y, muy especialmente, a Mariona Moranta.

*Entrada gratuita.

Del 25 al 29 de marzo, el TNC se convierte de nuevo en un punto de encuentro de los espectáculos de escena híbrida, investigación y nuevos lenguajes escénicos.

La tercera edición del Festival ZIP pone el foco en el sentido del humor. Un recorrido a través de cinco propuestas que investigarán las múltiples caras y sutilezas de un fenómeno tan universal y a la vez tan personal como es el humor.

Las compañías protagonistas de esta nueva edición son ATRESBANDES, Los Detectives, Aurora Bauzà & Pere Jou y Glòria Ribera —que han realizado una residencia artística en la Fábrica de Creación Fabra i Coats—, y Laila Tafur como compañía invitada.

Programa completo y entradas. 

Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca – 27 de febrero en el C3A

DUET es una búsqueda de relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un mantón y un violín con sus acompañantes. Ambos se encuentran desde la escucha, el tacto, lo impredecible y el gesto amoroso de hacer y rehacer.

El mantón y el violín, entendidos como cuerpos emancipados, revelan sus propias formas de existir en el mundo. En ese diálogo, las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas, liberando significados y desplazando imágenes. El peso, el volumen, la caricia, la acústica y la vibración se entrelazan como materia viva que transforma y es transformada.

El mantón, con su movilidad y lenguaje propios, deja de ser objeto para volverse piel, extensión del cuerpo que cubre y sostiene, que baila y se deja bailar. El violín, en conversación, resignifica el tocar como tacto: frotar, rozar, hacer emerger la madera, las crines, el metal, el aire y la cuerda.

DUET nos invita a una experiencia háptica y sensorial, donde el movimiento, la voz y la materia confunden sus límites. En este espacio compartido entre lo humano y lo textil, entre la danza y el sonido, el deseo de tocar y ser tocado, de bailar y ser bailado, da origen a una transformación mutua.

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Mucha Muchacha – Del 26 al 28 de febrero en Condeduque Madrid

Nadie muere nunca del todo. Nadie vive nunca del todo.

Los grandes relatos han encerrado siempre una pregunta existencial: ¿quiénes somos y cómo lo contamos? Desde los poemas épicos de los sumerios hasta el Cantar de Mio Cid, la épica se ha creado para inspirarnos en la vida utilizando la propia vida. De las promesas de amor al descanso del guerrero pasando por los largos viajes a través de las montañas. Nos contamos y cantamos para perdurar así  a lo largo de los siglos, gracias a la poesía y la belleza, pero también por el misterio de si lo que se narra fue real o imaginado.

Los personajes de aquellas epopeyas se internaron en bosques, navegaron mares tempestuosos o se enfrentaron a criaturas aterradoras. Hoy todavía reconocemos sus búsquedas y sus hazañas. ¿Cuáles serán las nuestras? ¿Se canta hoy a los sueños imposibles, a nuestros enamoramientos, a nuestros fallos humanos?

Siempre hay nuevas luchas, y en el fondo siempre son las mismas. Nos decimos que si salimos de esta, será por imaginación. Y encontramos en el acto creador una posible respuesta a un futuro – ya presente – donde hay demasiadas cosas y muy pocos cuentos. Pero, ¿cómo de grande debe ser hoy nuestra aventura para estar a la altura de esta preciosa y preciada vida? ¿Serán suficientes nuestros minutos de gloria sobre el escenario? El cuerpo en movimiento siempre invoca al misterio, y hace un llamado que cruza el tiempo y el espacio.

¿Será nuestro cantar un pequeño gesto, un guiño cotidiano? Cantar de gesta es una conversación con esta época que vivimos y con todas las que caben en un cuerpo. Un viaje a través de las montañas para poder cantar la gesta de nuestros tiempos. Un intento por volver a las arengas, a los cuentos, a los juramentos, a los sueños alrededor del fuego. Un intento por encontrar una forma de relatarnos a nosotras mismas, por proteger la identidad como algo que se construye en el acto de decirse y ser oído por otro. Dice Emily Dickinson en su Poema 288, I’m Nobody! Who are you?

Más información y entradas. 

17 de febrero en La Mutant 

En esta tercera y última edición de Constelaciones & Asterismos proponemos un ejercicio de videncia entendido como la capacidad de percibir lo que no se muestra. Seguiremos reflexionando sobre la dualidad luz/oscuridad y la relación entre la visión y la construcción mental de la imagen. Para ello emprendemos un camino que no necesariamente tendrá lugar ante nuestros ojos, sino en la penumbra, detrás de los párpados.

A lo largo de estos dos años, una pregunta central ha guiado nuestra investigación: ¿qué es la luz? En esta nueva edición retomamos esa cuestión para explorar otras formas de visualidad, no necesariamente ligadas a la mirada ocular. Para ello hemos diseñado un itinerario abierto y colectivo, que tendrá lugar entre enero y junio de 2026, y que incluirá un taller de dibujo orientado a explorar la luz a través del gesto manual, una conferencia performativa, dos excursiones y una Jornada Cósmica final. Nuestro objetivo es darle cuerpo a lo inmaterial, indagando cómo percibimos, interpretamos y estimulamos la experiencia de la luz.

DESCARGA EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ

Dentro de la presente edición de Constelaciones & Asterismos y partiendo del proceso de trabajo de nuestra próxima pieza —centrada en cuestiones como la luz, la oscuridad, la visión y la materia—, invitamos a la artista visual Marta Azparren, quien aporta una mirada diferente sobre la imagen y las formas de ver.

La conferencia perfomativa Cine Ciego se propone como una manera de activar los materiales del ensayo del mismo nombre (Libros de la resistencia, 2023) de Marta Azparren, que investiga la interrupción visual, una cierta ceguera frente a la sobreexposición a las imágenes. A partir de proyecciones comentadas y acciones, se viaja a través de los colores/capítulos del libro (en esta ocasión blanco y negro, luz y sombra) como excusa para generar una reflexión sobre la mirada exhausta contemporánea, la ceguera física y simbólica y la necesidad de una pausa que abra nuevas posibilidades de percepción.

BIO ARTISTA

Marta Azparren es becaria residente en la Academia de España en Roma 2022 (cine experimental). Su trabajo propone una metareflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre creadora, espectadora, obra y maquinaria interna de la mediación, producción y exhibición. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Sus propuestas audiovisuales tienden hacia el cine expandido, la edición en vivo, el spoken cinema o la videoinstalación. Ha exhibido su obra en instituciones como Cineteca Matadero, Museo CA2M, CCCB, Círculo de Bellas Artes, Triennale di Milano y en festivales internacionales de cine y nuevos medios. Desde octubre 2023 es artista investigadora en residencia en el Multisensory Research Group de la Universitat Pompeu Fabra, con el proyecto «Epojé. Grado cero de la imagen».

Sofía Montenegro – 28 de febrero en el MNAC

El plano arranca desde arriba mientras observas las hojas moverse a lo lejos. Un corte. Caída en picado. Las texturas de los árboles. Las superficies de las cosas. Los brillos que se reflejan en el rostro. Los ves acariciar la ventana, atravesar los cristales, superponerse a todas las imágenes. Las frondas se trenzan al elevar la mirada. El suelo crepita bajo tus pies. Sientes el zumbido de los mosquitos en el tobillo. Frunces el ceño para afinar el detalle. Se arrugan los párpados y el tronco áspero emerge entre las sombras.

En cine, el ángulo de visión se refiere a la inclinación con la que la cámara observa y construye una escena. No determina qué se ve, sino cómo se ve. Es la relación entre la cámara y lo filmado: su altura, su orientación, su distancia. Según el ángulo elegido, la percepción sobre los personajes y las situaciones se transforma. La forma de mirar condiciona la realidad que habitamos.

Ángulo de visión es un recorrido que se despliega como un ejercicio de atención y de observación, invitando a atravesar el museo de forma transversal: en diagonal, de dentro a fuera, de arriba hacia abajo. Por espacios que nunca antes se abrieron al público. Se invita a detener los ojos para mirar de otro modo.

Tanto la luz como la sombra, entendida como una substancia que lo atraviesa todo, que lo es todo, permite revelar detalles, hacer visible lo invisible, afinar la atención sobre lo que nos rodea. Basta con alterar el ángulo desde el que se observan las cosas para desvelar muchas otras que permanecen ocultas.

Más información y reservas.

Sofía Montenegro desarrolla su trabajo entre la instalación, el sonido, la imagen y lo escénico. Estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un MA en Art Praxis en el Dutch Art Institute. Su práctica artística incorpora diversas metodologías que vinculan lo visible con lo sonoro y la acción en un espacio, buscando otras formas de producir imágenes en el presente.

Recientemente, ha mostrado su trabajo en exposiciones y performances en el Museo Lope de Vega, la galería The Ryder Projects (Madrid), La Capella (Barcelona), en la Biennal d’Art de Tarragona, en LLUM BCN 2024, Blueproject Foundation, el Centre d’Arts Santa Monica, Can Felipa Arts Visuals (Barcelona), Bulegoa (Bilbao), MNCARS, LCE, El Chico (Madrid), Kunstraum Bethanien (Berlín), entre otras.

Ha sido residente en Hangar en Barcelona, Futurama Alentejo, BilbaoArte, CRA Matadero Madrid, y Artistas En Residencia, programa del MACBA, el CA2M y LCE, en Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca) y en Lugar a Dudas (Cali). También ha colaborado en proyectos en el Caixa Forum de Barcelona, Tbilisi Triennial y el Kunstverein Munich.

Ha sido premiada en Barcelona Producció 2023-24, Generación 2022 y ha recibido ayudas de creación de la Comunidad de Madrid, Generalitat de Catalunya, INJUVE entre otras. También ganó el Jan Zumbrink Prijs y el Piet Bakker Prijs en los Países Bajos.

Con la colaboración de Álvaro García, profesor de física en la Universidad Rey Juan Carlos, en la que se doctoró en ciencias en el año 2016. Su labor de investigación gira en torno a la física no lineal y la teoría del caos, la electrodinámica clásica y los fundamentos de la mecánica cuántica. 

Esta intervención forma parte de la segunda edición del programa Guèisers, comisariado por Marc Caellas y que lleva por título En medio.