— MuroTRON

Ligia Lewis – 16 y 17 de noviembre en FOC (organizado por la galería Córdova)

Concebida originalmente en 2020 para el Hammer Museum, la creación de esta pieza comenzó con una investigación basada en la intriga sobre el deadpan, un manierismo impasible desplegado de forma cómica para ilustrar la distancia emocional. Utilizando esta expresión como un tipo de inmovilidad, Lewis desarrolló inicialmente una coreografía para diez bailarines que permanecía expresivamente plana o muerta, resistiendo a cualquier asidero narrativo o representativo ligado a una construcción o progresión climática.

Debido al estallido de la pandemia, Lewis redujo el reparto a cuatro intérpretes, transformándolo en una presentación más tradicionalmente teatral. En esta nueva obra, los bailarines utilizan el soliloquio culminante de Macbeth (“Mañana, y mañana, y mañana”, una reflexión sobre la repetición y el sinsentido) como inicio de una obra que se desarrolla en partes modulares, cada una de ellas una ilustración o parodia de la muerte, la inmovilidad y el vacío, cada una de ellas ligada a su propia banda sonora o muestra cuidadosamente seleccionada.

También es una meditación sobre el juego, o la actuación, así como sobre los ciclos recurrentes de la tragedia y la familiaridad dentro de la experiencia negra; sobre el tiempo, en forma de bucle; sobre la actuación; sobre el tacto, como un acto tanto de cuidado como de violencia.

La obra está construida en forma de lamento musical, una queja prolongada en bucle ejecutada ad infinitum, descomponiéndose en el camino.

Ligia Lewis (n. 1983, República Dominicana) trabaja como coreógrafa y bailarina, concibiendo y dirigiendo espectáculos experimentales. A través de la coreografía y la práctica corporal, desarrolla conceptos expresivos que dan forma a los movimientos, pensamientos, relaciones y los cuerpos que los sostienen. Lewis crea espacios para lo emergente y lo indeterminado mientras se ocupa de lo mundano en sus actuaciones, que se mantienen unidas por la lógica de la interdependencia, el desorden y el juego. En su obra, las metáforas sonoras y visuales se encuentran con el cuerpo, materializando lo enigmático, lo poético y lo disonante. El trabajo de Lewis evoca continuamente los matices de la encarnación.

Su trabajo se presentó en múltiples lugares de Europa y Estados Unidos, como HAU Hebbel am Ufer, Berlín; Tanzquartier, Viena (2022); Museo de Arte Contemporáneo MCA, Chicago; Museo Hammer, Los Ángeles; Walker Art Center, Minneapolis (2020); Kaaitheater, Bruselas ; Arsénico, Lausana; High Line Art, Nueva York; Performance Space, Nueva York (2019); OGR Turín (2018); Stedelijk, Ámsterdam ; TATE moderno, Londres; (2017). También ha sido presentada en festivales y bienales como la Ruhrtriennale, Bochum, Alemania; Tanzplattform, Alemania; Festival de Teatro Politik im Freien, Frankfurt (2022); Bienal de Liverpool (2021); el Festival Side Step, Helsinki; Bienal de Imágenes en Movimiento / Centre D’Art Contemporain, Ginebra; Festival de buceo, Tel Aviv (2018); American Realness, Nueva York; The Donaufestival, Krems, Austria y Julidans, Ámsterdam (2017). Recibió el Premio Tabori en la categoría de Distinción, un Premio de Becas de la Fundación para las Artes Contemporáneas y un Premio Bessie a la Producción Sobresaliente.

*Idioma: inglés sin sobretítulos.

Ficha artística:

• Idea, dirección artística, coreografía y escenografía: Ligia Lewis.
• En colaboración con los performers: Ligia Lewis, Jasper Marsalis, Jasmine Orpilla, Austyn Rich.
• Performers en Europa: Corey Scott-Gilbert, Cassie Augusta Jørgensen y Damian Rebgetz.
• Dramaturgia sonora, diseño y banda sonora: Slauson Malone, con extractos de S. McKenna.
• Vestuario: Marta Martino.
• Textos: Ligia Lewis, Ian Randolph, Shakespeare e Ian McKellen sobre Shakespeare.
• Canción: Guillaume de Machaut, Complainte: Tels rit au main qui au soir pleure (Le remède de Fortune), ca. 1340s.
• Pelucas: Gabrielle Curebal.
• Técnico de iluminación: Joseph Wegmann.
• Producción y administración: Sina Kießling.
• Producción y distribución: Nicole Schuchardt.
• Asistente de producción en gira: Julia Leonhardt.
• Encargado y producido por: Made in L.A. 2020 / Hammer Museum.

  Made in L.A. 2020, una versión organizada por el Museo Hammer en asociación con la Biblioteca Huntington, el Museo de Arte y Jardines botánicos.

• Con los apoyos de: Human Resources, Los Angeles y del Fondo de Coproducción de Danza NATIONALES PERFORMANCE NETZ, financiado por el Comisionado de Cultura y Medios del Gobierno Federal Alemán.

De Ángela Millano y Julián Pacomio – 29 de octubre en DT Espacio Escénico

Point para la fantasía son dos paseos acompañados por Julián Pacomio y Ángela Millano, y que versan sobre la imaginación, la imitación y la memoria. En ellos nos preguntamos por las capacidades y posibilidades de los cuerpos para escribir nuevas historias a través de un continuo proceso de apropiarse, rehacer, olvidar y recordar.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/point-para-la-fantasia/.

Fran Martínez y Elena Carvajal – 18 y 19 de octubre en Teatro Pradillo

Somaficción es un lugar aún por hacer, aún en proceso. Terra incógnita. Un lugar que germina de una profecía. De cuyas ramas crecen como intersecciones una serie de trayectorias que posibilitan los encuentros con otras entidades, activando la imaginación y generando otras comprensiones sobre las relaciones y los encuentros.
Puede ser una práctica, una reunión con amigxs, una performance. Nos situamos a medio camino entre la ficción narrativa y lo coreográfico, entre la mentira piadosa y un club de lectura secreto en una habitación de una ciudad cualquiera.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/somaficcion/.

23.10.22 – c h o r o se complace en presentar:

18:00 apertura

18:30 From Behind. All Over, una performance de Arantxa Martínez.

20:00 La caligrafía de la mano, una práctica de Itxaso Corral.

… Para terminar habrá  .

Con la presencia de La Delfín Editora y Amalia Ruíz-Larrea y los dibujos de Paz Bey: pósters presagio de la edición final de From Behind. All Over @imprenta_sandelfin. 

Invitación a la caligrafía de la mano de Itxaso Corral, especialista en la destilación de la voz a partir de la palabra. Habrá lápices y papel y se necesitarán manos.

Con el apoyo y cuidado del proyecto Cruzadas de @la_poderosa_bcn .

[ Las palabras tienen su propio gobierno y este no tiene nada que ver con el sistema lingüístico ni con la gestión y custodia de la lengua. Las palabras son entre otras cosas expresión de vida, acto irreductible por su capacidad de relación y propagación, de eco y reproducción.
Las palabras son voz, aunque sea inaudible, porque son cuerpo y están vitalmente unidas a su lengua, su saliva, sus labios y su boca. En este sentido la voz singular de las palabras no necesita receptore para ser comunicada por que la voz ya es comunicación antes. Previamente, en su hacerse, la voz ya es plural y está vinculada.

From Behind All Over son reflexiones en voz alta y a viva voz. Para mí son un espacio y tiempo favorables para convocar las voces que siguen desafiando mi experiencia. Las voces de ellas. Convocarlas y que me echen una mano. Se trata ahora de que ellas callen para yo decir ]

Arantxa Martínez

Idioma: castellano e inglés

Realización, texto y danza: Arantxa Martínez

Subtítulos: Ricardo Santana
Música: El baile del vivo -canción folklórica canaria-, Soko, Angel Olsen.

Acompañamiento: Fernando Gandasegui, Ricardo Santana, Gloría Godínez, Tenerife LAV, el Club del Chocho y caminar, caminar, caminar.

En agradecimiento a Fernando Gandasegui.

Entradas 8e anticipada (link bio)
10e en la puerta
Gratuito a partir de las 21 (Karaoke)

Foc
Carrer Encuny 24 3a planta
08038 Barcelona

Entradas: https://vivetix.com/entradas-from-behind-all-over?s=link#/rjnfl8Imibz.

Mikolaj Bielski – del 7 al 16 de octubre en Réplika 

Hacer que la pregunta huya.

Una fuga de la ficción de la vieja urdimbre, de las retóricas y discursos prevalecientes, prestados y/o heredados.

Filosóficos, éticos, estéticos, políticos. Con sus mentiras y temibles olvidos.

Con la misma saliva dictan lo bueno y lo malo, lo bello y lo que no, lo que conviene y lo que no, lo que se muestra y se oculta.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/lo-que-tiembla-y-casi-danza-mikolaj-bielski/.

→ Creación: Mikolaj Bielski en colaboración con los intérpretes
→ Dirección, concepto y espacio escénico: Mikolaj Bielski
→ Dramaturgia: Mikolaj Bielski en diálogo con Miguel Deblas
→ Textos: Miguel Deblas, Celeste González, Minerva Kautto, OpenAI, Maija Rissanen, María Velasco
→ Asesoría dramatúrgica: María Velasco
→ Composición musical y espacio sonoro en directo: Víctor Heitzmann
→ Intérpretes: Miguel Deblas, Celeste González, Jesús Irimia, Minerva Kautto, Maija Rissanen
→ Diseño de iluminación y new media: David Benito
→ Vestuario: Mikolaj Bielski e intérpretes
→ Dirección técnica: David Benito
→ Acompañamiento escénico y regiduría: Carmen Menager
→ Técnico de iluminación y vídeo: George Marinov
→ Técnico de sonido: Alberto Úbeda
→ Producción ejecutiva: Krista Mäkinen

→ Co-producción: Quo Vadis Teatteri y Réplika Teatro

Los textos proyectados son el residuo de las lecturas de Georges Bataille, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben y Chantal Maillard (entre otros).

Con el apoyo de Arts Promotion Centre Finland, Finnish Cultural Foundation, Tampere Workers’ Theatre, Comunidad de Madrid, Acción Cultural Española

Jon Mikel Euba – 10 de octubre 2022 a las 19 h, Sala Ricson, Hangar

El lunes 10 de octubre a las 19 h, en el marco del hilo de investigación Practicable, Jon Mikel Euba impartirá la conferencia Una secreta correspondencia. La conferencia toma como punto de partida la presentación de su libro Vulnerario, y funciona también como una clase de “apuntes del natural” o “apuntes líquidos” en la que se llevará a cabo una disección de los diferentes factores que han configurado Vulnerario en su relación con la estructura que le da forma. Quienes asistan serán invitados a tomar notas que, en la segunda parte de la propuesta, serán reactivadas, indagando el propio gesto de abrir de manera situada esa estructura. Vulnerario, segundo libro publicado por el artista, forma parte de un proyecto más amplio centrado en la escritura que el autor ha desarrollado durante la última década, cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica.

Escribe Jon Mikel Euba: “De niño me contaron que el sistema que se utilizaba para abrir caminos transitables en una montaña, consistía en cargar un burro con mucho peso y soltarlo en dirección a la cumbre. El burro, un animal que economiza magistralmente la energía, siempre describirá pendientes lo más horizontales posibles, que, en zig-zag, le llevarán a la cumbre. Una vez definido el camino por medio del animal, se traducía posteriormente para uso humano, ensanchándolo en lo que llamaban pistas. Podríamos ver esa “forma” —el camino resultante como el resultado de una ecuación que incluye: 1. Un obstáculo preexistente: la ladera; 2. Un deseo o un objetivo: subir la pendiente, 3. Un instrumento de medición y cálculo: el burro, que lleva incorporado en sí mismo la premisa “ahorro energía”; y, 4. Se necesita añadir a la ecuación algo extra: la carga. En el proceso artístico, de manera similar, para que aparezca finalmente una forma —sea el zig-zag o la ladera de la que no sabemos al inicio ni que pendiente ni altura tiene hasta que llegamos arriba— solo sabemos intuitivamente que debemos cargar una estructura al máximo, con una gran cantidad de materiales (reales, ideales y vitales) que hagan que la relación entre el peso de todos ellos y la premisa animal de ahorrar energía, generen la vía. Un camino que, al ser transitado, nos dé las medidas del ancho de la ladera, y que al llegar al final (si lo hacemos) nos muestre la forma —el zigzag y la altitud de la montaña—. Como hace el burro, habrá que crear subterfugios poniéndonos delante cualquier tipo de zanahorias, reclamos que dirijan al animal que somos en determinada dirección. Lo específico del proceso artístico es que somos nosotros mismos burro, ladera, carga, pista y zanahoria. Cumplido lo anterior, una estructura o estrategia puede darnos una forma, pero ninguna forma por sí misma nos asegura el sentido, pues este siempre estará en otro lugar y dependerá de la complejidad de la incógnita y la motivación, y de la manera en que se conjuguen los factores que intervienen en relación con la necesidad genuina de nuestra acción”. Vulnerario se utilizará como la representación del itinerario para conseguir dicho sentido.

Jon Mikel Euba (Amorebieta, 1967) es un artista cuya práctica le ha llevado a adentrarse en proyectos que conjugan lo performativo con lo didáctico. Su obra ha sido expuesta ampliamente y forma parte de colecciones e instituciones artísticas tanto nacionales como internacionales. En 2010, junto con otros artistas crea el proyecto pedagógico experimental Primer Proforma en el MUSAC y la escuela Kalostra en San Sebastián en 2015. Entre 2014 y 2017 dirigió el máster Action Unites, Words Divide (On praxis, an unstated theory) en el Dutch Art Institute, cuyas sesiones se recogen en el libro Writing Out Loud. En 2021, publica Vulnerario.

Con la complicidad de Caniche Editorial.

Tania Arias Winogradow – 22 y 23 de octubre en Réplika Teatro

Esta obra pertenece a una serie de piezas homenaje que inicié durante el confinamiento 2020 junto a Celeste, y que presentamos en aquel Festival de Otoño todavía bajo el yugo de la pandemia.

Cada homenaje nace a partir de una coreografía que aprendí siendo una joven aspirante al Ballet Víctor Ullate. Las piezas que escojo fueron las que despertaron mi pasión de joven. Las recupero ahora, años más tarde, con huellas dispares que atraviesan este otro cuerpo de bailarina.

Grosse Fuge, de Hans van Manen, es una coreografía que jamás llegué a interpretar en aquellos inicios, a pesar de haberla podido bailar a ciegas. No me rindo. Con la música en vivo del cuarteto de Beethoven invoco a la memoria de mi cuerpo y permito que la gran fuga me vuelva a atravesar.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/surgemadrid/2022/10-grosse-fuge.html.

6 de octubre en Azkuna Zentroa – 16 a 21.00h

Amalia Fernández abre la nueva temporada de eszenAZ con el estreno en Euskadi de “Neti Neti”, su último trabajo. Una experiencia escénica de larga duración en la que el público forma parte de una exploración que cuestiona el muro que separa a la persona espectadora y a la persona que está en escena.

Las últimas producciones de la coreógrafa e investigadora del movimiento van desde piezas escénicas convencionales como “Matrioshka, Kratimosha”, “El resistente y delicado hilo musical” y el formato expositivo con “Expografía Retrospectiva”, presentado en el marco de la última edición de “Prototipoak. Bienal de Nuevas Formas Artísticas” de Azkuna Zentroa. En este sentido, “Neti Neti” supone un paso más en la exploración de las posibilidades temporales y de relación con el público de un hecho escénico. En esta ocasión, la artista reflexiona sobre la danza como experiencia subjetiva, como acto social, como acto ritual y como acto exhibicionista.

Así, a través de diversas secciones, y a lo largo de cinco horas, “el público es participante de una experiencia colectiva, tras un proceso de investigación de una coreógrafa que en su origen ha sido bailarina y que crea sensaciones a partir de la abstracción, lo inconsciente y lo sensible”, explica la directora artística e intérprete de la pieza, Amalia Fernández.

El término “Neti neti” es una palabra sánscrita que proviene del hinduismo y significa algo así como “ni esto ni aquello”. Supone un método para acercarse, por negación, a la experiencia de lo divino como algo que, conteniéndolo absolutamente todo, no es concretamente nada. La obra es “un cruce del yoga con la danza y muestra al espectador cómo a través de un estado de consciencia se entra en un estado de conciencia diferente. Más que en el marco de lo espectacular está situada en el marco de lo ritual”, matiza la artista.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/amalia-fernandez-neti-neti/.

Concepción y dirección: Amalia Fernández.

Intérpretes: Mónica Muntaner, Catherine Sardella, Ohiana Altube y Amalia Fernández.

Coproducido por: Condeduque, Festival TNT y Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao.

Amalia Fernández (Granada, 1970) vive en Madrid desde 1998. A pesar de haber aprendido de mucha gente, considera su maestra a Mónica Valenciano con la que trabajó durante 11 años en la Cía. El Bailadero. En 2005 comenzó a trabajar en solitario con piezas como “Matrioshka, Kratimosha” o “En Construcción; El resistente y delicado hilo musical y Expografía”, entre otras. Y en colaboración ha puesto en escena “Shichimi Togarashi” con Juan Domínguez y “Perrita China” con Nilo Gallego. Amalia Fernández se dedica paralelamente a la docencia impartiendo laboratorios a artistas y es profesora de yoga Iyengar.