— MuroTRON

Archive
Baile

Alice Ripoll

4 y 5 de diciembre en Conde Duque

Para entender lo que es el passinho debes situarte en un punto geográfico y una cultura muy específicos: las favelas de Río de Janeiro. Universo cerrado con normas y reglas personalizadas, en estas enormes extensiones de casas marginales se ha configurado una cultura autóctona que tiene en la danza urbana una de sus señas de identidad. Un hip hop contaminado y (de)construido con retazos de samba, funk brasilero, break, dance, funk, twerk, popping y otras tantas corrientes, que terminó bautizado como passinho. La tendencia se institucionalizó durante las llamadas bolas funk, macrofiestas populares, hoy prohibidas.

Pero el passihno no ha tardado en trascender las fronteras de las favelas. Su inclusión en la fastuosa ceremonia de apertura olímpica en 2016 fue su carta de presentación en sociedad y ahora Alice Ripoll, una aspirante a psicoanalista que terminó raptada por la danza y que simultáneamente dirige su compañía REC, ha visto claramente (y explotado) las posibilidades escénicas de esta danza de calle.

Su primer contacto lo tuvo en 2014 participando en un programa social del Festival Panorama (el más destacado evento de danza contemporánea en Brasil) que ponía a coreógrafos en contacto con bailarines espontáneos de las favelas.

De esa experiencia nació Suave, una obra que terminó en la programación oficial del festival y fue el germen de la compañía del mismo nombre. Aunque influenciada por los modos y usos de la danza contemporánea, Suave tenía como columna vertebral el passinho, siendo la primera vez que esta danza urbana subía al escenario en forma de coreografía.

El proceso de creación distaba mucho de la manera, más convencional, con la que Ripoll trabajaba con su compañía REC. Los chicos de la favela no eran profesionales, no bailaban pensando en un escenario. La coreógrafa optó por sesiones en las que cada uno de ellos le mostraba sus posibilidades y lo que sabía hacer dentro del lenguaje que dominaba. A partir de todo lo que le fueron enseñando creó una dramaturgia y el resultado final es una pieza que, sobre la base del passinho, intenta hablar también de la vida en la favela, de las vivencias y aspiraciones de todos estos jóvenes, de futuro, de política, de exclusión…

Sorprendidos a sí mismos con los resultados de la coreografía se formalizaron entonces como Compañía Suave. Durante aquel primer proceso de trabajo, Ripoll había quedado fascinada con una propuesta que quedó fuera, una corriente del passinho conocida como danzinha. A ella por completo dedicaron su nueva PAÍS Brasilcreación Cria, en la que resaltan la sensualidad intrínseca de la danzinha y evocan su carácter mestizo desde esos trajes mínimos y extravagantes que mezclan sin pudor terciopelo, lentejuelas y lycra.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/alice-ripoll-suave

Read More

11 y 12 de noviembre en DT Espacio Escénico

Coreografía y danza: Annika Pannitto
Texto: Óscar Cornago
Supervisión musical: Rodrigo Faina
Proyecto en colaboración con el CA La Praga

Imaginamos esta danza cómo un espacio común que emerge a partir de unas pocas reglas sencillas. Un encuentro, un ejercicio compartido, una conversación sobre lo que acontece.
Cada vez, nos damos unas pautas que son más un pretexto para dialogar a través de nuestras prácticas y compartir algunos pensamientos con el público.
Un lugar de calma y atención para compartir tiempo.
Una invitación a entrar y salir, a estar y no estar, según cómo cada uno lo desee.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/sobre-lo-incierto/

 

Read More

10 y 11 de diciembre en La Casa Encendida

Perpetua Felicidá es un tríptico de agonías, decesos y resurrecciones. Tres pasiones encarnadas por cada una de las intérpretes con la ayuda de sus compañeras y de las santas Perpetua y Felicidad, extrañas mártires del siglo III d.C. en la romana Cartago. Ama y esclava; blanca y negra; lactante y embarazada, respectivamente. Moreau, Keisanen y Morales usan la danza (sí, la usan: le dan utilidad: creen en su potencia aniquilador de privilegios) como la ganzúa que revienta las puertas de sus saberes; la danza como saqueadora de los estados físicos y mentales que los regímenes tiene tan bien custodiados.

Una investigación acerca del martirio y su estetización, con el objetivo de aplicar sus resultados a una pieza de danza que reflexiona y crea paralelismos entre el hecho dancístico y el fenómeno martirológico.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, ​​con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/perpetua-felicida-iniciativa-sexual-femenina-13066

Read More

20 y 21 de noviembre en Teatro de la Abadía

Durante el tiempo de la pandemia, en la primavera de 2020, la coreógrafa madrileña Elena Córdoba y los componentes de su compañía recogieron flores que miraban a través de un microscopio, como una manera de atravesar aquel tiempo de zozobra. De ello dejaron constancia en un blog. Y de esa experiencia surgió Criaturas del desorden, el espectáculo de danza que presentan en el Festival de Otoño. A partir de la observación de las flores, Córdoba y su equipo fueron elaborando una serie de ficciones, en las que, a través de la danza contemporánea, confrontan sus cuerpos, la materia única del trabajo de la coreógrafa, con las formas paisajísticas de las flores.

Elena Córdoba trabaja en Madrid desde el año 1990. Su obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de su trabajo. En el año 2008 inicia Anatomía poética, un ciclo de creación sobre el interior del cuerpo humano, que comprende obras y estudios de distintos formatos y que aún se extiende en el tiempo. Se interesa especialmente en el acto de bailar, en su necesidad y su pervivencia social. Al baile, entendido como una manifestación humana, le dedica distintos proyectos colectivos como Bailar, ¿es eso lo que queréis?, Déjame entrar o ¿Bailamos? Su mirada sobre el cuerpo ha acompañado algunas obras de Antonio Fernández Lera, Rodrigo García, Carlos Marquerie, Silvia Pérez Cruz o Rocío Molina. Además, ha publicado relatos, diarios de trabajo y ensayos breves. Actualmente trabaja en el proyecto Ficciones Botánicas que pretende construir coreografía a partir de las formas de las plantas.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2021/criaturas.html

Read More

©Virginia Rota

Luz Arcas/La Phármaco

Del 27 al 31 de octubre en Conde Duque

Nuestros cuerpos tienen una carga histórico-cultural. Sobre esto lleva tiempo reflexionando la bailarina y coreógrafa malagueña Luz Arcas, directora de la compañía La Phármaco que ahora, en Bekristen/Cristianos. Capítulo II. Somos la guerra, da continuidad a lo que aspira ser una trilogía sobre estas inquietudes que surgieron de su experiencia personal, tras cinco años de proyectos de danza en países de Asia, África y América. Percibió en los cuerpos y gestos de muchos de sus habitantes el peso de la herencia cristiana hoy cómodamente reconvertida en capitalismo neoliberal.

En sus reflexiones, el cristianismo, que da título genérico a su trilogía en construcción, se alza como el primer proyecto económico, político y social de alcance global, el mismo que talló el marco en el que se mueven hoy el capitalismo y el neoliberalismo, que imponen sus criterios desde una violencia totalitaria, a veces muy sutil. Además fue ese mismo cristianismo el que propició y potenció las élites a través de las figuras segregacionistas de colonizadores y colonizados.

Bailar esta problemática es su cometido en la trilogía Bekristen. En La domesticación (2019), el primer capítulo estrenado, apuntaba hacia la asimilación de valores que generan una necesidad extrema e impuesta de consumo y triunfo, y también hacía referencia a lo que ella llama la «herida histórica de los cuerpos». Ahora en la continuación, aborda otros derroteros de la misma problemática. Así lo explica: «Somos la guerra es una obra rota, hecha de fragmentos, un evangelio apócrifo que recoge otra visión del mito, un relato no-oficial del cuerpo que espera el milagro. El discurso es puramente físico, intuitivo, inspirado en anécdotas, imágenes y referencias concretas de mi vida. La música electrónica, la influencia del folclore, de las imágenes marianas veneradas en mi tierra, Andalucía, el deseo de bailar más que de hacer danza, lo que el cuerpo que baila convoca o el impacto en mi cuerpo del nacimiento de mi hija: la anunciación, que lleva implícita la esperanza, y sus primeros años, la necesidad de afrontar el proyecto de domesticación de la civilización humana. Somos la guerra es una obra sobre el sudor y las lágrimas, sobre las aguas del cuerpo».

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/luz-arcasla-pharmaco-somos-la-guerra.

Read More

Del 28 al 31 de octubre en el Mercat de les Flors 

Sònia Gómez ha invitado a cinco intérpretes excepcionales y con un gran bagaje creativo y escénico a responder a la pregunta: ¿qué piensa el intérprete cuando está actuando en escena? La propuesta para Magí Serra, Núria Guiu, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol y Pere Jou es escenificar “la representación dentro de la representación”, en la que Sònia Gómez busca como coreografía un encuentro entre bailarines y performers. Y lo hará con un recurso híbrido de movimiento al que ha llamado zoom.

La bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez estudió en el Institut del Teatre y en la escuela P.A.R.T.S de Bruselas. Desde el año 2004 trabaja en proyectos que tienen como ejes temáticos la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. Sus creaciones, Mi madre y yoExperiencias con un desconocido, etc, son montajes multidisciplinares que recorren un amplio abanico de lenguajes, estéticas y referencias.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/the-black-body-the-blue-mind-and-the-fluorescente-guts/

Dirección Sònia Gómez / Con la colaboración Núria Guiu, Magí Serra, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol, Pere Jou / Feldenkrais Ohad Nachmania / Asesor artístico Txalo Toloza / Espacio sonoro Carles Parra / Espacio escénico Gómez & Broessel / Diseño 3D Renderfields / Diseño iluminación Anna Rovira / Asistencia plástica Jorge Dutor / Fotografía Tristán Pérez-Martín /Producción ejecutiva elclimamola
Coproducción Mercat de les Flors / Residencia Graner fábrica de creación, WP Zimmer / Con el apoyo Institut Ramon Llull

Read More

Amaia Bono y Damián Montesdeoca

15 y 16 de octubre en Teatro Pradillo

La ciencia solamente puede percibir fenómenos repetibles. Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar dos veces con la misma piedra. Todo se repite. Se repite curso. El ajo repite. Los loros repiten. El eco repite. Las olas se repiten. Todo se repite. Hasta Jesucristo, al renacer, se repite. Todo se repite. Todo se repite. Todo se repite.

Más información y entradas: http://www.madrid.org/surgemadrid/2021/la-repeticion.html

Read More

 

PARA RESERVAR UNA PLAZA, PINCHA AQUÍ.

serenity rave es un lugar, un latido, algo que no es visible pero que está presente. Sería algo así como una suspensión que permanece, que no se cristaliza y que en sí misma tiene la capacidad de mutar para así poder abrir las múltiples posibilidades que podemos encontrar en aquello que todavía no conocemos y que, quizás, nos de miedo. Un lugar donde el cuerpo es un territorio ambiguo que nos hace percibir el mundo pero no completamente y en el que la danza ejerce de médium. Una grieta en la que confluyen pasado, presente y futuro. Una manera de invocar bailando a todos estos tiempos juntos, convirtiéndonos en uno solo, que queda sostenido para siempre. serenity rave es la noche en la que aprendimos a hablar con el cuerpo, en la que nos abrumamos y algo amenazaba ruina; es la noche en la que descubrí que mi brazo era su pierna y la cabeza un fantasma, y yo, que permanecía ahí bailando, sigo bailando.”

Laura Ramírez

Laura Ramírez Ashbaugh es coreógrafa y bailarina. Entre sus intereses se encuentran pensar y explorar sobre todo lo que la rodea, la idea de paisaje, cuerpo ambiguo, los espacios intermedios y el feeling con el beat. Actualmente se encuentra trabajando en su próximo solo llamado serenity rave. Ha trabajado activamente con Ainhoa Hernandez, con la que creó en 2014 el colectivo Twins Experiment, ha colaborado en piezas de María Jerez, Cris Blanco, Lejos Lejos, Esther Rodriguez Barbero, Xavi Manubens o Quim Bigas y hace cuatro años se inició en el mundo del DJ como práctica que la sostiene y complementa, siendo un factor de gran relevancia en su forma de trabajar.

Su trabajo se articula principalmente entre Madrid, Barcelona y Francia. Entre otras actividades, imparte workshops, clases de movimiento, asiste como tutora de procesos a diferentes artistas y colectivos, genera espacios de estudio como MovLab en La Casa Encendida o el club de lectura EL CLUB en los Teatros del Canal, es creadora de un deporte consistente en desaparecer, compone música y textos junto a Andrea Zavala y trabaja en el departamento de educación del Museo Reina Sofía.

“serenity rave” es la quinta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.

CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.

Read More

Imagen de Marta Miranda

De Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra

25 de septiembre en el Fiot de Carballo

La fiesta como lugar de comunión y bailar como acto de resistencia, de ruptura con los cotidiano, de hedonismo físico y emocional. Un mecanismo de reprogramación mental, más necesario que nunca tras el confinamiento vivido, y en la que el público será parte esencial de la pieza. Queremos comenzar esta edición del FIOT celebrando estar juntos y, por fin, bailar.

La esencia de las fiestas techno o “raves” cobrará vida en Technocracia, un proyecto multidisciplinar que emplea la música electrónica, la voz, la luz y los cuerpos en movimiento como metodología de creación para desarrollar una experiencia afectiva y sensorial, singular. El artista plástico Mauro Trastoy realiza una intervención creada para el Mercado, configurando un dispositivo de baile seguro, y convertirá al público en facilitador del espectáculo. Una experiencia liberadora con la que disfrutar de la creación contemporánea.

Partiendo del autorretrato y de la autoficción, la compañía de artes vivas Funboa Escénica, busca generar un sentimiento de identificación con el público, reflexionando sobre lo general desde lo cotidiano, y poniendo nuestro cuerpo y la experiencia en el centro de la duda de lo que somos. Sus procesos creativos integran metodologías múltiples e interdisciplinares.

Un contrapunto a lo digital en el que la presencia del público tiene un papel determinante.

+ info y entradas

Producción: Funboa Escénica
Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra
Dirección: Cristina Balboa
Invitada especial y asistencia de movimiento: Elvi Balboa
Diseño dispositivo escénico: Mauro Trastoy
Iluminación: Afonso Castro
Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández, Manuel Parra, Pipo Rodríguez, Lefrenk y Roi Fanzine
Asistencia de producción: Manu Lago
Colaboradores: Agadic, Colectivo RPM, corpo(a)terra, Galicia DanzaContemporánea y De corpos presentes
Procedencia: Galicia

Read More

Julián Pacomio

24 de septiembre de las 6 a las 9.30h de la mañana

Imprescindible inscripción previa en: lacapella@bcn.cat

Llevamos mucho tiempo acostándonos temprano. Somos gentes del día, la noche es cosa de otros. Esperamos el apocalipsis todos juntos, aquí. En algún momento, lo familiar, lo íntimo, se tornará inquietante y el fin llegará apacible, amable. Algo oscuro emergerá a la superficie acusando la vida, y ya nada será igual; los recuerdos, los de entonces, ya no importarán, y solo servirán los más fuertes, es decir, los de ahora. Nunca más seremos contemporáneos y solo quedará la luz del día, simplemente.

o

[…] es que esto no tiene sentido pero lo demás no tiene sentido pero lo demás es la muerte.

Creación: Julián Pacomio

Performers: Sara Vieira Marques, Marina Dubia, Víctor Colmenero Mir, Nina Botkay, Ángela Millano, Luis Moreno Zamorano y Matilde Amigo.

Iluminación: Santiago Rodríguez Tricot

Sonido: Borja Caro

Acompañamiento: Alexandra Laudo

Agradecimientos: Alina Ruiz Folini, Iván Haidar, Daniel Pizamiglio, Ignacio de Antonio Antón, Leire Aranberri, Carolina Campos, Luz Broto, Óscar Dasí, Núria Gómez Gabriel, Adaline Anobile, João Dos Santos Martins y Alicia Carrera.

Apoyos:

Barcelona Producció. Centre d’Art La Capella.  Acció en viu

Residencia de creación. Graner. Centro de Danza y Artes Vivas. Barcelona

Fabra i Coats – Fábrica de Creación. Barcelona

Ayudas a Artistas Visuales de Extremadura. Producción

O Rumo do Fumo. Residencia de creación. Lisboa

PACAP #4. Forum Dança. Residencia de creación. Lisboa

ARAR. La Caldera. Barcelona

Julián Pacomio. Artista, performer y comisario. Indaga en la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos con sus proyectos escénicos. Desde 2018 colabora con la coreógrafa Ángela Millano (España) en el proyecto de investigación Asleep Images, del que forman parte las piezas Make It, Don’t Fake It (2019) y PSYCHO (2020). Trabaja con coreógrafos como João Fiadeiro (Portugal), Carolina Campos (Brasil), Luis Garay (Colombia), Daniel Pizamiglio (Brasil-Portugal) o Annika Pannitto (Italia), entre otros. En 2020 comisarió NO NO NO SOLO SOLO NO, un ciclo de performances para la sala Amadís del INJUVE (Madrid), y prepara, junto con Ignacio de Antonio Antón (España), la exposición Contemplar una superficie inestable, ganadora del concurso Inéditos 2021 en La Casa Encendida. https://julianpacomio.net/

Read More