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Baile

Anto Rodríguez

Del 8 al 10 de abril en Conde Duque

Hay una máxima que define y marca el tono efervescente de esa delirante corriente teatral que es la vieja Commedia dell’arte italiana: la energía nunca baja. Se mantiene o sube. Para entendernos, es un subidón constante. No es extraño que el creador asturiano Anto Rodríguez, quien confiesa haber vivido de los 15 a los 27 años totalmente obsesionado con la Commedia dell’arte, dedique ahora una obra a cuestionar, entre otras convenciones, el subidón y los resortes que lo disparan, lo que viene anunciado ya desde el título. Arriba es una obra sobre la energía, «esa fuerza abstracta que nos conecta casi de una manera material», define el artista que ha sentido fascinación por esos personajes arquetipo, que ha admirado esa narrativa siempre ascendente así como la intensidad que se produce en la relación con el público en la revista teatral tradicional, la música pop y la tele. La pieza forma parte de una investigación mayor, a la que también pertenece su creación La Traviata, en la que se aproximaba a otro asunto artístico italiano, ésta vez del mundo de la lírica. En su estudio, intenta analizar y acercarse a los ejes esenciales de lo escénico, en lo que él denomina «artes de la relación».

En Arriba, Rodríguez apuesta por jugar con las convenciones, sobarlas, estar a gusto en ellas, jugar con sus amigos en escena y con el público como amigo. Arriba propone un dispositivo escénico en formato de pregunta, de lugares comunes revisitados y redimensionados. La intensidad de los cuerpos, la intensidad del sonido, del espacio, el encuentro con quien está en frente. Se pregunta dónde va la energía que desprende la escena, qué «artes de relación» suceden en una discoteca, un concierto, una fiesta…

Anto Rodríguez es artista inclasificable. Se hizo con el premio al mejor largometraje asturiano en la sección Gran Angular, del Festival de Cine de Gijón 2013, por Frankestein, falsa autobiografía que él define como su película-fantasma. Es autor de Vivir en videoclip, un concierto-karaoke producido por el Festival Veranos de La Villa, de Madrid. Su propuesta Lo otro: el concierto ha sido diseñada como una conferencia escénica. Diferentes temas, distintos formatos, el cruce de géneros ajenos o hermanados como la performance, la danza, el teatro, el cine, el audiovisual y hasta la ópera configuran la personalidad de un artista ecléctico que, de su propia cosecha, ha estrenado títulos como Notas para una conferencia troll, Mamá Patria, La salita o Los libros. Suele invitar a otros artistas a sus propuestas (en Arriba son Óscar Bueno y Cris Arias) y al tiempo, suele participar como invitado en las de otros. Entre ellos Juan Domínguez, Amalia Fernández, Óscar Bueno, Cris Blanco o Cuqui y María Jerez.

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Del 25 al 28 de marzo en el Teatro del Barrio

Ningún hombre me llevará a la cumbre es una pieza en solitario de Celeste González, creada en 2019 y estrenada en el Teatro Circo de Murcia para el II Congreso Internacional de Artes y Diversidad,  que ese año versaba sobre: “Identidad, tránsito, territorio y violencias”.

Los conceptos Identidad, Tránsito, Territorio y Violencia forman el eje central de un trabajo que, como el hecho de transitar el género, no tiene un punto y final y se convierte en un viaje a ninguna parte, en una deriva construida a golpe de subjetividad. Esta idea se revienta en cada presentación y sigue haciéndose preguntas de forma insaciable, incansablemente, sin pararse en ningún resultado.

Nadie tiene derecho a cuestionar qué o quiénes somos. El debate sobre lo trans es inadmisible.

“Queridas espectadoras:

No quiero contarles nada.

Ni yo misma sé muy bien qué me lleva a salir a escena, a seguir en esto.

Si lo tuviera claro, no haría lo que hago.

Si desean saber algo más, vengan a verme y… ¿hablamos?

Ahora… les dejo, que voy a depilarme con pinzas los pelos blancos que aún siguen saliéndome en la cara».

Celeste

Como la propia identidad, Ningún hombre me llevará a la cumbre se cuestiona permanentemente y, “a pesar de los resultados”, sigue preguntándose en cada espacio de representación. Nos vamos acercando… ¿Adónde? ¿A quién? ¿A qué?

¡Let’s go, baby!

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De Greta&Anna

Del 11 al 13 de marzo en Teatro Pradillo 

Nadie quiere ver morir a su mamá.

De entre toda la gama de oscuridades que tiene el dolor, se dice y se repite que la pérdida de un hijo es la mayor y la más grande de todas las tragedias, poco se habla de la pérdida de una madre.
A menudo es el ritual (una vez más) la única salida posible. Como alternativa al duelo “Mi madre muerta” plantea un rito personal, que tiene que ver con cómo la artista plástica Anna Jonsson y su hija Greta García Jonsson entienden la tragedia, a menudo atravesada por el sarcasmo, y el humor negro. Cómo encontrar el humor en la pérdida, cómo reírte de la peor de las pesadillas, esa que sabemos que vamos a vivir, pero intentamos evitar a toda costa. Estamos hablando de La Gran Preparación y parece que todo lo que tiene que ver con madurar nos lleva a trabajar esa preparación de la pérdida de nuestros padres, en concreto de saber cortar el cordón con la madre. Esta pieza puede ser la forma en que lo enfrentan Greta y Anna (o la forma en que no lo aceptan).
La maternidad per se no es el eje de la propuesta, desprenderse de una madre en sí mismo no tiene por qué suponer una tragedia, no estamos haciendo ningún alegato a la maternidad universal sino a las nuestras, a las que tenemos el privilegio de querer y ser correspondidas. Más en concreto a Birgitta, la madre de Anna Jonsson y a la propia Anna como madre Greta.
En el escenario Greta frente a la escultura. La cosa viene de familia. “Mi madre muerta” es un árbol genealógico en sí mismo, donde una escultura de Anna Jonsson hace de la madre de Anna y de la madre de Greta a la vez como si de una especie de escultura vudú se tratara. Acariciarla, zarandearla o bailar con ella es hacerlo con las dos madres al mismo tiempo. Y con las madres de todos. Ritual otra vez. “Mi madre muerta” es una despedida.
Alberto Cortés

Greta&Anna somos hija y madre y desde que nos conocemos hacemos cosas juntas. Videos de “Súper Violeta” y performances como “La verde”, “Del cerdo se aprovechan todos” o “El cabrón más fuerte”. “Mi madre muerta” nuestra primera obra escénica de largo formato.

Anna Jonsson. Nacida en Suecia, licenciada en la Facultad de Bella Artes en Sevilla, desarrolla desde los años 80 una dilatada trayectoria. Es una artista multidisciplinar, de formación escultórica, base de toda su obra, lo que la ha llevado a relacionarse y trabajar en el mundo de la danza-performance, reflejado tanto en sus espectáculos en vivo como en sus creaciones audiovisuales, junto a artistas como Torun Odlöw, Guillermo Weickert o María Cabeza de Vaca. Le interesan las cosas que hacen llorar y reír a la vez y piensa que más es más.

Greta García. Bailarina, creadora y payasa con estudios en Derecho, practica contorsión y escribe cuentos a escondidas. Interesada en el cuerpo y su búsqueda, así como el humor y el juego como vías para todo. Inició su formación en danza clásica y la continuó bailando todo lo que pudo. Ha trabajado como intérprete para otras compañías como Date.Danza o Angélica Liddell, en coproducciones como Ludo, pero sobre todo en proyectos colaborativos, Lanördika y Hermanas Gestring, generando diferentes propuestas. Gracias a esto viaja y recibe becas y premios que no le vienen nada mal.

Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga. Estoy en la escena porque la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Sigo sosteniendo mis ganas de actuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

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11 de marzo en Teatro Jesús Ibáñez de Matauco Antzokia

Quinta-feira: Abracadabra es la cuarta pieza fruto del ambicioso proyecto “siete piezas / siete años.

En 2019, Cláudia Dias comienza a trabajar en la cuarta entrega del proyecto. Después de Pablo Fidalgo Lareo, Luca Bellezze e Igor Gandra, el proyecto continúa en femenino con la coreógrafa y bailarina vasca Idoia Zabaleta.

Seven Years, Seven Pieces, es un proyecto a largo plazo de la coreógrafa e intérprete portuguesa Cláudia Dias que contrarresta la idea de un futuro ausente o precario, dolorosamente presentado año tras año. Apoyar la investigación artística respaldada por valores de continuidad, confianza y procesos compartidos, todos los cuales son necesarios para la producción de conocimiento, en oposición a la circulación de información.

  • Idea, puesta en escena, y dirección: Cláudia Dias
  • Artista invitada: Idoia Zabaleta
  • Intérpretes: Cláudia Dias, Idoia Zabaleta
  • Producción: Alkantara Festival (Lisbon – PT), con el apoyo de Azala

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Texto Quinta-feira: Abracabra

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4, 5 y 6 de marzo en Teatro Pradillo

Hace doce años, Claudia Faci y Jaime Conde-Salazar crearon una conferencia-ballet para la sala DT Espacio Escénico dedicada Le spectre de la rose (1911) de Vaslav Nizhínsky. En su interés por el repertorio, es decir, por aquellas obras que han pasado de cuerpo a cuerpo y han permanecido en nuestra memoria carnal, las dos artistas propusieron una lectura libre de aquella obra clave de la historia de la danza. De lo que se trataba era de detectar en qué lugares de sus cuerpos residía la memoria del ballet original explorando posibles estados, posiciones y miradas evocadas en los documentos históricos. La conferencia-ballet proponía una suave intoxicación a base de textos y referencias, músicas y movimientos que trazaban un viaje a través de cierta imaginación del pasado y del recuerdo de lo perdido para siempre: el París de comienzos del s.XX, Les Ballets Russes de Diaghilev, la Europa de antes de la primera Gran Guerra, etc. Evidentemente los cuerpos de Tamara Karsavina y Vaslav Nizhínsky no iban a volver nunca a escena, pero, como todas sabemos, el dispositivo teatral también sirve para invocar a los muertos y que estos se manifiesten como reflejos fugaces en los cuerpos vivos. Y esa era nuestra baza. No se trataba de reconstruir el ballet (propósito a todas luces imposible) sino de hacer que, de una forma muy modesta, la Joven y el Espectro volvieran a hacerse presentes.

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CondeGalí

6 y 7 de marzo en el Mercat de les Flors

Edat recomanada entre els 6 i els 11 anys

Espectacle inclòs dins la Quinzena metropolitana de dansa

Per mitjà de les paraules, la dansa i l’espai, aquesta proposta de Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí vol oferir un entorn segur en el qual nens i nenes d’entre 6 i 11 anys puguin compartir un temps i un espai d’exploració tàctil. dit dit neix de les recerques que aquests creadors han desenvolupat durant els quatre últims anys al voltant del tacte i la pell. A partir d’un espectacle i d’un taller a continuació, es desplegaran petites accions adaptades a tothom per practicar i descobrir formes de relació directa amb el món i amb els altres a través de la pell.

Ballarí, coreògraf, pedagog, investigador i escriptor, Aimar Pérez Galí entén la dansa com una eina de transformació crítica. Ha col·laborat amb creadors com ara Cuqui Jerez, Xavier Le Roy, Nicole Beutler, David Zambrano i Silvia Sant Funk, entre d’altres, és el director artístic d’Espacio Práctico i forma part de l’equip docent del Conservatori Superior de Dansa de l’Institut del Teatre de Barcelona.

Jaime Conde-Salazar és llicenciat en Història de l’Art i màster en Performance Studies (2002, Universitat de Nova York). Crític de dansa a revistes com ara Por la Danza (Madrid), SuzyQ (Madrid), Ballet/Tanz (Berlín), Mouvement (París), Hystrio (Roma) i Obscena (Lisboa). El 2015 va publicar el llibre La danza del futuro (Graner / Mercat de les Flors). Com a dramaturg ha acompanyat processos de creació de Ben Benauisse, I-Chen Zuffellato, Antonio Tagliarini, Societat Doctor Alonso, Claudia Faci, Aitana Cordero, Elena Córdoba, La Ribot, Bárbara Sánchez i Aimar Pérez Galí, entre d’altres.

Ambdós creadors han posat en marxa la iniciativa d’expansió artística CondeGalí B. L., a través de la qual duen a terme diversos projectes de recerca i creació artística.

Direcció Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / Interpretació Daniel Méndez i Xavier Manubens / Dramatúrgia Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / So Óscar Villegas / Text i veu Aimar Pérez Galí / Producció executiva Isabel Bassas
Producció CondeGalí B. L. / Amb el suport A Tempo – Fundació Ciutat Invisible i L’animal a l’esquena

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Oihana Altube y Javier Vaquero 

del 4 al 6 de febrero en DT Espacio Escénico

“…quiero seguir haciendo tandues, vistiendome con banderas y bailando Rosalía… es mi manera de sobrellevar la barbarie.”

Rojo pandereta es una pieza de danza que toma como referencia la puesta en escena en 1869 de Don Quijote de la Mancha por el coreógrafo francés Marius Petipa. Un marco a partir del cual reflexionar y cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales.

Rojo pandereta toma como referencia la obra literaria de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) y su puesta en escena en 1869 por el coreógrafo Marius Petipa con el Ballet Don Quixot en el Teatro Bolshói de Moscú (Rusia).

El proceso de creación de Rojo pandereta nace del deseo de cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales (nacionales, de género, de raza y profesionales) a lo largo de nuestras carreras. De esta manera pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

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30 y 31 de enero en La Fundición (Bilbao)

DEBUT es un solo donde la intérprete o performer atraviesa un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada, de ser amada a fin de cuentas. Atravesar la puerta, pasar el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso. Esta obra, que no es más que un acto de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público (la comunidad de la que depende su aceptación) y les dice: miradme.

Rosa Romero (1986) creadora escénica y actriz, Licenciada en Arte Dramático en la ESAD de Málaga. En esta misma ciudad junto con compañeros con los que compartía el interés por la creación y la experimentación escénica, trabaja durante años en varias compañías teatrales como La Caldera, Bajotierra o la mordiente. En esta ciudad también participa en la gestión de nuevas iniciativas como el festival de escena alternativa El Quirófano. Tras pasar por la escuela de interpretación de William Layton en Madrid, en 2013 vuelve a San Fernando, donde crea y gestiona “Estratería” un espacio donde empezó a darle forma a sus primeros proyectos personales. Actualmente vive en Sevilla trabajando en varios proyectos artísticos; “Estación espacial” con Alberto cortés y Alex peña, “Pelo de Trol” con Silvia Balvín y Debut, su primer solo.

Dirección e interpretación: Rosa Romero
Dramaturgia y ayudantía de dirección: Alberto Cortés
Acompañamiento del cuerpo: Patricia Caballero
Vestuario: Gloria Trenado (Nantú)
Paisaje sonoro: Pitu García
Iluminación: Carmen Mori

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21 de enero en Azkuna Zentroa

La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH, el espectáculo que en 2004 mostraron por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo Bach Project, una trilogía que tiene como eje el estudio de la música de J. S. Bach y la relación con la escritura coreográfica.

On Goldberg Variations / Variations es un espectáculo basado en la propuesta musical Goldberg Variations / Variations del pianista y compositor franco-americano Dan Tepfer, donde éste interpreta las Variaciones Goldberg de J.S. Bach combinadas con sus variaciones improvisadas sobre las mismas armonías.

On Goldberg Variations / Variations es un entramado de líneas de lenguajes que convergen para construir un tejido alrededor de la obra de J.S. Bach. La danza, la voz de John Berger, algunos textos propios, el sonido manipulado y multifocal de la banda sonora, la voz en directo y las proyecciones de vídeo se unen para construir esta aproximación de Mal Pelo al universo de J.S. Bach.

La propuesta coreográfica apuesta por la musicalidad particular de cada intérprete y por el diálogo rítmico y dinámico entre el grupo y el espacio.

MAL PELO: Con dirección artística de María Muñoz y Pep Ramis, Mal Pelo es un núcleo creativo caracterizado por una autoría compartida y una trayectoria basada en la investigación sobre el movimiento y su diálogo con otras disciplinas. Desde 1989, han desarrollado su propio lenguaje artístico a través del movimiento, la palabra, el vídeo, el espacio sonoro y una especial visión sobre el espacio escénico. Durante treinta años de creación Mal Pelo ha mantenido el interés de colaborar con escritores como John Berger i Erri de Luca, y creadores como Baró d’Evel, Andrés Corchero, Steve Noble, Lisa Nelson, Niño de Elche, John Edwards, Alia Sellami, François Delarozière, Eduard Fernández, Leonor Leal, Marta Izquierdo, Faustin Linyekula, Cesc Gelabert, Carlota Subirós, Àngels Margarit, Lilo Baur, Cristina Cervià, Núria Font, Joel Bardolet, Nuno Rebelo, Agustí Fernández entre otros. Desde 2001 dirigen el Centro de Creación L’animal a l’esquena, en Celrà, Girona.

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Javiera de la Fuente

27 de enero en Bulegoa Z/B

Existe un momento en la temprana etapa musical de Violeta Parra en el que, motivada por su hermano y guía Nicanor, se dedica al género español de los años cuarenta, llegando a ganar un certamen de baile y canto español con el afamado pasodoble de Lola Flores La Zarzamora. Aquella desconocida anécdota dará el pie inicial para desarrollar una de las cápsulas escénicas que conformarán Envioletá, un proyecto híbrido situado entre la investigación íntima/personal de aquella universal artista, el pensamiento crítico, el flamenco, la canción, la tradición y la experimentación. En esta residencia se profundizará sobra las inquietudes o necesidades estéticas de Violeta Parra, que encontraron en el flamenco un código eficiente para expresarse. El objetivo central de este proyecto es remover, pensar, recitar, cantar y danzar esta parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra como un importante referente del arte contemporáneo, más allá de nuestro territorio y tiempo. (…)

Para participar en la sesión, escribir a bulegoa@bulegoa.org 

AFORO: máximo de 15 personas.

Javiera de la Fuente, chilena radicada en Sevilla, investigadora independiente y bailaora de flamenco. Desde una primera colaboración en Máquinas de Vivir de Pedro G. Romero (2014), trabajo lenguajes cercanos a la performance, en espacios escénicos no convencionales. Desde tal campo, busco unir pensamiento crítico y baile en formatos híbridos como la conferencia escénica, con recursos como el relato y la voz bailada, el flamenco, el ritual, la improvisación. Desde este prisma, últimamente he actuado en espacios como Bauhaus Dessau (La Frase), Bergen Assembly 2019 (Aire del MarCanciones de la Guerra Social Contemporánea) y European Forum For Advanced Practice en CA2M con mi conferencia El Drama de una Realidad Sur. Actualmente, en parte guiada por Pedro G. Romero y Belén Maya, preparo Envioletá, proceso iniciado en una reciente residencia en el espacio de creación Azala. Además, estoy inmersa en el proceso creativo de Luciérnagas, artefacto flamenco de live-cinema y baile, junto al artista visual Isaías Griñolo.

Más información: [www.bulegoa.org]

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