— MuroTRON

Olga de Soto | 25 de enero a las 20 h. en Azkuna Zentroa

“Incorporar el aire, el agua, sus sonidos, el espacio, hacer que una cosa se una con otra, combinar profundamente una materia con otra, diluir un elemento en uno mismo, para que entren como parte de un todo, definido, delimitado, en silencio. Hacer cuerpo y dejar resonar las acciones y los sonidos de una deambulación que toma forma gracias a una proximidad extrema entre el movimiento y la acción, en el gesto íntimo de aquel que está completamente concentrado en la meticulosa observación de sus exploraciones, absorto como un niño.” (Olga de Soto)

‘INCORPORAR’ es el primer capítulo o solo acompañado de una serie de cuatro cuyo punto de partida es el espectáculo Éclats mats, obra  para tres bailarines y un artista, creada en 2001 y retomada en 2005 en el Centro Pompidou de París.

Desde el punto de vista formal, este proyecto consiste en una serie de solos que en realidad no lo son, ya que podrían ser dúos, tríos o cuartetos. Ningún solo es lo que parece ser, su particularidad radica en tratarse de solos acompañados, cuya articulación sigue un juego de relevos en que el actor principal de cada capítulo cede su sitio a uno de sus acompañantes en el capítulo siguiente, pasando este último a su vez a ser acompañado por otro/s.

La pieza ‘INCORPORAR’ fue concebida inicialmente para y junto a Vincent Druguet y es interpretada ahora por Sylvain Prunenec. En Azkuna Zentroa, Olga de Soto propone reactivar la pieza, tras nueve años sin ser mostrada, y mostrarla en un espacio no teatral, más cercano al cubo blanco de una galería o de un museo, para observarla y estudiarla desde otro punto de vista, para ver sus potencialidades en este nuevo marco. Ese espacio es el CAC2.

Tras la presentación de la pieza, se organizará un coloquio abierto al público.

Ficha artística:
Concepto y coreografía: Olga de Soto
Escenografía y vestuario: Thibault Vancraenenbroeck
Iluminación: Gilles Gentner
Difusión sonora y espacialización en tiempo real: Pierre Gufflet
Dirección técnica: Christophe Gualde
Con  Sylvain Prunenec acompañado por Olga de Soto. Este solo fue creado inicialmente por y para Vincent Druguet acompañado de Olga de Soto
Producción: Niels Production (Bruselas, BE)
Coproducción: Centre Pompidou / les Spectacles Vivants (París, FR), con el apoyo de Nadine (Bruselas) y Centre Chorégraphique National de Franche-Comté (Belfort, FR).
Duración: 35 min. seguidos de coloquio con los artistas

Olga de Soto es coreógrafa e investigadora en danza, nacida en Valencia y afincada en Bruselas. Licenciada por el Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers, tras haber cursado estudios de danza clásica, danza contemporánea y solfeo en Valencia y en Madrid. Su trabajo de creación comienza en 1992 y desde comienzos de 2000 se centra en el estudio de la memoria y del impacto del arte escénico, su utilidad y su perennidad. Su trabajo ha sido mostrado en una veintena de países y es invitada con regularidad a dar talleres y conferencias en diferentes universidades o a compartir su metodología de trabajo. En 2013 recibió el Premio de la SACD Bélgica — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en particular por su trabajo de investigación y de creación en torno a La Mesa Verde, de Kurt Jooss.

Marlene Montero Freitas | 17 y 18 de enero en Teatros del Canal a las 19h. 

Marlene Monteiro Freitas comenzó a bailar por influencia de la cultura de Cabo Verde, su país de nacimiento, y de ahí proviene el título de esta obra. «Guintche» es el nombre de un pájaro, pero también se refiere a la mujer prostituida o a una persona que salta de una cosa a otra sin seguir una lógica aparente. Así es la pieza que nos presenta Monteiro, una cuestión de impurezas.

En Guintche todo sucede en la parte alta y en la parte baja del cuerpo. De la cadera a los pies el cuerpo se entrega a una mecánica repetitiva del contoneo. A la altura de la cara sucede una frenética sucesión de muecas desligadas de cualquier emoción psicológica. Son movimientos que producen un estado de trance visual, porque Marlene baila con todo, desde los músculos a los dientes, desde lo visible a lo invisible.

Lo que se pone en juego en esta obra no puede reducirse ni al teatro ni a la danza, ni siquiera a la performance. Se sitúa en el territorio de lo que cada uno ve con la imaginación.

Esta pieza está vinculada a la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de la performance radical (16 de noviembre — 6 de mayo), en el Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles, Madrid).

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De Bea Fernández con Oihana Altube y Clara Tena

14 de diciembre a las 20h en Azkuna Zentroa (Alhóndiga Bilbao)

‘Este lugar entre: Prethink and Free Action’ reúne tres coreografías para dos intérpretes, que transitan distintos estados físicos desarrollados durante un largo proceso de investigación de Beatriz Fernández. La búsqueda de un cuerpo involucrado con un modo de estar y de ser, o un cuerpo que deviene o emerge sin anticipación. Este lugar intersticial, que genera la expectativa de una narrativa y, sin embargo, evita la creación de un significado para irradiar, en todo caso, una voluntad de ser algo.

Solo A: Prethink and Free Action
Mapear el movimiento, fantasear al realizar la acción, danzar desde estrategias que inciden en la percepción y ejecución, dinámicas que distraen la atención, aires que permiten decidir sobre la decisión, tono y tiempo real o irreal. Las cosas que son como si no fueran. Danza con naturalezas de la acción.

Solo B: Danza original, símbolos pop y Oihana
Estigmas POP + un cuerpo a menudo hiper (bruto o femenino) + consumimos cuerpos de los clips musicales + practicamos cuerpos contemporáneos saturados de estilo + tratar de alcanzar un gran nivel de precisión con parámetros experimentales + movimientos estrella en un lugar o modo poco espectacular.

Dúo C: Este lugar entre
La suma de tú y yo no es dos. Es un entre en el que puede aparecer cualquiera. Cuando esto ocurre, podemos decir que hemos hecho una experiencia de nosotros que no sólo desafía las leyes de la aritmética, sino sobre todo un determinado escenario de relaciones de poder. Hemos dibujado las coordenadas de una dimensión común. Ha aparecido un mundo entre nosotros. A partir de este concepto o reflexión de Marina Garcés, Bea Fernández comienza a trabajar con Oihana Altube y Clara Tena. Al principio ellas funcionan como dos cuerpos no narrados y despojados de lenguaje técnico; dos individuos en lo mismo, en el mismo espacio, lo mismo desde otro lugar, el cuerpo afectado materia y material, propio y del otro… Buscando, ofreciendo la ocasión para que emergiera este lugar ENTRE.

Concepción y dirección: Bea Fernández
Asistencia artística y construcción musical: Carmelo Salazar
Creación e interpretación: Ohiana Altube (solo B y C) y Clara Tena (solo A y C)
Iluminación: Cube
Vestuario: Jorge Dutor

19 de diciembre a las 19h en el MACBA/20 de diciembre a las 20h en el Mercat de les Flors

Con motivo de la exposición retrospectiva de la artista neoyorquina Rosemarie Castoro en el MACBA, Rosemarie Castoro. Enfocar al infinito, centrada en los primeros años de su carrera (1964-1979), el museo organiza un programa de danza con Yvonne Rainer, figura clave de la danza posmoderna. Castoro participó en círculos de arte minimalista, de los que formaban parte las bailarinas y coreógrafas Yvonne Rainer, Twyla Tharp, Lucinda Childs y Joan Jonas. En el caso concreto de Rainer, Castoro participó como intérprete en Carriage Discreteness, una obra cuyos accesorios minimalistas fueron diseñados por Carl Andre y que se presentó en el marco de Nine Evenings: Theatre and Engineering en 1966. la grabación de esta pieza de danza está incluida en la exposición.

En este programa combinado, Yvonne Rainer presenta dos de sus trabajos más recientes: una conferencia-performance que interpreta en solitario y su última coreografía, The Concept of Dust. Rainer es una figura clave de la danza contemporánea. En 1962 fue una de los fundadores del Judson Dance Theatre. Inspirándose en las nociones de indeterminación de John Cage, creó sus actuaciones de acuerdo con una serie de tareas genéricas que integraban gestos cotidianos en un vocabulario de danza. En 1966 estrenó Trio A, la primera sección de su obra The Mind is a Muscle. Aunque desde mediados de los sesenta ya incorporaba imágenes proyectadas en sus entornos de performance, Rainer escribió y dirigió su primera película de duración media, Lives of Performers, en 1972. En 1975, empezó a dedicarse principalmente a realizar mediometrajes y largometrajes en los que reinvirtió códigos narrativos. Entre los años 2000 y 2006, volvió a la coreografía y creó dos nuevas obras: After Many a Summer Dies the Swan (2000), una actuación grupal encargada por la Fundación Baryshnikov Dance, y AG Indexical, con una pequeña ayuda de H.M. (2006).

CONFERENCIA-PERFORMANCE DE YVONNE RAINER
Martes 19 de diciembre, 19 h
Lugar: Auditorio MACBA
«¿Qué es tan divertido? La risa y la ira en el tiempo de los asesinos» es un compendio de bromas y lamentaciones en torno a la vida política y cívica actual y cómo nos enfrentamos a ella.

DANSA
Miércoles 20 de diciembre, 20 h
Lugar: Mercat de les flors, Sala Pina Bausch
The Concept of Dust: Continuous Project – Altered Annually [El concepto de polvo. Proyecto continuo alterado anualmente] (2014) es un trabajo en curso que interrelaciona la danza formal con varios textos que tratan del envejecimiento y la muerte, historias personales y material citado de distintas fuentes, como por ejemplo las antiguas dinastías de Oriente Medio (Metropolitan Museum), descubrimientos paleontológicos (New York Times) o citas literarias. Estos textos son leídos por Rainer y los bailarines de forma intermitente. El poder del lenguaje como trayectoria que corre en paralelo a la música (Gavin Bryars, Giovanni Paisiello) sigue siendo un importante elemento coordinador en el trabajo de Rainer. Estos tres ejes ―movimiento, música y texto― se combinan para crear un ambiente de cierta melancolía. En Dust, los intérpretes tienen la libertad de iniciar y/o abortar los movimientos a su gusto, tomando decisiones espontáneas y ejercitando distintas opciones durante los 50 minutos de duración de la pieza. El resultado es una estructura que parece creada al azar, con impredecibles momentos de unísono, humor y convergencias sorprendentes.

Textos citados (sin orden predeterminado): Barack Obama, Maureen McLane, Harold Brodkey, Jean Luc Godard, Fredric Jameson, Alex Ross, Louise Bourgeois, Yvonne Rainer, D.H. Lawrence, wall inscriptions in the Islamic wing of the Metropolitan Museum of Art, Daniel Zalewski, Christa Wolf, Amiri Baracka, Donald Trump, et al.

Coreografía: Yvonne Rainer, con un poco de ayuda de Honi Coles, Jane Dudley (vía Sheron Wray), Isadora Duncan (vía Carl Van Vechten), Fritz Lang, Michael Douglas Peters (vía Michael Jackson), Nina Stroganova, Jacques Tati, Les Twins, et al. Y, por supuesto, con mucha ayuda de los «Raindears».
Asistente de coreografía: Pat Catterson
Intérpretes: Pat Catterson, Emily Coates, Patricia Hoffbauer, Emmanuèle Phuon, Yvonne Rainer, Keith Sabado, David Thomson.
Música: Arietta de Edvard Grieg y The Sinking of the Titanic de Gavin Bryars
Iluminación: Les Dickert
Vestuario: Juanita Cardenas
Sonido: Quentin Chiappetta

Programa coproducido con Performa, Nueva York.

Agradecimientos: RoseLee Goldberg, Esa Nickle y Sasha Okshteyn de Performa, y USA Fellowships por su apoyo.

Marina Colomina y Liz Peterson | 16 de diciembre a las 20 h. En La Poderosa 

Borders (sin título) es un nuevo trabajo en desarrollo sobre el ver, la transformación y los límites que gobiernan nuestros cuerpos, identidades e historias.

La comedia clásica de Aristófanes “Las Nubes” presenta un coro de diosas de forma cambiante que entraman los acontecimientos de la obra. En un estado de perpetua transformación receptiva, el coro de nubes encarnan lo que ven. En tanto que son las diosas de la retórica y de los pensamientos -que se manifiestan- las nubes dan forma a verdades escondidas y transgreden los límites éticos con argumentos inteligentes.

A Borders (sin título) Marina Colomina y Liz Peterson adaptan la acusación del sofismo de Aristófanes para poner las nubes en el centro de la acción y preguntarse: cómo nos vemos más allá de las estructuras que nos rigen y cómo damos forma al pensamiento?

Esta muestra de trabajo en progreso es la culminación de una residencia de un mes en el Estruch Fábrica de Creación de las Artes en Vivo, en Sabadell y en La Poderosa.
Investigación y el desarrollo de Marina Colomina, Liz Peterson y Matt Smith, con la consulta de Ame Henderson.

Producido por Public Recordings y Eventos In Real Time. Creado con el apoyo del Estruch Fábrica de Creación de las Artes en Vivo y La Poderosa.

Viernes 1 de diciembre en Cineteca Madrid, entrada libre hasta completar aforo

Luis López Carrasco estrena ‘Aliens’, una película rodada en VHS que narra los años 80 desde los ojos de Tesa Arranz, exvocalista de Los Zombies.
A través de historias de locura y desenfreno juvenil contadas por ella misma desde su casa, trascienden también temas mucho más profundos como la muerte o la enfermedad mental.
En la sesión se proyectará también ‘El futuro’, propuesta cinematográfica radical y transgresora que reflexiona sobre mitos de la Movida y la Transición Española.
En ella, un grupo de jóvenes bailan y beben en una casa. La atmósfera es festiva y alegre. La victoria del PSOE en las elecciones generales de 1982 parece reciente y la noche está contagiada de un espíritu de euforia y celebración. El intento de golpe de Estado del 23F, realizado tan solo un año antes, parece corresponder a otro tiempo, como si perteneciese a un pasado que se aleja a gran velocidad. Podríamos decir que en España, en 1982, todo estaba por venir, todo era futuro. Sin embargo, el futuro también parece aproximarse a enorme velocidad, como un agujero negro que devora todo lo que encuentra a su paso

Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con Tesa Arranz, Luis López Carrasco y Germán Pose.

Coproducción del Archivo de Creadores / Centro de residencias artísticas y HOME Manchester.
La proyección es una colaboración entre Archivo de Creadores / Centro de residencias artísticas y Cineteca Madrid dentro del Festival Márgenes.

1 diciembre, 2017 – 19:00 h / Museo Reina Sofía (Edificio Nouvel, Sala Protocolo)

Coincidiendo con el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, el Museo Reina Sofía presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo en el contexto español y latinoamericano. A este respecto, él mismo apunta: “Un mes antes de que yo naciera, en septiembre de 1982, el Centro de Control de Enfermedades y Prevención de los Estados Unidos utilizó por primera vez el término SIDA para evitar el uso de GRID (Gay Related Immune Deficiency) al conocerse que el virus no era exclusivo de la comunidad gay. Mientras yo aprendía mis límites como individuo a través del contacto con mis padres, muchas personas que tenían mi edad actual morían por esta epidemia. El miedo crecía, aún no estaba claro como se transmitía, y tocarse producía desconfianza, convirtiéndose en una actividad de riesgo. En los estudios de danza empezaban a surgir tensiones entre los bailarines que, sudados, tenían que tocarse para practicar las coreografías.”

La pieza versa, por tanto, sobre la memoria; sobre bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad de artistas que se hizo fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramientas de supervivencia. Para ello se apropia del contact improvisation, una técnica de danza que parte del contacto físico entre dos cuerpos para generar coreografías basadas en la improvisación. Concebida por el bailarín y coreógrafo Steve Paxton en 1972 en Estados Unidos, el contact improvisation se expandió internacionalmente como una nueva práctica de la denominada danza posmoderna (democrática, fundamentada en la confianza en el otro y en el hecho de compartir el peso y la gravedad del cuerpo), a la vez que el virus del VIH se propagaba generando un efecto contrario: marginalizando y apartando al sujeto afectado del contacto con otros. De este modo, el énfasis que esta técnica pone en el hecho de tocarse contrastaba con las políticas de inmunidad a las que dio lugar el VIH.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda este contraste entre la necesidad del contacto y el deseo de inmunidad para producir una acción que invite al espectador a ser “tocado” a un nivel sensible. En este sentido, su título alude a la doble posibilidad del tacto en una comunidad de cuerpos: la de tocar a otros y ser a la vez tocado. La pieza incorpora cartas que, como parte de su investigación, Pérez Galí escribió a bailarines ya fallecidos, reuniendo reflexiones y recuerdos presentes en conversaciones con quienes fueron testigos de lo que sucedía en aquellos años.

Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí

Danza: Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Óscar Dasí, Dani Méndez y Aimar Pérez Galí

Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí

Apoyo en la investigación: Aimar Arriola

Luces: Cube.bz

Banda sonora: Tirso Orive

Ilustración y fotografía: Jordi Surribas

Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí

Foto: Haroldo Saboia

Thiago Granato | 23 de noviembre a las 19h en el Reina Sofía (Edificio Nouvel, Auditorio 400)

Trança es la segunda parte de la trilogía Coreoversaciones, una investigación coreográfica iniciada por Thiago Granato en la Akademie Schloss Solitude de Stuttgart durante una residencia entre 2013 y 2014.

El concepto principal que estructura el proyecto es la creación de tres solos de danza basados en conversaciones coreográficas imaginarias con coreógrafos del pasado, del presente y del futuro respectivamente. De este modo, lo que comienza siendo un proceso de reflexión retrospectiva termina planteando una proyección ficticia en la que el artista pone su cuerpo a disposición de otros. La aproximación documental y la ficcional se entremezclan y confunden, generando un espacio común basado en la necesidad de abordar diferentes cualidades de presencia y estimular así la producción de nuevas corporalidades.

A partir de la combinación de investigación, creación, producción y educación, el proyecto Coreoversaciones busca generar una red de relaciones entre quienes participan en la pieza, tanto artistas como estudiantes y público, para favorecer el debate en torno a la danza y su vinculación con la historia, la herencia cultural, la autoría, la propiedad, la idea de traducción y transmisión o el concepto de incorporación y de presencia.

Después de Treasured in the Dark (2015), el primer solo de la trilogía, Trança invita a un viaje sensorial en el que el sonido, la luz y el movimiento entretejen superficies y temporalidades vertiginosas. Partiendo de una coreografía de manos, Thiago Granato acelera ejercicios de transformación corporal, procesos que permiten al cuerpo cambiar de forma, en los que distintas fuerzas internas (sentimientos y sensaciones) se traducen en signos. Reconocibles en lo cotidiano, estos signos conducen a una investigación en torno al poder del cuerpo para crear contextos que den forma a nuevos modos de vida.

Como afirma la profesora y teórica de la danza Christine Greiner en su texto La alteridad como estado de creación (en Victoria Pérez Royo; Diego Agulló (eds.), Componer el plural, Ediciones Polígrafa, 2016): “al romper la barrera entre el yo y el otro” este proyecto  produce “indeterminaciones, desestabilizando evidencias y apostando principalmente por discontinuidades y atravesamientos entre fragmentos y espectros. La propuesta no consiste en completar nada, ni en contar historias de nuevo o en apropiarse e internalizar algún entrenamiento específico, sino en avanzar en la experiencia de imaginar encuentros entre vivos y muertos, movimientos e imágenes”.

Thiago Granato. Coreógrafo brasileño residente en Berlín. Sus piezas se han presentado en distintos países como Brasil, Uruguay, Israel, Austria, Alemania, Suecia, Líbano o Corea. Además de su trabajo personal, ha colaborado con artistas como Simone Mello, Adriana Grechi, Lia Rodrigues, Mathilde Monnier, Cecília Bengolea, Cristian Duarte o Jefta van Dinther, entre otros. Participó en Ex.e.r.ce 8, programa coordinado por Xavier Le Roy, en el Centro Coreográfico de Montpellier (Francia). Es profesor en DOCH Universidad de Danza y Circo en Cullbergbaletten (Estocolmo, Suecia) y en el departamento de Danza y Teatro Modernos de la AHK en Ámsterdam (Holanda). Durante los años 2013 y 2014 fue artista residente en la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart (Alemania), periodo durante el cual desarrolló el proyecto Coreoversaciones; y en 2015 lo fue del Centre International des Recollets en París (Francia). En 2017,  crea Hosts, una pieza coreográfica realizada junto con catorce estudiantes como parte de la programación del departamento de Teatro y Danza Moderna de la AHK. Actualmente, trabaja en la tercera parte de la trilogía Coreoversaciones.

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Tania Arias | 23 y 24 de noviembre a las 22 h. en La Casa Encendida

Danza más cabra surge a partir de unos cuernos y en relación estrecha al mundo de la moda, especialmente a la figura de Alexander McQueen. Partimos de lo más superficial, de la capa más externa. Los diferentes lenguajes de movimiento son tratados como un accesorio más.

Tania Arias Winogradow deja entrar a algunos íncubos cada vez que presenta una nueva colección de esta pieza para que rematen con ella ese traje que es la obra. En esta ocasión, a partir de la colección Fall 2016, los invasores son Celeste Mauri González, Andreya T y los músicos Santiago Rapallo y Javier Adán.

Van sucediéndose diferentes combinaciones de prendas, de movimientos, un despliegue de cuerpos que simplemente se exhiben porque fueron desterrados de diferentes territorios. Y en ese destierro, deciden homenajear salvajemente y sin control a los ídolos ya fagocitados por el tiempo, ese gran maquillador que tanto tememos.

The Horn of Plenty Dress, un título prestado de una colección de Alexander McQueen, nos remite al traje del cuerno de la abundancia. La multitud de cuerpos que van apareciendo se disuelven en un sombreado perfecto de honestidad y añoranza de una belleza nunca alcanzada.

• Concepto y coreografía: Tania Arias Winogradow.
• Creación e interpretación: Celeste González, Andreya T y Tania Arias Winogradow.
• Música original: Santiago Rapallo y Javier Adán.
• Iluminación: Sindo Puche.
• Técnico de iluminación: Cristina Libertad Bolivar.

Tania Arias Winogradow desarrolla su proyecto escénico contra la extinción creando obras en diálogo con otros artistas. Bailarina de fondo en concierto y Danza más cabra son parte de este proyecto. Algunos artistas con los que ha trabajado en los últimos tiempos son Mónica Valenciano, La Ribot, Carlos Marquerie, Mauri y Celeste González, Johannes de Silentio, Juan Loriente, Sonia Guisado. En 2013-2014 colabora junto a Simone Forti coordinando las Dance Constructions presentadas en el Museo Reina Sofía de Madrid dentro de la exposición “+-1961: La expansión de las artes”. En 2017 coordina Una exposición coreografiada en CA2M, proyecto comisariado por Mathieu Copeland.

Olga de Soto

2 y 3 de noviembre a las 20h en el Teatro Central de Sevilla

Performance documental

El mítico espectáculo La mesa verde, del coreógrafo alemán Kurt Joos, con quien se formaron otras grandes de la danza como Pina Bausch y Susanne Linke, es materia de exhaustivo estudio en esta performance documental de la coreógrafa española residente en Bruselas, Olga de Soto, que pone en valor el impacto de una obra de gran compromiso político, como es La mesa verde. Estrenado en 2010, este trabajo ha recorrido buena parte del planeta y sigue la estela del trabajo de investigación que interesa a la creadora, también reflejado en un montaje anterior, Historias, una video-performance documental sobre Le Jeune Homme et la Mort, de Roland Petit, estrenado en 2004. / Mercedes L. Caballero

Sinopsis
Un espectáculo imprescindible para comprender el impacto que tiene una obra políticamente comprometida, teniendo en cuenta que denunciaba algo que ocurrió después. La llegada del Nazismo.

La coreógrafa de origen español, establecida en Bruselas, goza de gran reconocimiento internacional por sus proyectos de creación íntimamente ligados a largos procesos de investigación. Ya en 2004 firmó Historias, una video-performance documental sobre Le Jeune Homme et la Mort, ballet de Roland Petit sobre un libreto de Jean Cocteau. Esta pieza continúa transitando por el mismo camino.

En Una introducción, Olga de Soto prosigue su trabajo de investigación y de creación, cuyos vectores principales son la historia y la percepción de la danza, siguiendo esta vez las huellas de La Mesa Verde, obra mítica del coreógrafo alemán Kurt Jooss -maestro de Pina Bausch y de Susanne Linke-, estrenada pocos meses antes de la llegada de Hitler al poder en Alemania. La Mesa Verde es una obra esencial en la historia de la danza y está considerada como uno de los espectáculos políticamente más comprometidos jamás realizados. Obra emblemática en la que el coreógrafo denuncia el auge del fascismo y la guerra, marcada por el clima turbio que precedió a la Segunda Guerra Mundial y, en cierta medida, obra visionaria frente a la realidad oscura de una época. Estrenado en 2010, este espectáculo ha sido presentado en Alemania, Bélgica, Francia, Holanda, Portugal, Austria, Polonia, Brasil, Finlandia, República Checa, México, etc., y no para de ser demandado. Hora era de presentarlo en Sevilla. La historia universal y la historia de la obra se entretejen en los testimonios en los procesos de transmisión que Olga de Soto documenta minuciosamente, preservando cierto suspense y giros dignos de una novela de aventuras. Bajo la apariencia de una conferencia, la artista construye hábilmente su posición de autora, (…) al tiempo que cuida la puesta en escena… Smaranda Olcèse, Toute la Culture

Si bien es admitido y aceptado el retomar una obra coreográfica [del pasado] porque la transmisión del gesto es constitutiva de una memoria de la danza más visual que gráfica, esta cuestión se plantea en otros términos en el dominio de la performance que hace del “re-enactement” una de sus mayores problemáticas y apuestas. El vídeo, la fotografía, el objeto, esta “cosa muerta” que conservan los museos como traza de la acción que puede ser reactivada o no, forman parte de la memoria de la performance. Valérie da Costa, Mouvement #69