— MuroTRON

Mónica Valenciano | Del 11 al 27 de mayo en Naves Matadero

Janet Novás | 13, 14 y 15 de abril en el Teatro Ensalle

No planteo ninguna pregunta, discurso o reflexión colectiva. Desconozco qué argumento le sería más favorable a esta obra o básicamente de qué trata, esa incapacidad para describirla me impulsa y me motiva. Solo quiero accionar mi cuerpo, el tiempo y el espacio que me rodea, compartir sensaciones, iniciar un camino a través de mis experiencias y mis necesidades de expresión donde la acción, la entrega, el compromiso y la responsabilidad serán imprescindibles para llevar a cabo este trabajo.

Me interesa ampliar los límites del cuerpo y para ello he utilizado una serie de herramientas: Objetos que construyen imágenes metafóricas, maquillajes que transforman el cuerpo, vestuarios que reflejan luz y luces que visten espacios, texturas sonoras que crean paisajes. En esta pieza esos paisajes son autoreferenciales o biográficos, aunque sólo he sido consciente de ello una vez han empezado a actuar de manera sinérgica, así puedo reconocer: los acantilados gallegos, el mar, el folclore, lo mágico y lo ritual, lo cósmico.

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Del 3 al 10 de marzo en el Mercat de les Flors

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El mundo de Thomas Hauert es un lugar de infinitas posibilidades, colores tornasolados que cambian con la posición, geometrías dinámicas y aromas de variadas procedencias. Porque el mundo es una construcción particular a partir de la propia experiencia y sensibilidad, él lleva 20 años trabajando su espacio de libertad radical que hará explotar en el Mercat de les Flors convirtiéndose en la primera constelación que se podrá ver dentro de una casa de la danza.

Una constelación es el dibujo que suma momentos, mundos y estrellas alrededor de un astro más brillante. Aquí son obras que explican el artista como un todo, más allá de cada una de sus partes, y más cerca del resto de explosiones artísticas del firmamento.

Encontraremos Danse étoffée sur musique déguisée (2012), la primera pieza para público infantil donde traspasa la idea del piano preparado de John Cage en el cuerpo del bailarín; el solo (sweet) (bitter) (2015) donde interactúa con el madrigal barroco de Claudio Monteverdi y su respuesta moderna; Inaudible (2016), una pieza de celebración con música de George Gershwin y Mauro Lanza. Y también dos películas y un taller para profesionales que se abrirá al público el último día.

De esta manera podremos construir gran parte del firmamento contemporáneo, donde Hauert ha hecho contribuciones estéticas de gran impacto para los bailarines más jóvenes, en nuestra casa también. Con la compañía creada en 1997, Zoo, renovó la comprensión y articulación del cuerpo individual y del cuerpo social de la danza, con unas herramientas interpretativas potentísimas que afinaban su intuición y lo convertían en un cuerpo pensante más rápido que las palabras.

En sus obras se pueden distinguir comportamientos sociales, reacciones biológicas o movimientos del alma, sólo cambiando el foco de atención. Es el efecto de la suma de capas de significado, a menudo contradictorio, que vierte, y con las que borra todo prejuicio y libera el cuerpo de formas impropias. Mezcla de referentes emancipadora también para el espectador, a quien traslada claves eficaces de percepción para nuestro tiempo.

Del 2 al 4 de febrero en el Mercat de les Flors (20h, dg 18h)

Protagonist es una parábola sobre los vínculos, la alianza y el afecto, pero también sobre el aislamiento, el control y el distanciamiento. Es una reflexión sobre la humanidad, una historia sobre la manera como se congrega la gente y cómo adopta y acepta roles. A lo largo de todo el espectáculo, el instinto, la resistencia y la compulsión devienen testimonios de la batalla que cada individuo tiene que librar y cómo la comunidad va tomando forma. Esta gran pieza con 14 bailarines cuenta con la voz de Elias, artista revelación de Suecia del año 2015.

Las obras del coreógrafo y bailarín Jefta van Dinther se caracterizan por un planteamiento físico muy riguroso. Por segunda vez dirige una pieza para el Ballet Cullberg, compañía fundada en 1967 que desde sus inicios se ha distinguido por su personalidad escénica, la creatividad y la fuerza técnica de sus bailarines.

Coreografía y dirección Jefta van Dinther / Con Adam Schütt, Anand Bolder, Camille Prieux, Daniel Sjökvist, Darío Barreto Damas (invitado), Eleanor Campbell, Georges Hann, Gesine Moog, Giacomo Citton, Katie Jacobson, Linda Adami, (invitada), Núria Guiu Sagarra, Suelem de Oliveira da Silva, Unn Faleide, Vincent Van der Plas / Música y diseño sonido David Kiers / Voz ELIAS / Diseño iluminación Minna Tiikkainen. 

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Retrato de un monstruo es una obra de cuerpos sin cuerpos, de hombres-bicho que se mueven en una jungla de sonidos, objetos y otros seres que se atraviesan sin acuerdo, sin contrato. Donde existe una tensión constante entre ser un cuerpo, tener un cuerpo e inventar un cuerpo; entre lo que se muestra, lo que se esconde y lo que está a punto de aparecer.

• Creación y dirección: Ayara Hernández Holz.
• Codirección: Felix Marchand.
• Creación, coreografía y performance: Amaranta Velarde, Ayara Hernández Holz, Felix Marchand e invitados.
• Asistencia de dirección y dramaturgia: Cris Blanco.
• Diseño escénico: Leticia Skrycky.
• Colaboración artística: Miguel Jaime, Erika del Pino, Paula Giuria, Lucía Yañez, Manuel Rilla y Fabrizio Rossi.
• Producción: Lupita Pulpo.

Apoyos: taller de danza y creación CASARRODANTE, Graner fábrica de creación, INTERPOLACIÓN 2014 / IBERESCENA, CCE (Uruguay), INAE / Instituto Nacional de Artes Escénicas, FIDCU / Festival Internacional de Danza Contemporánea de Uruguay, PICE / AC/ E Acción cultural española, Life Long Burning/ Work Space Brussels.

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• Blog del proceso de la edición 0
• Fotografías: retratodeunmonstruo.tumblr.com
• Página: www.lupitapulpo.org

Olga de Soto | 25 de enero a las 20 h. en Azkuna Zentroa

“Incorporar el aire, el agua, sus sonidos, el espacio, hacer que una cosa se una con otra, combinar profundamente una materia con otra, diluir un elemento en uno mismo, para que entren como parte de un todo, definido, delimitado, en silencio. Hacer cuerpo y dejar resonar las acciones y los sonidos de una deambulación que toma forma gracias a una proximidad extrema entre el movimiento y la acción, en el gesto íntimo de aquel que está completamente concentrado en la meticulosa observación de sus exploraciones, absorto como un niño.” (Olga de Soto)

‘INCORPORAR’ es el primer capítulo o solo acompañado de una serie de cuatro cuyo punto de partida es el espectáculo Éclats mats, obra  para tres bailarines y un artista, creada en 2001 y retomada en 2005 en el Centro Pompidou de París.

Desde el punto de vista formal, este proyecto consiste en una serie de solos que en realidad no lo son, ya que podrían ser dúos, tríos o cuartetos. Ningún solo es lo que parece ser, su particularidad radica en tratarse de solos acompañados, cuya articulación sigue un juego de relevos en que el actor principal de cada capítulo cede su sitio a uno de sus acompañantes en el capítulo siguiente, pasando este último a su vez a ser acompañado por otro/s.

La pieza ‘INCORPORAR’ fue concebida inicialmente para y junto a Vincent Druguet y es interpretada ahora por Sylvain Prunenec. En Azkuna Zentroa, Olga de Soto propone reactivar la pieza, tras nueve años sin ser mostrada, y mostrarla en un espacio no teatral, más cercano al cubo blanco de una galería o de un museo, para observarla y estudiarla desde otro punto de vista, para ver sus potencialidades en este nuevo marco. Ese espacio es el CAC2.

Tras la presentación de la pieza, se organizará un coloquio abierto al público.

Ficha artística:
Concepto y coreografía: Olga de Soto
Escenografía y vestuario: Thibault Vancraenenbroeck
Iluminación: Gilles Gentner
Difusión sonora y espacialización en tiempo real: Pierre Gufflet
Dirección técnica: Christophe Gualde
Con  Sylvain Prunenec acompañado por Olga de Soto. Este solo fue creado inicialmente por y para Vincent Druguet acompañado de Olga de Soto
Producción: Niels Production (Bruselas, BE)
Coproducción: Centre Pompidou / les Spectacles Vivants (París, FR), con el apoyo de Nadine (Bruselas) y Centre Chorégraphique National de Franche-Comté (Belfort, FR).
Duración: 35 min. seguidos de coloquio con los artistas

Olga de Soto es coreógrafa e investigadora en danza, nacida en Valencia y afincada en Bruselas. Licenciada por el Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers, tras haber cursado estudios de danza clásica, danza contemporánea y solfeo en Valencia y en Madrid. Su trabajo de creación comienza en 1992 y desde comienzos de 2000 se centra en el estudio de la memoria y del impacto del arte escénico, su utilidad y su perennidad. Su trabajo ha sido mostrado en una veintena de países y es invitada con regularidad a dar talleres y conferencias en diferentes universidades o a compartir su metodología de trabajo. En 2013 recibió el Premio de la SACD Bélgica — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en particular por su trabajo de investigación y de creación en torno a La Mesa Verde, de Kurt Jooss.

Marlene Montero Freitas | 17 y 18 de enero en Teatros del Canal a las 19h. 

Marlene Monteiro Freitas comenzó a bailar por influencia de la cultura de Cabo Verde, su país de nacimiento, y de ahí proviene el título de esta obra. «Guintche» es el nombre de un pájaro, pero también se refiere a la mujer prostituida o a una persona que salta de una cosa a otra sin seguir una lógica aparente. Así es la pieza que nos presenta Monteiro, una cuestión de impurezas.

En Guintche todo sucede en la parte alta y en la parte baja del cuerpo. De la cadera a los pies el cuerpo se entrega a una mecánica repetitiva del contoneo. A la altura de la cara sucede una frenética sucesión de muecas desligadas de cualquier emoción psicológica. Son movimientos que producen un estado de trance visual, porque Marlene baila con todo, desde los músculos a los dientes, desde lo visible a lo invisible.

Lo que se pone en juego en esta obra no puede reducirse ni al teatro ni a la danza, ni siquiera a la performance. Se sitúa en el territorio de lo que cada uno ve con la imaginación.

Esta pieza está vinculada a la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de la performance radical (16 de noviembre — 6 de mayo), en el Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles, Madrid).

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De Bea Fernández con Oihana Altube y Clara Tena

14 de diciembre a las 20h en Azkuna Zentroa (Alhóndiga Bilbao)

‘Este lugar entre: Prethink and Free Action’ reúne tres coreografías para dos intérpretes, que transitan distintos estados físicos desarrollados durante un largo proceso de investigación de Beatriz Fernández. La búsqueda de un cuerpo involucrado con un modo de estar y de ser, o un cuerpo que deviene o emerge sin anticipación. Este lugar intersticial, que genera la expectativa de una narrativa y, sin embargo, evita la creación de un significado para irradiar, en todo caso, una voluntad de ser algo.

Solo A: Prethink and Free Action
Mapear el movimiento, fantasear al realizar la acción, danzar desde estrategias que inciden en la percepción y ejecución, dinámicas que distraen la atención, aires que permiten decidir sobre la decisión, tono y tiempo real o irreal. Las cosas que son como si no fueran. Danza con naturalezas de la acción.

Solo B: Danza original, símbolos pop y Oihana
Estigmas POP + un cuerpo a menudo hiper (bruto o femenino) + consumimos cuerpos de los clips musicales + practicamos cuerpos contemporáneos saturados de estilo + tratar de alcanzar un gran nivel de precisión con parámetros experimentales + movimientos estrella en un lugar o modo poco espectacular.

Dúo C: Este lugar entre
La suma de tú y yo no es dos. Es un entre en el que puede aparecer cualquiera. Cuando esto ocurre, podemos decir que hemos hecho una experiencia de nosotros que no sólo desafía las leyes de la aritmética, sino sobre todo un determinado escenario de relaciones de poder. Hemos dibujado las coordenadas de una dimensión común. Ha aparecido un mundo entre nosotros. A partir de este concepto o reflexión de Marina Garcés, Bea Fernández comienza a trabajar con Oihana Altube y Clara Tena. Al principio ellas funcionan como dos cuerpos no narrados y despojados de lenguaje técnico; dos individuos en lo mismo, en el mismo espacio, lo mismo desde otro lugar, el cuerpo afectado materia y material, propio y del otro… Buscando, ofreciendo la ocasión para que emergiera este lugar ENTRE.

Concepción y dirección: Bea Fernández
Asistencia artística y construcción musical: Carmelo Salazar
Creación e interpretación: Ohiana Altube (solo B y C) y Clara Tena (solo A y C)
Iluminación: Cube
Vestuario: Jorge Dutor

19 de diciembre a las 19h en el MACBA/20 de diciembre a las 20h en el Mercat de les Flors

Con motivo de la exposición retrospectiva de la artista neoyorquina Rosemarie Castoro en el MACBA, Rosemarie Castoro. Enfocar al infinito, centrada en los primeros años de su carrera (1964-1979), el museo organiza un programa de danza con Yvonne Rainer, figura clave de la danza posmoderna. Castoro participó en círculos de arte minimalista, de los que formaban parte las bailarinas y coreógrafas Yvonne Rainer, Twyla Tharp, Lucinda Childs y Joan Jonas. En el caso concreto de Rainer, Castoro participó como intérprete en Carriage Discreteness, una obra cuyos accesorios minimalistas fueron diseñados por Carl Andre y que se presentó en el marco de Nine Evenings: Theatre and Engineering en 1966. la grabación de esta pieza de danza está incluida en la exposición.

En este programa combinado, Yvonne Rainer presenta dos de sus trabajos más recientes: una conferencia-performance que interpreta en solitario y su última coreografía, The Concept of Dust. Rainer es una figura clave de la danza contemporánea. En 1962 fue una de los fundadores del Judson Dance Theatre. Inspirándose en las nociones de indeterminación de John Cage, creó sus actuaciones de acuerdo con una serie de tareas genéricas que integraban gestos cotidianos en un vocabulario de danza. En 1966 estrenó Trio A, la primera sección de su obra The Mind is a Muscle. Aunque desde mediados de los sesenta ya incorporaba imágenes proyectadas en sus entornos de performance, Rainer escribió y dirigió su primera película de duración media, Lives of Performers, en 1972. En 1975, empezó a dedicarse principalmente a realizar mediometrajes y largometrajes en los que reinvirtió códigos narrativos. Entre los años 2000 y 2006, volvió a la coreografía y creó dos nuevas obras: After Many a Summer Dies the Swan (2000), una actuación grupal encargada por la Fundación Baryshnikov Dance, y AG Indexical, con una pequeña ayuda de H.M. (2006).

CONFERENCIA-PERFORMANCE DE YVONNE RAINER
Martes 19 de diciembre, 19 h
Lugar: Auditorio MACBA
«¿Qué es tan divertido? La risa y la ira en el tiempo de los asesinos» es un compendio de bromas y lamentaciones en torno a la vida política y cívica actual y cómo nos enfrentamos a ella.

DANSA
Miércoles 20 de diciembre, 20 h
Lugar: Mercat de les flors, Sala Pina Bausch
The Concept of Dust: Continuous Project – Altered Annually [El concepto de polvo. Proyecto continuo alterado anualmente] (2014) es un trabajo en curso que interrelaciona la danza formal con varios textos que tratan del envejecimiento y la muerte, historias personales y material citado de distintas fuentes, como por ejemplo las antiguas dinastías de Oriente Medio (Metropolitan Museum), descubrimientos paleontológicos (New York Times) o citas literarias. Estos textos son leídos por Rainer y los bailarines de forma intermitente. El poder del lenguaje como trayectoria que corre en paralelo a la música (Gavin Bryars, Giovanni Paisiello) sigue siendo un importante elemento coordinador en el trabajo de Rainer. Estos tres ejes ―movimiento, música y texto― se combinan para crear un ambiente de cierta melancolía. En Dust, los intérpretes tienen la libertad de iniciar y/o abortar los movimientos a su gusto, tomando decisiones espontáneas y ejercitando distintas opciones durante los 50 minutos de duración de la pieza. El resultado es una estructura que parece creada al azar, con impredecibles momentos de unísono, humor y convergencias sorprendentes.

Textos citados (sin orden predeterminado): Barack Obama, Maureen McLane, Harold Brodkey, Jean Luc Godard, Fredric Jameson, Alex Ross, Louise Bourgeois, Yvonne Rainer, D.H. Lawrence, wall inscriptions in the Islamic wing of the Metropolitan Museum of Art, Daniel Zalewski, Christa Wolf, Amiri Baracka, Donald Trump, et al.

Coreografía: Yvonne Rainer, con un poco de ayuda de Honi Coles, Jane Dudley (vía Sheron Wray), Isadora Duncan (vía Carl Van Vechten), Fritz Lang, Michael Douglas Peters (vía Michael Jackson), Nina Stroganova, Jacques Tati, Les Twins, et al. Y, por supuesto, con mucha ayuda de los «Raindears».
Asistente de coreografía: Pat Catterson
Intérpretes: Pat Catterson, Emily Coates, Patricia Hoffbauer, Emmanuèle Phuon, Yvonne Rainer, Keith Sabado, David Thomson.
Música: Arietta de Edvard Grieg y The Sinking of the Titanic de Gavin Bryars
Iluminación: Les Dickert
Vestuario: Juanita Cardenas
Sonido: Quentin Chiappetta

Programa coproducido con Performa, Nueva York.

Agradecimientos: RoseLee Goldberg, Esa Nickle y Sasha Okshteyn de Performa, y USA Fellowships por su apoyo.

Marina Colomina y Liz Peterson | 16 de diciembre a las 20 h. En La Poderosa 

Borders (sin título) es un nuevo trabajo en desarrollo sobre el ver, la transformación y los límites que gobiernan nuestros cuerpos, identidades e historias.

La comedia clásica de Aristófanes “Las Nubes” presenta un coro de diosas de forma cambiante que entraman los acontecimientos de la obra. En un estado de perpetua transformación receptiva, el coro de nubes encarnan lo que ven. En tanto que son las diosas de la retórica y de los pensamientos -que se manifiestan- las nubes dan forma a verdades escondidas y transgreden los límites éticos con argumentos inteligentes.

A Borders (sin título) Marina Colomina y Liz Peterson adaptan la acusación del sofismo de Aristófanes para poner las nubes en el centro de la acción y preguntarse: cómo nos vemos más allá de las estructuras que nos rigen y cómo damos forma al pensamiento?

Esta muestra de trabajo en progreso es la culminación de una residencia de un mes en el Estruch Fábrica de Creación de las Artes en Vivo, en Sabadell y en La Poderosa.
Investigación y el desarrollo de Marina Colomina, Liz Peterson y Matt Smith, con la consulta de Ame Henderson.

Producido por Public Recordings y Eventos In Real Time. Creado con el apoyo del Estruch Fábrica de Creación de las Artes en Vivo y La Poderosa.