— MuroTRON

Escena Poblenou, del 17 al 21 de octubre en Barcelona, con Leer es sexy, Carla Rovira, La Buena Compañía y Simona Levi, entre otras.

 

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Festival BAD, del 17 al 29 de octubre en Bilbao, con Bárbara Bañuelos, Sandra Gómez, Juan Domínguez y Macarena Recuerda Shepherd, entre otros.

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ÍDEM 2018. Festival Internacional de Artes Escénicas

Del 12 al 22 septiembre en La Casa Encendida

Desde su apertura, La Casa Encendida ha mantenido un fuerte compromiso con la visibilización de la diversidad y la eliminación de barreras a través de su programación. Durante diez ediciones el Festival de Artes Escénicas y Discapacidad contribuyó a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional. La evolución de la propia sociedad y las demandas de una ciudadanía cada vez más concienciada, exigente y comprometida, hicieron necesarios nuevos matices y la apertura a nuevas disciplinas y a otros ámbitos de exclusión social. Así nació ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas.

ÍDEM actúa como un campo de líneas de fuerza que se extienden y conectan entre sí y que funciona más allá de su sentido espectacular. En el programa de este año confluyen artistas de Argentina, Cuba, España, Francia, Portugal, Siria y Suiza, con muy diversas propuestas que atraviesan de lleno realidades, a veces dolorosas, a veces llenas de humor y esperanza, pero todas importantes de visibilizar: la enfermedad mental, las personas refugiadas, la discapacidad, la memoria o la igualdad de género.

El festival arranca con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual.

También del ámbito de los artistas con discapacidad llega la pieza de danza No@menos de Yanel Barbeito y Omar Gómez y la película de Maxime Seugé, L’artiste des mots, protagonizada por François Daujon, actor que durante 13 años formó parte de la compañía francesa de teatro de l’Oiseau-Mouche.

La enfermedad mental estará presente en el festival gracias al documental de Javier Álvaro, ¿Y si te dijeran que puedes?, que nos adentra en la realidad de cinco personas que sufren de esquizofrenia y que se plantean escalar la cara sur del mítico Naranjo de Bulnes acompañados por el creador de Al filo de lo imposible, Sebastián Álvaro.

Desde muy diferentes miradas y lenguajes, nos llegan dos propuestas que hablan de emigración y personas refugiadas: Sous la plage, de los artistas Marc Villanueva y Gerard Valverde, en colaboración con el intérprete sirio Mohammad Bitari, plantea interrogantes sobre los discursos y las paradojas generados alrededor de las revueltas en los países árabes y su actualización en la actual crisis migratoria. En Anguilas, el actor argentino descendiente de europeos, Andrés Cavallini, ofrece al espectador un recorrido autobiográfico en el que plantea una reflexión en torno a la identidad, la búsqueda de las raíces y la emigración de ida y vuelta.

Dos propuestas muy diferentes, creadas y dirigidas por mujeres, plantean reflexiones en torno al concepto de memoria y la mirada del otro, como Louisa Merino en The course of memory, o a la precariedad laboral y el oficio de actriz, tal y como nos muestra la compañía El pollo campero, comida para llevar en su mordaz montaje La actrices siempre mienten.

La música, y la cara más joven del festival, estará presente en las voces de Diversity Youth Choir, un coro juvenil con participación internacional y vocación integradora, dirigido por José María Álvarez Muñoz.

Un año más, el objetivo de ÍDEM es incidir en la comunidad, provocar cambios encaminados a la conquista de una sociedad más igualitaria y a la total aceptación de nuestra diversidad.

Directora artística: Paz Santa Cecilia.

(*)Fiel a su vocación inclusiva, el festival continúa ofreciendo propuestas artísticas para personas con diversidad funcional severa, cuya especial manera de percibir y expresarse les impide asumir un código de comportamiento impuesto por razones de accesibilidad. A partir de este año esta sección se llamará Disten(se)sion, con el fin de que sea fácilmente identificada en el programa.

• 14 septiembre

  

  Conciertos, Escénicas, SalidasDiversity Youth Choir

  Gratuito

• 14 y 15 septiembre

  

  Escénicas“The course of memory”, de Louisa Merino

  Precio: 5.00 €

  Entradas

• Del 12 al 14 septiembre

  

  Escénicas“Happy Island”, de La Ribot con la compañía Dançando com a diferença

  Precio: 5.00 €

  Entradas

• 15 septiembre

  

  Audiovisuales, Cine, Encuentros“L’Artiste des mots”, de Maxime Huyghe

  Precio: 3.00 €

  Entradas

• 15 y 16 septiembre

  

  Escénicas“Sous la plage”, de M.Villanueva Mir, G. Valverde Ros y M. Bitari

  Precio: 5.00 €

  Entradas

• Del 18 al 21 septiembre

  

  Escénicas“No @ Menos”, de Yanel Barbeito y Omar Gómez

  Precio: 3.00 €

  Entradas

• 19 y 20 septiembre

  

  Escénicas“Las actrices siempre mienten”, de El Pollo Campero, comidas para llevar

  Precio: 5.00 €

  Entradas

• 21 septiembre

  

  Audiovisuales, Cine, Encuentros“The Army of Love”, de Ingo Niermann y Alexa Karolinski

  Precio: 3.00 €

  Entradas

• 22 septiembre

  

  EncuentrosReclutamiento para “The Army of Love” de Ingo Niermann

  Gratuito

• 22 septiembre

  

  Cine, Encuentros“¿Y si te dijeran que puedes?”, de Javier Álvaro

  Precio: 3.00 €

  Entradas

• 21 y 22 septiembre

  

  Escénicas“Anguilas”, de la compañía Andrés Cavallín

  Precio: 5.00 €

  Entradas

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/idem-2018-festival-internacional-artes-escenicas-9111

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Por segundo año el Teatro Español apuesta por dar visibilidad a aquellos/as artistas que con sus prácticas luchan contra el envejecimiento del lenguaje convencional, investigan en la expansión de los límites de las disciplinas teatrales y en las prácticas de la creación contemporánea.

El ZIP quiere ser una cita anual con los nuevos lenguajes escénicos, además de una oportunidad de impulsar nuevas y distintas relaciones entre el Teatro Español,  la ciudad, el público y los profesionales.

– LA TRAVIATA, de Anto Rodríguez. 
12 de junio – 19h30 / 13 de junio – 19h30
Sala Margarita Xirgu

– 1000 PREGUNTAS ANTES DE CANTAR UNA CANCIÓN, de Poderío Vital. 
12 de junio – 21h30 / 13 de junio – 21h30
Sala Margarita Xirgu

– DRAPETOMANIA, de Filastine & Nova
12 de junio – 22h30
Plaza de Santa Ana. (Espectáculo gratuito)

– REBOTA, REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA, de Agnès Mateus y Quim Tarrida
13, 14 y 15 de junio – 21h.
Sala Principal

– LA RIÑA, de Los Bárbaros
13 y 15 de junio – 19h. / 17 de junio –  12h30
Espacio Andrea D’Odorico

– CASAS, de Xesca Salvà
14 y 15 de junio – 19h, 20h y 22h. / 16 y 17 de junio – 12h., 13h., 18h., 19h. y 20h
Espacio 4ª Planta

– EVROS WALK WATER, de Rimini Protokoll
14 de junio – 20h30 / 15 de junio – 18h., 20h. y 22h / 16 de junio – 17h., 19h. y 22h / 17 de junio – 13h., 17h. y 19h.
Sala Ensayo Planta -2

– MI NOMBRE ES HOR, de Psirc 
16 y 17 de junio – 21h30
Sala Principal

– JARDINES EFÍMEROS, JARDINES PINTADOS, de Calamar Teatro
16 y 17 de junio – de 11h a 14h y de 17h a 20h
Plaza de Santa Ana. (Espectáculo gratuito)

– MATRIA, de Carla Rovira
16 y 17 de junio – 20h30
Sala Margarita Xirgu

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MASA es la cantidad de materia que posee un cuerpo

necesaria para producir movimiento en un tiempo dado.

Del 14 al 17 de junio entre Teatro Pradillo y el CA2M

Siempre nos hemos desplazado a través de territorios diversos para hacer cosas, conocer personas o ser parte de experiencias. Nos gusta atraernos, mezclarnos y ver qué sucede si nos movemos así durante un tiempo indeterminado. Dejarnos llevar hacia lo que no sabemos acompañadas por una multitud de desconocidos y probar la riqueza de la diferencia. Por eso levantamos una casa o habilitamos un trozo de tierra para reunirnos y celebrar que nos encontramos, para disfrutar con lo que tenemos en común o fascinarnos con la extrañeza y la heterogeneidad de los modos de hacer.

Proyecto MASA nace de algo que está pasando hace tiempo, de creadores que viajan e intercambian mundos. Su objetivo es añadir un centro de gravedad en el mapa que facilite el encuentro recíproco entre artistas Iberoamericanos, un punto fijo o móvil, ya sea acá o en cualquier otro sito…

…porque quizás somos una masa indisciplinada que considera relevante que la materia estética dialogue con su forma expresiva asumiendo su fragilidad, incluso su vacío, esperando que emerja una experiencia crítica que excite lo escénico. Quizás, lo que nos atrae hacia esta masa es la cantidad de materia que podemos producir para mover cuerpos y objetos cuyos lenguajes agitan, recuperan o diluyen las ideas territoriales del arte, sus límites disciplinares ¡o mejor! para alcanzar eso que está vivo.

MASA genera atracción.

MASA es un Festival de Artes Escénicas Vivas Iberoamericanas que se realizará desde el 14 al 17 de junio de 2018 en Teatro Pradillo y en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, comisariado por Paulina Chamorro.

Con el apoyo de IBERESCENA.

La colaboración de Teatro Pradillo y CA2M Centro de Arte Dos de Mayo.

La participación de Florencia Martinelli ha sido apoyada por INAE Uruguay.

La participación de Magdalena Leite y Aníbal Conde ha sido apoyada por FONCA México.

Dirección y coordinación: Paulina Chamorro

Diseño Imagen: Aníbal Conde

Acompañamiento logístico: Magdalena Leite, Aníbal Conde, Luis Moreno.

Agradecemos con cariño el compromiso afectivo, profesional y económico de Vera Garat, Leticia Skrycky, Santiago Turenne, Alina Ruiz Folini, Luciana Chieregati, Florencia Martinelli, Daniela Marini, Vicente Yáñez, Magdalena Leite, Aníbal Conde y Luis Moreno.

Y también la generosidad y entusiasmo de Cristina Balboa, Alexandría Cinque, Ana Luiza Fortes, Ainhoa Hernández, Daniel Lozano y Natasha Padilha…esta lista crece todos los días.

Web / masafestival.com

ENTRADAS

General 12€ (da derecho a ver la programación del día)

Descuento 10€

PROGRAMACIÓN

Jueves 14 // CA2M_Centro de Arte Dos de Mayo_Picnic Session

Entre, Uruguay // 21:00h

Viernes 15 // Teatro Pradillo

Táctil, Argentina // 21:00h

Bordeando lo imposible, Uruguay // 22:30h

Sábado 16 // Teatro Pradillo

Audios Coreográficos, Chile // 21:00h

Flicker, México // 22.30

Domingo 17 // Teatro Pradillo

Encuentro con Entre, Uruguay // 18:30h

Erosión, Chile // 21:00h

Residencias

 Dos creadores, la coreógrafa y bailarina uruguaya Florencia Martinelli y el creador y performer chileno Luis Moreno, compartirán el código de sus investigaciones en dos residencias artísticas. De ellas resultarán los elencos locales de las piezas Bordeando lo Imposible y Erosión que ambos artistas presentarán durante el festival. Las dos residencias se realizarán entre el 4 y el 13 de junio en los espacios del Centro Cultural Daoiz y Velarde y La Casa Encendida. Estas actividades son cerradas para facilitar un tiempo lento y concentrado de trabajo.

Encuentro con Entre

El domingo 17 a las 18:30 horas realizaremos un encuentro con Santiago Turenne, Vera Garat y Leticia Skrycky para aproximarnos a sus metodologías de creación y juguetear en torno a la pieza ENTRE. Será una ocasión especial para conocer a los tres creadores Uruguayos.

(Actividad gratuita)

…y al finalizar MASA, levantaremos campamento para continuar moviéndonos hacia otras coordenadas y otros cuerpos. Siempre ha sido así, nos movemos, nos encontramos y volvemos a movernos para hacer cosas juntas.

 

PROGRAMA

 

ENTRE

Uruguay

Fecha: 14 de junio

Hora: 21:00 (20:30 apertura de puertas)

Lugar:  CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo

Performance Site Specific

Dirección y Realización: Vera Garat, Leticia Skrycky y Santiago Turenne.

Año de estreno 2017 Sala Zavala Muniz. Teatro Solís. Montevideo. Uruguay.

Duración: 55 minutos aprox.

Descripción

El estar no es una idea, sino una instalación de las cosas, indiferente a toda racionalidad, que sin ser generada, genera. Decir generación supone racionalmente el esquema casual, la existencia de una trayectoria desde algo a otro. Pero lo táctico es que se da algo y se da otro, como instalaciones sucesivas (…) Lo que está no se encuentra en relación con lo esperado, ni lo enunciado, ni se cualifica como Unidad. Todo está, pero no es determinable, ya que no se puede decir de lo instalado que es.

Una metafísica en castellano de Eduardo Del Estal.

Entre, explora de formas diversas los conceptos de opacidad, liminalidad y transposición, para deslizarse a otro territorio poético y estético -quizás un nuevo territorio-. Lo opaco determina la diferencia y la otredad, en oposición a los conceptos de transparencia y homogeneidad. Toda opacidad asume una disfunción de lenguaje ya que no puede nombrar aquello que se encuentra en el fondo y es invisible a la simple mirada. Por otra parte, la exploración de lo ambiguo y abierto permite explorar estados o planos de incertidumbre en el que las relaciones entre todas las capas composicionales no están fijas aún. Finalmente, la transposición nos lleva a la simultaneidad de la acción, el gesto y elemento escénico, volviendo difusa las jerarquías compositivas.

Es así que la escena y lo escénico deviene viva, abierta a lo que pasa, dejando emerger algo nuevo, un entre.

Garat, Skkrycky y Turenne son creadores escénicos residentes en Montevideo, Uruguay y Madrid. Trabajan en la búsqueda de una linea común estética como ética. Investigan modos de producción escénica y lógicas colaborativas a partir de relaciones posibles entre diferentes lenguajes artísticos. Actualmente continúan desarrollando la línea de investigación planteada desde primer trabajo de co-creación, PARDO.

 

TÁCTIL 

Argentina

Fecha: 15 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Creación y Performance: Alina Ruiz Folini, Leticia Skrycky, Luciana Chieregati

Año de estreno: 2018

Duración: 60 minutos aprox.

proyecto TÁCTIL se desarrolla en residencia durante 2018 en Leal Lav / Teatro Leal – Tenerife; La Caldera – Barcelona; NAVE – Santiago de Chile; Centro de Danza Canal / Residencias Intermitentes – Madrid; Azala – País vasco.

Agradecimientos: Javier Olivera.

Descripción

proyecto TÁCTIL es un proceso de investigación y creación en Artes Vivas, que se encuentra en etapa de desarrollo y se manifiesta en distintos formatos.

Surge a partir del encuentro entre las creadoras Alina Ruiz Folini, Leticia Skrycky, y de la invitación que hacen a Luciana Chieregati, formando así un equipo de tres mujeres, que comparten cuestiones en relación a maneras de operar en el mundo desde una perspectiva feminista.

En esta investigación, entendemos a la tactilidad no solamente como condición para el sentido del tacto, sino también como la posibilidad de dar protagonismo a lógicas de afecto y contagio, que se informan tanto de las relaciones que activamos en nuestras zonas de actuación en el mundo como en los espacios íntimos que habitamos. En este sentido, la pregunta por la tactilidad o por la posibilidad de traer a la superficie relaciones que estén subordinadas a lógicas normativas sobre los sentidos, es una estrategia que dialoga directamente con el devenir mujeres creadoras en la contemporaneidad.

A través de una metodología que se enfoca en el hacer / conocer generamos materiales con los cuales activamos este proceso de creación de una pieza escénica coreográfica. Movilizamos inquietudes en “materializaciones” y co-habitamos allí dialogando con las “cosas” que cada materialización propone. Estas relaciones nos informan, nos interpelan en nuevos posibles y nos piden la tarea de re-formular mecanismos en dirección a estos afectos.

La apertura dentro del contexto del Festival MASA funcionará como hábitat apropiado donde movilizar algunas cuestiones en las que estamos revolcadas en colectivo:

¿Es posible performar la tactilidad? ¿Qué campos de deseo permite el hecho de traer a la superficie afectos táctiles?

Entonces, ¿cómo volver compatible esta experiencia individual y construir una intimidad en común? ¿Y cuáles son las dimensiones posibles que se abren en los materiales y desde los materiales, en comunicación con el observador?

Alina Ruiz Folini – Argentina

Es artista del movimiento: coreógrafa, bailarina, investigadora. Actualmente reside en Madrid. Es directora artística y creadora de ARQUEOLOGIAS DEL FUTURO_ Festival Internacional de Danza Contemporánea, Performance y Conocimiento, que lleva su cuarta edición anual en Buenos Aires – Argentina.

Estudió Licenciatura en Filosofía (UBA) y Licenciatura en Composición Coreográfica (IUNA). Realiza el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual 2017/2018 por la Universidad Castilla La Mancha en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Se interesa por incidir en contextos de investigación. Concibe la coreografía como marco desde el cual activar nuevos posibles, así como desnaturalizar hábitos y provocar transformaciones.

Ha presentado su trabajo en distintos espacios y festivales como Center for Performance Research y Judson Church (New York), JUNTA Festival Internacional do Dança (Brasil), NAVE (Chile), CCK (Argentina), entre otros. Es bailarina en Trilogía Antropofágica dirigida por Tamara Cubas & Perro Rabioso (Uruguay).

Web / cargocollective.com/alinaruizfolini

Leticia Skrycky – Uruguay

Diseñadora y creadora escénica. Ha desarrollado su trabajo fundamentalmente en el ámbito de la performance y danza contemporánea. Tomando como punto de partida la iluminación, investiga prácticas de co-creación y relación entre humanos, no-humanos, disciplinas y lenguajes en la escena. Interesada en la colaboración como principio, en los últimos años ha comenzado a realizar sus propios trabajos de creación en diálogo con diferentes colegas: PARDO (2015) y ENTRE (2017) con Santiago Turenne y Vera Garat; HORMIGONERA (2017) con Santiago Rodríguez, Juan Manuel Ruétalo, Erika del Pino y Fabrizio Rossi; PROYECTO TÁCTIL (2018-2019) junto Alina Folini y Luciana Chieregati. Trabaja como diseñadora y directora técnica con João Fiadeiro, Perro Rabioso / Tamara Cubas, y en la coordinación del festival internacional FIDCU (Uy). Actualmente vive en Madrid y se encuentra realizando el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual coordinado por ARTEA, en el Museo Nacional Reina Sofía.

Web / skrycky.com

Luciana Chieregati – Brasil

Es coreógrafa y performer. Desarrolla su trabajo en el ámbito de las artes escénicas elaborando piezas limítrofes que dialogan con el cotidiano, incidiendo, sobre todo en la creación de lenguajes desde la coreografía. Es licenciada en Danza y Movimiento por la Universidad Anhembi Morumbi (São Paulo, Brasil) y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad Castilla la Mancha en colaboración con el Museo Reina Sofía. En 2008 crea junto con Ibon Salvador el Coletivo Qualquer que tiene como principales preocupaciones la investigación del movimiento, de la coreografía y de la creación de piezas danza. Ha dirigido el espacio de residencias artísticas Seu Vicente en Lisboa (2011-2013) y ha presentado sus trabajos en Portugal, Brasil, México, Argentina, Uruguay, España y País Vasco.

Durante los dos últimos años desarrolla los proyectos coreográficos PLAYA, OVER, Huts – Artean, GAG, e It was a large room. También investiga maneras de colaborar en la creación artística con las herramientas desplegadas en el laboratorio Maquinas de Colaboración. Actualmente se afinca en Bilbao desde donde mantiene colaboraciones y piensa contextos (y más cosas) con Alina Folini (Arqueologías del Futuro, Buenos Aires), Carolina Campos (Re.al, Lisboa) e Idoia Zabaleta (AZALA, Lasierra).

 

BORDEANDO LO IMPOSIBLE

Uruguay

Fecha: 15 de junio

Hora: 22:30

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

 Concepto y Dirección de Florencia Martinelli

Creación: Cristina Balboa, Alexandría Cinque, Aníbal Conde, Ana Luiza Fortes, Ainhoa Hernández, Magdalena Leite, Daniel Lozano, Florencia Martinelli, Natasha Padilha.

Año de estreno 2016

Duración: 70 minutos.

Descripción

Una comunidad apasionada permanece en el intento.

Siempre en el intento.

Agarra la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás.

En las manos: la cinta, primero colocada en la pared, atraviesa la silla y nuevamente la pared.

La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen la silla.

Otra vez la cinta adhesiva que suena. La corta. Vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.

Una vez y otra y otra y otra.

Cada tanto se separa de la silla, la suelta.

Ésta cae, y entonces todo vuelve a comenzar.

 Desenrolla la cinta. Suena. La corta.
Agarra la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás.
En las manos: la cinta que es colocada en la pared atraviesa la silla y nuevamente la pared.
La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen a la silla.Esta vez arquea un poco más el torso para llegar también a atravesar con la cinta la parte baja de la silla.
Otra vez Natasha despliega la cinta que suena, la corta y vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.
Una vez y otra y otra y otra.
Cada tanto Natasha se separa de la silla , la suelta.
Ésta cae, y entonces todo vuelve a comenzar.

Florencia Martinelli. Trabaja en el campo de la danza contemporánea.Últimamente investiga sobre el permanecer en la insistencia, propone un tiempo donde persistir hasta que lo inesperado acontezca. Sus creaciones recientes son: Llenarlo Todo/ Bordeando lo imposible, instalación ( 2017),  Bordeando lo imposible ( 2016), Otra maraña insistente ( 2015), Maraña ( 2014 ) LCSR/ Las cosas se rompen ( 2013), Amorfo ( 2010).  Recibe el premio FEFCA  de Uruguay. Cursa el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad de Castilla-La Mancha.

Web / www.florenciamartinelli.com

 

 AUDIOS COREOGRÁFICOS

Chile

Fecha: 16 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Dirección e interpretación: Daniela Marini

Sonido: Vicente Yáñez

Año de estreno 2017

Duración: 43 minutos

Descripción

Audios de un minuto de duración, recolectados durante un año, completando 52 Audios Coreográficos.

Proyecto de investigación y creación artística que explora material y disciplinarmente la danza contemporánea desde la pregunta por la posibilidad de crear una obra desde 52 audios coreografiables que den cuenta de múltiples perspectivas de aquello que llamamos “coreográfico”.

Se propone como un campo de experimentación de la relación entre coreografía, narración e imaginación. Expone una diversidad de formas con las que se puede acceder a lo coreográfico cuestionando el uso convencional mientras se deja espacio a la posibilidad de imaginar la propia escena, trasladando la acción desde el intérprete hacia el espectador/oyente. Con este desplazamiento se pretende hacer ver que lo coreográfico es un dispositivo siempre abierto a nosotros, no solo una herramienta capaz de establecer pautas ineludibles y someter a los cuerpos a su obediencia.

Daniela Marini. Creadora y docente, Licenciada en Artes con mención en Danza y Profesora Especializada en Danza de la Facultad de Artes, Universidad de Chile. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, de la Universidad de Alcalá, programa realizado por el grupo de investigación escénica Arte-a y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, estudio cursado en calidad de becaria de BECAS CHILE, CONICYT. Como intérprete y creadora, ha presentado su trabajo en Argentina, México, Brasil, Francia, España y Chile. Actualmente es académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Entre sus trabajos coreográficos están: (silencio) (2016), UNA IMAGEN (2015), Persistencia de Material (2013), Lo que recuerdo (2012), Trío C (2011), Geográfica (2007), Alto Contraste (2000), entre otras.

Web / audioscoreograficosblog.wordpress.com

 

FLICKER 

México

Fecha: 16 de junio

Hora: 22:30

Lugar: Teatro Pradillo

Acción Escénica

Idea y realización de Aníbal Conde & Magdalena Leite

Año de estreno 2018

Duración: 50 minutos

 

Descripción

Acción escénica inspirada en la noción de flicker o parpadeo proveniente del cine estructural.

Flicker se desprende del proyecto LOS40 desarrollado en el programa Artistas en Residencia de La Casa Encendida y el CA2M 2017.

Este trabajo continúa la investigación Videoclip que indaga sobre la influencia de las imágenes de los vídeos musicales provenientes de MTV y sus versiones locales, como Los 40 Principales en España, en las maneras de bailar y de moverse de las generaciones que crecieron bajo su influjo. Hasta el momento llevamos más de 100 entrevistados entre México, Uruguay, Argentina y España.

El análisis de los videoclips recordados por los entrevistados enfocado en los recursos visuales que se utilizan para estimular al cuerpo, nos llevó al cine estructural y a sus principios fundamentales como el flicker o parpadeo y el loop o bucle, recursos que surgen en los años 60 y que son retomados por los videoclips desde los años 80.

Atraídos por la simpleza, lo concreto y lo alejado de la interpretación que proponen los estructuralistas, surge Flicker, en un intento de traducción de estos elementos a la escena, de hacerlos cuerpo, voz y movimiento.

Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente. MA en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Castilla La Mancha. Es comisaria invitada de las Picnic Sessions 2018 del CA2M en Madrid, España. Ha recibido la beca danceWEB del Festival ImpulsTanz; el apoyo de IBERESCENA para la creación en dos ocasiones y de la Fundación Prince Claus para la presentación de Jack Taste la suerte está echada; su pieza Cover fue seleccionada para formar parte de la exposición The life of others en el Akbank Center en Estambul, Turquía. Su obra se ha presentado en América Latina, EEUU y Europa.

Aníbal Conde es artista en video y performer. MA en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Castilla La Mancha. Su proyecto Patrones fue seleccionado para una residencia en el Espacio de Arte Contemporánea EAC en Montevideo. Su pieza No Way Out fue seleccionada por el Festival Internacional Ultracinema de México; El Jardín de las Virtudes se programó en el 11ème Festival des Cinémas Différents en París; su documental Condensación se presentó en el Festival Creative Commons de la Ciudad de México y su pieza “Queda tanto por hacer” fue exhibida en MTV Brasil.

Juntos han realizado las obras Flicker creada en las Residencias 2017 de La Casa Encendida y el CA2M dentro del proyecto LOS40, estrenada en el ciclo Montevideo Danza en diciembre de 2017; en el CA2M Madrid en la muestra Acento en enero de 2018 y en México dentro del Ciclo Otras Corporalidades en febrero de 2018; DANCE DANCE DANCE con 53 presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, la Sala Hiroshima en Barcelona y el Teatro Pradillo en Madrid; VIDEOCLIP, investigación presentada Arqueologías del Futuro en Buenos Aires; en el Museo de Arte Contemporáneo MUAC en México; en el Teatro Pradillo y la Sala DT en Madrid; en el Centro Cultural de España en Montevideo y en el Espacio de Arte Contemporáneo dentro del FIDCU 2015, realizada con el apoyo de IBERESCENA 2014 y del FONCA 2016-17; Experimento X5, obra finalista del Premio de Coreografía Guillermo Arriaga 2014; y varios ejercicios creativos tanto escénicos como de acción performática y de imagen. Han participado en Para la Réplica Infiel de Scarlet Yu y Xavier Le Roy en el CA2M en Madrid; en Bordeando lo Imposible de Florencia Martinelli; en Erosión de Luis Alberto Moreno Zamorano y en Cosas que suceden en México de Magdalena Brezzo. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM

 

EROSIÓN  

Chile

Fecha: 17 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Concepto y Dirección de Luis Moreno

Elenco: 15-20 performers

Año de estreno 2017

Duración: 1 hora 15 minutos.

Descripción

Erosión emerge del proyecto de residencia e intercambio entre PAR de Montevideo en Uruguay y NAVE  de Santiago, apoyados por INAE del Uruguay y el CNCA en Chile. Esta muestra en FIDCU 2018 es la apertura a ese proceso.

Erosión

(Del lat. erosio, onis < erodere, corroer.)

1. f. Desgaste que se produce en un cuerpo por el roce continuo o violento de otro. desgaste, rozamiento
2. Conjunto de procesos que causan el desgaste de la corteza terrestre, por efecto de los agentes naturales externos, en especial el agua y el viento la erosión antrópica es la llevada a cabo por el hombre.
3. Herida superficial producida en la piel por alguna causa externa. excoriación
4. Deterioro del prestigio o la influencia de una persona o institución.
5. Degradación del ánima de una boca de fuego.

La pieza expone cuerpos movilizados por un incesante gesto que se repite hasta el agotamiento. Son cuerpos invadidos por un deseo irrefrenable y vacío. A veces llano, a veces a sobresaltos, pero en general sin que pase mucho, casi nada. Del control al vacío, de la propiedad al silencio, de lo tembloroso a lo que sudando muere.

En la escena, cuerpos que bailan incesantes. Se entregan, se sostienen, se someten, se repiten. Bailan todo el tiempo que dura la escena. Se consumen, se tocan, tiemblan. Bailan. Se perrean.

Luis Alberto Moreno. Intérprete, creador y docente. Actor egresado de la Escuela Tea11tro Imagen. Estudió la Licenciatura en Teatro en el programa especial de titulación de la Universidad Bolivariana. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad Castilla La Mancha en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ARTEA. Impartió el taller El infinito devenir del cuerpo, en diversos espacios culturales. Actualmente es profesor en el área de movimiento en la Universidad de Valparaíso, Teatro Imagen y Universidad de las Américas. Fue integrante del colectivo de arte La Vitrina. Es co-creador de la pieza Algunos mitos sobre el cuerpo y otras siutiquerías, pieza con la que ha participado en los festivales StgoOff, Vertientes, Danza en Emergencia, Findantz en Stgo y Regiones. Ha colaborado con Pablo Zamorano en las obras Deuday Crónicas.

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Desde hace tiempo se habla más de píxeles que de células. Llevamos alrededor de treinta años consumiendo imágenes en baja resolución. Nos hemos acostumbrado a reconocer nuestros cuerpos pixelados, aprendiendo a distinguir sus contornos fundidos con el fondo o con otros cuerpos.

Parece como si el cuerpo desapareciera cuando compartimos píxeles a través de la pantalla —imágenes empobrecidas por la constante descarga, el copy-paste o la mala conectividad—, pero en realidad el cuerpo en alta resolución está ahí, frente al ordenador, con una performatividad que excede la que queda registrada en las cookies.

Durante tres días, el festival Me gustas pixelad_, comisariado por Matías Daporta, arrojará un poco de luz —a través de diferentes temáticas— sobre las maneras de entender el cuerpo performativo en la era digital.

La performance 1, 2, 3 de Andrés Galeano abrirá el festival en La Casa Encendida a modo de cuenta atrás. Una sucesión rápida y constante de pistas de audio y vídeo dirigen a tres performers sobre máquinas elípticas hasta la extenuación, invitándonos a reflexionar sobre la relación de dependencia entre la pantalla y nuestros cuerpos.

El miércoles 28 a las 11:00 h en ESNE – Escuela Universitaria de Diseño, para introducir el taller Variable Play, Claire L. Evans —en conversación con Gema F.B. Martín— presentará su próximo libro, Broad Band. En esta obra Claire reescribe la historia de los ordenadores, internet y los videojuegos centrándose únicamente en los hallazgos y aportaciones de las mujeres. Un ejercicio radical de reconocimiento profesional que intenta compensar años de silencio.

Tras la presentación, comenzará el taller intensivo de dos días, cuyo desarrollo y resultados se mostrarán el 2 de marzo en la Sala Audiovisual de La Casa Encendida.

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Del 1 al 10 de febrero en Cidade da Cultura (Santiago de Compostela)

1 FEBRERO
20.30 Antonio e Cleopatra. Tiago Rodrigues.

2 FEBRERO
10.00  Taller de Sofia Días & Vitor Roriz. Gratis, previa inscripción.
15.00  Espacio de encuentro sobre teatro biográfico con Melania Cruz & Tito Asorey. FOGAR#1. Sesión 1. Gratis, previa inscripción.
19.00 Una tirada de dados. Israel Galván, Pedro G. Romero e Filiep Tacq.
20.30 50 minutos de simulación programada. Félix Fernández.

3 FEBRERO
15.00  HOGAR#1. Sesión 2. Gratis, previa inscripción.
20.30 Garage. Voadora.
22.30  100% Oion. Concierto de Mursego (Maite Arroitajauregui).

4 FEBRERO
15.00  HOGAR#1. Sesión 3. Gratis, previa inscripción.
19.00 Finir en beauté. Mohamed El Khatib.
20.30 Reality. Daria Deflorian & Antonio Tagliarini.

8 FEBRERO
15.00  HOGAR#1. Sesión 4. Gratis, previa inscripción.
19.00 Miguel meets Karima. Miguel Pereira.
20.30 Light years away. Edurne Rubio.

9 FEBRERO
15.00  FOGAR#1.Sesión 5. Gratis, previa inscripción.
19.00 O tempo como dobrado un corpo. Estela Lloves.
20.30 Self Unfinished. Xavier Le Roy.

10 FEBRERO
15.00  FOGAR#1.Sesión 6. Gratis, previa inscripción.
19.00 Displacement. Mithkal Alzghair.
20.30  Concierto de Maria Arnal e Marcel Bagés.

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8-25 febrero > barcelona

programa y más información en www.salmon-dance.com

Lo siguiente

Es evidente para todas que las condiciones han cambiado. El escenario ya es otro y el paisaje ha comenzado a dibujarse de otra manera. Simplemente, estamos ante el advenimiento de lo siguiente. Lo siguiente no es exactamente el futuro. De hecho, lo siguiente no tiene nada que ver con la secuencia lineal clásica que nos obliga a pensar el tiempo a partir de momentos que se excluyen entre sí. Lo que toca ahora es emplear todas nuestras energías y talentos en escuchar y atender a las posibilidades concretas que la realidad, hoy, nos ofrece.

Lo siguiente es la consecuencia. Y la consecuencia conlleva siempre un cambio, una reformulación de posiciones, metodologías, horizontes y alcances. Esta nueva edición del SÂLMON< es una oportunidad de asumir las consecuencias de lo ya sucedido y, sobre todo, para dibujar un nuevo horizonte en el que imaginar una posible continuación.

El SÂLMON< se encuentra ante lo siguiente. Lejos de la idea de festival como algo que interrumpe durante un breve tiempo la cotidianidad y luego desaparece, a lo largo de seis años Salmón ha producido tiempos diversos que se han ido entretejiendo dando lugar no solo una programación sino y sobre todo a una compleja coreografía por la que no han dejado de transitar artistas, gestoras, programadores y espectadores procedentes de contextos muy distintos. Mirando atrás, se hace evidente que todo este rico entramado temporal ha creado una suerte de organismo en el que todo ha sido siempre parte de un proceso. Así, en este tiempo, la labor curatorial ha consistido no tanto en concebir un evento para la exhibición de obras, como en la gestión y el acompañamiento de procesos de creación atendiendo a sus naturalezas temporales específicos.

Esto solo se puede hacer atendiendo a la singularidad de los proyectos y de los artistas con las que hemos colaborado.

Más allá del modelo de festival al uso que, en estos días, se repite hasta la extenuación en cualquier ciudad del mundo mercantilizando la labor de las artistas, estos seis años forman un todo de experiencias únicas y profundamente irrepetibles.

SÂLMON< se ha construido pensando tanto en los puntos de llegada como en las trayectorias, tanto en las obras como en el camino que llevó hasta ellas. Y por eso, sería necio resistirse a la llegada de las consecuencias: todo lo sucedido ha transformado la escena y, simplemente, toca asumir responsabilidades, disfrutar de los logros y darle cuerpo a lo que sigue.

A partir de aquí, SÂLMON< inicia un periodo de transformación en el que entrarán en escena nuevos agentes y se definirán nuevos contextos, que desconocemos a día de hoy.

También es el momento de imaginar y también de invocar. ¿Y si lo siguiente fuera un cambio de escala? ¿Y si a partir de ahora esta ciudad reconociera la necesidad de un espacio que atienda de forma estable a lo singular, a aquello que sólo en entornos así se puede dar, a lo que ha sucedido aquí? ¿Y si el rico entramado tejido a lo largo de seis ediciones se entendiera como una oportunidad para que la ciudad refuerce sus lazos de colaboración real con sus artistas, con otras ciudades y con sus retos? ¿Y si nos atrevemos?

Esta es nuestra invitación: SÂLMON< , un festival singular de ciudad.

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