Fiesta
Del 6 al 16 de febrero en el Teatre Lliure
El actor y dramaturgo Juan Navarro y el actor Gonzalo Cunill se adentran por el sutil universo del escritor norteamericano David Foster Wallace (1962-2008).
Conocido por diseccionar la sociedad postmoderna con inteligencia, acidez y humor, algunos de sus relatos construyen aquí un espectáculo-diálogo-relato literario sobre cómo somos ante tabúes como los traumas infantiles, las sexualidades inefables, el deseo, la violencia, la soledad, las adicciones o la muerte.
Inauguración Sábado 11 Enero a la 13h
11 Enero 2020 – 15 Marzo 2020
a cargo de ROSANAYARIS
CICLO “Estar sin estar” a cura de nyamnyam (Iñaki Alvarez y Ariadna Rodriguez).
“No todos los yogures pueden denominarse ‘Yogur Griego’ aunque lo parezcan, o todos los yogures pueden denominarse ‘Yogur griego’ aunque no lo parezcan – YOGURT MATTERS”
Actualmente se define el ‘yogur griego’ como una marca protegida. Según la asociación de industrias lácteas griegas, es ‘yogur griego’ solo si se produce en Grecia siguiendo procedimientos específicos; así se defienden de ‘una crudaapropiación de la identidad nacional’. Aunque parece una normativa estricta, se acerca más a una estrategia de mercado que a una intención clara de dar soporte a redes de producción local agroecológica en ese país. De esta manera y según estas reglas, da totalmente igual de dónde proceda la leche que se usa para elaborar este yogur ‘griego’. Así resulta que si en un acto de fe, la capella de Sant Roc se nombra temporalmente territorio heleno – como sucede con las embajadas – podemos hacer ‘yogur griego’ con la leche de las cabras de nuestra amiga Nur en Mieres, el pueblo dónde se encuentra el mas nyamnyam y hemos estado desarrollando este proyecto antes de llegar a la Capella de Sant Roc de Valls, Grecia.
¿Qué lleva el yogur griego que lo hace tan especial y disputado? Las etiquetas llenas de imágenes del Partenón, de columnas, de ‘Tsoliades’ o de islas griegas, desvelan que los ingredientes son exactamente los mismos que en cualquier otro yogur; un poco más de grasa y menos azúcar. Esto no evita que el ‘yogur griego’ de la marca Danone se pueda legalmente denominar así pese a estar elaborado en España, etiquetarse con la imágen de un evocador antiguo templo griego, y usar los colores blanco y azul (propios de la bandera de Grecia). Así lo dictó una sentencia de la Audiencia Provincial de Barcelona en Marzo de 2002.
Las implicaciones socio-políticas del yogur (griego) van más allá de los conflictos de denominación de origen y de su condición de fermento, que de manera intrínseca contiene la vívida acción de transformación a través del contacto de sus microorganismos (en retroalimentación con otrxs sujetos, humanos o no). En los años ’50 y ’60 en Grecia, en los tiempos previos a la dictadura, los jóvenes llamados ‘Teddy Boys’ arrojaban yogur contra las autoridades como forma de protesta política. Se llegó a instaurar la Ley 4000/1958, que se encargaba de castigar públicamente a los manifestantes, paseándolos con la cabeza rapada de mala manera y con carteles colgando del cuello que anunciaban que eran ‘culpables de arrojar yogur’. El lanzamiento de yogur se ha reactivado durante la fuerte crisis que ha atacado al país en los últimos años. De la misma manera, el yogur ha tenido siempre otros usos que van más allá del culinario, como por ejemplo para hidratar la piel quemada por el sol.
Pensamos la producción de ‘yogur griego’ en Valls como una manera de subvertir las lógicas políticas, socio-económicas y culturales, instauradas por la verdad absoluta – sea de la iglesia, la identidad nacional, el mercado del arte contemporáneo o Danone -. Planteamos otras maneras de habitar un lugar sin pasteurizar, un ‘estar sin estar’ para que estén los microorganismos, dónde la fermentación se produce como una reacción directa al medio de la Capella de Sant Roc. Así el yogur variará en sabor, textura, olor, cantidad, dependiendo del contacto y cuidado de los visitantes y personas que interaccionen con el proyecto. Quizás sea comestible, quizás no; siempre lo podremos acabar usando en la próxima manifestación.
Esta exposición, abre el ciclo ‘Estar sin estar’ a cura de nyamnyam, con la participación de ROSANAYARIS, Fernando Gandasegui y Gauthier Chambry durante este año 2020:
La capella como punto de encuentro. La capella como una gran mesa. La capella como infraestructura colectiva. ¿Dónde están los bancos de la capella? Crear un dispositivo de apoyo y retroalimentación. Un lugar donde soltar el peso, el cuerpo, apareciendo así lo que está vivo – visible o invisible – en forma humana, de espora, u otros. La capella abre cada día de 19h a 20:30h. Prime time en la capella. Exposiciones performativas y adaptativas a la fuerza.
Estar sin estar para que haya otras posibilidades de habitar más allá de estar (nosotrxs).
Read More
41º Festival Montemor-o-Velho | Del 25 de julio al 17 de agosto en Montemor-o-Velho, Coimbra y Figueira da Foz
|
|
Read More
Sábado 15 de Junio a las 7pm con Txe Roimeser, Nina Wakeford y La Quiero Viva
Saliva (Dos de Maig 196, 08013 Barcelona)
Con mini-bar para la ocasión y estanterías con cositas nuevas.
Read More
Ania Nowak amb Max Göran
Dijous 11 d’abril, 20h a La Capella
Treball de performance que se centra en formes no familiars de practicar la cura en el marc dels sistemes emocionals i polítics existents. Ens acostem als ritmes de tendresa i ràbia en el capitalisme tardà usant el tacte, el llenguatge i el petó com a mitjans de comunicació.
Activitat inclosa dins de l’Escena 4 de
Les escenes: 25 anys després
Read More
21, 22 y 23 de febrero en la Nave 11 de Naves Matadero
El proyecto CARMEN // SHAKESPEARE nace en 2012 y se extiende hasta hoy, tomando formas artísticas plurales como piezas coreográficas autónomas (Los Actos), conferencias performativas para espacios no escénicos (Los Entreactos y Los Tablaos), un conjunto importante de instalaciones audiovisuales, trabajo de investigación a través de internet y laboratorios de creación (los LAB_REC).
Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante no cuentan Carmen, ni Shakespeare sino que apoyándose en el encuentro anacrónico de un mito y un inventor de mitos, proponen una reflexión sobre los cuerpos, los papeles y el juego de los sexos en la relación amorosa. CARMEN // SHAKESPEARE es el encuentro anacrónico entre la figura de Carmen y un autor que ha hecho de sus personajes arquetipos. Un diálogo improbable entre una musa indómita y un poeta.
CARMEN // SHAKESPEARE es una escritura viva, una dramaturgia del campo minado del amor. El escenario, lleno de ruidos y de luces, recorrido de cabo a cabo por una red de cables orgánicos, se transforma en la metáfora del desorden de las relaciones humanas.
En escena, Mesa y Ruiz de Infante son a la vez directores y protagonistas del espectáculo. Enredados en las imágenes que proyectan sus cámaras (grabadas o en tiempo real), se pelean por el territorio escénico y por el control del dispositivo tecnológico que arman creando imágenes, bandas sonoras complejas, cambios de escala, confusiones de espacios y tiempos. “En cada instante y en cada movimiento, la performance es la manera en que el cuerpo puede volver a afirmar su singularidad y su libertad, y negarse a ser tan solo un objeto”, explican.
Como en la ópera de Bizet, este último acto de la tetralogía CARMEN // SHAKESPEARE es el que nos confronta cara a cara con la muerte como desenlace del amor. Aquí, toda la dramaturgia será heredera de la fiesta de la muerte, la corrida. Una serie de episodios cortos performativos, coreográficos, fílmicos y sonoros van a inscribirse dentro de un protocolo de apariciones de varios artistas invitados: los matadores, que han sido convocados para hacer lo que nadie quiere hacer: matar y morir. Como dijo Carmen: “Estaré lista cuando llegue el gran día”. ¿O esto lo dijo Shakespeare?
“En CARMEN // SHAKESPEARE mostramos de manera caleidoscópica cómo nuestra época es atravesada por tecnologías que controlan nuestros cuerpos y nuestras imágenes. Aquí mostramos también cómo esas mismas tecnologías (trampa, oportunidad y barrera) autorizan nuevas relaciones de poder, seducción, miedo, deseo, fascinación, incomprensión, complicidad, celos, pasión… ¿El amor?”, dicen los creadores Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante.
HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO
La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.
En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).
Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).
Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.
Ficha artística
Concepción: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante
En el escenario: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante + artistas invitados : “Matadores” (en directo o diferido) Monica Valenciano, Vidal Bini y Loïc Touzé
Dramaturgia: Roberto Fratini Serafide
Técnica y luz: Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Producción: Hors Champ // Fuera de Campo – Pierre Kiener
Administración: Machette Productions – Mathias Gauthier-Lafaye
Coproducción: CCAM, Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia), CDCN Pôle Sud (Francia), CCN Ballet de l’Opéra National du Rhin (Francia), Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Apoyos: Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Centro Párraga de Murcia, Nave de Santiago (Chile), Théâtre de Bouxviller (Francia)
Colaboradores: Ministère de la Culture (DRAC Grand Est – conventionnement), Région Grand Est (ayuda a la creación), Ville et Eurométropole de Strasbourg (conventionnement)
Idioma: español y francés, con subtítulos en español
Estrenado en diciembre de 2018 en la Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia)
ESTRENO EN ESPAÑA
Edurne Rubio
7, 8 y 9 de febrero a las 20h en Conde Duque
Durante los años 50 y 70, mi padre y sus dos hermanos formaron parte del Grupo de Espeleología Edelweiss. En 1956 Edelweiss inició en el norte de Burgos la exploración de Ojo Guareña, una de las cuevas más grandes de Europa.
Guiada por espeleólogos, LIGHT YEARS AWAY es una visita a través de la oscuridad del teatro, un recorrido en el que todo lo que aparece al paso sorprende, ya sea orgánico o inanimado, cronológico o anacrónico, visible o invisible.
Se trata de una película fuera de la pantalla, un documental sin rostros, un espectáculo iluminado con linternas.
– Concepto y performance: Edurne Rubio
– Sonido: David Elchardus
– Cámara: Alvaro Alonso de Armiño, Gregorio Méndez y Sergi Gras.
– Edición: Edurne Rubio
– Con la colaboración artística: Jan De Coster, Didier Demorcy, María Jerez, Loreto Martinez Troncoso.
– Técnica: Gregor Van Mulders y David Elchardus
– Espeléologos: Grupo de Espeleología Edelweiss
Read More
