— MuroTRON

Uno de los espectáculos más aplaudidos durante la pasada temporada en los Teatros del Canal fue, sin duda,The blind poet, así que volver a tener a Jan Lauwers con la Needcompany este año con nosotros nos colma de satisfacción, sobre todo sabiendo que viene con una pieza basada en la epopeya de Stefan Hertmans, todo un fenómeno editorial que se ha traducido ya a 24 lenguas y  en el que el propio Lauwers –amigo personal de Hertmans– encontró una historia muy cercana a su propia vida.

Alabada por la crítica literaria en todo el mundo, War and Turpentine (2013) parte de unos cuadernos que encontró el propio autor donde su abuelo, que era copista y quiso dedicarse a las bellas artes, cuenta su experiencia en la Primera Guerra Mundial. El abuelo de Lauwers también fue copista y también luchó en la primera gran contienda europea del siglo XX, pero en su caso, el tema era un tabú intocable para la familia. Vuelve así Lauwers, tras el éxito de La habitación de Isabella (2004), a contar Europa a partir de la historia de una familia. Entonces fue la suya; ahora, la de Hertmans.

La alteración principal de la novela en la pieza teatral es el cambio en la narración, que es en primera persona y en la voz de una mujer, interpretada por la fantástica Viviane De Muynck, habitual en los montajes de Lauwers. Pero como vimos en The blind poet, también hay danza y música en escena. “Es una performance muy física”, explica el creador belga, “incluso en algún momento se llega a situaciones incómodas, a una sintaxis del cuerpo y la violencia”. Un espectáculo lleno de riesgos, sin duda, pero nada firmado por Jan Lauwers está exento de riesgos. Y, como espectador, se agradece, aunque te rompa los esquemas… o precisamente por ello.

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Miguel Ángel Altet

16 y 17 de febrero en La Fundición

¿Cómo sobrevivir a la catástrofe? Hay acontecimientos en una vida que desembocan en algo muy parecido a un siniestro. Apenas hay marcas ni cicatrices visibles, pero sí órganos seriamente dañados. ¡Qué poco queda del hombre! En ese estado, uno desearía abandonar el juego definitivamente. Renunciar, claudicar, tirar la toalla. Quedarse en pelota viva. Pero acabas desarrollando estrategias, provocando pequeñas catarsis, a costa de mear vino de mesa y manosear, manoseártela como un bebé. Irse de este mundo, sin pausa, sin prisa, con el rabo entre las piernas. Castigarse con medida, pudrirse con prudencia…la explosión controlada.

No es el canto del cisne, pero sí el monólogo de un hombre que ha rebasado los cincuenta, donde se mezclan lo personal y lo ficticio. Bonneville reúne el diario íntimo (o la lista negra). Por momentos parece el manual del anacoreta que se desea, a sí mismo, posthumano.
Una “soledad compañera”, o sea, compleja, poblada de imágenes, sueños, fantasmas, memoria. Una soledad agresivamente reivindicada.
Hay un diálogo a destajo con algunas líneas pesimistas de sobra conocidas (Bernhard, Céline, Cioran) y retazos de una banda sonora –a veces punk, a veces sentimental– unida a las constantes vitales.
Las acciones físicas por las que el cuerpo amplía la dramaturgia, así como las imágenes, pretenden algo de justicia poética sobre la vida, que, como dijo un sabio, se parece más bien a la mala literatura.

Texto, dirección e interpretación: Miguel Ángel Altet
Dirección artística: María Velasco González
Diseño iluminación: Antón Ferreiro

La Tristura | Del 5 al 8 de mayo en Teatros del Canal

¿Es cierto que las nuevas tecnologías han modificado los códigos afectivos entre los jóvenes?, ¿que han alterado de algún modo la manera de relacionarse, de quererse, de odiarse, de desearse? A fin de cuentas, los adolescentes de hoy, nativos digitales, son consecuencia del tiempo en el que viven y, al mismo tiempo, serán responsables del futuro que imaginan.

Siguiendo la estela de CINE, su anterior producción, La tristura trata de desdibujar los límites de lo teatral y se cuestiona las fronteras entre ficción y documental, entre la presentación y la representación. Será el espectador quien decida entonces la posición desde la que interpretar lo que sucede en escena.

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Juan Navarro 

Humain Trop Humain (CDN Montpellier) | 12 de octubre a las 21h

Sabemos hoy que para destruir la experiencia no hay necesidad de una catástrofe.

Pier Paolo Pasolini, Supervivencia de las luciérnagas.

En el interior del paisaje que ofrece No-one is an island se esconde un relato futurista, algo confuso por precaución a no sucumbir al encantamiento de una premonición. Una fábula entre lo arcaico y lo moderno protagonizada por un niño. Y por dos personajes vegetales, no son humanos aunque imiten sus apariencias: gestos, voces… Ellos son los guías de este rito de paso, de esta observación extasiada de la propia conciencia del niño.

Un camino sin principio ni fin. Despojado de contornos entre lo real y lo virtual. Y deteniéndonos un instante sobre lo virtual, podríamos pensar en un cartel luminoso que dijera: “Bienvenidos al futuro”, pero sería irrelevante y engañoso. La mirada del niño tan sólo nos desvela imágenes suspendidas, reconocibles y extrañas a la vez, un cúmulo de informaciones fosilizadas en el subconsciente colectivo. Ese luminoso tampoco tendría sentido porque ustedes no forman parte de este relato, ya están muertos: esto nunca pasó ante sus ojos.

La naturaleza persiste, su vegetación lo cubre todo imparable y sádica con la caducidad de la condición humana. Hay resplandores que son casi como objetos fósiles, una arqueología del futuro que las plantas camuflan entre sus raíces a la vez que celebran algo, un funeral o, tal vez mejor, un renacimiento de la experiencia. Una insinuación de que en el futuro la soledad ya no será un peligro.

Rodrigo García

Del 1 al 4 de junio en los Teatros del Canal

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Tras sus revolucionarias Muerte y reencarnación en un cowboy (2010) y Daisy (2015), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo el Festival de Otoño a Primavera con 4. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda.

A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa.

En esta ocasión, el creador narra una historia de acumulación de cascabeles, de cabezas de coyotes, de movimientos con ropa enjabonada, de tocadiscos con la Sinfonía nº 4 de Beethoven, de gallos campando a sus anchas, de gusanos atrapados por plantas carnívoras, de niñas de nueve años, de samuráis, de dibujos animados, de luces de estadios de fútbol y de drones que traen a la ciudad ensoñaciones en forma de música de campanas.

Nacido en Argentina en 1964 pero afincado en España desde muy joven, Rodrigo García es no solo dramaturgo, sino también videasta, performer y director de escena. Creador atípico que conjuga en sus espectáculos elementos del pasado y de la cultura popular de hoy, ha creado un lenguaje teatral propio y siempre sorprendente, que en junio acercará de nuevo en Madrid.

El estreno absoluto de 4 tuvo lugar en noviembre de 2015 en el CDN de Montpellier. En España, antes de aterrizar en Madrid de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera, pudo verse en el Festival TNT de Terrassa en septiembre de 2016.

Sala Protocolo-Nouvel del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

25 y 26 de mayo – 18 h

Las invitaciones para este laboratorio, se podrán retirar en las taquillas del MNCARS de manera gratuita desde el día 22 de mayo

Movimientos cósmicos es un proyecto de investigación que El Conde de Torrefiel ha puesto en marcha para los laboratorios de creación del Festival Surge Madrid 2017 y cuyo proceso se presenta en el Museo Reina Sofía. El objetivo de este laboratorio de creación es poner a prueba ideas, formas y textos en su estado más genuino, primitivo y performático. Los Movimientos Cósmicos han sido pensado como una serie de tareas prácticas compartidas con los 15 participantes del laboratorio y cuyo formato no pretende definirse bajo reglas y contextos estrictamente teatrales. Es por ello que esta presentación se adapta al contexto museístico, articulándose desde un punto de vista instalativo y practicando la convivencia de elementos, en este caso situaciones, escenas y acciones, en una misma sala, de manera simultánea durante un lapso de tiempo determinado.

Los Movimientos Cósmicos satelitan alrededor de una idea nuclear: Atomizar los conceptos de Espacio y Tiempo. El Espacio-Tiempo entendidos aquí, bajo el punto de vista de la experiencia humana. Una línea que concatena los eventos, que une todos los puntos y que establece la norma de causa efecto así como la cronología histórica. Movimientos Cósmicos quiere especular estéticamente con la anulación de esta línea, con la ruptura de la continuidad y generar una experiencia de realidad, desde este estado de interrupción absoluto.

Manipulando formalmente estos dos conceptos básicos de la existencia a través de la yuxtaposición y la separación, el propósito es el de provocar otras condiciones posibles, otros ordenes.

El nacimiento de la luna, una célula que se altera y se convierte en enfermedad, una visita guiada por las ruinas de Paris en el año 7056 o un ser vivo comiéndose a otro en el exoplaneta más cercano al sistema solar, son algunas posibles situaciones a explorar.

Idea y puesta en escena: El Conde de Torrefiel
Texto: Pablo Gisbert y los intérpretes
Sonido: Adolfo Fernández
Escenografía y vestuario: Blanca Añón
Iluminación: Roberto Baldinelli, Antón Ferreiro y Cristina Bolívar
Intérpretes: Albino Hernández, Carlos Troya, Andrea Martínez, Inés de la Iglesia, Gloria March, María Pizarro, Natasha Padilha, Lara Ortiz, Oihana Altube, Jesús Masso, Olga Blanco, Raffaelle Angelini, Mar Canovas, Álvaro Fontalba, Javier de la Rosa
Producción: Teatro Pradillo
Organizado por: IV Muestra de Creación Escénica Surge Madrid 2017

Teatro Góngora de Córdoba

Viernes 10 de Febrero de 2017 a las 20.30 h. 

La Fundición

Sábado 11  febrero  20h | Domingo 12 febrero  19h 

La Leçon nace del encuentro y conversación entre dos personas de dos culturas escénicas y performativas distantes: un encuentro a través de la palabra y el movimiento, de historia(s) y de cuerpos  migrantes. Este es un ejercicio que nace del deseo compulsivo por ser otro, de un imitar para ser otro. A fin de cuentas, el teatro, siempre fue ese arte de hacerse pasar por otro. Pintura de camuflaje.

Un día en que me dirigía a la canoa, descubrí en la arena las huellas de un pie desnudo. La impresión hizo que me detuviera en seco, como si hubiera sido alcanzado por un rayo o hubiese visto algún fantasma. Miré hacia todos lados, pero no vi ni oí nada. Trepé a un pequeño promontorio para otear más lejos, bajando luego y encaminándome hacia la playa, pero tampoco conseguí avanzar en mis observaciones. Regresé otra vez al lugar del espantoso descubrimiento, con la esperanza de que mis temores resultaran infundados, pero torné a ver las huellas precisas de un pie descalzo: los dedos, el talón y demás detalles que conforman la planta humana. (Robinson Crusoe, D. Dafoe)