— MuroTRON

Sábado 28 y domingo 29 de mayo, 22:00, en La Casa Encendida

Desde una perspectiva política y poética, Las Huecas trabajan a partir de los imaginarios precarios que las generaciones jóvenes disponen alrededor del deceso.

Además de los cuerpos de las performers, en la pieza intervienen Núria Isern, trabajadora del sector funerario, y Júlia Sánchez, activista por la soberanía de la muerte. Se trata de una propuesta emancipadora y de una experiencia teatral que se ha definido desde la crítica como ”algo que no puedes nombrar, pero que cuando lo ves, sabes que estás ante algo que no habías visto antes”.

Aquellas que no deben morir ha obtenido el premio Apuntador 2021 y el premio de la crítica NovaVeu 2022.

Las Huecas es un colectivo que nace el año 2016 con la voluntad de llevar a cabo creaciones escénicas desde la práctica colectiva. Como agrupación, han transitado por varias identidades: investigadoras etnógrafas, banda de punk o dibujantes de fanzine, aunque son básicamente cuatro actrices, una técnica y una productora. Han actuado en el espacio público, en solares abiertos, en teatros, en salas alternativas de conciertos y en streaming en Instagram. Por ello, para ellas es muy importante el diálogo entre los marcos de representación y las decisiones performáticas tomadas. En este sentido trabajan desde el cuerpo biográfico que se vincula necesariamente con el cuerpo político y, por tanto, con su condición de sujeto privilegiado para la tribuna de la escena. Se sitúan por ideología en el reconocimiento de sus propias condiciones materiales, apostando por una estética del distanciamiento, del extrañamiento del real a partir de un estar-en-la-escena inestable, expuesto a la precariedad del cuerpo y de sus circunstancias, expuesto al juego abierto de los códigos teatrales, el cuál podríamos denominar como poetización.

Ficha artística:

• Creación: Col·lectiu Las Huecas.
• Intérpretes: Júlia Barbany, Esmeralda Colette, Núria Coromines, Andrea Pellejero.
• Técnica: Sofía A. Martori.
• Composición del espacio sonoro: Adrià Girona.
• Diseño de iluminación: Ana Rovira.
• Artefactos: Dani García.
• Asesoramiento procesos de duelo: Júlia S. Cid, parte de Som Provisionals.
• Asesoramiento funeraria: Núria Isern.
• Producción: Esther Fernandes.
• Fotografía: Roc Pont.
• Coproducción: Festival TNT (Terrassa), Antic Teatre (Barcelona), La Infinita de l’Hospitalet (L’Hospitalet de Llobregat).

Con la colaboración de: El Graner – Centre de creació.

Más información y entradas: web de La Casa Encendida

Sábado 21 a las 19:30 en la Sala insular de teatro de Las Palmas de Gran Canaria, 10€

La danza despide mayo en la Sala Insular con Carmelo Salazar y su doble pieza de danza Documento/A y Fin del Mundo/B, ésta última interpretada por Teresa Lorenzo.

FIN DEL MUNDO B.
La primera de las piezas, Fin del mundo B. es una coreografía que mezcla clásico y contemporáneo, huyendo de la danza abstracta para quedarse en la razón y cinética de la acción física. Llega así a un sin-teatro de movimientos con fines concretos. Estrenada en febrero del 2019, en el festival Salmón de Barcelona.

DOCUMENTO/A.
La segunda pieza, Documento/a, toma las imágenes de un loco, un masoquista y un artista conceptual como justificación para hablar de inspiración y apropiación, de la estética o patrón de una desgracia que, reflejada fuera de contexto, ofrece un bonito cuadro, placer fetiche o acción. Estrenada el 17 de abril de 2021 en el TEA, Tenerife.

Más información y entradas: web de la Sala insular de teatro

Martes 17 de mayo a las 20:00 en la Sala Off de València dentro del Festival 10 sentidos

Somos Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, artistas que trabajamos en las fronteras de diferentes disciplinas como la danza, la arquitectura, el teatro o la ópera y sus campos de influencia en lo político y lo social. Tenemos un compromiso muy fuerte con un lugar que para otros es de paso: Estar en el límite y no en el centro de las cosas es una posición ideológica. Nuestras prácticas escénicas cruzan lenguajes y desarrollan algo energético y empático: Utilizamos el humor, el absurdo, la repetición y la música para acercar las artes vivas a todos los públicos con la intención de que salgan haciendo la conga y que repitan lo que han visto luego en sus casas.

Este trabajo es el segundo proyecto autobiográfico que hemos realizado, ya que, además de artistas, somos pareja sentimental desde hace 14 años. Estáis todas invitadas a LAS COSAS DEL AMOR, una performance/recital de canciones de amor/trabajo, que deviene performance.

Más información y entradas: web del Festival 10 sentidos

Miércoles 18 de mayo a las 19:00, Sala Bar del Santa Mònica (Barcelona), gratuita con aforo limitado a 55 personas

Recital-concierto donde la voz y los poemas de PERLA se mezclan con la música electrónica de BERENICE.

Con JOVENDELAPERLA y BERENICE.

En medio de una tormenta que duró semanas, empezaron a deslizarse gotas de locura por las paredes blancas de mi habitación. De la nada mi cuerpo sentía el deseo de querer tocar el instinto, el instinto más humano, el trazo de una pintura prehistórica.

Fui y soy disfraz, como el unicornio de Lascaux, como la magia.

“El Hechizo del Viejecito” es el proyecto de JOVENDELAPERLA y BERENICE donde investigan el lenguaje, los sonidos y las temporalidades de los espacios de éxtasis. Un recital-concierto donde la voz y los poemas de Perla se mezclan con la música electrónica en directo de Berenice, creando una pieza fuera de toda narrativa lineal.

Perla Zúñiga aka JOVENDELAPERLA es artista, poeta y DJ. Dirige el colectivo LGTBQ+ CULPA y forma parte del ciclo de conferencias PoemRoom. En sus trabajos explora el lenguaje a través de diferentes medios como la música, la performance y el video. Ha realizado DJsets para radios como: Rinse, NTS o Mutant Radio Tblisi. Como productora ha colaborado con el productor uruguayo Lechuga Zafiro y el productor chileno Tomás Urquieta. Su trabajo se ha podido ver en Boiler Room (Barcelona, 2021), pen pressure; una muestra de poesía fantasía y fe comisariada por Yaby a Haus Wien (Viena, 2020) o Gelatina Festival en La Casa Encendida (Madrid, 2020).

Vera Amores aka BERENICE es modelo, DJ, productora musical y artista multidisciplinar. Empezó como DJ en fiestas de la noche madrileña como Infierno o la fiesta disidente queer Lo Puñal Dorao. Es fundadora, junto con el artista JOVENDELAPERLA, del colectivo de música electrónica queer CULPA, realizando varias fiestas desde el 2019 a Madrid, Barcelona y Berlín. Las suyas mezclas eclécticas desbordan transfemineidad y sincretismo, rompiendo con el techno convencional mediante el uso de ritmos latinos y breakbeats, remezclas de Björk, melodías cinematográficas y sonidos del orgasmo de una anguila. Su trabajo ha sido expuesto a Boiler Room (Barcelona, 2021), Poem Room a Conde Duque (Madrid, 2020) o Museo de Carmen (Valencia, 2021).

Más información: Web del Santa Mònica

Del 25 al 28 de mayo en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas

Del 18 al 21 de mayo, 20:30, Wiener Festwochen (Austria)

La palabra realidad, una noción con cierto prestigio pero que resulta cada vez más difícil de retener, aparece en el lenguaje humano de manera relativamente reciente, poco más de 1000 años. Los griegos no tenían un término para esta condición, y la existencia individual y colectiva se regía por la lógica fantástica de los mitos: relatos construidos a través de un proceso que articulaba las fuerzas que surgen del interior y cuya imagen extraordinaria producía un efecto concreto sobre las conciencias para orientarse en la vida material. 

El origen de la palabra Realidad se encuentra en el antiguo imperio romano, para definir las más variadas formas de cosas y actos que existen de verdad, hasta acomodarse con el tiempo en el campo semántico de aquello que hoy en día definimos cómo lo real. Es dentro de la lógica de un pueblo con vocación de imperio que nace la necesidad de una imposición del ser. 

Aunque haya colonizado el dominio material y objetivo, el concepto de Realidad es problemático en esencia, en cuanto construcción dúctil y en constante movimiento en la humana tarea de la emancipación de la naturaleza.
La existencia compartida, las condiciones ambientales, la evolución del lenguaje permiten construir cada día un mundo presuntamente controlado donde poder vivir de la mejor manera, acorde a nuestros deseos y necesidades: El mundo soy yo en cuanto soy una parte del mundo. 

Este trabajo quiere trasladar al escenario la imagen de un relato paralelo y subterráneo, donde se entretejen los efectos de aquello que se encuentra entre los pliegues de la vida material y entre todos los vacíos y territorios que atraviesan de manera fantasmal el devenir individual y que componen ese extraño sustrato que también nos cuenta tanto individual como colectivamente. 

Ni las imágenes ni las palabras han conseguido plasmar la impresión de realidad que acompaña la vida.
Ante la evidencia de este paisaje del fracaso, Una imagen interior es un ejercicio poético que sonda los principios fundacionales del concepto de ficción en disputa constante con la incuestionable ley gravitacional a la que están sujetos los cuerpos. 

El Conde de Torrefiel propone esta vez el erotismo de la imaginación como alternativa radical a las ficciones y las imágenes que nos gobiernan. 

En esta obra, los cuerpos en escena trabajan la materia y la palabra para construir frente a los ojos del espectador paisajes posibles, a medio camino entre lo fantástico y lo concreto y exponer de manera poética los efectos somáticos del tiempo, el espacio y los relatos, así como instaurar un diálogo con la posibilidad dada por el potencial del deseo frente a la tiranía del lenguaje como herramienta que asienta las leyes y los valores compartidos. El artefacto presentado en el espacio teatral, casa primigenia de la ficción, busca representar una resolución imposible para invocar en escena la energía poderosa y esencialmente conflictiva de la existencia.  

//:
idea y creación
El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes
Dirección y dramaturgia
Tanya Beyeler y Pablo Gisbert
Texto
Pablo Gisbert
Performers Gloria March Chulvi, Julian Hackenberg,
Mauro Molina, David Mallols, Anaïs Doménech
Diseño de luces
Manoly Rubio García
Escenografía
Maria Alejandre y Estel Cristià
Piezas escultóricas
Mireia Donat Melús
Diseño de robots
José Brotons Plà
Diseño de sonido
Rebecca Praga y Uriel Ireland
Dirección y coordinación técnica
Isaac Torres
Técnico de sonido y vídeo
Uriel Ireland
Técnico de luces en gira
Roberto Baldinelli
Producción y administración
Haizea Arrizabalaga
Producción ejecutiva
Cielo Drive SL
Distribución
Caravan Production, Brussels

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Con la ayuda a la producción de
ICEC – Generalitat de Catalunya

Co-producción
Wiener Festwochen (Viena)
Festival d’Avignon
Kunstenfestivaldesarts (Brussels)
Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
Festival GREC (Barcelona)
Festival delle colline torinesi (Torino)
Grütli – centre de diffusion et production des arts vivants (Génève)
Points communs – Nouvelle scène national de Cergy-Pointoise-Val d’Oise
Festival d’Automne (Paris)

//:
Con el apoyo de
Teatre el Musical, Valencia
Centro Párraga, Murcia

Jueves 12 de mayo, 19:30, gratuito, en el auditorio de Centro Centro

“Pienso en la mente de un niño como un libro en blanco”
Walt Disney

Atravesando el salvaje paisaje interior de la mente humana, dos [anti]héroes improbables persiguen visiones pesadillescas de libertad a través de una serie de episodios de sensualidad intensa y violencia fantasmagórica. PSYCHODRAMA es una especie de exorcismo cultural pop, un tren desbocado que viaja atravesando tu cráneo en una sinapsis chamuscada, un espectáculo soñado, pegajoso y escurridizo, acerca de la brutalidad de los dibujos animados y del poder corrosivo de los relatos que se pregunta ¿de quiénes son todas esas voces que hay dentro de tu cabeza? ¿Y cómo llegaron allí? Y, si pudieras silenciar esas voces, ¿lo harías?.

Sleepwalk Collective es una premiada compañía de arte en vivo y teatro experimental que trabaja desde el 2006 entre España y Reino Unido creando piezas originales para teatros y espacios no convencionales que emergen de la fascinación que sienten por la cultura popular, la condición humana, y las nuevas tecnologías. Sus piezas combinan textos reflexivos y poéticos con una cuidada estética, y se caracterizan por estar envueltas en un diseño sonoro y lumínico denso e hipnótico. Sleepwalk Collective son Iara Solano Arana y Sammy Metcalfe. Juntos han creado una docena de espectáculos para teatros, una serie de piezas inmersivas y en formato vis-à-vis y un gran número de acciones y piezas escénicas experimentales, algunas site-specific, para espacios alternativos y museísticos que han sido programadas en más de 20 países de 4 continentes, destacando The Barbican en Londres, el Festival MESS de Sarajevo, el Festival de Sydney, o el Festival Pro- gress de Toronto. Sus textos han sido publicados por Oberon Books, Routledge y Salaman- der Street. Actualmente son artistas residentes del Teatro de La Abadía de Madrid.

Christopher Brett Bailey (Canada, 1987) es escritor, músico, creador escénico e intérprete afincado en Londres. Su debut celebrado por la crítica THIS IS HOW WE DIE (2014) recibe los premios Arches Brick Award y Off West End Award (en la categoría de producciones que desafían definición tradicional). Otros trabajos incluyen las piezas musico-teatrales KISSING THE SHOTGUN GOODNIGHT (2016) y RATED X (2018), y su publicación de colección de historias y spoken word SUICIDE NOTES (2018). Colabora habitualmente con Made In China, Andy Field, Mamoru Iriguchi, Glen Neath & Hannah Ringham, Nigel & Louise, y el gran Ken Campbell. Como músico, es 1/2 del duo ambiental MOON ATE THE DARK y líder del grupo THIS MACHINE WON’T KILL FASCISTS BUT IT MIGHT GET YOU LAID. Christopher es graduado del curso de Teatro Contemporáneo East 15’s del que actualmente es tutor de la asignatura de Escritura Creativa. Tras poasar por Rock School con matrícula de honor terminó un master en Writer’s Block de Goldsmiths, University of London.

Más información y reservas: Web de Centro Centro

Del jueves 19 al sábado 21 de mayo, 20.00, en Condeduque
Y del 8 al 11 de mayo en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas

Con Viaje al fin de la noche de Louis- Ferdinand Céline, como punto de partida, Bárbara Bañuelos nos ofrece otra de sus creaciones apoyadas en el yo autobiográfico que deviene en un yo expansivo. Hacer noche es un ejercicio de escucha, una reflexión escénica sobre los cuerpos y sus contextos. Una conversación a dos sobre muchos. Sobre el poder, la vulnerabilidad y el sufrimiento mental.

Este viaje a uno mismo, este encuentro íntimo que desgrana y cuestiona al colono que llevamos dentro, se establece cómo un diálogo entre Bárbara y Carles Albert Gasulla, licenciado en filología alemana, que habla, escribe y lee en cinco idiomas y con un diagnostico en salud mental que trabaja relegado y de forma precaria como vigilante en un parking haciendo el turno de noche. Un lugar oscuro y solitario donde dialoga consigo mismo y sus libros.

¿Un intelectual forzado a estar en la oscuridad por su condición mental? Una pregunta que deviene en una reflexión sobre los cuerpos que viven en primera persona el estigma. Cuerpos que se esconden, que sufren, que dejan de ser visibles. Una pregunta de la que nace su amistad y sus primeras conversaciones.

Con su proyecto anterior, Mi padre no era un famoso escritor ruso, un documental escénico, Bárbara Bañuelos estableció una colaboración con Radio Nikosia, una de las primeras radios creada y gestionada por personas que se relacionan con el sufrimiento mental. Juntos crearon y retransmitieron una serie de programas de radio relacionados con las artes escénicas en diferentes festivales, (Sâlmon en el Mercat de les Flors o IDEM en La Casa Encendida), que acogieron la propuesta como una actividad expandida de la pieza documental. Estos programas radiofónicos generaron un encuentro de reflexión y diálogo sobre conceptos comunes que se cuestionan desde las artes vivas y el sufrimiento mental y que proponen otras maneras de estar y otros modos de hacer. Ahí conoció a Carles, una de sus voces más destacadas y a partir de ese momento, y durante más de un año, Bárbara y Carles han estado compartiendo lecturas, diarios y reflexiones, y de toda esta experiencia surge Hacer Noche.

En esta ocasión y reunidos para hacer noche, Bárbara y Carles, juntos uno con el otro, abordarán esta nuestra locura contemporánea en un viaje imaginario que atraviesa cuestiones como el colonialismo, la guerra, la muerte, la precariedad, el entusiasmo, la eficacia, o el significado del apoyo mutuo en el mundo en el que vivimos.

Hacer noche es un vínculo narrativo, un viaje a uno mismo, un ejercicio de escucha, un diálogo a dos sobre muchos, una multitud íntima.

Más información y entradas: Web de Condeduque | Kunstenfestivaldesarts

Jueves 12 de mayo del 2022 19.30 – 22.00 en el CCCB
10 € / Reducido: 7 € / Gratuito: Amigos del CCCB y parados

«Subsol» es un nuevo festival de cultura popular y subcultura que se celebra en tres jornadas en el CCCB. Su voluntad es dar cabida a propuestas que por definición quedan excluidas de los parámetros de la cultura más seria o «alta» cultura.

Peter Bagge
La pesadilla del sueño americano
Quizás nosotros no estábamos en el Seattle de principios de los noventa, pero gracias a Peter Bagge (Peekskill, 1957) aprendimos que el odio de allí era muy similar al de aquí. Pocos artistas han relatado la desafección, la alienación-con-acné, la misantropía y el rencor juvenil como Bagge. El autor de clásicos del cómic independiente como Odio, Mundo idiota o Buddy y los Bradley, biografías pasadas por el tamiz del noveno arte como Fire! o La mujer rebelde, o columnas hiperventiladas en formato viñeta como Todo el mundo es idiota menos yo, forma parte de un panteón alternativo que va mucho más allá de la narrativa gráfica en sentido estricto: Bagge ha ilustrado, también, portadas para bandas musicales como Girl Trouble, Hellacopters y Action Suits, el grupo en el que el dibujante vive una vida paralela como batería. Viva Bagge forever.

Bobby Gillespie
Un chaval de barrio
Bobby Gillespie (Glasgow, 1961) es el cantante, compositor y miembro fundador de Primal Scream, y uno de los pocos hombres de sesenta y un años que pueden llevar pantalones de cuero con envidiables aplomo y dignidad. Con su banda ha publicado once álbumes, entre los que destaca Screamadelica (1991), que incluía algunos de los himnos más imperecederos del rave-rock británico, como «Loaded» o «Higher than the Sun». Gillespie también tocó la batería con The Jesus and Mary Chain en la remítica época Psychocandy (1985). Gillespie, el «Oliver Twist del rock» (como le llamó Courtney Love) y portador del flequillo más perfecto de los ochenta, visita «Subsol» para presentar su celebrada biografía Tenement Kid (Un chaval de barrio, Contra, 2022): un «cuento de hadas punk» lleno de lucha de clases, ropa cegadora, discos estridentes y despiporre rock’n’roller, desde su infancia proleta en Glasgow hasta el orgiástico verano de 1991.

Gillespie será entrevistado por Mónica Escudero, periodista en El País Semanal, Grijalbo, Primera Línea y El comidista.

Baya Baye
Macarrismo catalán
Víctor Ballesteros (Montgat, 1998) trabaja en un viñedo y tiene «la nuca tostada». Es, de la forma más literal, un redneck del Maresme. Cuando canta, suelta a un rapper llamado Baya Baye, cuyo imaginario incluye barretinas caladas como pasamontañas, bocanadas a porrones llenos de cerveza y dobermans pinscher con la señera por collar. Las barras de Baye, llenas de odio de clase y furia extrarradial, hacen palpable que de la degradación política y nacional de Catalunya, como en las tocinerías, se aprovecha todo. «Macarrisme català», «La mare kem va parí» o «Cor bandarra» son lapos a la cara de los partidos políticos y del establishment y la gente maja, gritos de rabia envueltos en chistes de gusto arriesgado y reivindicaciones a la «liada» que en «Subsol» sentimos como j***idos himnos.

Más información y entradas: web del CCCB

Sábado 14 de mayo 2022 a las 20h, puertas 19:30h inicio de la función 20h, taquilla inversa
No se podrá acceder una vez haya empezado
C h o r o, Foc (Carrer Encuny 24, 3a planta) Barcelona, Metro Foc L10S

Equilibristas, transformistas, travestíes, cupletistas, hipnotizadores, mujeres forzudas, expertos en artes marciales… Cuando se hacen presentes y habitan un mismo cuerpo, estas figuras guían los gestos y hacen convivir el arte popular con la tradición experimental. En este juego de espejos el pasado se cruza con el futuro y nos recuerda que no hay nada más profundo que la superficie.

En colaboración con Elda Ortiz, Noela Covelo Velasco y Victor Ruiz Colomer

Agradecimientos: Alix Eynaudi, Paula Caspão, Noa&Snow, Verónica Valentini, Pablo Martínez, Eva Serra, Mireia Sellarès, Gloria G. Durán, Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Santi Ribelles, Paula Miralles, Vicente Arlandis, María Jerez, Júlia Rubies, BAR Project y el Consulado de Fonteta

Este proyecto recibió el apoyo de una beca Premi Ciutat de Barcelona 2020.

Quim Pujol (1978) trabaja entre la poesía, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Sus últimas piezas son la serie Croma, De la ceca a la Meca y El mensaje de otros mundos. Ha participado en exposiciones como Intervalo. Acciones sonoras en la Fundació Antoni Tàpies, Visceral Blue en La Capella, o entre, hacia, hasta, para, por, según, sin en el EACC . Ha editado junto con Ixiar Rozas el volumen sobre teoría afectiva Ejercicios de ocupación (Ediciones Polígrafa, 2015) y fue comisario del programa experimental del Mercat de les Flors (2011-2015).

Sábado 7 de mayo 21:30, 9€, Cidade da cultura, Museo Centro Gaiás, sala 1, Santiago de Compostela

Hammamturgia genera y capta el flujo de los cuerpos y las cosas en el espacio, una sucesión que no explica nada, sino que propone y activa transformaciones, una obra coreográfica en definitiva, que trabaja con el espacio y el tiempo. Entendemos la hammamturgia como el otro de la dramaturgia. La dramaturgia sería así la acción de crear, componer e interpretar una obra. La hammamturgia, en cambio, remite a una relación con las condiciones atmosféricas que producen la transformación de la forma/obra, el paso para dar es estar dentro, atravesando, ser lo que nos mueve y no vemos.

El espacio mismo está construyéndose y transformándose durante la acción, a la vista de los espectadores. Este espacio no es más que un ambiente compartido. Un ambiente en el que no se distingue a uno fuera de uno dentro. Es solo una membrana, en la que respiramos (y vivimos, por lo menos durante este tiempo) juntos.

La forma que este hecho adquiere en Hammamturgia es hacer el ambiente y con el ambiente. De alguna forma, hacemos la casa desde dentro transformando poco a poco, suavemente, el lugar al que llegamos —y al que llamamos teatro— en otro sitio.

Lo transformamos y hacemos visible esta transformación. No se trata de hacer de principio a fin un ambiente, sino hacer algo con las condiciones que lo constituyen.

La Societat Doctor Alonso, creada en 2001 y dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, entorno o espacio propio, para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje tanto en su gramática constitutiva como en la lectura que un observador puede hacer: desplazarse para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el status quo de nuestra comprensión de la realidad.

Más información y entradas: Web de Escenas do cambio