— MuroTRON

Bruto Común es un festival de creación y pensamiento contemporáneo que celebra su primera edición con el fin de dar visibilidad y espacio a artistas, creadoras y gestoras culturales emergentes. Impulsado por Viva Roberta y Subcult Plataforma, se celebrará el 28 de noviembre durante todo el día en el centro cultural Infinito Delicias.

​El festival surge como punto de encuentro para compartir ideas, procesos y herramientas, cuestionar las formas actuales de producción y profesionalización del sector cultural y, sobre todo, generar vínculos entre quienes están construyendo el presente y el futuro de la escena cultural.

​Nace de la necesidad de que artistas, agentes culturales y propuestas emergentes tengan acceso a espacios de exhibición, de diálogo y de creación. Un lugar que apueste por proyectos expulsados de los grandes circuitos.

​La programación propone un recorrido multidisciplinar por la creación contemporánea, la experimentación artística y la reflexión sobre las nuevas formas de gestión cultural.

​La performance estará representada por LaMesa Colectif, con «Technofacial», una pieza híbrida que combina danza, teatro, música y visuales para explorar críticamente el impacto del techno sobre los cuerpos contemporáneos; y por Carlos Pulpón, que presentará de manera inédita «45 min de 23 h y 59 min». Por su parte, Colectivo Polari traerá «5L», una instalación que aborda el impacto de la inteligencia artificial sobre los recursos hídricos.

​La propuesta musical reunirá a julia de arco, con su cruce entre pop experimental, a punto de estrenar álbum; Llúcia Pla, acercando su debut en solitario, «Cantant i Parlant»; y Gala, con un DJ set que ha viajado por Europa y aterriza trayéndonos un estilo entre el deep y dub techno.

​La programación incorpora tres actividades de pensamiento: una conferencia performativa y dos mesas de conversación y reflexión. La primera será a cargo de Archivo Orsini, un espacio dedicado a la investigación sobre arte contemporáneo, arquitectura, urbanismo y filosofía. Esta actividad requiere inscripción aparte de la general del festival, disponible en el botón de la parte superior de la página. Por otro lado, las mesas de conversación serán: Mesa sin patas, centrada en el estado actual de la gestión cultural, donde intervendrán Inés de Egaña, el INJUVE, el Festival Observatorio y Benia Nsi, en una conversación moderada por Candela Sánchez; y Mesa de tres patas, un encuentro con proyectos de referencia para compartir experiencias y abrir el diálogo sobre cómo se desarrollan, sostienen y transforman las prácticas culturales contemporáneas, con Galería Mecha, Brillo Editorial y LAGRIMA Collective.

​Bruto Común está impulsado por Viva Roberta y Subcult Plataforma y cuenta con la colaboración del Instituto de la Juventud, del Ayuntamiento de Madrid y de Infinito Delicias.

Más información y entradas.

A Cooperativa Performa presenta en Santiago de Compostela os resultados da IV edición de In Situ. Residencias de artes vivas, un programa de apoio á creación contemporánea no territorio realizado con apoio da Deputación da Coruña e a colaboración da Fundación DIDAC.

Cris Balboa e Death Whistle presentarán Me quedo contigo o 5 de novembro mentres que o colectivo Laboratorio da Fame compartirá os resultados de Paxaro Estrela Bomba o 10 de novembro. As dúas actividades terán lugar ás 19.00 horas, na sede da Fundación DIDAC con entrada libre.

Santiago de Compostela, 4 de novembro de 2026.

A Cooperativa Performa, co apoio da Deputación da Coruña e coa colaboración da Fundación DIDAC, presenta os resultados da cuarta edición de In Situ. Residencias de Artes Vivas, un programa destinado a apoiar a investigación e a creación contemporánea, promovendo o diálogo entre as prácticas artísticas, o territorio e as comunidades locais.

As dúas propostas seleccionadas nesta edición desenvolveron os seus procesos de investigación durante as pasadas semanas en diferentes localidades da provincia da Coruña. Os resultados presentaranse publicamente na Fundación DIDAC os días 5 e 10 de novembro, ás 19.00 horas. A entrada é libre.

Me quedo contigo, de Cris Balboa e Death Whistle. 5 de novembro

A creadora escénica Cris Balboa e o artista sonoro Víctor García (Death Whistle) presentan os resultados de Me quedo contigo, unha investigación arredor da memoria, o dó e as posibilidades da composición escénica como espazo de encontro entre música, palabra e corpo.

Desenvolvido durante unha residencia no local social da Sociedade Cultural e Recreativa Luz de Ribeiras do Sor, no concello de Mañón, o proxecto parte dunha experiencia persoal compartida polos dous artistas, marcada pola perda recente de familiares próximos. A través da improvisación, a escritura, a composición electrónica e os sintetizadores modulares, investigan como a creación pode acoller estas experiencias sen necesidade de convertelas nun relato.

A proposta incorpora tamén a tradición oral e a transmisión da memoria a través da voz e da escoita, así como unha dimensión participativa mediante a creación dun arquivo vivo de palabras non pronunciadas, despedidas e lembranzas. Esta residencia constitúe a segunda fase dun proceso iniciado en Taipei que continuará desenvolvéndose ata a estrea da peza resultante do traballo.

Cris Balboa é creadora escénica, directora e dramaturga, autora de traballos como Technocracia, Sinte e Roland mon amour, presentados en espazos como o Centro Dramático Nacional, o Centro Dramático Galego, Escenas do Cambio, a Bienal de Pontevedra ou o Festival Plataforma. Víctor García (Death Whistle) é artista sonoro, compositor e produtor musical especializado na síntese modular e na creación electrónica en directo.

Paxaro Estrela Bomba, de Laboratorio da Fame. 10 de novembro

O colectivo Laboratorio da Fame, integrado por Sara Somoza, Ismael Eirexas e Noel Quintela, presenta os resultados de Paxaro Estrela Bomba, un proxecto de investigación e creación artística desenvolvido no Concello de As Pontes de García Rodríguez, centrado na memoria colectiva, o patrimonio industrial e a participación cidadá.

A proposta, iniciada o pasado mes de outubro, afonda nos procesos polos que determinadas estruturas, obxectos e elementos de identidade son recoñecidos como patrimonio, cuestionando os mecanismos de decisión que a miúdo se desenvolven á marxe da participación das comunidades.

O proxecto parte das transformacións experimentadas en As Pontes despois do peche e desmantelamento da súa central térmica. A través de paseos, encontros e conversas coa veciñanza, o colectivo recolleu testemuñas, lembranzas e desexos arredor do patrimonio da vila, incorporando diferentes perspectivas sobre o seu pasado, presente e futuro. A investigación contempla novas sesións participativas para compartir o material recollido e favorecer que a propia comunidade interveña nos procesos de interpretación e valorización do seu patrimonio.

Paxaro Estrela Bomba forma parte da investigación escénica Monxa Millo Sentinela, inspirada nas reflexións da filósofa Marina Garcés sobre as promesas colectivas e a nosa capacidade para construír o futuro.

Sara Somoza é creadora escénica, investigadora e mediadora cultural; Ismael Eirexas desenvolve unha práctica vinculada á performance e á revisión crítica das identidades e tradicións culturais; e Noel Quintela é bailarín e creador especializado en danza contemporánea.

Un programa de apoio á creación contemporánea no territorio

Na súa cuarta edición, In Situ. Residencias de Artes Vivas consolida un modelo de apoio á creación que favorece a investigación artística en diálogo co territorio, a memoria e a cidadanía. O programa procura descentralizar a creación contemporánea e promover novas formas de relación entre artistas e comunidades locais.

As presentacións na Fundación DIDAC permiten compartir estes procesos como investigacións abertas, susceptibles de continuar desenvolvéndose en futuras etapas.

In Situ. Residencias de Artes Vivas é un proxecto da Cooperativa Performa, co apoio da Deputación da Coruña e coa colaboración da Fundación DIDAC.

INFORMACIÓN PRÁCTICA

Xoves, 5 de novembro de 2026, ás 19.00 h
Quédome contigo
Cris Balboa e Death Whistle (Víctor García)

Martes, 10 de novembro de 2026, ás 19.00 h
Paxaro Estrela Bomba
Laboratorio da Fame: Sara Somoza, Ismael Eirexas e Noel Quintela

Lugar: Fundación DIDAC, Santiago de Compostela

Entrada: Libre

Organiza: Cooperativa Performa
Apoia: Deputación da Coruña
Colabora: Fundación DIDAC

Elena Carvajal – 12 de noviembre en la Sala Taro

La ilusión boing-boing consisteix en petits jocs per a cuerpxs que esperen o tècniques per no cansar-nos. Neix d’observar el sacseig constant de les cames dels vigilants de seguretat, dels cuerpxs que romanen durant molt de temps en una mateixa posició o de qui sosté una presència aparentment immòbil. O potser això només sigui una excusa per compartir part del procés de creació d’I was told not to make eye contact with Tom Cruise, una obra que se centra en la figura del figurant. Aquell que sempre se situa darrere d’allò que és visible, sense deixar de ser percebut. Explorant formes de presència discretes, perifèriques i gairebé invisibles, posant el focus en cuerpxs, gestos i materials que habitualment queden fora del centre de l’escena.

Más información y entradas.

Juan Domínguez – 7 de noviembre en el Mercat de les Flors dentro del Festival IF

A partir de la experiencia concreta de tocar barro con las manos, Juan Domínguez propone en esta instalación performativa i participativa poner la atención en otros sentidos más allá de la vista, como son el tacto y el oído. Se trata de desarrollar una forma de escucha a través del contacto y el contacto como una forma de conocimiento. Dos preguntas atraviesan la pieza: ¿qué escucho cuando toco? ¿qué toco cuando escucho? La obra refleja la importancia de lo que sucede entre los cuerpos mientras escuchan y tocan juntos.

Juan Domínguez es artista, creador, curador y docente en el ámbito de la coreografía y las artes vivas. Vive y trabaja entre Berlín, Ciudad de México y Madrid. Desde 1992 desarrolla una práctica que explora el teatro como medio expandido, replanteando los límites de la danza y la performance a través de la investigación del cuerpo, el tiempo, el espacio y la percepción. Ha creado numerosas obras y ha desarrollado una importante labor curatorial y de programación.

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6 y 28 de noviembre en el CCCB

Radial es un ciclo de danza escénica del CCCB comisariado por el coreógrafo Guillem Jiménez. Reúne creaciones de danza de pequeño y mediano formato, nacionales e internacionales, en unas noches compartidas que nos invitan a transitar por distintos mundos poéticos.

Inspirado en los shared evenings, Radial propone una experiencia escénica que permite disfrutar de tres espectáculos de creadores nacionales e internacionales en una sola sesión, para compartir unas tardes de otoño en las que viajar juntos con la danza. Potenciando el «juntarse para» como herramienta de resistencia en la era de la atención individualizada, Radial reconoce el espacio teatral como un lugar en el que dejarse afectar conjuntamente, para crear comunidad, cultura y experiencias compartidas. Como una radial, el ciclo apuesta por una danza escénica que utiliza la materia viva para generar brechas en la realidad y revelar otras formas de pensamiento y reflexión.

En esta segunda edición presentamos trabajos de artistas que se apropian del lenguaje coreográfico para convertirlo en universos únicos y concretos. El 6 de noviembre tendremos obras de Andrea El Ameri, Panzetti/Ticconi, Camilo Mejía, y el 28 de noviembre de underthepulse, Jana Jacuka, Carles Castaño y Sau-Chin Wong.

Más información y entradas.

27 de noviembre en el MACBA

Esther Ferrer cierra el programa Murmullos con una activación colectiva de Recorrer un cuadrado de todas las formas posibles, a cargo de c a m p a r campo. La propuesta parte de un proceso de trabajo compartido con la artista, en el que cada interpretación da lugar a una nueva versión de la obra.

Concebida inicialmente como obra plástica en los años ochenta y desarrollada como performance a mediados de los noventa, Recorrer un cuadrado de todas las formas posibles explora las relaciones entre cuerpo, espacio, tiempo y repetición. Su punto de partida es una instrucción elemental: recorrer un cuadrado pasando por sus cuatro vértices, señalados con las letras A, B, C y D. A partir de ahí, las posibilidades se multiplican. Se puede caminar, correr, bailar, ir hacia atrás, detenerse, cambiar de ritmo o compartir el recorrido con otras personas. La estructura permanece, pero cada ejecución produce una experiencia distinta.

Para esta ocasión, Esther Ferrer ofrecerá varias sesiones de trabajo, en las que mantendrá conversaciones con las participantes del programa de formación en artes performativas c a m p a r campo, que asumirá la realización colectiva de la pieza. A partir de las instrucciones preparadas por la artista, estos encuentros permitirán explorar las múltiples posibilidades de la acción sin establecer una coreografía cerrada. Los encuentros, las interrupciones, los desajustes y las decisiones improvisadas forman parte de una propuesta en la que el azar y la voluntad individual conviven con las reglas compartidas.

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Amaia Urra – Del 17 de octubre el 12 de diciembre en Atoi (Bilbao)

“La tercera edición de FOKU está dedicada a Amaia Urra, una artista tan esquiva como fundamental en nuestro entorno. Así, hemos querido ahondar en la relevancia que las prácticas performativas de base lingüística y conceptual han ido adquiriendo en consecutivas generaciones de mujeres artistas en el contexto vasco.

La práctica de Amaia nace al calor de la experimentación en torno a las artes en vivo propulsada por Mugatxoan en Arteleku y ha ido encontrando un territorio propio a partir de la segunda década del siglo XXI. En su obra, la semántica es un territorio de pruebas. Amaia vuelve una y otra vez a un material eternamente vinculado a reglas abstractas de afiliación, categorización o agrupación múltiple, que una vez exploradas pierden rigidez y muestran su apertura más lúdica y perturbadora del orden.

Presentamos pues la primera exposición individual de Amaia como si empezáramos por el final, pusiéramos la carreta delante de los bueyes o construyéramos la casa por el tejado, dando comienzo mediante una antífrasis. Así se ha desplegado la práctica artística de Amaia a nuestros ojos, una actividad empeñada en explorar y cuestionar espacios de aparente contradicción, abriendo paso para hacer hueco a un tipo de atención, juguetona y al tiempo crítica con nuestro entorno y ritmo cotidianos.

Foku inauguró el programa expositivo de Atoi hace cinco años. Como casi todo en Atoi, su formato es el resultado de un ejercicio de escucha atenta al proceso y de la creación de las condiciones que puedan impulsar el trabajo en sus propios términos. La estructura dual del proyecto, que combina una exposición individual en el espacio físico de Atoi con una retrospectiva crítica en el espacio virtual de la web foku.info, nace del proceso de acompañamiento de Iñaki Garmendia en su primera edición. Durante el tiempo que trabajamos con Iñaki para materializar la exposición, el propio espacio de Atoi estaba también en construcción. Iñaki no había expuesto en varios años, y quería vincularse a su trabajo anterior al tiempo que quería mostrar sólo obra nueva en la que había estado trabajando, casi en secreto, durante sus años de trabajo solitario en el estudio. En respuesta a ese deseo doble de atarse y liberarse, decidimos crear un espacio virtual donde poder ordenar la producción pasada de Iñaki y hacerlo público el día de la inauguración. Así, sus trabajos pasados en vídeo podrían verse completos durante el tiempo que durara la muestra y el contexto de su práctica estaría presente, al tiempo que la sala se liberaba totalmente para mostrar los resultados de sus procesos de trabajo más recientes en el ámbito escultórico. Con Idoia Zabaleta, el segundo Foku que llevamos a cabo, ya partíamos de una estructura doble establecida a priori. En esta ocasión, el reto estuvo más atado a cómo presentar una trayectoria tan multifacética, qué queríamos poner en primer plano, y cómo podía la plataforma online ayudar a enfocar la singularidad de la práctica de Idoia en un contexto de las artes plásticas.

Junto con Amaia Urra, durante el pasado año y medio, el proceso de trabajo en la web ha estado más centrado en entender la relación entre las series, las versiones, generaciones y adaptaciones en su producción y en reunir, de fuentes diversas, los documentos que se conservan de una obra que, durante más de una década, se ha desarrollado casi siempre en vivo, en un ejercicio que nos ayudara a crear un magma del que pudiera emerger la propuesta expositiva.

La tercera edición de Foku lleva implícita la gestación de la que será la primera exposición individual de Amaia. Por primera vez, su práctica ocupa la posición central. La pregunta aquí ha girado en torno a descubrir qué es una exposición para Amaia, cómo se articula el espacio-tiempo de la exposición en relación a su práctica, cómo se contiene y al tiempo se libera. Esto la vincula a Iñaki, pero también a Idoia, cuya concepción de lo expositivo retaba los cánones de la ortodoxia. Las tres artistas aprovecharon Foku como espacio para retar su práctica de alguna manera y las tres se han servido de Foku para pensar, reorganizar o redireccionar su práctica artística. Es por estas cosas que merece la pena trabajar en proyectos de este calado, mano a mano con nuestras contemporáneas.

El truco de un escapista descansa sobre un principio de percepción: la mirada no ve la realidad, sino la continuidad lógica que su mente da por supuesta. El escapismo funciona porque la persona espectadora lee el contexto como un hecho absoluto en lugar de como una construcción. Ha sido un placer para nosotras acompañar a Amaia en este reto.”

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Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Licenciada en Bellas Artes con especialidad en escultura en la EHU, su doble lengua materna, española y francesa, le permite siendo aún estudiante entrar en contacto y participar como asistente en producciones escénicas experimentales participadas por el Instituto Francés de Bilbao. Esta experiencia despierta su interés por las prácticas escénicas conceptuales, que empieza a desarrollar dentro del programa de Mugatxoan en Arteleku. Allí comienza a crear sus propias piezas, al tiempo que participa en creaciones y presentaciones de trabajo de artistas como Jérôme Bel, Xavier Le Roy, Ion Munduate, y Cuqui y María Jerez, entre otros. En 2012 abandona la práctica escénica y da comienzo a una metodología de trabajo propia en la que combina voz, texto y cuerpo. Entre 2017 y 2018 dirige, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres, el espacio Alkolea Beach en Donostia-San Sebastián. Su trabajo se ha presentado en contextos artísticos como Artium Museoa, MNCARS, Museo Guggenheim Bilbao, Bulegoa z/b, La Casa Encendida o Tabakalera, y también se ha mostrado a nivel internacional en espacios y festivales de Europa y América, como Les Laboratoires d’Aubervilliers, Art Nomade o el 45 Salón Nacional de Artistas de Bogotá. La de Atoi es su primera exposición individual.

Tractora Koop. E. es una cooperativa de artistas fundada en 2013 como herramienta para la producción de los proyectos de sus socios, un grupo de amig⌁s que participaban en los trabajos de un⌁s y otr⌁s de forma habitual. La cooperativa, en tanto persona jurídica, nació con vocación de infraestructura. Su forma societaria se tomó prestada de las cooperativas de camioneros; su nombre, Tractora, es un homenaje a ellas. En sus trece años de vida, Tractora ha traccionado numerosos proyectos que han dado como frutos en una gran variedad de disciplinas. A partir de 2018 la actividad inicial de la cooperativa se ha expandido a la producción de proyectos colectivos, en los que participan sus distintos miembros y de los que nacen varias líneas programáticas: la revisión de trayectorias artísticas afines con proyectos a largo plazo (como Landa Lan: A Documentation of Darcy Lange), una editorial (-zko), una plataforma de catalogación y difusión de publicaciones de artista (Sistema Eragilea) y la puesta en marcha de un grupo de autoformación colectiva sobre el cine de artista (Kinu). En 2021 abre las puertas de Atoi, desde donde desarrolla los programas de Barrunbe, Kinu y Foku.

Diseño de producción: Ainara Elgoibar y Usue Arrieta Otaola | Asistencia en la producción y coordinación: Marina Arranz |

Estudio de grabación: Audio Gela |  Edición de sonido: Ibon Aguirre | Servicio técnicos de sonido: Musique Bilbao | Asesoramiento sobre arquitectura: Irati Burgués | Diseño gráfico: Maite Zabaleta | Servicio de impresión: Gráficas Lorea | Sellos publicación: Caucho Exprés | Taller De boca a oído: Olaia Aguayo, Leyre Arraiza, Minois Bachtsetzi Markidou, Jaione Beroiz Poza, Aina Bullón, Malen Diaz, Nazario Díaz, María Goirigolzarri, Verónica O’Farrell, Maialen Olite Baztan, Clara Ovejero | Textos críticos: Ainara Elgoibar | Edición textos críticos: Usue Arrieta | Bibliografía: Marina Arranz | Traducción al euskera: Aiora Jaka | Traducción al inglés: Ainara Elgoibar | Diseño web: ODD | Programación web: Marià Codina | Digitalización y edición de documentación bibliográfica y alimentación de bases de datos Foku.info: Inés G. Asensio, Nuria Pérez García, Valentín Ramos, Ane Solís, Sara Vega | Cesión de documentación bibliográfica: Alkolea Beach, Arteleku, Artium Museoa, Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, BAD, Bulegoa z/b, Blanca Calvo, Caniche Editorial, Crystal Mine, Consonni, Juan Domínguez, Eremuak, fluent, La Casa Encendida, La Fundición Aretoa, Mugatxoan, Ion Munduate, MUSAC, R.B. Jérôme Bel, Tabakalera, Zarata Fest | Eskerrik asko denoi.

Foto de David Hornback.

Requiem por Lorca | 15-18 de octubre en Granada

Réquiem por Lorca, el homenaje definitivo al poeta en el 90 aniversario de su asesinato
y en su propia tierra

Una obra en cuatro actos y cuatro días concebida como pieza a gran escala para los habitantes de Granada, y promovida por la Fundación Federico García Lorca. Contará con medio centenar de artistas y agrupaciones artísticas: Rocío Márquez, Alberto Cortés, Ángeles Toledano, Cuqui Jérez, Antonio Ruz, Ángeles Mora, Guille Galván, Carmen Camacho, Joven Coro de la Orquesta Ciudad de Granada, Eric Jiménez, Mariona Sagarra, Soleá Morente o la Orquesta Ciudad de Granada son algunos de los nombres que conformarán este Réquiem.

El caligrama Rosa de la muerte (1934), escrito por el propio Lorca, conduce este canto colectivo y da nombre a cada una de las jornadas. Un recorrido en doce ubicaciones seleccionadas entre los espacios más emblemáticos de la ciudad como el Museo Casa de los Tiros, la Catedral de Granada, la Plaza de las Pasiegas, el Corral del Carbón, la Corrala de Santiago, La Madraza, el Centro Federico García Lorca o la Alhambra.

Con obras creadas exprofeso para este irrepetible evento de duelo, memoria y esperanza y bajo la dirección artística de Maral Kekejian y Pep Olona, la propuesta refleja la trascendencia artística y poética de Lorca, protagonista en el 90º aniversario de su muerte junto a la propia ciudad de Granada gracias al respaldo de Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, a través de la Secretaría de Estado de Memoria Democrática y del programa España en libertad. 50 años; el Ministerio de Cultura; la Fundación “la Caixa”; el Ayuntamiento de Granada; el Centro Federico García Lorca y Acción Cultural Española. El proyecto cuenta además con el apoyo del Festival de Granada, la Catedral de Granada y el C. C. Arzobispado de Granada, la Orquesta Ciudad de Granada, la Universidad de Granada /La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea, la Junta de Andalucía a través de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, y el Patronato de la Alhambra y Generalife, entre otros.

Réquiem por Lorca es la segunda pieza de una trilogía curatorial que comenzó en Madrid en 2024 y que se cierra en 2027 con su tercera entrega, Réquiem al exilio, en la Feria del Libro en Español de Nueva York, con motivo del centenario de la Generación del 27.

Noventa años después de su muerte, proponemos hacer un funeral público en su ciudad natal. Del 15 al 18 de octubre de 2026, la ciudad es escenario de Réquiem por Lorca, una pieza de gran escala que fue gestada como canto colectivo a la pérdida, un acto de memoria compartida, reparación pública y celebración del duelo a través de las artes vivas, la literatura y la música.

Articulado por Maral Kekejian y Pep Olona por invitación de la Fundación Federico García Lorca este réquiem contemporáneo se entreteje en cuatro actos, uno por día, en base a los cuatro versos que fundamentan el caligrama Rosa de la muerte, creado en 1934 por el poeta y que será el responsable de simbolizar la memoria hecha presencia compartida en doce de los espacios más emblemáticos y representativos de Granada. Con piezas creadas para la ocasión, el programa de Réquiem por Lorca se encadena en la continuidad narrativa de su caligrama y proponen a la ciudad, a sus ciudadanas y ciudadanos y los visitantes, el papel coprotagonista.

Cuatro jornadas que, desde su primer acto, dedicado al llanto, hasta la esperanza del domingo tras el dolor y la pérdida, reúnen a medio centenar de artistas y colectivos que han participado en las diferentes piezas creadas exprofeso para este Réquiem concebido como una sola obra en cuatro actos, —agua para tu amor, tierra para tu alma, fuego para tu ceniza y aire para tu boca— anunciada cada día con el tañido de las campanas de la ciudad.

Artistas como Rocío Márquez, que abrirá el programa con AY, una pieza que ha creado para una voz construida en torno al “ay” lorquiano y el quejío, Soleá Morente, que protagonizará La Llorera se suman a otros nombres de la música como Eric Jiménez de los Planetas, Guille Galván —guitarrista y letrista de Vetusta Morla o Ángeles Toledano, una de las voces más importantes del panorama flamenco actual.

También artistas de otras disciplinas, como las voces e interpretación de las poetas Ángeles Mora, Erika Martínez, Sara Torres o Sara Molina Doblas; artistas de la danza y las artes escénicas como Antonio Ruz -coreógrafo, Premio Nacional de Danza 2018-, Ana Buitrago, Sergi Fäustino o Alberto Cortés.

Este Réquiem da gran protagonismo al tañido de las campanas, con la recuperación de los toques manuales perdidos de la ciudad, y que harán sonar cada día tres jóvenes de la ciudad, conocidos como los Campaneros de Granada. A su vez, gran parte de las piezas se orquestan en base a una gran presencia coral, con más de 400 voces conformadas por el Coro de la Orquesta Ciudad de Granada, Coro Ciudad de Granada, Joven Coro de la OCG, Coro Nubah o la Coral Polifónica de la Basílica San Juan de Dios.

Réquiem por Lorca es el segundo capítulo de una trilogía iniciada en 2024 con un primer Réquiem en Madrid, construido en torno a la composición de Mozart e interpretado por artistas contemporáneos españoles en el marco del Festival POETAS, con la colaboración del Ministerio de Cultura y La Casa Encendida.

Una obra en tres tiempos construida entre Maral Kekejian y Pep Olona y que ahora se configura en torno a la figura de Federico García Lorca junto a su Fundación, en torno al concepto de réquiem y a la convicción de que la creación artística contemporánea puede habitar la memoria colectiva y la reparación pública, y que el espacio público es el lugar natural donde esa memoria se hace cuerpo.

Una segunda entrega que se produce gracias al respaldo principal del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, a través de la Secretaría de Estado de Memoria Democrática y del programa España en libertad. 50 años. Ministerio de Cultura, a través del Centenario de la Generación del 27; la Fundación “la Caixa”; el Ayuntamiento de Granada, a través de GEGSA y de Granada 2031, Ciudad Candidata a Capital Europea de la Cultura; el Centro Federico García Lorca y Acción Cultural Española (AC/E).
El proyecto cuenta además con el apoyo del Festival de Granada, la Catedral de Granada y el Centro Cultural Arzobispado de Granada, la Orquesta Ciudad de Granada, la Universidad de Granada a través de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea, la Junta de Andalucía a través de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, el Patronato de la Alhambra y Generalife, el Colegio Mayor Santa Cruz la Real y Covirán, Kripta y Campos de Granada.
Su último capítulo, Réquiem al exilio, llegará en 2027, acogido por la Feria del Libro en Español de Nueva York, con motivo del centenario de la Generación del 27.

Doce ubicaciones, una obra única y cuatro actos: Así es el Réquiem por Lorca

Acto I — Agua para tu amor. Jueves 15 de octubre. Desde distintas disciplinas artísticas, el Introito de este ruego coral por la memoria, explora el llanto a través de distintas formas artísticas en un lamento colectivo. La primera nota sonará a las cinco de la tarde, con el histórico toque de riego de la mano de los Campaneros de Granada, el colectivo responsable de recuperar el toque manual desde la Ermita de San Sebastián y del Convento de San Bernardo de Granada.

Una tradición que dará paso a Rocío Márquez, que en cuatro pases entre las 18:00 y las 21:00 horas, será la protagonista de AY, una acción sonora y performativa para una voz en el Museo Casa de los Tiros. Su voz, ganadora de la Lámpara Minera del Festival del Cante de las Minas (2008), primera artista española reconocida en Les Victoires du Jazz por un álbum de músicas del mundo y autora de Tercer cielo (Premio Ruido 2022) y Himno vertical(Premio MIN 2026 al Mejor Álbum de Flamenco), construye esta obra única en torno al “ay” lorquiano y el quejío, con tratamiento de voz de Javi Mora.

En paralelo, será la Corrala de Santiago la ubicación para disfrutar de los dos pases de Lacrimosa. Esta pieza es un desarrollo de la Lacrimosa de Mozart, en ocasiones interpretada de manera reconocible con el theremin por Javier Díez Ena y en otras ocasiones extendida en interludios electrónicos de invención sonora a cargo de Javi Álvarez, haciendo del aire un espacio de memoria.

La noche cierra la programación de su primer día a las 22.00 horas en el Centro Federico García Lorca con La Llorera en un encuentro catártico y ciudadano que reunirá a artistas y músicos de Granada con un repertorio conocido y en un encuentro distendido para cantar a pleno pulmón melodías inolvidables y estribillos legendarios. Una pieza creada por el músico Adriano Galante, y que contará con varios músicos de la ciudad, como Soleá Morente, hija del maestro Enrique Morente, y cuya carrera solista ha buceado entre el flamenco, el indie, el pop y la electrónica y cuyo último álbum, Sirio B (2025), consolida su apuesta por el mestizaje entre raíz flamenca y pop electrónico.

Un primer acto de Réquiem que, desde el gemido compartido entre ciudadanía, músicos y cantantes, celebra el dolor como gesto de comunidad.

Acto II- Tierra para tu alma. Viernes 16 de octubre. El viernes, el segundo acto, el de la tierra y las raíces, es el dedicado a la voz, la del poeta y la Granada que llora a su poeta y a todas las víctimas de la guerra. Un lamento de larga tradición mediterránea y que interpretado de manera coral recoge las emociones del duelo y la pérdida.

Bajo la dirección y acompañamiento de Ramón Rodríguez, historiador y músico integrante del dúo de música tradicional Fandila, personas que forman parte de colectivos en riesgo de exclusión social y que apoyadas por las asociaciones CESAL, Fundación Don Bosco y Granada Acoge, componen e interpretan su propia canción colectiva sobre la pérdida de la migración y el desarraigo, inspirados en el proyecto internacional Complaint Choir. El Coro de Lamentaciones tendrá lugar en tres pases entre las 17:00 y las 19:00 al aire libre, en la Plaza de la Universidad.

En paralelo desde las 17:30, el Colegio Mayor Santa Cruz la Real será el emplazamiento para Despedida, una pieza creada desde el poema homónimo de Lorca e interpretada por la coreógrafa y artista granadina Ana Buitrago, junto al creador escénico Sergi Fäustino. Buitrago, mantiene una larga trayectoria en danza contemporánea, creación propia, colaboración e improvisación, con investigación sobre percepción, cuerpo, improvisación y política de la mirada. Fäustino es uno de los creadores imprescindibles de la escena contemporánea nacional, su investigación sobre el cuerpo, el cansancio y los límites físicos atraviesa de manera continuada su trabajo de los últimos 10 años con una profundidad, compromiso y coherencia difíciles de encontrar en el panorama actual.

El segundo acto culminará en la Plaza de las Pasiegas con los dos pases de Yo canto para luego, a las 20:00 y 22:00 horas. La pieza, compuesta por Guille Galván, es una de las grandes producciones de este Réquiem, con la musicalización del Llanto por Ignacio Sánchez Mejías en cuatro partes, cantadas por más de doscientas voces. Galván es guitarrista y letrista de Vetusta Morla, y cuenta con Premios Ondas, UFI y Ojo Crítico de RTVE, varias nominaciones al Latin Grammy y acaba de publicar su primer álbum en solitario, Nadie con ese nombre vive aquí. En esta obra, ha querido entablar un diálogo entre el pop, la Lacrimosa de Mozart y algunos sonidos arraigados de la ciudad, para que doscientas voces de Granada suenen junto a una larga lista de artistas invitados: Alonso Díaz como director musical; Ángeles Toledano y Miguel García Cantera como solistas; Sara Molina junto a la vieja grabación del Llanto de Paco Rabal como narradores, Antonio Ruzen la dirección de movimiento; Héctor Eliel Márquez, Encarni Rodríguez Torres y Juan Ignacio Rodrigo Herrera en la dirección coral; con Benito Bernal (guitarra), Álvaro Domínguez (arreglista), Paz Sabater (piano) y Eric Jiménez (percusión). Junto a los coros Ciudad de Granada, la Coral Polifónica de la Basílica de San Juan de Dios y el Joven Coro Orquesta Ciudad de Granada, Yo canto para luego es la llamada a la memoria de todas las víctimas civiles de la guerra que, desde la Plaza de las Pasiegas, buscarán un gesto colectivo de memoria.

Acto III — Fuego para tu ceniza. Sábado 17 de octubre. El fuego trae al sábado el momento para la ceremonia del recuerdo y la despedida que se despliega en tres espacios esenciales de la ciudad de Granada en tres cantos diferentes: La Madraza, el Corral del Carbón y la Catedral.

La Madraza será el lugar para asistir a cualquiera de los tres pases de El Cant de la Sibil·la; declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO e interpretado por Mariona Sagarra y el Coro Nubah de Granada, con la dirección de Alberto Palacín. Sagarra, cantante, compositora, pedagoga y terapeuta vocal nacida en Barcelona, investiga la voz, la poesía, la composición y la experimentación vocal, y ya fue la voz que interpretó el rol de Sibil·la en el festival POETAS 2022.

El Corral del Carbón acogerá Re-Petición, en tres pases entre las 17:30 y las 19:30h. Una exploración de la repetición como eco que vacía y se cobija en la palabra, creada e interpretada por Carmen Camacho y Rocío Márquez, quienes definen su pieza como la historia que no deja de repetirse más y más hondo y ahora, más rápido.

La noche acabará en la Catedral de Granada con Llanto & Réquiem -, la obra que encadena el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías de Lorca y el Réquiem en Re menor, K. 626 de Mozart. Las dos grandes obras sobre la pérdida que el tiempo ha tornado imprescindibles y a los dos artistas que, separados por dos siglos, están unidos en la búsqueda de encontrar un lenguaje para lo que no se encuentra consuelo. Unidas en la penumbra por la  voz invisible de Alberto Cortés, creador, intérprete y escritor andaluz cuyo lenguaje escénico navega entre el teatro contemporáneo y la performance.

Un final del tercer acto que llega en dos lenguajes y una misma despedida, con la música de la Orquesta Ciudad de Granada y el Coro de la OCG bajo la dirección de Lucas Macías, director artístico de la OCG desde 2020, y Héctor Eliel Márquez (dirección coral) en la interpretación del Réquiem de Mozart junto a un gran coro comunitario.

Acto IV — Aire para tu boca. Domingo 18 de octubre. El cierre del domingo, que se representará en la mañana, está dedicado a la liberación tras el duelo, a la esperanza, a la memoria que honra y que da fuerzas. El último verso del caligrama Rosa de la muerte, que tras el agua, la tierra y el fuego, nos trae aire, como aliento que queda cuando el dolor se convierte en memoria y la pena en amor.

La primera pieza, desde las 10:30, será Poetas en El Carmen de los Mártires, una lectura de ocho poetas andaluces que reflexionarán sobre la vida y la muerte desde el verso lorquiano. Un recital con las voces de Alberto Cortés, Ángeles Mora, Coro Nubah, Erika Martínez, Juan Andrés García Román, Luis Melgarejo, María Eloy-García, Rosa Berbel y Sara Torres.

El programa tendrá su última entrada a las 12:30h, con Campanas por el Poeta. Sobre la grabación homónima de Enrique Morente (Lorca, 1998), creada para el centenario del nacimiento de Lorca. El final del Réquiem por Lorca se despliega en una coreografía pirotécnica de humos de color que será visible desde distintos puntos de la ciudad junto con el tañido de las campanas de seis templos de Granada. Una pieza excepcional que suma a la voz del desaparecido Morente, la coreografía de Cuqui Jerez, la pirotecnia de Vulcano, la estrategia urbana de Elii y la música de los campaneros de Albaida y los campaneros de Granada. La ciudad teñida, desde el Mirador de San Miguel Alto en un cierre luminoso y sereno que quedará como gesto de recuerdo y respeto.

Más información: Requiem por Lorca

Del 14 de octubre al 18 de noviembre en Barcelona

Como un espejo que se precipita por la ventana, en este Sâlmon 2026 el punto de vista se hace añicos. El teatro se convierte en una cueva y, sumidos en la oscuridad, no se sabe dónde acaba la piel y dónde empieza el mundo. Cerrados y dormidos los ojos bailan para invocar todo lo que no es y el frágil espejismo de la realidad tiembla bajo el vasto influjo de lo que podría ser. La imaginación nos transporta a un lugar donde los sueños son compartidos.

Palabras, imágenes y sensaciones desdibujan los cuerpos hasta volver irreconocible su forma, origen y género. La alteridad es la costura precaria que mantiene la ilusión de la identidad. Basta con tirar del hilo para que brote un reguero de lentejuelas y cristales de colores.

La escultura, el cine, la coreografía, el dibujo, la performance, la poesía y la música se entrecruzan entre ellas una y otra vez hasta que resulta imposible nombrar lo que tenemos delante. Aunque la danza sigue aquí, fuera y dentro del escenario: un baile que es tanto una celebración como un cortejo y donde todas las formas de deseo son bienvenidas.

Contaremos con dos piezas míticas que han girado por toda Europa pero que nunca se han visto en Barcelona: “Light Years Away” de Edurne Rubio y “Labourer” de Madeleine Fournier; cuatro estrenos en Cataluña, dos coproducciones Sâlmon —Noela Covelo/Élise Moreau y Toni Hervàs—, una semana de talleres, perfos y conferencias sobre comunidades que sueñan y muchas más propuestas que se podrán ir descubriendo en el programa.

Quim Pujol

Programa completo e información.

El Festival Cuidar es Punk opera sobre la urgencia de reivindicar el espacio, el tiempo y el lugar para cuidarnos y descansar en tiempos de frenetismo impuesto. Cuidarnos construyendo vínculos fuertes, tejiendo relaciones que nos potencien. Cuidar es conspirar: respirar juntas y hacernos compañía. Cuidar es Punk nos sitúa en la interdependencia, en el reconocimiento de una vinculación mutua a través de la cual nutrimos nuestro sentido como comunidad.

Esta primera edición, el Festival Cuidar es Punk, comisariado por hablarenarte, se articula desde una invitación cómplice a Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, recuperando una trayectoria y experiencia en común a partir de la Cumbre de Sanadoras, espacio de sanación colectivo llevado a cabo en el espacio Planta Baja de la asociación, en 2023.

Tendrá lugar el 11, 15 y 16 de octubre, con la siguiente programación:

Una multitud de amantes bailando, nunca puede perder
Escucha sonora con Magui Davila aka Las lindas pobres y Fefa Vila

• Fecha: 11 de octubre de 2026 a las 13:00 h
• Lugar: C.A.L.A (Club Atlético Lxs Amores) Calle Antonio Vicent 24 (puerta garaje)
• Entrada libre hasta completar aforo

A Magui Dávila (aka) Las Lindas Pobres y a Fefa Vila les une la amistad y la fuerza. Ambas son doctoras en cuidar desde el amor, la rabia, la enfermedad y la lucha. En Cuidar es Punk compartirán un espacio de prueba y acción sonora donde poder soñar ruidos, palabras y miradas.

La vía láctea, performance de María García Vera

• Fecha: 15 de octubre de 2026 a las 19:00 h
• Lugar: Infinito Delicias (Auditorio)

”En un contexto en el que imaginar alternativas a nuestras formas de vida y de producción parece cada vez más difícil, me pregunto cómo dar un primer paso que active otra dirección, por pequeña que sea.”

La vía láctea es una conferencia performativa que gira en torno al concepto de inicio: el inicio de un proceso, de una acción, de un camino. María se plantea cómo dar un primer paso que active otra dirección.
La pieza se construye como una acumulación de comienzos y una pregunta ¿cómo permanecer en el momento en que algo nuevo aparece cuándo vamos tan acelerados que no podemos permanecer?

Entrada gratuita con inscripción aquí.

El Cuarto Encuentro de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol en colaboración con Alessandra García.

• Fecha: 16 de octubre de 2026 a las 19:00 h
• Lugar: Infinito Delicias (Auditorio)

Alessandra, Jorge y Guillem nos invitan a conspirar juntas y darle forma a esta ceremonia para conectar con la ilusión y la alegría como estado poderoso de transformación: trabajando desde las políticas del entusiasmo a partir del cuerpo y estrategias de autoficción para generar una dramatúrgia del compartir. El Cuarto Encuentro está lleno de contagios, trata de navegar un sostenimiento colectivo frente al estado exhausto.

Jorge y Guillem son pareja desde hace casi 20 años y trabajan, desde las artes vivas, con el cuerpo, la voz y el lenguaje, por y para la apertura de las conciencias, la evolución y la sanación. Alessandra García es creadora, performer, gestora, agitadora, programadora, sostenedora, acompañante y compaginadora de todo.

Entrada gratuita con inscripción previa: aquí.

El Festival de la Cuidar es Punk cuenta con el apoyo de la Ayuda a festivales y ferias culturales 2026-2027 del Ayuntamiento de Madrid.

Artistas:

Alessandra García. Creadora y performer. Su línea de trabajo corresponde al teatro participativo, relacional y las artes vivas. Creadora y comisaria de la performance colectiva Vulva y artífice de la pieza Patrimonio dentro del proyecto #Portals de Shared Studios entre Málaga y San Francisco. Compagina su trabajo artístico con la programación de las artes escénicas y música de la Universidad de Málaaga Contenedor Cultural. Actualmente gira con su última pieza en solitario Mujer en cinta de correr sobre fondo negro.

Fefa Vila Núñez, doctora en sociología y antropología con Tósigo, Deseo y Revuelta. El Madrid cuir de los 90. Es profesora de sociología en la UCM. Promotora del grupo de acción y creación cuir LSD en la década de los noventa. Desde hace tres décadas compatibiliza su actividad como docente e investigadora con la investigación cultural, la escritura, la creación artística, el comisariado y la producción cultural independiente queer-feminista, donde la articulación deseo-memoria-archivo han sido ejes fundamentales en toda su trayectoria.  En este campo sus trabajos han sido, entre otros muchos: la dirección de la investigación para el MNCARS, ¿Archivo queer? (2011); la dirección artística del programa El porvenir de la revuelta. Memoria y deseo LGTBI-Q (2017), el comisariado, Con-Tacto: Políticas y poéticas de la tocabilidad (UMH, 2021), y la reciente performance “Me aCUIRdo” (Ministerio de Memoria Histórica, 2026).

Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol son pareja de reconocidos artistas escénicos, performers, coreógrafos, de amplia trayectoria profesional -internacional- y vital, centrados – periféricamente- en abordar diferentes temas y medios como lo corpóreo, la voz, el lenguaje, para, a través del arte, fomentar la apertura de las conciencias, la evolución y la sanación de diferentes colectivos.

Magui Dávila (aka) Las Lindas Pobres. Nacida y criada en la Patagonia Austral. Trabaja con autoedición, entre la investigación y la creación artística a través de la imagen, el cuerpo y el sonido, explorando formas de hacer política a través de la música electrónica techno m4rr0n. Doctorada en Estudios Artísticos, Literarios y Culturales en la UAM (2022) con un texto a punto de publicarse por el sello TraTraTrax. Curadora de programas sonoros como Sonido por fricción en Intermediae Matadero, Manuales de Reparaciones / Soném en MACBA o ArcoParty en el Museo Reina Sofía. Creadora de La ficción de la maleta de discos, un programa de radio en Radio Relativa y La Casa Encendida Radio, donde cuento historias performativas de música electrónica desde una maleta feminista marrón. Actualmenteclases e imparte clases en la Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología (UDIT) de Madrid donde se dedica también a la investigación y desarrollo científico.

María García Vera. Performer y creadora. Desarrolla proyectos en la intersección entre el teatro, la danza y las artes visuales a menudo atravesados por el humor y la relación entre cuerpo, palabra e imagen. Es co-directora de la Compañía de Artes Escénicas Los Detectives, cuyas obras Kopfkino (2016), Pienso casa Digo Silla (2019), Concrete Matter (2022) y Les Chevaliers, Capítulo 1 y 2 se han estrenado y presentado en teatros, festivales y museos nacionales e internacionales. En paralelo trabaja como intérprete en artes escénicas, performance y cine.