— MuroTRON

Lluís Garau – 19 de febrero en La Madraza 

En un chalet de una urbanización situada a unos 30km de Terrassa, encontramos a Ferran. Vive con sus padres, propietarios de una carnicería. Hace dos años que Ferran pasa los días en el sótano de su casa y ha convencido a todo el mundo que se gana la vida haciendo de gamer, pero en realidad, el dinero lo consigue con los vídeos porno y las videollamadas sexuales que hace con sus clientes. Su principal canal es OnlyFans, pero todo empieza con DirtyRoulette.

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Lluís Garau (Sa Torre, Mallorca, 1997) es un artista performer, director de escena y graduado en interpretación por el Institut del Teatre. Su obra se centra en el uso de webcams y conversaciones con desconocidos a través de un chat de Internet. Su creación más reconocida, La Carn (2022), ha obtenido el Premio Óscar Wilde en el International Dublin Theatre Festival. Esta pieza ha sido presentada en festivales como el Sziget Festival de Budapest, el Festival Rosa de Bogotá y el Queer Festival de Lisboa, así como en salas nacionales como el Teatro del Barrio (Madrid) y el Teatre Mar i Terra (Mallorca). Actualmente, La Carn se está transformando en una película, prevista para 2025, que combinará documental y ficción.

Marina Otero – Del 20 de febrero al 1 de marzo en Réplika Teatro

El amor me enseña a no amar.

Aiub. Ioug. Ayub. Ainou. Aiou. Tuve la misma dificultad para pronunciar su nombre árabe, que para entender que nuestro amor no era posible en un mundo imposible.

Este nombre vino a destruir, de algún modo, mi occidente. Inicialmente, este proyecto tenía el propósito de salvar a un hombre que se encontrara en una situación vulnerable, y que ese hombre me salvara a mí de la soledad. Hice un viaje a Tánger (Marruecos) para buscarlo, casarme con él, darle mis papeles de sudaca europeizada y hacer una nueva obra a partir de eso. Pero apareció Ayoub y el proyecto se desplomó. Su nombre (“el retornado” o “el arrepentido”) es muy popular en los países islámicos: 115 niños así llamados fueron asesinados por el estado sionista de Israel en la franja de Gaza.
Por esos muertos le pongo tu nombre a esta obra que habla de ti, de colonialismo, de Palestina. Y de todo lo que quiero matar dentro de mí.

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Marina Otero nació en Buenos Aires en 1984. Actualmente reside en Madrid.
Es directora, intérprete, autora y docente. Crea el proyecto Recordar para vivir, basado en construir una obra inacabable sobre su propia vida. Andrea, Recordar 30 años para vivir 65 minutos, Fuck me, Love me y Kill me forman parte de este proyecto eterno que acabará el día de su muerte. Sus espectáculos han recorrido el mundo, presentándose en Alemania, España, Italia, Francia, Suiza, Portugal, Singapur, Dinamarca, Bélgica, Austria, Grecia, Polonia, Países Bajos, Israel, Sarajevo, Perú, Chile, Colombia, México, Brasil,Uruguay, Australia y Argentina entre otros países. Con la obra Fuck me obtiene el Premio del público ZKB -Theater Spektakel 2021 – Zürich. Con Recordar 30 años para vivir 65 minutos gana el premio a la Mejor Dirección en Danza en la Bienal de Arte Joven 2016 (Buenos Aires). Con 200 golpes de Jamón serrano obtiene el premio Estrella de Mar (Mar delPlata).Con la obra Kill me ganó el primer premio a mejor obra coreográfica de la temporada francesa 2024-2025 (Prix de la Critique), entregado por el Sindicato de profesional de la Crítica de teatro, música y danza. Como docente, coordina talleres y seminarios de creación. Sus propuestas pedagógicas han sido recibidas en Argentina, Francia, Polonia, Países Bajos, Perú y España.

Selam Ortega y Javier Pedreira – 18 de febrero en Santa Mònica 

Partiendo de la idea de la imposibilidad del silencio (John Cage), la pieza propone una escucha radical y colectiva en la que cuerpos, sala y sonido se funden en una misma materia.

Esta intervención forma parte de una investigación que Selam Ortega está desarrollando para su nueva obra escénica, para la que está entrevistando a personas adoptadas originarias de Etiopía en distintos países y generaciones. Voces y memorias que, aunque profundamente personales, comparten una raíz común atravesada por el desarraigo, la transformación y la búsqueda de identidad.

La obra entiende la memoria como materia escénica y emocional, y pone el foco en la distancia entre lo vivido y su reconstrucción posterior. En ese intervalo, la escena se convierte en un espacio de escucha activa y presencia compartida, donde cada cuerpo y cada resonancia participan de un mismo pulso.

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Young Boy Dancing Group – 6 y 7 de marzo en Teatros del Canal 

A lo largo de los últimos años, YBDG ha explorado el vídeo, la fotografía, la moda, la escultura y la instalación, aunque se les conoce principalmente por sus presentaciones íntimas, en las que la materialidad de los cuerpos se fusiona con la etereidad de la luz.

A medida que esta frágil brigada se expande y contrae, incorporando nuevos artistas en cada lugar, mantiene inalterables sus valores fundamentales, que actúan como un firme contrapunto a la cultura dominante.

El colectivo renuncia a titular cada performance de forma individual y prefiere designar sus trabajos por el año en que se presentan.

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Pau Masaló – De l’11 al 22 de febrer

Un cotxe és un diàleg entre un creador d’arts escèniques i un Renault 21. És un encontre entre dos vells amics en hores baixes. L’R21 representa el paradís perdut de la infància del creador però, al mateix temps, és una icona del creixement econòmic de finals dels vuitanta i principis dels noranta i un clar exemple que el vehicle de combustió d’ús particular ha configurat l’imaginari social i econòmic des de mitjans del segle XX.

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Cris Blanco – Del 5 de marzo al 9 de abril en el CDN

En 2008 alguien me mintió estrepitosamente y desde entonces he vivido horrorizada y fascinada a partes iguales con la mentira. Siempre me ha interesado la línea entre la realidad y la ficción pero desde hace unos años… espera… ¿Eso me pasó a mí o a otra persona? Pasó hace muchos años, no lo recuerdo con claridad…

De repente estas líneas se vuelven borrosas, una niebla espesa empieza a cubrirlas y ya solo pueden verse algunas palabras… Mentira… línea… espera…

Tienes que apartar el humo con la mano para seguir leyendo la sinopsis.

Parece que lo consigues porque puedes ver las siguientes frases: ¿Me pasó a mí? ¿No me lo contó esa actriz miope? Las palabras se vuelven a desvanecer en el fondo blanco, están demasiado en cursiva, a punto de tumbarse… entre eso y la neblina no consigues ver bien la sinopsis… ¿De qué va esta obra? Te preguntas…

Con gran esfuerzo llegas a ver algunas palabras y frases: «…gran desconfianza…», «…esa zona del escenario es mejor no pisarla…», «…no veo bien…», «…es más fácil imaginar el fin del mundo…».

Mientras descifras estas frases, ¡algo parece arrastrarse detrás de ti! te giras y no ves nada. Vuelves a mirar este texto y… Un momento… ¿Cómo sé yo todo esto? ¿De hecho, quién soy yo? ¿Quién está escribiendo este texto? ¿Has asumido que soy Cris Blanco, la autora de Casi ninguna verdad? Quizá es mejor no fiarse de las apariencias.

Cris Blanco

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20 de febrero en el MACBA

Poeta, músico, actor y pionero del spoken word, Saul Williams ha redefinido el género nutriéndolo de referencias al pensamiento político negro y sus luchas, la espiritualidad ancestral africana y la imaginación futurista. Con la misma intención subversiva, el colectivo Jokkoo, con base en Barcelona pero con raíces en el continente africano, desafía los límites entre géneros y explora las posibilidades del arte como herramienta de resistencia y afirmación de las afrodiásporas. Como cierre del proyecto Black Urbanities, celebramos a través de la palabra y el sonido la vitalidad de la cultura panafricana y sus diásporas globales hoy.

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7 de febrero 

¿Qué significa hoy coexistir en una realidad que roza lo irreal?
¿Puede el caos adoptar las formas de un nuevo mañana?
¿Puede la imaginación abrir una brecha en las urgencias?

In the name of darkness, magic and vulnerability es una llamada a ejercitar la capacidad de imaginar más allá, de hacer brotar futuros de la oscuridad sideral. Es un proyecto de coreografía, sonido y escritura que surge de una investigación sobre la imaginación subversiva y la coreografía del azar. Se presenta como un dispositivo coreográfico inmersivo en el que componer la escena y la danza desde dentro y que anima a percibir en las pausas, en la oscuridad, volcando lo invisible en lo visible y jugando con lo aleatorio.

…como si estuvieras viendo una fiesta extrema que se desarrolla en lo invisible, en secreto… y también se pueden ver los efectos de esa fiesta: desintegración, descomposición, florecimiento, transfiguración, goteo, coqueteo, relaciones, sangrado, alucinación, fluidos…

In the name of darkness, magic and vulnerability es una propuesta de ejercicio colectivo de reencantamiento para reactivar el potencial fluido y mutante de la existencia.

Esta obra ha sido producida con la asistencia financiera de la Unión Europea. las opiniones expresadas en el presente documento no pueden considerarse en ningún caso como reflejo de la opinión oficial de la Unión Europea.

Michela Depetris, (she/her)_autora, intérprete, investigadora, educadora_Vive en Torino (Italia) y trabaja en contextos performativos con lenguajes híbridos entre coreografía, escritura, performance, vídeo, sonido e instalaciones participativas, situando su investigación en un campo abierto y mixto en el que cada medio conduce al cuerpo y a una visión expandida de la coreografía. Diseña dispositivos coreográficos como potenciales detonadores de micro revoluciones efímeras, cápsulas performativas que invitan a una dimensión de soft psicodelia con objetivos subversivos.

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Andoni Zamora Txakartegi – 11 de diciembre en Emedeene

Las Torres en Llamas es una lectura perfomativa que surge a partir del proceso de investigación y rodaje del cortometraje realizado en la torre de entrenamiento de bomberos de Garbera. Este tipo de edificaciones, destinadas a simular incendios y situaciones de emergencia, funcionan como escenarios donde el riesgo se repite y se reinicia cada día en forma de ejercicio. Aunque concebidas para la práctica técnica, en este trabajo su arquitectura revela una dimensión narrativa que trasciende su propósito funcional.

Las Torres en Llamas propone una aproximación íntima a un edificio que funciona como un espejismo, una arquitectura que se enciende y se apaga, que existe entre la práctica y la confesión, y que es reflejo de una realidad social.

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En este primer encuentro del Gremio de Digitalización, abrimos un espacio de conversación con Proyecto UNA para pensar juntas qué está pasando en y con las redes sociales hegemónicas. Nos preguntamos cómo se modela nuestra mirada, quién decide qué vemos y de qué manera, y por qué los discursos de odio se vuelven virales. También reflexionaremos sobre qué queda de nuestra autonomía en un ecosistema gobernado por algoritmos que operan lógicas tecnofeudales y por unos términos y condiciones de uso opacos e innegociables. Esta sesión quiere abordar, desde una mirada crítica, el tecnocapitalismo neoliberal que sostiene las plataformas privativas: la manipulación algorítmica, la censura automatizada y las políticas digitales que condicionan la visibilidad, el comportamiento y las relaciones en línea.

Reflexionaremos también sobre el tecnofeudalismo, un sistema en el que las grandes plataformas actúan como “señoríos digitales”, confrontando infraestructuras y capturando datos, tiempo e interacciones para convertirlos en rentas y posiciones de poder. Analizaremos cómo este monopolio de acceso afecta nuestra capacidad de acción y qué estrategias podemos imaginar para recuperar soberanía.

Será una conversación abierta y accesible para todas las personas con inquietudes sobre los entornos digitales: tanto para quien quiera comprender cómo funcionan los algoritmos como para quien busque herramientas para actuar, imaginar o construir otras formas de red posibles.

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