— MuroTRON

Jan Martens – 16 y 17 de marzo en el Mercat de les Flors

En este solo, Jan Martens se sumerge en el universo de una de las clavecinistas más importantes del mundo, Elisabeth Chojnacka, que contribuyó al renacimiento de este instrumento y que murió en 2017. Esta pieza es un retrato danzado con una banda sonora muy variada: una selección de la música que Chojnacka grabó a lo largo de sus cincuenta años de carrera, desde Nyman hasta Montague pasando por Ligeti, toda interpretada por ella misma. El objetivo es que la danza se mantenga fiel a unas partituras a menudo complejas. Martens «toca» su cuerpo de la misma manera que Chojnacka tocaba el clavicémbalo. Las piezas de danza del solo se complementan con fragmentos documentales en los que se narran la vida y la obra de Chojnacka con entrevistas a personas que le eran cercanas, entre otros documentos.

El coreógrafo y bailarín belga Jan Martens cree que cualquier cuerpo puede comunicar y tiene algo que decir. Con cada nueva pieza intenta redibujar la relación entre público e intérprete. Después de su primera creación, I can ride a horse whilst juggling so marry me de 2010, Martens realizó numerosos solos, duetos y obras grupales. Crea su primera pieza para gran escenario con Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones, una producción para diecisiete bailarines que se estrena en el festival de Aviñón y veremos en el Mercat. Es artista asociado de DE SINGEL en Anvers (Bélgica). La plataforma coreográfica GRIP, fundada por Jan Martens y la gestora empresarial Klaartje Oerlemans, produce y sostiene su propia obra.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/elisabeth-gets-her-way/. 

Del 3 de marzo al 12 de mayo en el CCCB

La voluntad del festival «Subsol» es dar cabida a propuestas que, por definición, quedan excluidas de los parámetros de la cultura seria y de la cultura «alta» o académica: marginalidad, outsiders, subcultura, baja cultura y arte lowbrow, de lo subterráneo a lo popular, en forma de tebeos raros, humor duro, música urbana o literatura proleta o populachera.

La tensión entre underground y populismo se plantea como uno de los motores vitales del proyecto: buscar la coherencia y los puntos en común entre lo-que-aún-no-conoce-nadie (porque no ha salido del barrio, o de la camarilla secreta; porque se está gestando en tiempo real; porque lo arrancamos de las catacumbas para subirlo a los escenarios) y lo-que-ya-es-popular-del-todo (porque ha logrado trascender barrio, género o adscripción estilística, y consigue superar divisiones de edad, clase o lugar para, dicho en vernácula, petarlo de manera masiva). Este es, finalmente, un festival que se define tanto por lo que rechaza como por lo que jalea: «Subsol» se opone a la museización, la ranciedad, la nostalgia, el elitismo y el clasismo y está a favor del populismo, la cultura juvenil, el extrarradio y la evasión. 

Comisariado por Kiko Amat.

Programa y entradas: https://www.cccb.org/es/ciclos/ficha/subsol-2022/238167. 

Spiritual Boyfriends de Núria Guiu
Azkuna Zentroa, 16 diciembre a las 19:00

La temporada de eszenAZ continúa en diciembre con Spiritual Boyfriends de la coreógrafa barcelonesa Núria Guiu, un solo que gira en torno a la relación cuerpo-poder. La representación se aborda a través de un lenguaje físico, visual y teatral, fusionando fronteras entre lenguajes, así como entre los términos autobiografía/realidad y ficción.

Tras su pieza escénica Likes, presentada en Azkuna Zentroa en 2019, sobre las redes sociales y el valor de los populares “me gusta” como reflexión sobre la era digital en la que vivimos, la artista vuelve al Centro con su nueva creación Spiritual Boyfriends.

Núria Guiu examina en este trabajo la práctica del yoga y la convierte en objeto de una investigación documental e iconográfica sobre la construcción histórica de posturas de yoga y de qué manera imponen a los cuerpos roles, normas y estructuras de poder al crear una cultura de la autodisciplina, la salud y la belleza. El yoga actual, a pesar de ser una práctica espiritual, no escapa de la capitalización del cuerpo a través de conceptos como la belleza, la salud y la industria de los objetos fetiches que giran alrededor de la auto-terapia.

Según la artista, «la digitalidad se cuestiona como un espacio de deseo, pero también de control, como droga y como psicotrópico colectivo, donde el alma (entendida en Internet como una entidad volátil, virtual e informativa) se libera de la materialidad del cuerpo y puede observar, tocar y manipular de manera omnipresente e invisible».

Núria Guiu se pregunta ¿qué papel juega Internet en relación con la inmaterialidad, el amor, el poder, las políticas neoliberales y sus técnicas de control y vigilancia social?

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/nuria-guiu-spiritual-boyfriends/

Fran Martínez y Elena Carvajal / 17 y 18 de diciembre en Teatro Pradillo

Quería que esta residencia se pareciese a un bosque oscuro, que es donde pasa todo lo bueno. Aproximar las prácticas relativas a tres procesos de creación simultáneos y permitir la contaminación, la suciedad y el contagio. Asumir de una vez que no tengo el control de lo que hago, en lugar de evitar a toda costa negar que estoy cagado de miedo la mayor parte del tiempo. Elena se apunta al plan y ya veremos qué pasa cuando nos pongamos la una frente al otro, desnudxs en este jardín nocturno.

“Yo y otro somos como dos círculos casi concéntricos, y que no se distinguen más que por un ligero y misterioso desencaje. “

Merleau Ponty en La prosa del mundo

Elena y Fran se conocieron en un intensivo de danza de verano en Portugal. A la segunda semana estaban más interesadxs en pasar tiempo juntxs que en bailar aquellas cosas imposibles para gente con mucha testosterona.

Fran estudió Arte Dramático en Vigo y Danza en Lisboa. Gracias al apoyo de Pasoa2 recibió la beca DanceWeb – Impulstanz Festival Vienna 2019. Ha tenido la oportunidad de trabajar con gente a la que admira y quiere, tanto como intérprete como co-creador, y también hace sus propias creaciones. Todas estas prácticas acompañan su curiosidad acerca del misterio de ser un cuerpo.

www.efepuntomartinez.com

Elena es bailarina y coreógrafa, graduada en el Centro Andaluz de Danza y en el Conservatorio de Sevilla y máster en Coreografía y Performance en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, ARBA-ESA, ISAC. Trabaja como creadora y performer con diferentes creadorxs y colectivos, desarrollando practicas colectivas que se deslizan entre la danza, las artes visuales y la escritura.

www.elenacarvajal.com

5, 6 y 7 de noviembre en Teatro Ensalle (Vigo).

La máquina de mirar era el nombre que recibía aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones. En la pieza The Watching Machine la máquina, es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza compuesta por pequeñas instalaciones donde se ficciona la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas. Una pieza para todos los públicos.

Ficha artística
Idea original e interpretación: Macarena Recuerda.
Creación: Miriam Ubanet, Ana da Graça, Jorge Dutor y Macarena Recuerda.
Iluminación: Miriam Ubanet y Ana da Graça
Música: Nieves Arilla, Elliot, Nico Roig, Roger Puig y Román Gil
Agradecimientos: Conchita Pons y Enara Aranbide
Fotos: Gorka Bilbao y Alexia Bombaci
Colabora: Gobierno Vasco, Festival BAD, Antic Teatre, EL Graner, La Fundicion Bilbao, Harrobia y Zentro Azkuna.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/the-watching-machine/?event_date=2021-11-05

Programación completa y entradas: https://www.escenapoblenou.com/

20 de septiembre en Azkuna Zentroa

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«Como actividad vinculada casi al cierre de mi exposición Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío, me parecía interesante hablar con otra artista para traspasar soportes físicos propiamente escultóricos y para romper con esquemas teóricos que parece siguen inamovibles o carecen de suficiente “sangre». A menudo, aspiro a colaborar intensamente con otras creadoras/es con los que me siento cercana siendo su trabajo muy distinto. Considero que una conversación entre dos “hacedoras» puede ser otra clase de dibujo incorpóreo. En esta exposición, la palabra que ha estado pululando más en el aire, como una especie de mantra es “cuerpo”, y en esa ausencia-presencia del cuerpo, en ese no acabar de entender qué significa “cuerpo”, pensé inmediatamente en La Ribot. Este es un encuentro experimental en donde se desvelarán aspectos creativos comunes: ausencia-presencia del cuerpo, repetición como estructura dúctil, re-interpretación del “aura”, acercamiento de la ironía a sus contrarios, des-ubicación de la forma, el espectador como material, moldear en el espacio un ente abstracto… En definitiva, cuestionar los discursos, las fórmulas, las narrativas, etc.»

Ana Laura Aláez

De Richard Mascherin y TR3STR3INTA

4, 5 y 6 en Teatro Pradillo

CAER CAER CAER

Una marcha procesional nos acompaña. La inevitabilidad de la caída. Un destino sin retorno. Un cuerpo vulnerable y poseído se enfrenta y se rinde a la fragilidad de la condición humana. Se entrega sin resistir a la deriva de una caída sin fin. ¿Por qué estoy arriba si he caído?

Me resulta inquietante trasladar la caída a la escena, esas caídas que tenemos en el día a día, las emocionales y las físicas. ¿De qué manera puedo encontrar la sinceridad y compartirlo desde ellas?
Pasando por muchos trabajos de alguna manera «la caída» ha estado presente en mi carrera como intérprete. Me di cuenta de que esto forma parte de mí, de cómo me mantengo y como traduzco mi alrededor. Grandes referentes me inspiran a seguir con este trabajo y que apoyan esta manera de transformar los límites establecidos. Me fascina el punto común entre la tragedia y el humor, relativizar algo que pueda llevar a atormentar, hasta llegar a una «superación de la risa y el dolor». Mostrar una perspectiva en la que todo continúa girando y cayendo, haciendo un paralelismo con la realidad que vivimos.
La idea de esta pieza surgió sobre todo en los alrededores de mi casa y del pueblo, buscando una manera de compartir desde la lejanía mis caídas durante el confinamiento.

ALIASING

¿Qué sucede cuando 30 segundos se dilatan hasta convertirse en 30 minutos? ¿De qué manera se puede llegar a entender el tiempo dentro y fuera de éste? Cronológicamente el tiempo corre siempre al mismo ritmo, sin embargo, el tiempo propio transcurre en compases diferentes. Este, por tanto, se convierte en una materia moldeable.
TR3STR3INTA propone a Sau-Ching Wong, Alfonso Riera y Adina L. Velázquez el desarrollo de una pieza cuyo punto de partida gira en torno a la dilatación del tiempo y las infinitas posibilidades que este concepto ofrece.

Richard Mascherin. S/C de Tenerife, 1992. Se forma en Madrid en el «Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma» graduándose con matrícula de honor en danza contemporánea. A la vez cursa cine general en la «Escuela de Cine y Teatro Metrópolis». Ha trabajado como intérprete para la «Compañía Sharon Fridman» entre 2015-2019 con las producciones «Free fall», «AllWays» y «Hasta dónde…?». Entre 2019-2020 trabaja para «La Veronal» de Marcos Morau en la obra «Pasionaria» y también para las compañías «Elías Aguirre, Full Time y El Amor Proyectos», entre otras. En estos últimos años navega haciendo sus propios trabajos en el que destaca «Valle de los 90» participando en el Certamen Coreográfico de Madrid siendo premiado con la Beca DanceWeb para nuevos creadores en ImPulsTanz y programación en Teatro Pradillo. CAER CAER CAER, su último trabajo, ha sido seleccionado por el Instituto Cervantes y Fiver Dance Film Festival para su programación «Cuerpos Confinados».

TR3STR3INTA es una plataforma cuyo objetivo es provocar encuentros interpersonales a través del cruce de 3 disciplinas: movimiento, sonido y vídeo. Impulsamos la experimentación, expansión y multiplicación de las posibilidades de cada campo, más allá de las estructuras jerárquicas habituales. Generamos espacios de diálogo colectivo y horizontal, haciendo énfasis en la idea de sortear las barreras geográficas y disciplinares mediante dos líneas de acción: online y offline. A través de un archivo web (@tr3str3inta) publicamos piezas audiovisuales de 30 segundos de duración creadas por grupos de artist3s. A su vez, tratamos de explorar las transformaciones del formato online fuera de la pantalla y del archivo, en la experiencia directa del plano físico y las posibilidades que esto ofrece (offline).

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