— MuroTRON

The Köln Concert de Trajal Harrell / Zürich Dance Ensemble | 22 y 23 de marzo en el Mercat de les Flors de Barcelona dentro de Dansa Metropolitana

El coreógrafo norteamericano Trajal Harrell soñó durante muchos años con poner en movimiento The Köln Concert, una improvisación para piano de Keith Jarrett que se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música clásica y del jazz. El espectáculo busca una vía para que las personas se encuentren a pesar de las diferentes lenguas, visiones del mundo o identidades. Nos recuerda la necesidad de estar cerca unos de otros y de no olvidar y respetar a los marginados, los solitarios, los adictos, los tristes, todos aquellos que plantan cara a su abandono con orgullo y belleza.

Harrell obtuvo reconocimiento mundial con la serie de obras Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church, y ahora es un invitado habitual en el circuito internacional de danza y artes visuales. El estilo de sus piezas es único, ya que combinan disciplinas coreográficas que pueden parecer muy distantes, como el vogue, la danza posmoderna o el butoh. Además, están impregnadas de fragilidad y humor. Desde el 2019 Trajal Harrell es director residente de la compañía de ballet de la Schauspielhaus de Zúrich.

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Kill me de Marina Otero | Del 19 al 23 de marzo en el Teatre Lliure de Barcelona dentro de Dansa Metropolitana

KILL ME es la continuación de LOVE ME (2022) y FUCK ME (2020), las tres partes incluidas dentro del proyecto Recordar para vivir, donde la danza multidisciplinar se combina con el documental y la performance, y en el que Marina Otero se propone presentar diferentes versiones de obras hasta el día de su muerte.

Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta, Otero empezó a filmar todo lo que hacía las 24 horas del día. Tras un diagnóstico psiquiátrico, colapsó y decidió convocar a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinski para hacer una obra que hablara de la locura por amor.

Actualmente residente en Madrid, la directora, intérprete, autora y docente Marina Otero (Buenos Aires, 1984) ha presentado sus piezas en países como Alemania, Francia, Italia, Suiza, Países Bajos, Portugal, Singapur, Dinamarca, Bélgica, Austria, Grecia, Polonia, Israel, Bosnia-Herzegovina y muchos países de Latinoamérica. Durante su carrera, ha ganado diferentes premios y ha combinado su trabajo con la coordinación de talleres y seminarios de creación.

Este espectáculo incluye el desnudo integral de los intérpretes, luces estroboscópicas y mención al suicidio.

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Skatepark de Mette Ingvartsen | 15 y 16 de marzo en el Mercat de les Flors de Barcelona dentro de Dansa Metropolitana

Un parc de skate damunt l’escenari: dotze patinadors i ballarins presenten aquesta nova peça de la danesa Mette Ingvartsen. Més que un espectacle de proeses virtuoses, Skatepark parla del sorgiment d’una comunitat, definida per la persistència i el treball dur en la pràctica constant d’uns individus que fan provatures, cauen i s’acosten als límits de l’impossible, sols però junts. A cada ciutat on es representa la peça se seleccionen patinadors locals per crear un vincle amb el veïnat i arribar a comunitats noves que no acostumen a anar al teatre.

Mette Ingvartsen és una coreògrafa i ballarina danesa, formada a Amsterdam i a Brussel·les. El caràcter híbrid del seu treball coreogràfic fusiona la dansa amb altres disciplines com les arts visuals, la tecnologia i el llenguatge. Ingvartsen va crear la seva companyia l’any 2003 i des de llavors les seves peces s’han representat a tot Europa, Estats Units, Canadà, Austràlia i Àsia.  El Mercat de les Flors li va dedicar una constel·lació amb diverses peces el gener del 2023.

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Isabel, diario sonoro de una odisea contempóranea de Vicente Colomar | 15 de marzo en el Teatro del Barrio de Madrid

Isabel, diario sonoro de una odisea contemporánea, un cabaret electrónico y literario de Vicente Colomar contra una sociedad hiperacelerada.

El próximo 15 de marzo sábado, tras el éxito de su ultima función en Teatro del Barrio, vuelve a este escenario el nuevo trabajo del creador escénico y performer Vicente Colomar (El Manisero): Isabel, diario sonoro de una odisea contemporánea, un cabaret electrónico y literario que es, también, el show de un crooner filosófico, una sesión de electrónica para bailar, un concierto, un musical futurista, un podcast o una pieza performática audiovisual.

Isabel, diario sonoro de una odisea contemporánea es una celebración del simple encuentro con el público, una celebración del placer de estar juntas, de pensar juntas, de reír juntas, de disfrutar juntas de la música, de las imágenes, de las palabras. Este trabajo abre un espacio de sensualidad porque va dirigido a los sentidos, al placer. No es un artefacto inofensivo porque quiere despertar el disfrute de pensar, de pensar juntas, de encontrar juntas, a través de la música y la teatralidad, nuevas ideas, nuevos conceptos, nuevas miradas, nuevas esperanzas.

El espectáculo se sirve de la música electrónica y la palabra poética para reflexionar sobre la construcción de la identidad en esta sociedad hiperconectada, hiperacelerada, hiperestimulada. Se compone de una colección de canciones y textos que hablan del esfuerzo y las exigencias de mantener una identidad publica, un perfil social, un yo virtual. Constituye un viaje infinito, una odisea que no es una búsqueda sino una huida, porque no persigue un encuentro sino una pérdida. El viajero que protagoniza esta epopeya ya no quiere el saber sino el olvido.

Junto con sus investigaciones en el campo de la coreografía y la performance, El Manisero inicia, con esta pieza, una nueva línea de trabajo donde la poesía, la música, la voz y el pensamiento son los protagonistas. Le acompaña en en este viaje el creador y artista sonoro Oscar Villegas y el video creador Alfonso Pazos. El ojo externo viene del coreógrafo Ricardo Santana, y la producción ejecutiva está a cargo de Melanie Pindado.

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Calidoscòpica de Sònia Gómez | 14, 21, 22, 26 y 28 de marzo en diferentes centros cívicos de Barcelona, dentro del festival Dansa Metropolitana

Calidoscópica es la invitación que la bailarina, performer y coreógrafa Sonia Gómez le ha hecho a Encarni Espallargas: un espectáculo performativo, de danza y musical que escenifica el encuentro de ambas mujeres y sus vivencias, teniendo en cuenta la salud mental, la creatividad y el bienestar. En escena se construye un relato con ejes entrelazados que invitan a imaginar cómo sería la vida con una esquizofrenia productiva.

Entre el 2004 y el 2011 Encarni Espallargas fue diagnosticada de esquizofrenia, con trazas de un posible trastorno bipolar. Estas afectaciones fueron menguando su capacidad de recordar y, por lo tanto, de repetir o reaccionar ante algunas situaciones de la vida, especialmente en aquellos momentos en los que hay que ser precisa y donde está en juego un cierto grado de exigencia. Por este motivo, el espectáculo se adapta y las dos intérpretes se han de conectar y relacionar según el grado de afectación. Para Espallargas, la propuesta es también una oportunidad laboral a partir de las herramientas que ofrece la creatividad y la representación.

Calidoscópica indaga en la potencialidad que puede llegar a tener el estigmatizado trastorno mental y la da a conocer de primera mano.

Bailarina, performer, directora de escena, coreógrafa y docente. Sonia Gómez estudió danza contemporánea y coreografía en el Instituto del Teatro de Barcelona y en la escuela P.A.R.T.S. de Bruselas.

Desde el año 2004 trabaja en proyectos que tienen como eje temático la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte, y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance.

Sònia coincidió con Encarni Espallargas en un proyecto liderado por los Cabosanroque en el contexto de L’Altre Festival Internacional de Artes Escénicas y Salud Mental durante la primavera del 2021. Esto dio pie a un encuentro semanal que empezó en marzo del 2022 en el que, de manera natural y cuidadosa, ambas mujeres iniciaron un proceso reivindicativo, personal e irónico del que surge Calidoscópica, la pieza que presenta en Escena – Barcelona Districte Cultural.

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Models de Lee Gamble y Candela Capitán | 5 de marzo en Condeduque Madrid

El artista británico Lee Gamble colabora con la coreógrafa/artista de acción española Candela Capitán para llevar su nuevo álbum «Models» al escenario. Tratando sobre la imitación y la simulación, «Models» trabaja con un conjunto de voces simuladas que cantan en un lenguaje casi sin palabras, tanto generadas por inteligencia artificial como sintéticas: recuerdos panorámicos que reverberan a lo largo de las últimas décadas de la historia del pop. Estas voces son naturalmente incorpóreas, entrenadas por y en humanos. La voz no humana sin cuerpo es mágica; sola y algo incompleta, es una demostración de fuerza sobrenatural. A través del movimiento, esta energía es alojada temporalmente por la presencia física de los intérpretes. A través del aprendizaje por repetición, la imitación, la mecanización y el intercambio de señales físicas, el espectáculo crea un espacio liminal entre los sonidos inquietantes y el movimiento extraño de los intérpretes que los encarnan.

El propio trabajo de Candela Capitán explora la activación y desactivación de los lazos sociales, posicionando el cuerpo en relación con otros, con objetos y con el imaginario colectivo. Sus proyectos abordan nuevas formas de tecnología de comunicación, relaciones que difuminan las líneas entre disciplinas artísticas, además del trauma intergeneracional y sus consecuencias, resistiendo las narrativas existentes sobre los cuerpos y la sexualidad de las mujeres. Sirven como vehículos de creación de espacios oníricos y realidades paralelas que se manifiestan en forma de coreografías, instalaciones y performances que invitan al espectador a interactuar directamente con la tensión, el deleite y el delirio allí presentes. La coreografía de Candela para «Models» investiga las dinámicas de la encarnación, la imitación y la mecanización, a través del uso de un dispositivo parateatral que moviliza el movimiento contra las limitaciones impuestas al cuerpo por las tecnologías contemporáneas. Midiendo la experiencia en la vida real frente a la mediada por la tecnología, los intérpretes transmiten sus primeros planos a lo largo de la pieza a través de Instagram Live.

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Haribo Kimchi de Jaha Koo | 8 y 9 de marzo en Condeduque Madrid

En 2018 y 2021 pudimos ver aquí en Condeduque, durante Veranos de la Villa, las dos últimas piezas de la trilogía Hamartia (Cuckoo y The history of korean western theatre), en la que el creador escénico, compositor musical y videoartista surcoreano Jaha Koo abordaba la historia política de Corea del Sur y, por extensión, el imperialismo, tan constitutivo e identitario, en Asia Oriental. Este año está estrenando su nueva pieza, Haribo Kimchi, donde lo cultural vuelve a estar en el centro, absolutamente volcado en esta ocasión en los actos de cocinar y comer. Ya en Cuckoo la relación con lo que comemos y con su transformación estaba muy presente a partir de la participación en la pieza de varias máquinas de hacer arroz. Ahora, en un ejercicio multisensorial, la música compuesta por Koo se combina con los aromas flotantes de una sopa hirviendo, el sonido agudo de un cuchillo cortando cebolletas y el chisporroteo de las setas sobre el fuego.

El escenario lo ocupa un dispositivo escénico inspirado en un pojangmancha, el típico snack bar nocturno de Corea del Sur. Allí se dan cita varias almas perdidas: un youtuber, una anguila, un sapo y una arrocera, otra vez. El viaje culinario explora la cultura alimentaria como una forma de lenguaje capaz de revelar la estructura de una sociedad. Una sucesión de anécdotas, tan absurdas como conmovedoras, sirven para relatar algunos grandes hitos como la globalización de la cultura kimchi a partir de la diáspora coreana (el kimchi es el plato tradicional coreano, hecho a base de verduras fermentadas) o el canibalismo durante la gran hambruna de Corea del Norte a finales del siglo XX, junto a sentimientos más íntimos como “el agrio dolor del racismo sin adulterar y el profundo sabor umami del hogar”, en palabras del artista.

El pojangmacha modificado del escenario esconde una pantalla de 75 pulgadas y otras dos algo más pequeñas bajo la cubierta semitransparente y de color lechoso que también sirve de pantalla de proyección. Con su típico estilo híbrido, donde cabe la música electrónica, el vídeo y los robots, Jaha Koo reimagina el pojangmacha como un estudio de grabación de youtube. Sin embargo, cuando destapas la olla, compruebas que hay muchos más ingredientes. Allí se cuece lentamente una reflexión, nuevamente, sobre la asimilación cultural, con todos sus conflictos y paradojas. El kimchi no volverá a sabernos igual después de esta experiencia.

Más información y entradas: Condeduque

Concrete Matter de Los Detectives | 7 de marzo en el Centro Párraga de Murcia

Concrete Matter es una pieza en la que trabajamos con nuestras madres. Junto a ellas, elaboramos una versión personal en tres actos de Las tres hermanas de Antón Chéjov. Se trata de un dispositivo escénico que explora la proyección y realización a través de nuestros cuerpos y los de nuestras madres. A nivel formal, jugamos con los códigos inherentes al teatro, la performance y la coreografía para cuestionarnos el acto escénico. La obra entrelaza la trama de Chéjov con nuestro propio relato sobre la realización personal, la dedicación al cuidado de los demás y el éxito profesional, la resignación por no haber podido seguir una vocación artística o las carencias y sacrificios que conlleva una vida dedicada a la escena.

Los Detectives es una compañía formada en 2016 en Barcelona liderada por Mariona Naudin y María García Vera. Sus proyectos investigan las posibilidades de la escena, así como sus límites, para generar un lenguaje propio. Procedentes de campos diversos, que van desde la antropología al cine y las bellas artes, sus componentes combinan sus intereses para expandir y desbordar su lenguaje escénico. Las impulsa el deseo de vincular el humor, el cuerpo y el pensamiento para profundizar en estrategias de extrañamiento que aspiran a dialogar con la inteligencia del público y poner en juego las capacidades de las intérpretes. El resultado es una propuesta fresca y divertida que llega a todo tipo de público.

Hasta la fecha, han estrenado tres piezas escénicas: Kopfkino (Mercat de les Flors, Barcelona, 2016), Pienso casa, digo silla (Festival Grec, Barcelona, 2019) y Concrete Matter (Dansa Metropolitana, Barcelona, 2022), además del del primer capítulo del proyecto Les Chevaliers en el Festival Sâlmon 2024 y en la sala Mutant de Valencia. Han contado con la coproducción del Antic Teatre así como con el apoyo artístico de las Fábricas de Creación El Graner y La Caldera. Las piezas de la compañía se han presentado en numerosos teatros y festivales nacionales e internacionales, como el Festival Sâlmon (2016, 2019, 2020, 2024), el Festival Grec (2019), el Festival de Dansa Metropolitana, el Circular Festival de Portugal, el IVAM de Valencia, el CA2M de Madrid, Tabakalera Donosti, y el BAD de Bilbao (2019 y 2022), el Festival Russafa Escènica o el Teatro Municipal de Girona, entre otros.

Más información y entradas: Centro Párraga

NO.NADA.QUE de Álvaro Octavio Moliner | 9 de marzo en la sala Inestable de València

Duración: 60 min.

*Recomendada a partir de 16 años.

Más información y entradas: Sala Inestable

Caribe Mix ’23 de Mar Garcia y Javi Soler | Domingo 23 de marzo a las 18h30 en el SAT! Teatre de Barcelona dentro del festival Dansa Metropolitana

Desde sus motivaciones frustradas por ser Superestrellas del Pop, y con ganas de reivindicar el valor de la música canónica de la cultura mainstream, CARIBE MIX ’23 propone en escena la grabación del videoclip de la canción original No Se Va a Pegar (Pop-Star). Con la crudeza de un set de grabación en escena, CARIBE MIX ’23 vive en su propia construcción, se alimenta de la utopía de la ficción y muestra aquello que nunca vemos como consumidores compulsivos del streaming inmediato: la otra cara de la Pop-Star.

CARIBE MIX ’23 es un hito más en la línea de investigación principal de la compañía de Mar Garcia i Javi Soler en torno a las posibilidades de relación entre el movimiento y el sonido en escena.

Ficha artística

Dirección y coreografía: Mar Garcia i Javi Soler / Intérpretes: María Landaribar, Aurora Vallejo, Pau Gómez, Carlota Malo, Javi Soler i Mar Garcia / Composición y producción del tema No Se Va a Pegar (Pop-Star): naxito jueves, Javi Soler, Carlos Vera y Mar Garcia / Composición sonora: Javi Soler i Mar Garcia / Diseño de iluminación: Guillem Font y Mar Garcia / Gestión de producción: Inés Lambisto / Diseño Gráfico: Víctor Pérez-Pallarés / Vestuario: Hanna Tervonen / Extras: Santiago Gavaldà, Hanna Tervonen, Manuel Encinas / Mentoría: Belén Martí Lluch / Ayudantía ojo externo y dramaturgia:  Amaranta Velarde y Roberto Fratini / Coproducción: El Graner / Colaboradores: El Graner, iniciativa Impuls a la Dansa del Festival Dansa València junto al Ayuntamiento de Aielo de  Malferit y  los espacios Nau Ivanow y Espacio Inestable. Ajuntament Barcelona (Beques Crea) y Generalitat de Catalunya

Más información y entradas: SAT