— MuroTRON

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Jueves 7, viernes 8 y sábado 9 de julio a las 19:30 en el Teatro del CCCB, 18€

Convenciones teatrales, viajes en el tiempo, un amor en tiempos del Apocalipsis… Una creadora con un gran proyecto entre manos empieza a construirlo desde abajo. Esto es un homenaje al teatro en forma de un vodevil de ciencia ficción.

“Hola, soy Cris Blanco. Hoy es 12 de marzo de 2022 y escribo este texto desde la casa de mi madre, donde crecí, viendo por la ventana mi cole, el Bravo Murillo, en el que pasé 8 años. En la tele dicen que ayer hizo 2 años que se declaró la pandemia. Así que hace 2 años que empecé a pensar en esta obra de teatro (bueno, no sé si es esta obra que vas a ver…). Empecé a pensar en una obra muy grande, Grandissima Illusione se llamaba. Con muy buenos actoresqws (perdón el error, mientras escribía esta frase mi perro ha pisado el teclado), con un cuerpo de baile, un coro en directo…, era una obra de gran formato, con grandes escenografías recicladas de grandes producciones del Teatro Nacional de Cataluña (bueno, aún no sé si me dejarán las escenografías, porque todo esto es la idea que tengo en el pasado, vuestro pasado, que es mi presente, y escribo esto para el futuro, que es cuando estás leyendo este texto).

En mi cabeza está la obra con la marquesa del s. XVI, la juglara, el astrólogo cubano, el técnico maquinista, las extras, el coro griego, el experto teatral, el texto…

Pasaba lo del eclipse, lo de los viajes en el tiempo y la zona escurridiza…

¡Y todo para contar la historia de amor intertemporal y la lucha de clases!

Empezaba con un preludio emocionante de la orquesta en completa oscuridad (¡ay, ojalá haya conseguido al final dinero para que veáis la orquesta en directo!) y con la escena de la marquesa y la actriz-que-hace-de-criada, que a veces pega a todo el mundo hablar en verso,
usando un truco perverso,
mientras fuera el tiempo es adverso,
ya no queda ni universo.

¿Qué os estaba diciendo? Espera, ¿cuánto tiempo llevo escribiendo este texto? ¿Cuántos días llevo en casa de mi madre? ¿Queda algo fuera? ¿Sigues ahí? Ese ruido… ¿ha sido la olla exprés? ¿O has sido tú mientras leías este texto?

Ojalá que sí y vengas a ver Grandissima Illusione”.

Nacida en Madrid, Cris Blanco vive en Barcelona. Desde el 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en danza, teatro y cine. Ha trabajado en escena con Cuqui y María Jerez, Amaia Urra, Juan Domínguez y Xavier Leroy, y en cine con Roser Aguilar e Icíar Bollaín, entre otras. Acompaña proyectos artísticos, imparte clases en el Instituto del Teatro y participa en proyectos educativos. Algunos de sus trabajos escénicos incluyen cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE (2004), ciencia_ficción (2010), El Agitador Vórtex (2014), Bad Translation (2016) y Pelucas en la Niebla (2018). En el 2019 creó Lo mínimo y lo pequeño, con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Sus creaciones se han visto en escenarios y festivales europeos, americanos y asiáticos.

Una coproducción del Grec 2022 Festival de Barcelona, Cris Blanco y Conde Duque Madrid.
Con el apoyo de la beca Premios Barcelona 2020 del ICUB del Ayuntamiento de Barcelona, Festival TNT y Graner, centro de creación.

FICHA ARTÍSTICA

Dirección e interpretación: Cris Blanco, Acompañamiento artístico: Anto Rodríguez, Óscar Bueno, Dramaturgia: Cris Blanco, Rocío Bello, Anto Rodríguez, Óscar Bueno, Texto: Rocío Bello, Cris Blanco, Diseño de sonido: Carlos Parra

Más información: web del festival Grec

 

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ALBERTO CORTÉS (Andalucía)

EL ARDOR │ 60 min.

SALA CENTRAL LECHERA

Domingo 26 de Junio │20:00 h.

El Ardor parece un discurso donde una sombra habla sobre la necesidad de convertir en inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen, hacer de ellos bandas callejeras que vivan el deseo como un estado romántico inmortal, contra el consumo rápido, como herramienta de destrucción de la sociedad afectivocapitalista. Sueño con un ardor que es el deseo puesto en crisis, no limitado a la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno. Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho de poética influenciado por las teorías postanarquistas de Hakim Bey, la narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas rusos (exigimos al biopoder que haga inmortales a los desheredados, ya son vampiros). Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que parecía un monstruo era un marica.

Coreografía e interpretación: Alberto Cortés | Texto de Alberto Cortés (con referencias a Hakim Bey, William Burroughs, Arthur Rimbaud, Boris Groys, Friedrich Nietzshe y El Libro de Job) | Iluminación de Benito Jiménez | Música de Pablo Peña | Asistencia corporal de Patricia Caballero | Vestuario de Gloria Trenado | Fotografía y vídeo de Manu Rosaleny |

Agradecimientos a: Rebeca Carrera, Rosa Romero, Bárbara Sánchez, Cris Balboa, Cris Celada, Miguel Marín, Isaac Torres, Marco Michelângelo y Dianelis Diéguez | Con el apoyo de Graner, Junta de Andalucía, Graners de Creació y Universidad de Málaga.

ALBERTO CORTÉS

Creador malagueño, formado en Dirección de escena y Dramaturgia e Historia del arte. Su inquietud por encontrar las conexiones entre las artes escénicas y las artes plásticas empieza a encontrar sentido a través de su trabajo como director. En 2008 funda la compañía Bajotierra junto a la actriz Alessandra García. Desde ese momento el teatro se convierte en un impulso y en una excusa para trabajar la contaminación y la remezcla. Generador de iniciativas como el festival de escena alternativa de Málaga El Quirófano, el ciclo Escena Bruta o iniciativas de mediación y comunicación entre artistas y comunidades como Territorio Expansivo, proyectos  que lleva a delante junto con otros compañeros de profesión. En su camino se ha encontrado con creadores que han marcado su recorrido como El Pont Flotant, Rodrígo García, Roger Bernat, Daniel Abreu, Patricia Caballero, Juan Luís Matilla o Bárbara Sánchez entre muchos otros. En 2012 comienza un camino de investigación individual bajo su propio nombre, en el que se centra en los conceptos de remezcla, impureza y periferia y en el uso del cuerpo para la escena contemporánea. Ese mismo verano es seleccionado en el Laboratorio internacional de teatro de la Bienal de Venecia donde trabaja con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom (Gabriela Carrizo), formación que supone otra inflexión en su trabajo. Es también Máster de profesorado por la Universidad de Málaga y desde el 2013 comienza a impartir talleres sobre Nuevas Dramaturgias y Creación contemporánea a nivel andaluz y más tarde a nivel nacional e internacional, espacios donde comparte inquietudes y pensamiento en torno a la creación. Desde su comienzo en este proceso de investigación sobre la palabra, el movimiento y las nuevas narraciones ha realizado trabajos de teatro y danza para espacios domésticos, salas, museos y espacios públicos, además de site-specifics, performances, flamenco y nuevo folclore. En la actualidad compagina la creación de sus proyectos escénicos, el acompañamiento a otras creadoras y los talleres formativos junto con otros espacios de gestión y pensamiento contemporáneo.

Nominado Mejor autoría (Premios Escenario de Sevilla 2021)

Más información: web del festival Cádiz en danza

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MATERIA BLANDA, TIEMPO PROFUNDO.

Institute for Postnatural Studies visita el Taller Municipal de Cantería de la Casa de Campo y Jardines del Buen Retiro de Madrid.

30 de junio, 1 y 2 de julio

Pases entre las 18:00 y las 22:30 h.

Una tentativa de paseo para percibir lo que hay, lo que podría haber, lo que es imposible que haya ahí, o eso nos parece, pero quién sabe en este lugar tan familiar y extraño. Abrimos de nuevo el Taller de Cantería a.k.a. la ciudad amontonada, para visitarla con el Institute for Postnatural Studies. Una invitación a explorar, desmontar, reciclar, a devastar, hacer crecer, sugestionar, a debatir, complejizar, desinstalar la relación entre términos como naturaleza y cultura, ciudad y campo, vivo y muerto o real y no real, artificial, natural, postnatural.

La próxima semana, el colectivo Real No Real ha convocado a un conjunto de diversas personas y dispositivos para recoger los sonidos del lugar que, procesados desde la estética musical del colectivo, tomarán cuerpo en una edición en vinilo que podremos escuchar allí mismo en diciembre de 2022.

****Se abren inscripciones mañana miércoles 22 a las 12 h.****

→ INSCRIPCIONES PARA MATERIA BLANDA, TIEMPO PROFUNDO ←

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WIP WIP 🔥! Muestra de proceso en @el_consulado_fonteta . Ganas de compartir y de sanar con vosotras.
Habrá comidita de mano de @mariconadisgusting @la_mandragora_
Intérpretes: @metascenica @maria__tamarit
Espacio sonoro: @recipiente.rcpnt
Prótesis 3D: @manel.bafaluy
Outfits: @disruptive_pattern
Art: @samuel.godion
Texto: @__pauladedios
Amb els cantics animalescs d’ @hector.arnau_manu.louis 🦌
Entrenada con @fluage_training.for.dancers 🤸‍♀️🌱
Gracias a la colaboración de @centrocoreograficolarioja @cirve_arte_y_naturaleza @universitatvalencia Arts in Progress 🌱👅
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Miércoles 29 de junio a las 20h en la Sala Central Lechera de Cádiz

La máquina de mirar era el nombre que recibía aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones ópticas. En la pieza The Watching Machine imaginamos que la máquina generadora de ilusión es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar y reflexionar sobre qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza para todos los públicos.

 

Coreografía e interpretación: Macarena Recuerda. | Colaboradores y productores: Una producción de Macarena Recuerda, Antic teatre, Residencia El Graner, Azkuna Zentroa, La Fundición y Harrobia. Gobierno Vasco.

 

MACARENA RECUERDA

Estas son sus piezas: 2010 “Thatʼs the story of my life” película realizada en directo. Una producción de Mi Cartera Patrocina, con la Ayuda del ConCa y la colaboración del Bilbao Arte, Teatre Lliure y Antic Teatre, pieza que ha girado por todo el Estado Español y Portugal. 2012 “Greenwich Art Show” Un documental realizado en directo. Una producción de Mi Cartera Patrocina, Festival Neo, CAET y Antic Teatre. Y 2012 “Greenwich Art Show- The Installation” Beca Atrio Alhóndiga de Bilbao. 2013 “Whose are those eyes?” Site specific e intervención urbana que se estrenará en la Fira de Tárrega 2013, Escena Poble Nou 2013 y Bad 2013. Ha recibido la Beca Laboratorio Fira de Tárrega, la Residencia que ofrece conjuntamente Escena Poble Nou y Antic Teatre; y la Residencia de Bilbao Eszena. 2015 «El Experimento Ganzfeld». HPC consonni (Bilbao) 2016 «Collage y Acción» Laboratorio investigación Es un laboratorio intergeneracional que pretende crear un espacio común tanto para divertirnos, como para la investigación artística. Jornadas de “Encuentros Collage” espacio para el arte y pensamiento del collage en el cine, literatura, músicas y arte y acción. Un encuentro para conocer, intercambiar y proliferar en un espacio tiempo común. 2018 “¡AY! ¡YA!” Un pieza de danza performance para todos los públicos una producción del Antic teatre, festival Grec, Gobierno Vasco, Festival BAD, Graner, Sala Baratza, y La Fundición Bilbao. 2020 The Watching Machine es una pieza plástica y escénica, una producción de Festival BAD, Antic teatre, Gobierno Vasco, El Graner, Harrobia y Azkuna Zentroa. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto de arte y educación sobre el arte de la luz  a partir de los materiales de esta pieza.

Más información: web de Cádiz en danza

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17 de junio a las 19h, Espai La Granja (València), gratuito con inscripción previa

Hoy, estoy aquí con vosotros para compartir la historia de mi cuerpo con la danza. Os voy a mostrar movimientos que forman parte de mi memoria, sacados del repertorio que, a lo largo de mi vida de bailarina, se han incrustado en mi cabeza y en mis tejidos.

Os ofrezco mi danza más sencilla y más despojada. Me expongo ante vosotros. Lo hago siendo muy consciente de que sin vosotros, espectadores, mi arte no se puede convertir en representación y yo no existo como intérprete.

Vuestra presencia acompaña mi cuerpo elástico, moldeable, y receptivo para abrir puertas que me ayudarán a seguir construyendo este solo. Al acabar la muestra, tomaré unos minutos de descanso para volver a la calma y compartir con vosotros impresiones e ideas.
Gracias por vuestra mirada.

Más información e inscripciones: web de Espai La Granja

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25 y 26 de junio a las 19h en La Mutant

Bailar al sonido es una propuesta que trata el sonido como una fuente energética, cuya propagación implica un trasvase de energía dirigido a alterar y afectar el cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar. Es un ejercicio que pone en relación los elementos espacio, cuerpo, sonido y luz. Las acciones del cuerpo producen resonancias en el sonido y la luz que ocupan gradualmente el espacio produciendo una carga y una intensidad que afectan al cuerpo modificando su movimiento.

Sandra Gómez

De 2001 a 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos mostrados en festivales de ámbito nacional. Desde 2012 trabaja de forma independiente en propuestas centradas en el cuerpo y el movimiento, entre las que se hallan Volumen 2 (València, 2021), Preludio y fuga (València, 2019), Tot per l’aire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (València, 2017) y No soy yo (València, 2016).

FICHA ARTÍSTICA 

Concepto y dirección: Sandra Gómez

Creación: Javi Vela, Carlos Molina, Sandra Gómez

Intérprete: Sandra Gómez

Asistente de movimiento: Rocío Pérez

Espacio sonoro: Javi Vela

Asistente de sonido: Paco Fuentes

Luces: Carlos Molina

Más información: web de La Mutant

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16 de junio a las 19h en Santa Mònica, gratuito

En “Retablo para un concierto monstruoso”, Isabel Do Diego permeabiliza el quejío flamenco con la “fisicalidad” vocal de diferentes liturgias, como el canto sacro del medievo europeo, la llamada a la oración en Mesopotamia o la recitación del Bunraku japonés. Una voz encarnada por diferentes alimañas a modo de bestiario folclórico. Todo este cuerpo vocal y orgánico es sustentado nuevamente por bases electrónicas compuestas, esta vez, como trampantojos sonoros. Un simbolismo musical habitado por una electrónica arrastrada, rasgada, golpeada y rota. Una tríada de voz, cuerpo e instrumentación que conduce a la celebración de lo monstruoso como entidad divinizada.

Espacialmente, Isabel Do Diego habita un escenario propio donde ritualizar todo este viaje musical. Un hábitat para el cante monstruoso de electrónica sacralizada. Un espacio para la danza bastarda de movimientos sobrenaturales. El cuerpo médium que todo lo habita. En definitiva, una escena transmutada en altar donde prender la taumaturgia folclórica en forma de concierto.

Más información: web de Santa Mònica

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15 de junio a las 19h en Santa Mònica, gratuito

Elena Carvajal en colaboración con Fran Martínez con el espacio sonoro de Laura Llaneli y el ojo externo y diseño gráfico de Maïte Álvarez.

Esta performance narrada explora las nociones de relato, invisibilidad, expectativa y como cuestionamos nuestro propio trabajo formando parte. Es una renegociación del deseo de narrar y hacerlo a través otras voces. El relato se construye partiendo de la reescritura de un diálogo sobre la experiencia vivida después de un acontecimiento/representación casi teatral de una obra que existe de manera efímera.

El objetivo es indagar sobre cuáles son los restos que quedan después de haber asistido a la primera parte de “Realmente ahora no ya no”, que pasa en otro momento, en otro lugar. y como lo explicamos, siente este acontecimiento pasado el que marca la construcción del presente.

Lejos de una puesta en escena asistimos a algo que nos invita a escuchar una secuencia sonora, una hoguera, fragmentos de una conversación entre M y L.

 

Elena Carvajal es bailarina y coreógrafa residente entre Bruselas y España.

Su trabajo se desliza entre la coreografía y las artes visuales dedicado al diálogo entre la escritura del espacio y el lenguaje del movimiento. A través de la investigación de nuevas formas de dramaturgia y mediante una metodología basada en la experimentación desarrolla un universo particular que se cuna entre la realidad y la ficción, generando experiencias que el espectador es libre de crear a partir de su propia relación con el mundo.

Actualmente su interés se ubica en el accidente como forma de dramaturgia, y en su obra investiga la posibilidad de la coincidencia, la narración y la expectativa dentro de la performance.

Fran Martínez se forma en interpretación y danza en diferentes escuelas de España, Portugal y Bélgica. Recibe la beca DanceWeb–ImpulsTanzFestival Vienna2019. Es cofundador de la compañía Pálido Domingo. Colabora habitualmente con Elena Carvajal y Natalia Fernandes. Actualmente se encuentra en proceso de creación de TRANSFIXIÓN, proyecto apoyado por el Centro Cultural Conde Duque + Coreógrafos en Comunidad, Centro Danza Canal, Teatro Ensalle y La Caldera.

Laura Llaneli (Granada 1986) vive y trabaja en Barcelona. Estudió música y es licenciada en Diseño Gráfico. También es licenciada en Bellas artes y tiene un Máster en Arte Sonoro, los dos por la Universitat de Barcelona. Es miembro de Sonidos de Barcelona (UPF) y del colectivo feminista Nenazas.

Maïte Álvarez es una artista, coreógrafa e intérprete residente en Bruselas. Tiene un máster en artes escénicas y coreográficas por la ISAC/Royal Academy of Fine Arts de Bruselas (2018) y un máster en diseño gráfico por la Haute École des Arts du Rhin-École Supérieure des artes Décoratifs de Estrasburgo (2012). Sus creaciones exploran las correspondencias porosas entre el movimiento, la escritura, el espacio, el cuerpo y el objeto en la coreografía.

Más información: web de Santa Mònica

 

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15 al 19 de junio en el TNC

Cinco días de nuevos formatos escénicos

¿Cómo convivimos con el resto especies? ¿Qué relación tiene nuestro planeta con el universo? ¿Qué tiene que ver una colonia de hongos con un vertedero?

La ecología en todas sus acepciones es el hilo conductor de la primera edición del Festival ZIP. Desde el gesto más pequeño al más universal.

Durante cinco días el TNC se convierte en un punto de encuentro de la escena híbrida con nombres como: Sociedad Doctor Alonso, Psirc, Elena Córdoba, Rosa Casado y Mike Brookes, Xesca Salvà y Marc Villanueva Mir, Laboratorio de Pensamiento Lúdico y Elisa Martínez & Co.

HAMMAMTURGIA
Sociedad Doctor Alonso

DESPRÉS DE TOT
Psirc

EN UN DÍA CLARO PUEDES VER PARA SIEMPRE
Rosa Casado
Mike Brookes

Y PARECEREMOS ÁRBOLES. FICCIONES BOTÁNICAS
Elena Córdoba

Ficciones botánicas son
David Benito
Ana Botía
Elena Córdoba
Carlos Marquerie
Cecilia Molan
o
Clara Pampyn
María José Pire
Luz Prado
Jesús Rubio Gamo

GAME OF KIN
Laboratorio de pensamiento lúdico.

EL PENSAMENT SALVATGE
Xesca Salvà
Marc Villanueva Mir

THE BEST OR NOTHING
Elisa Martínez & Co.

Más información y entradas: web del TNC

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